DUELO DE BAJOS EN LA ESPAÑA NEGRISIMA DEL DON CARLO DE DEL MONACO

Crítica de Ópera

Música de Giuseppe Verdi. Libreto original de François-Joseph Méry y Camille du Locle. Pedro Halffter, director musical. Giancarlo del Monaco, dirección escénica. Voces: Ievgen Orlov, Kamen Chanev, Ángel Ódena, Fiorenza Cedolins, Dolora Zajick, Dmitri Ulianov, Aurora Amores. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza. Teatro de la Maestranza. Viernes 24 de junio de 2011

A falta de una tan largamente anhelada La forza del destino de producción propia, el Maestranza se ha aliado convenientemente con otros coliseos españoles – Bilbao, donde se estrenó en septiembre pasado, Oviedo y Tenerife – para ofrecernos la siguiente ópera en el catálogo verdiano, y seguramente la más ambiciosa, de la mano del irregular Giancarlo del Monaco. En lugar de su versión milanesa de 1884, con un acto menos, hubiese sido preferible la posterior de Módena, que recuperaba en esencia y sin ballet la original francesa.

El joven bajo Ievgen Orlov

La quinta escenografía que le hemos podido ver en este teatro se resuelve de forma grisácea y discreta. Su base conceptual, una innecesariamente omnipresente cámara en cuyas paredes se reflejan los límites del Imperio de Felipe II, que no hace sino saturar la escena, no es exactamente audaz ni ingeniosa; y su parafernalia retro, con un fastuoso vestuario y una impactante imaginería, especialmente en el Auto de fe, contrasta con unos fondos decepcionantes. La dirección de actores parece inclinarse una vez más por una escuela de cine mudo, con movimientos de masas torpes y mecánicos, e individuales rutinarios y ridículos, tanto que sin ánimos predispuestos al drama, la risa hubiera brotado en más de una ocasión como si de una parodia se tratase.

La veterana mezzo Dolora Zajick

En un principio las voces parecían arruinar literalmente la espléndida partitura. Sólo la naturalidad y generosidad de Dolora Zajick, dando vida a una improbable Princesa de Éboli, se impuso a la frialdad canora del ucraniano Ievgen Orlov, la carencia de peso y volumen de la soprano lírica Fiorenza Cedolins, y la ausencia de química entre Ángel Ódena y el búlgaro Kamen Chanev, cuyo Dúo de la amistad acusó falta de legato y mecanicismo extremo. Tras el intermedio sobrevino un impactante dramática y musicalmente Acto III, con un excelente duelo de bajos, Orlov y el muy siniestro Gran Inquisidor Dmitri Ulianov, precedido por un notable Ella giammai m'amó a cargo del primero, y un muy bien resuelto cuarteto Sospetto fatale. A partir de ahí todas las voces parecieron encontrar su rumbo salvo la del aún desentonado, gritón y grotesco Kanev. Ódena por su parte corrigió en parte su exceso de vibrato, Cedolins logró imbuir a su personaje de mayor emotividad, y Zajick cautivó aún más con O don fatale que con Nel giardin del bello del primer acto, cantado con dominio técnico pero sin mucha gracia.

Una vez más tenemos que congratularnos por disfrutar de tan espléndida orquesta en el foso, de la que Halffter supo extraer las mejores prestaciones técnicas y expresivas, atento como siempre al detalle y a la transparencia, y compensando en más de una ocasión la ausencia de emotividad en una ópera cuyas falsedades históricas se perdonan por su hondura dramática y sentimental. Del coro basta decir que cumplió con las expectativas que cada vez con más confianza depositamos en sus miembros.

Crítica publicada en El Correo de Andalucía el 26 de junio de 2011

CONFUCIO Más interés estético que dramático

Título original: Confucius
China 2010, 125 min.
Dirección Hu Mei Guión Chan Khan, Jiang Qitao, He Yanjiang y Hu Mei Fotografía Peter Pau Música Zhao Jiping Intérpretes Chow Yun Fat, Zhou Xun, Chen Jianbin, Yao Lu, Zhang Xingzhe, Ren Quan, Ma Qiang, Li Wenbo Estreno en España 24 junio 2011

Uno de los más carismáticos actores asiáticos, Chow Yun Fat, da vida al legendario político y filósofo Confucio en esta superproducción de la realizadora china Hu Mei. El intérprete compagina sus trabajos en Hollywood (Ana y el rey, El monje) con otras superproducciones orientales, como Tigre y dragón de Ang Lee o La maldición de la flor dorada de Zhang Yimou, director de vistosos trabajos del que esta cinta parece ir a remolque gracias a su indiscutiblemente impactante acabado formal y estético. Pero más allá de esa impecable factura no encontramos un retrato ni de lejos apasionante del personaje. Centrándose en su vida política, empeñado en la unificación de los diversos estados chinos quinientos años antes de Jesucristo, chocan sus inocentes y ridículos planteamientos, como si apenas se hubiese logrado ingenio alguno para retratar la fuerza intelectual del personaje a la hora de convencer a sus supuestos enemigos. Proveniente de la televisión, la directora parece abandonarse a las segundas unidades y a la magia de los efectos especiales la recreación de escenas épicas y batallas espectaculares, mientras acusa en las secuencias intimistas, excesivamente dialogadas, un manejo algo rudimentario de la cámara y la mesa de montaje. Un ejemplo del pujante cine épico chino, inclinado en esta ocasión más hacia el puro didactismo que a la socarronería juguetona de las películas del director de La casa de las dagas voladoras. Por otro lado resulta inevitable sentirse distanciado de una narración afín a quienes estén familiarizados con los episodios históricos plasmados, por lo que su mero interés estético cobra aún más relevancia.

