LO MEJOR DE LA FERIA DE ABRIL Concierto matinal de la ROSS

Concierto de Feria: ¡Viva Sevilla!
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Ruth Rosique, soprano. José Luis Sola, tenor.
Miguel Roa, director. Programa: Piezas de Jiménez, Sorozábal, Rojas, Vives,
Fernández Caballero, Lope, Chapí, Guerrrero, Chueca, Serrano, Luna y Penella
Teatro de la Maestranza, domingo 22 de abril de 2012

Juan José Roldán y Elena Valdés, Feria de Abril 1952

Les ruego que me perdonen si por esta vez llevo una crónica más al terreno personal y sentimental que al estrictamente musical. Publicarla en el blog y no en El Correo quizás me dé licencia para esto y para ilustrarlo con fotos del álbum familiar.

Ruth Rosique

Igual que en vísperas de Semana Santa la Sinfónica aborda un programa integrado por marchas procesionales, por segundo año consecutivo el domingo pre-feria lo dedican a músicas muy relacionadas con nuestra tierra, de esas que conforman el particularísimo universo de la España Cañí. Se trata por lo tanto de un repertorio que forma parte indiscutible de nuestras vidas, que nos ha acompañado desde la infancia y asociamos indisolublemente a vivencias, momentos, algunos felices y otros no tanto, de nuestra efímera existencia. Músicas que nos traen a la memoria seres queridos, escenas familiares, domésticas, íntimas, y que por ello pueden hacernos sufrir un ataque de nostalgia. Confieso que en cierto modo lo pasé mal en este concierto, y no porque la interpretación de tan populares páginas a manos del maestro y especialista Miguel Roa no fuera más que satisfactoria, o que la presencia sobre el escenario de nuestra Ruth Rosique y el joven José Luis Sola no fuera estimulante. Nada de eso, fue porque no pude evitar pensar en mi madre, que nos dejó hace apenas un año, y lo mucho que ella disfrutaba con estas manifestaciones, con estas músicas adheridas a su piel, a su espíritu y a su corazón desde siempre. Emocionarnos hasta la lágrima lo consideramos siempre un sufrimiento, menospreciando lo mucho que tiene de desahogo y catarsis, porque la magia del espectáculo, dentro y fuera de nuestro teatro, contiene todo lo mejor de nosotros, lo mejor de Sevilla, tierra de la que no podemos ocultar nuestro orgullo a pesar de que a menudo vaya acompañada de tantos despropósitos.

J. L. Sola con indumentaria zarzuelera

Los españoles somos desde hace ya demasiado tiempo un pueblo que no sabe valorar lo que tiene, acomplejado e incapaz de vender lo nuestro. Que esta música, que servida especialmente así en antología no tiene competencia en beldad y emoción, tenga que sentirse inferior a la opereta o incluso al musical americano no tiene explicación. Si además la disfrutamos con las prestaciones de nuestra magnífica orquesta y con una pareja de atractivos y solventes vocalistas, la experiencia no tiene precio. Es verdad que Roa exageró los niveles decibélicos hasta hacer que desde las alturas del coliseo las voces fuesen casi imperceptibles, y que en muchas ocasiones ofreció versiones muy recargadas de percusión, tan del gusto del público menos exigente. Pero las bondades del cuerpo instrumental son indiscutibles, y los resultados en el plano general fueron más que satisfactorios.

Foto: Sera Campos

Volvimos a tener el inmenso placer de disfrutar con el encanto, la versatilidad y la belleza, tanto canora como física, de Ruth Rosique, que sacó a relucir además su vena más cómica, puede que incluso sobreactuada si queremos reivindicar una zarzuela más elegante, menos rancia y de vocación más internacionalista. Pero no importa, nos encanta la Rosique y cada día más. Aún esperamos que se atreva con el musical, que a buen seguro también lo hará muy bien (ese día me acordaré más de mi padre). El  tenor navarro José Luis Sola vino a lucirse y en ocasiones lo logró, como en la romanza No puede ser de La tabernera del puerto, que entonó con seguridad y buen gusto. De proyección anda un poco corto, pero lo compensa con elegancia y soltura en modulación y fraseo. Aún es joven y tiene mucho tiempo por delante para corregir y ampliar sus recursos. Si se es de aquí es inevitable sobrecogerse con el Preludio de El bateo, los intermedios de La Torre del Oro y de la siempre agradecida La boda de Luis Alonso, el dúo Torero quiero ser de El gato montés, o el pasodoble Vito.