PACO CANO PRESENTA SU MÚSICA, ESCRITA CON EL CORAZÓN

Recámara. Recital de canciones y música de cámara de Paco Cano
Mónica Rengel, soprano. Javier Rodríguez, tenor. Jesús Campos y Rocío Vilchez, piano. Eduardo Rodríguez, contrabajo. Javier León, clarinete. Gonzalo Castelló, viola. Cuarteto Da Capo: Laura Rubiales y María Sansón, violines; María Manchón, viola; y Beatriz González, cello. Escolanía de Los Palacios, voces blancas.
Centro Cultural Cajasol. Sala Joaquín Turina. Lunes 20 de junio de 2011.

Cuarteto Da Capo

Bajo pretexto de la dichosa crisis son muchas las manifestaciones culturales que han ido desapareciendo, siendo una de las más llamativas el espléndido ciclo de cámara que ofrecía el Centro Cultural Cajasol hasta hace apenas unos meses. Sin embargo esta misma situación ha provocado que muchos músicos locales hayan agudizado su ingenio para seguir ofreciendo espectáculos procurando cierta garantía de calidad. Es el caso de los miembros de la Orquesta Barroca de Sevilla, que nunca hasta ahora habían ofrecido tantos conciertos, bajando naturalmente su caché profesional, pero manteniendo siempre la categoría que les caracteriza. En otros casos son las formaciones que intentan resurgir sobreviviendo sólo con capital privado, como ocurre con la Orquesta Filarmónica Bética, presentada hace unos días y con vocación de orquesta escénica, para acompañar espectáculos de danza, teatro, zarzuela y ópera.

Pero una de las propuestas más insólitas y sanas nos llegó el pasado lunes con un recital curioso y entrañable centrado en composiciones de un melómano de toda la vida y profesional de la música en nuestra ciudad. Se trata del profesor Francisco Cano, dedicado tanto a la música clásica como al jazz desde diversas formaciones hispalenses, combinándolo con la composición. Sin embargo tenía la deuda pendiente de ofrecer en público un ramillete sacado de la recámara de su corazón, formado por piezas de cámara y canciones, y aglutinando todo un universo de influencias, desde la música cinematográfica a la de cámara estricta, leves toques de jazz y música popular, y demostrando que también se puede hacer música por encima de cualquier moda o corriente, haciendo simplemente la suya, la que le gusta y motiva. Claro que los resultados no siempre son iguales, pero en general se trata de una obra amena y sincera, sin pretensiones ni artificios, que van desde el ritmo sincopado al lirismo contenido.

Para su puesta de largo contó con un buen puñado de jóvenes dedicados en nuestra ciudad a la música, con el Cuarteto da Capo ofreciendo versatilidad y coordinación en sus juegos de cuerdas, acompañadas por Eduardo Espínola al contrabajo, el estupendo clarinetista Javier León González, que protagonizó una de las páginas más inspiradas de la noche, Noviembre, así como un excelente duelo con el violista Gonzalo Castelló Ferri en el Trío Mágico. El resto del elenco también mantuvo buen nivel, incluidos los niños de la Escolanía de Los Palacios en la simpática canción Niños, logrando que nos hiciéramos una idea de la inquietud lacerante en quienes han logrado encontrar un hueco, aunque sea humilde, en el difícil mundo de la interpretación musical. Muchos de ellos y ellas han pasado por multitud de conjuntos y han recibido formación de grandes nombres, muy especialmente quienes han tenido ocasión de trabajar con el Diván de Barenboim, lamentablemente en vías de extinción ante el inminente aterrizaje del nuevo gobierno en la Junta de Andalucía. Mucho nos tememos que ni una muestra de buena voluntad de la Fundación Barenboim-Said, por ejemplo en forma de rebaja en sus presupuestos económicos, por otro lado ficticia, en aras al buen fin de sus objetivos,  lograra frenar lo que no es sino una política de destrucción masiva de lo que otros que no fueron ellos hicieron.

Al margen de todas estas consideraciones, la del lunes fue una velada entrañable, un apunte mágico en la historia de un amante de la música, y una ocasión para comprobar el nivel alcanzado en la interpretación musical en nuestra ciudad. Lástima que contara con tan poca afluencia de público, insólito teniendo en cuenta que con sólo un puñado de amigos, alumnos, profesores y familiares de los intérpretes allí presentes, se hubiera llenado la sala. Esta ciudad tiene esos misterios insondables.

RECUPERACIÓN DE LA HISTÓRICA ORQUESTA BÉTICA FILARMÓNICA DE SEVILLA

Programa de mano de un concierto

de la OBF ofrecido en 1983

La incorporación de una orquesta a la vida cultural de una ciudad que cuenta con dos de los mejores conjuntos de España en el ámbito sinfónico y en el de la música barroca, así como otras espléndidas formaciones especializadas en música antigua y de vanguardia, supone sin duda una excelente noticia para el melómano local.

El pasado viernes 17 de junio tuvo lugar en el Paraninfo de la Universidad Pablo de Olavide, clausurando el IX Ciclo de Música de Cámara de esta institución académica, la presentación de la nueva Orquesta Bética Filarmónica, eclipsada y más tarde inactiva desde que su plantilla pretendiera integrarse sin éxito en la de la recién creada Orquesta Sinfónica de Sevilla. Aquella formación de entonces no alcanzaba los parámetros de calidad exigibles a las puertas del siglo XXI, como demuestra por ejemplo la mala impresión que causó en el compositor Elmer Bernstein cuando la dirigió en 1980 en el seno del I Festival Internacional de Cine de Sevilla. Sin embargo hablamos de un conjunto pionero dentro de la música en Andalucía.

La Orquesta Bética de Cámara en 1923, frente

al Teatro Lloréns de la Calle Sierpes de Sevilla

Fue creada como Orquesta Bética de Cámara por Falla en marzo de 1923, con ayuda del violonchelista Segismundo Romero y el Maestro de Capilla de la Catedral de Sevilla Eduardo Torres, con el fin de estrenar en versión concierto El retablo de Maese Pedro. Acordada su continuidad, su presentación oficial tuvo lugar hace exactamente ochenta y siete años en el Teatro Lloréns, cuya recuperación parece estar en la agenda del nuevo consistorio municipal. Hasta 1936 su dirección corrió a cargo de un joven Ernesto Halffter, constituyéndose en 1964 como Orquesta Filarmónica, y adoptando a mitad de los 70 el nombre con el que actualmente la conocemos.

Equipo directivo de la nueva OBF

En todos estos años su archivo documental y sonoro ha crecido considerablemente. Mientras su vicepresidenta, Inmaculada Hernández, buscaba sede para el mismo, tras el desalojo sufrido de Santa Lucía, encontrándolo definitivamente en la Pablo de Olavide gracias a la Vicerrectora de Participación Social Rosalía Martínez, surgió la saludable idea de reconstituir la orquesta con algunos de sus integrantes históricos, pero enriqueciéndola con abundante savia nueva. Con José Salazar como Presidente, José Yáñez como gerente, y la joven Juany Martínez de la Hoz Casas, alumna entre otros de George Pehlivanian, como directora, se produjo el feliz reencuentro ante un público entusiasmado y agradecido. Ya se perfila a partir de septiembre una temporada centrada en su repertorio histórico, del que aseguran custodiar numerosas partituras inéditas, tanto de la Filarmónica como de su versión reducida clásica, la Bética de Cámara.

Presentación a cargo de Rosalía Martínez
en el Salón de actos de la Pablo de Olavide

El programa diseñado para su presentación se centró en música muy española, sobresaliendo la coherencia y compenetración de las familias instrumentales. Una Suite nº 1 de Carmen de Bizet resuelta con solvencia y agilidad; la Danza nº 1 de La vida breve de Falla acertada en tempi y matices; las Danzas Sinfónicas de Turina algo deficientes en sutileza e intimidad pero con una Orgía enérgica y contundente; finalmente, Sevilla de Albéniz despachada con notable sentido de la musicalidad. Y eso que las condiciones acústicas y climáticas de la sala no acompañaron precisamente.


Artículo publicado en El Correo de Andalucía el domingo 19 de junio de 2011

"Sevilla" de la Suite Española de Albéniz, dirigida y orquestada por Rafael Frühbeck de Burgos con la Sinfónica de Chicago

UN CUENTO CHINO sobre el desencanto y la esperanza

Argentina-España 2011 90 min.

Guión y dirección Sebastián Borenzstein Fotografía Rodrigo Pulpeiro Música Lucio Godoy Intérpretes Ricardo Darín, Huang Sheng Huang, Muriel Santa Ana, Enric Rodríguez, Iván Romanelli Estreno en España 17 junio 2011

Con el paso de los años la presencia de Ricardo Darín en una película se ha convertido en un imán para atraer al público, y algo así parece le vaya a ocurrir a esta película. Sin haber estrenado nada entre nosotros, tras dos films y varias series de televisión en Argentina y México, Sebastián Borenzstein aterriza en nuestras pantallas con una amable y simpática fábula sobre la amistad y la necesidad de afecto incluso en aquellos personajes que, por propia impostura, adoptan una posición escéptica y ermitaña ante la vida. Una situación absurda dentro de una película en la que abundan las anécdotas con esta calificación, desencadena una relación forzada en la que la falta de entendimiento irá provocando numerosos gags cómicos, algunos francamente divertidos. Pero la sensación de situación alargada y repetitiva demuestra que no hay mucho sobre lo que divagar o que el análisis carece de profundidad. Las heridas del pasado, la cerrazón, la falta de apertura al amor y al afecto, se van convirtiendo en piedras angulares de una cinta que logra el aprecio del público, dispuesto a reír a toda costa y a dejarse arrastrar por una historia sencilla y agradable como ésta. Dentro de su puesta en escena también sencilla y austera hay espacio para algunas secuencias de acabado formal virtuoso, como aquella con la que se inicia la función, o la que explica la mirada obtusa que el protagonista mantiene ante una vida y un mundo que considera absolutamente absurdos.

EL ÁRBOL El dominio de la Naturaleza

Título original: The Tree
Australia-Francia 2010 102 min.
Guión y dirección Julie Bertucelli, según la novela de Judy Pascoe Fotografía Nigel Bluck Música Grégoire Hetzel Intérpretes Charlotte Gainsbourg, Marton Csokas, Morgana Davies, Aden Young, Gillian Jones, Christian Bayers, Tom Russell, Gabriel Gotting, Zoe Boe Estreno en España 3 junio 2011 (Sevilla 17 junio)

Hace algunos, bastantes, años éste era el tipo de películas que triunfaban, que la gente quería ver. Cintas con sentimiento, con historias sobre el amor, la vida y la muerte, con las que todas las personas pudieran identificarse, con las que poder aprender algo y aplicarlo a nuestras propias existencias. Ahora que lo único que parece triunfar es el puro artificio técnico, la montaña rusa de efecto inmediato y fulminante digestión, que apenas deja secuelas, películas como la que nos ofrece Julie Bertucelli quedan marginadas a un nivel independiente y minoritario, con escasa divulgación y despreocupada promoción. Una insólita coproducción entre Francia y Australia, que importa del primero una realizadora más experimentada en la segunda unidad, en la que ha trabajado para maestros como Tavernier o Kieslowski, y una actriz por cuyas venas corre también sangre inglesa (su madre es Jane Birkin). Ambientada en los espacios naturales del estado de Queensland en Australia, Bertucelli imprime una sensibilidad eminentemente femenina en esta historia sobre las fuerzas de la naturaleza, sobre la pérdida de un ser querido y su reencarnación en la propia naturaleza, con la educación emocional y sentimental de una caprichosa y chantajista niña como telón de fondo. Película sobre la pérdida, su asunción y superación y las segundas oportunidades, de ritmo convenientemente pausado y excelentes interpretaciones, especialmente la niña referida. Y sobre todo película sobre la supremacía absoluta de la Naturaleza, su majestuosidad y su dominio absoluto, de lo que constituye demostración certera la enigmática secuencia en la que la niña queda maravillada y luego aterrorizada por el comportamiento de una medusa en el fondo del mar.

MAESTRANZA 2011/2012 BUENA OFERTA PARA POCOS RECURSOS

Thomas Hampson

Tampoco la crisis parece haberse cebado con la nueva temporada de espectáculos del Teatro de la Maestranza, presentada este viernes 17 de junio. Las concesiones han venido en forma de óperas populares e intérpretes que lo son aún más, aunque esto no siempre esté reñido con la calidad. A buen seguro que muchos y muchas se estremecerán de júbilo al saber que Maria Joao Pires dará un concierto el 28 de noviembre junto al violonchelista Antonio Meneses, interpretando obras de Beethoven y Bach. Pero también gozan de enorme popularidad el barítono Thomas Hampson y la soprano Barbara Hendricks, ambos norteamericanos. Ellos serán los protagonistas de los recitales líricos, que en el caso de Hampson nos deleitará con los Lieder eines fahrenden Gesellen, Rückert-Lieder y Kindertoten-Lieder de Mahler, cuyas grabaciones junto al gran Leonard Bernstein son de referencia. Se mantiene el ciclo de Jóvenes intérpretes, aunque de nuevo recortado a sólo dos citas. El pianista francés de origen ruso Mikhail Rudy nos traerá su espectáculo sobre los Cuadros de una exposición de Mussorgsky con proyección de dibujos de Kandinsky  creados para esa obra genial.

La soprano Cecilia Lavilla y el painista Miguel Ituarte serán los encargados de un miniciclo sobre Liszt, en el que se interpretarán de nuevo sus Doce estudios trascendentales y algunos Lieder sobre poemas de Goethe, Hugo y Schiller. En otro campo tendremos la ocasión de volver a disfrutar en nuestra ciudad del gran guitarrista de jazz Pat Metheny, que no pisa Sevilla desde hace casi veinte años, cuando actuó en el Pabellón de Deportes de San Pablo. Halffter aprovechará el éxito obtenido en la gala de celebración del 20º aniversario del Maestranza y la Sinfónica para repetir los Carmina Burana de Orff, pero con la particularidad de ser objeto del tradicional concierto participativo de Navidad patrocinado por La Caixa.

Los cuatro títulos líricos clásicos elegidos han sido Las bodas de Fígaro, reposición de la producción de José Luis Castro cuando era director del Maestranza; La Valquiria, continuación de la espectacular tetralogía de Wagner según  La Fura dels Baus, con las voces de Petra Lang, Michael Volle, Evelyn Herlitzius (la Isolda de hace dos años), Iris Vermillion y el tenor albaceteño José Ferrero, según Michel Plasson un Fausto de primer orden, dando vida a Segismundo; Lucia di Lammermoor, de nuevo con Mariola Cantarero en el escenario; y Madame Butterfly, en el vistoso pero discutible montaje de Mario Gas. Pero además se ha apostado de nuevo por la Orquesta Barroca de Sevilla, para dar en versión concierto El triunfo del tiempo y del desengaño de Haendel. No comprendemos cómo después del éxito pasado de Orfeo y Eurídice no se han programado al menos dos funciones de este espectáculo. Y la sorpresa viene en forma de recuperación de la ópera decimonónica de Ramón Carnicer Cristóbal Colón, que también se interpretará en versión concierto. Nosotros somos escépticos sobre estas recuperaciones de obras que cayeron en el olvido, lo cual suele estar bastante justificado, pero tendremos que dar un voto de confianza y dejarnos llevar por la curiosidad. Se da la circunstancia de que la soprano canaria Yolanda Auyanet participa en tres de estos montajes líricos: Las bodas de Fígaro, Cristóbal Colón y la zarzuela Luisa Fernanda, de nuevo una producción del Teatro de la Zarzuela con dirección musical de Cristóbal Soler, que se representará en febrero. En cuanto a los espectáculos para niños y niñas se ha optado por reponer el Hänsel y Gretel que crearon las propias escuelas la pasada temporada, y La Cenicienta de Els Comediants, un título que en su día tildamos de desafortunado para formar a los pequeños y pequeñas en valores de igualdad.

"Wenn mein Schatz Hochzeit macht" de "Lieder eines fahrenden Gesellen" de Mahler, por Thomas Hampson y la Filarmónica de Viena dirigida por Leonard Bernstein

ROSS 2011/2012 UNA OFERTA MÁS EQUILIBRADA QUE LA DE LA TEMPORADA PASADA

La consabida crisis económica y la inevitable dependencia de la Cultura a las instituciones públicas, obligó el año pasado a diseñar una programación muy tradicional, con muchos títulos ya repetidos y nada arriesgada. Todo hacía presagiar que la oferta para la próxima temporada habría de ser igualmente decepcionante desde el punto de vista de la novedad y el equilibrio; la sorpresa ha sido comprobar justamente lo contrario, que manteniéndonos en la misma tesitura podamos disfrutar de una oferta más plural y, si no del todo, al menos bastante satisfactoria.

Brahms (1833-1897)

Si en el 2010-2011 hemos asistido a la inútil pero lógicamente popular revisión de todas las sinfonías de Beethoven, la elección de Brahms para dar una amplia visión de su obra sinfónica y concertística nos ha parecido mucho más sólida y novedosa. Sus cuatro sinfonías, sus dos conciertos para piano, sus dos serenatas, el Doble Concierto, el Concierto para violín, las Oberturas trágica y académica, las Variaciones Haydn y el Réquiem Alemán se irán desplegando a los largo de nueve meses, a los que se sumarán una serie de piezas, casi todas interpretadas por primera vez por la ROSS, basadas o inspiradas en el compositor alemán, de la mano de Schoenberg, Laura Vega, Tomás Marco, Udo Zimmermann o Rafael Frúhbeck de Burgos.

Los hermanos Capuçon...

Pero no sólo de Brahms nos alimentaremos los incondicionales de la Sinfónica esta próxima temporada. También habrá un espacio muy saludable para Strauss (El burgués gentilhombre y Así habló Zarathustra), Shostakovich (Sinfonía nº 14), Mahler (Sinfonía nº 5), Ravel (del maravilloso Concierto para piano al agradecido Bolero, pasando por la delicada Pavana para una infanta difunta), Mendelssohn (Sinfonía nº 5 y el famoso Concierto para violín), Nielsen (Sinfonía nº 2), Poulenc (Concierto para dos pianos), Honegger (Sinfonía nº 2), Sibelius (Suite Karelia) o Elgar (el imprescindible Concierto para violonchelo) y un miniciclo Mozart previo a la temporada de abono y paralelo a la representación de la ópera Las bodas de Fígaro, con cuatro conciertos para instrumentos de viento y sus dos últimas sinfonías.

... y las Labèque

Se estrenará una sola obra, Salón de espejos de la compositora sevillana Elena de Mendoza, en lugar de las dos de la temporada pasada, pero por el contrario serán más las piezas que la orquesta interpretará por primera vez, incluida la versión completa del ballet de Ginastera Estancia – en la anterior temporada fue Panambí del mismo autor – e Imagen II del propio Pedro Halffter.

Antoni Wit, director de la
Filarmónica de Varsovia

Entre la nómina de personalidades que ocuparán el podium del director, destacan algunos que ya han comandado la Sinfónica en alguna o muchas ocasiones, como Ros-Marbá, Josep Pons, Günter Neuhold, Michael SchØnwandt, Hansjörg Schellenberger o Marc Soustrot. Creemos que lo harán por primera vez el joven director americano John Axelrod, el violinista y director ruso Pavel Kogan, y el legendario Antoni Wit. Entre los solistas volveremos a disfrutar del piano de Lars Vogt, las hermanas Labèque y Rudolf Buchbinder, a los que se sumará Tzimon Barto. En el violonchelo tendremos a Asier Polo, Daniel Müller-Schott y Gautier Capuçon, y en el violín a su hermano Renaud, además de la violinista holandesa afincada en Inglaterra Isabelle van Keulen, y el joven canadiense Alexandre Da Costa. Y no faltarán las voces, con habituales de la orquesta, como Raquel Lojendio, Elena de la Merced o Alfredo García, a los que se unirá el barítono alemán Roman Trekel y el bajo ruso Dimitri Ulianov. También repite, tras el éxito cosechado el pasado septiembre con el Concierto de Aranjuez, el guitarrista logroñés Pablo Sáinz Villegas, en esta ocasión interpretando el Concierto para guitarra y pequeña orquesta de Villa-Lobos. Para época de vacas flacas no es mal plantel.

PROGRAMAS DE ALFOMBRA ROJA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - JUNIO 2011

7-6-2011 Tras los estrenos de la semana, dedicamos la segunda parte del programa a hablar del 7º Festival Internacional de Música de Cine Ciudad de Úbeda, que se celebrará en esa bellísima localidad de Jaén del 18 al 24 de julio, con invitados como Philippe Sarde, Bruno Coulais, Gabriel Yared, Mark Isham y Alberto Iglesias, entre otros.

Descarga http://www.archive.org/details/AlfombraRojaFestivalDeMsicaDeCineDeUbeda

21-6-2011 Tras un paréntesis de una semana, para ceder nuestro espacio a una edición  especial del programa que se emite inmediatamente antes, Sin la venia, en esta ocasión centramos parte de nuestro programa a promocionar el certamen de cortometrajes que desde hace nueve años se celebra en Triana, Cortos por caracoles, por lo que hablamos con su principal responsable, Juan Antonio Bermúdez.

Descarga http://www.archive.org/details/AlfombraRojaFestivalDeCortosPorCaracoles

28-6-2011 En el último programa de esta temporada, además de los estrenos, hablamos del desaparecido Colombo, el actor Peter Falk, así como del Festival de París, que se celebra los primeros días de julio y hasta el que se desplazará Pepe Serrano. Y así nos despedimos hasta finales de septiembre próximo, deseándoos a todos y todas un feliz verano.



Descarga http://www.archive.org/details/AlfombraRojaFestivalDeParis

ZAHIR ENSEMBLE CONSOLIDA SU ESPACIO EN LA CIUDAD

II Ciclo de Música Contemporánea de Cajasol. Zahir Ensemble. Director: José María Sánchez-Verdú. Programa: Contrapuntos I-IV de El arte de la fuga de Bach; Etwas Ruhiger im Ausdruck de Donatoni; Tauromaquias, Hekkan I y Arquitecturas del límite de Sánchez-Verdú. Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol, martes 14 de junio de 2011

Zahir Ensemble hace un par de años en el Teatro
Central, con Óscar Martín al piano

Con dos ciclos y un tercero ya programado, Zahir Ensemble, el grupo liderado y fundado por Juan García Rodríguez en 2005, ha consolidado definitivamente su lugar dentro de la cultura musical hispalense, dotando a la ciudad de una formación dedicada casi exclusivamente a la poco divulgada y apreciada en estas lides música contemporánea, que se une a las espléndidas formaciones con las que cuenta Sevilla en materia de música sinfónica y música antigua.

Lástima que la presencia en el concierto de clausura de este segundo ciclo del prestigioso, muy reconocido y valorado algecireño José Mª Sánchez-Verdú no obtuviera una mayor divulgación; ni siquiera se podía apreciar en las marquesinas del teatro ninguna referencia al compositor. La escasa afición del público sevillano a la música seria de los últimos cincuenta años, a pesar de las diversas manifestaciones que se producen en esta urbe a lo largo del año, con el ciclo del Teatro Central a la cabeza, se puso en evidencia en un concierto gratuito y sin embargo no muy atendido, y con numerosas deserciones durante el mismo. Algo absolutamente injusto, especialmente tratándose de una personalidad con tanta categoría internacional; ni siquiera nuestras autoridades musicales aprovecharon la ocasión de disfrutarlo aquí en su doble faceta de autor y director, y con un programa diseñado por él mismo.

Para ello partió de El arte de la fuga de Bach, prodigio del constructivismo y el estructuralismo musical, válido para toda formación instrumental, de lo que Sánchez-Verdú sacó buen partido, combinando cuerda, metal y piano solista, según cada uno de los cuatro contrapuntos interpretados. Los jóvenes integrantes del conjunto dieron buena cuenta de su correcta y precisa técnica, sin tener que demostrar excesivas aptitudes emocionales, no demandadas. Estas intemporales piezas se alternaron con extraordinarias composiciones de Franco Donatoni y el propio Sánchez-Verdú. Del primero, una obra inusualmente desenfadada y humorística para pequeño conjunto de viento y cuerda, defendida con notable eficacia. El segundo aprovechó la ocasión para estrenar por separado de su ciclo Lux ex tenebris, dedicado a Goya, las tres Tauromaquias, piezas con las que el autor evidencia un profundo análisis de las posibilidades tímbricas y expresivas de instrumentos convencionales sometidos a sonidos inusuales. Por los mismos derroteros y con resultados siempre sorprendentes, deambularon Hekkan I, sólo para metales, cuya interpretación en Cajasol supuso su estreno en España, y la obra Arquitecturas al límite, sometida continuamente a alteraciones desde su concepción en 2005, haciendo gala de su naturaleza como Work in progress (trabajo en desarrollo), cuya intensidad emocional funciona en proporción inversa a su breve duración.

Siempre es posible una interpretación más depurada, precisa y diáfana de cada pieza, pero eso no nos impide congratularnos con la excelente labor desempeñada por el conjunto, que en su todavía corta historia ya ha alcanzado grandes logros en este pobre seguimiento andaluz. Cabría no obstante hacerle una recomendación: que actualicen su espléndida en cuanto a diseño página web, anclada en la temporada del 2009.

INSIDIOUS La casa de tus sueños

USA 2010 103 min.
Dirección James Wan Guión Leigh Whannell Fotografía David M. Brewer y John R. Leonetti Música Joseph Bishara Intérpretes Patrick Wilson, Rose Byrne, Barbara Hershey, Lin Shaye, Angus Sampson, Ty Simpkins, Leigh Whannell, Andrew Astor
Estreno en España 10 junio 2011

Los responsables creativos de Saw, el director James Wan y el guionista Leigh Whannell, que en este film interpreta a un ayudante de médium, así como los responsables ejecutivos de Actividad paranormal, comandados por el realizador de su segunda parte Oren Peli, revisitan el cine de casas encantadas con un título que recuerda en muchos aspectos al fenómeno de los 80 Poltergeist. Su principal virtud reside en causar más escalofríos que ningún otro título de terror estrenado últimamente. Una ingeniosa y hábil dosificación de información y efectos provoca esa inquietud que desemboca en tremendos sobresaltos y van metiendo el miedo en el cuerpo. Lástima que eso sólo ocurra en una primera mitad llena de misterio e incógnitas, para dar luego paso a una segunda más fantasiosa y convencional, resuelta con menos chispa, menos convicción y esa necesidad imperiosa de tener que darle explicación a todo. En el aspecto técnico destaca la obsesión por retratarlo todo en máxima penumbra, generando una fotografía, firmada por John R. Leonetti, hermano del gran Matthew F., oscura y pobre. Por otro lado los continuos efectos sonoros, tan característicos del género para provocar sobresaltos, están por una vez justificados en su mayoría, contribuyendo a ello una inquietante y muy creativa banda sonora de Joseph Bishara, que se reserva también una participación actoral en el film, encarnando a un terrible demonio. Los intérpretes encaran con profesionalidad y hasta cierta entrega sus cometidos, muy especialmente la muy celebrada Barbara Hershey, felizmente recuperada tras su estremecedor papel en Cisne negro.

MAMI BLUE Una propuesta fresca y simpática para empezar el verano

España-Portugal 2010 90 min
Dirección Miguel Ángel Calvo Buttini Guión Ana Lozano Valverde, Miguel Ángel Calvo Buttini, Antonio Durán Estrada, Álvaro Lión-Depetre y Jesús Ponce Fotografía Gaizka Bourgeaud Música Miguel Malla Intérpretes María Alfonsa Rosso, Lorena Vindel, Fele Martínez, Leo Rivera, Diogo Morgado, Ruth Gabriel, David Fernández, Chus Lampreave
Estreno en España 10 junio 2011

Realizada con pocos medios y distribuida desde hace tiempo en circuitos de Internet, lograr el Premio del Público en el Festival de Atlántida parece haber facilitado a esta película su distribución por los circuitos comerciales habituales, lo que se agradece aún más por elevar la bajísima cuota de pantalla que está teniendo el cine español esta temporada. Antes pasó por varios certámenes, incluido el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Dos cosas sorprenden a priori, que sus conocidos escasos recursos luzcan tanto en pantalla, hasta el punto de apenas notarse su pobreza de medios; hemos visto astracanadas pueriles como Don Mendo Rock realizadas con más recursos que lucían como auténticos bodrios. Y por otro lado que de su guión se hayan encargado nada más y nada menos que cinco personas; ¿cómo se ponían de acuerdo?, ¿realmente la trama y los diálogos reflejan el trabajo de tantas manos? Por lo demás nos encontramos ante una simpática y llevadera película que mezcla acción y comedia con objetivos humildes y sanos, en el que por fin disfrutamos de María Alfonsa Rosso en un papel protagonista, bordando su personaje de anciana ávida de vida y nuevas experiencias, a la que colma de comicidad y humanidad. Junto a ella también merece destacarse la guapísima Lorena Vindel y el resto del muy ajustado reparto, incluida la muy almodovoriana presencia de Chus Lampreave. Una especie de Thelma y Louise separadas por varias generaciones pero unidas por el ansia de libertad y de disfrutar de la vida. Persecuciones casi infantiles y una trama cogida por los pelos no malogran sin embargo un producto que sólo pretende distraer y lo consigue, consolidándose como demostración de hasta dónde podría llegar su director si dispusiese de mayores medios.

HANNA Modernidad mal entendida

USA 2011 111 min
Dirección Joe Wright Guión Seth Lochhead y David Farrar Fotografía Alwin Küchler Música The Chemical Brothers Intérpretes Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, Tom Hollander, Olivia Williams, Jason Flemyng, Jessica Barden
Estreno en España 10 junio 2011

Nada hacía sospechar que el realizador de las muy clásicas Orgullo y prejuicio y Expiación se convirtiera en responsable de una película como ésta, en las antípodas de aquellas, aunque por medio se haya colocado la desconcertante El solista, y que no quedara evidencia alguna de la realización de esos otros títulos. Esto nos lleva a concluir que el británico Joe Wright no tiene personalidad como director; y lo que esta película excesiva en todos los sentidos y pretenciosa al límite necesita es mucha personalidad. Algo colocados debían estar su pareja de guionistas cuando decidieron darle la vuelta a los cuentos infantiles de los Hermanos Grimm, niña despertando a la madurez y bruja incluidas. Pero en lo que no han caído es que esos modelos ya no valen en nuestra sociedad pretendidamente moderna, y que mucho menos lo hacen su reverso, esta suerte de niña violentísima e inteligentísima; no creemos que vivir en un bosque catorce años, aunque sea adiestrada por el mejor de los agentes secretos, de para generar una máquina tan precisa de matar y una estratega tan excepcional. Un envoltorio psicodélico y cibernético, con encuadres rebuscadísimos y una banda sonora tecno impactante, no son suficientes para crear una obra moderna, y menos si apenas logra transmitir algo. Mucha estética, mucho superhombre y supermujer y mucha mala malísima, pero sin atrapar ni generar inquietud alguna. Tampoco los tópicos recursos de ambientación en España ayudan. Al final lo más gratificante es la repelente niña interpretada por Jessica Barden, un divertido descubrimiento que hace este tostón más llevadero.

El grupo tecno The Chemical Brothers son los responsables de la banda sonora de esta película, de la que extraemos la versión cantada del "Tema de Hanna"

MADEMOISELLE CHAMBON Un hogar para toda la vida

Francia 2009 101 min.

Dirección Stéphane Brizé Guión Stéphane Brizé y Florence Vignon, según la novela de Eric Holder  Fotografía Antoine Héberle Música Ange Ghinozzi Intérpretes Vincent Lindon, Sandrine Kiberlain, Aure Atika, Jean-Marc Thibault, Arthur Le Houérou, Bruno Lochet Estreno en España 25 marzo 2011 (en Sevilla 3 junio 2011)

Confluyen en esta cinta varios factores para convertirla en una de las más hermosas, sino la que más, de las que coinciden actualmente en cartelera. Su realizador ya demostró cualidades de sensible cineasta en su película No estoy hecho para ser amado; la novela de la que parte ahora posee una extrema delicadeza; y su trío protagonista es capaz de transmitir toda una amplia gama de emociones con sólo una mirada, especialmente Sandrine Kilberlain, sometida a lo largo de su metraje a varias pruebas de fuego en forma de largos primeros planos fijos. Con esos ingredientes no extraña la capacidad de Brizé para conmover con esta preciosa historia de enamoramiento y sufrimiento con una metáfora como base, la construcción de una casa sólida, para toda la vida, tal como el personaje magistralmente interpretado por Vincent Lindon explica a un pequeño alumno de un colegio cuando da una sencilla pero muy didáctica charla sobre el oficio de albañil. Antes ya hemos asistido a otra sorprendente y simpática escena sobre la educación, pilar fundamental para la construcción de todo, incluido el control sobre nuestros sentimientos y la capacidad para superar hasta el sufrimiento más terrible. Los personajes no son extremos; no pueden serlo si quieren convencernos de que su atracción absoluta e incondicional es posible. Ni ella puede ser una repipi ni él, sobre todo, puede resultar tan rudo como cabe esperar de una persona de su condición. Todo está equilibrado y tratado, de forma que hasta el más insignificante detalle, como los personajes secundarios, algunos mudos, o una música extraordinariamente elegida para sin ser relamida lograr atrapar sentimentalmente al público, encaje para lograr el milagro de la emoción y la complicidad. Pero como todo tiene un peaje, el de esta pequeña joya es tomarse su tiempo para retratar personajes y situaciones con exquisita sensibilidad; esto constituye sin duda una exigencia para el público, lo que hace al film no apto para cualquier tipo de paladar.

"Salut d'amour" Op.12 de Edward Elgar, interpretado por Itzhak Perlman

PROGRAMAS DE PANTALLA SONORA EMITIDOS EN RADIOPOLIS JUNIO 2011 HOMENAJE A JOHN BARRY (2)

Durante el mes de junio continuamos dedicando los programas de Pantalla Sonora al compositor británico fallecido a principios de este año John Barry, siguiendo un orden cronológico.

5-6-2011 Entramos en la década de los 80, comenzando con la infame película de ciencia-ficción "alla italiana" Star Crash, y finalizando con la incursión de Wim Wenders en el cine americano, apadrinado por Coppola, Hammett. Por medio títulos inolvidables en la filmografía del compositor, como La calle del adiós, En algún lugar del tiempo, Rescaten el Titanic y, sobre todo, Fuego en el cuerpo.

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17-6-2011 Un fallo técnico en la emisora nos obligó a retrasar hasta el viernes 17 el programa que estaba previsto para el domingo 12, en el que continuamos el repaso a las banda sonoras de Barry desde Frances a la desconocida My Sister's Keeper, pasando por La gran ruta hacia China, El filo de la navaja, Un amante francés y la famosísima Memorias de África, de la que ofrecimos una amplia selección.

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19-6-2011 Entre 1986 y 1994 Barry compuso las bandas sonoras, entre otras, de Peggy Sue se casó, Mascarada para un crimen, Bailando con lobos, Chaplin, Una proposición indecente y El especialista, además de sacar al mercado, coincidiendo con su abortado concierto en la Expo de Sevilla, el recopilatorio Moviola, donde recuperaba el tema principal rechazado por Barbra Streisand para El príncipe de las mareas .

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26-6-2011 En el noveno y último de estos especiales dedicados a John Barry, repasamos sus últimos años como compositor de cine, desde Llanto por la tierra amada a Enigma, pasando por La letra escarlata y muy especialmente Jugando con el corazón, una excelente muestra de su talento para el jazz, acompañado por la trompeta de Chris Botti. Terminamos con una espectacular recreación de su música para Alta tensión, el último Bond al que puso música, a cargo de Nic Raine, orquestador original de la banda sonora, y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de Praga.

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