Y si además al salir nos topamos con los carruajes del concurso de enganches que salen de la otra Maestranza, el espectáculo se convierte en apoteosis. Esto hay que venderlo y promoverlo a grandes voces, porque al margen de actos vandálicos en el parque, botellonas, pintadas, excrementos en la calle y otras lindezas, lo mejor de los sevillanos lo ofrecemos cuando derrochamos arte y buen gusto, con músicas maravillosas, un sol espléndido, señorío mejor vestido que en las carreras de Ascot, mucha alegría e infinita emoción.

Salida de los carruajes del concurso de enganches de la Feria 2012. Foto: Sera Campos

LA PESCA DE SALMÓN EN YEMEN Una historia esperpéntica

Título original: Salmon Fishing in the Yemen
Reino Unido 2011 107 min.
Dirección Lasse Hällstrom Guión Simon Beaufoy, según la novela de Paul Torday
Fotografía Terry Stacey Música Dario Marianelli Intérpretes Ewan McGregor, Emily Blunt, Kristin Scott Thomas, Amr Waked, Tom Mison, Rachael Stirling
Estreno en España 20 abril 2012

Lasse Hällstrom se caracteriza por hacer un cine muy meloso y acaramelado, no en vano su mayor éxito se llama Chocolat. Otros títulos de su filmografía como Las normas de la casa de la sidra o Hachiko (aunque a ésta la salvaba su emotivo protagonista canino) corroboran esa especialización. Este nuevo engendro no es ajeno a ese universo pasteloso. Simon Beaufoy, guionista de Full Monty y Slumdog Millionaire, ha sido el encargado de adaptar esta novela sorprendentemente de éxito. En realidad una farsa ridícula y esperpéntica que encierra en sí misma una convencional historia de amor ataviada con unos atractivos ambientes que van de la sofisticación de Londres al exotismo de Yemen, una omnipresente banda sonora tipo buen rollo y unos agradables intérpretes, sin olvidar sus pretensiones terapéuticas para gente con carencias sentimentales. Pero el proyecto de la pesca de peces de agua gélida en un país desértico, auspiciada por un jeque con cara de buena gente y propósitos nobilísimos cultivados por una educación exquisita, forjada en occidente of course, amenazada por terroristas integristas de manual y por buitres carroñeros con apariencia de políticos ingleses, sólo logra lo lógico en estos casos: vergüenza ajena y la más absoluta sensación de haber estado perdiendo el tiempo con una propuesta esperpéntica sobre el papel y tan previsible como lamentable en su resolución.

KISEKI (MILAGRO) Mágica y nostálgica infancia

Título original: Kiseki
Japón 2011 126 min.
Guión y dirección Hirokazu Kore-eda Fotografía Yutaka Yamazaki Música Qurulli Intérpretes Kaki Maeda, Oshrirô Maeda, Nene Ohtsuka, Joe Odagiri, Kirin Kiki
Estreno en España 20 abril 2012

Tiene el realizador de Air Doll y Still Walking una especial fijación por el mundo de los niños, tal como se plasmaba en Nadie sabe y ahora en esta mucho más optimista y jovial Milagro. No es difícil en esta saludable propuesta identificarse con la nostalgia que casi todos sentimos por la infancia, esa etapa de nuestra vida que nos parecen mil vidas, porque cada experiencia, cada momento, cada detalle, lo disfrutábamos y degustábamos al máximo, sin las premuras ni las rutinas de nuestra vida diaria de adultos. Esa pasión por la sencillez y la inocencia de ese período mágico de nuestras vidas lo recoge perfectamente esta delicada película, este poético viaje a nuestro interior en forma de excursión, de aventura, de descubrimiento y de ilusión. Su argumento nos puede resultar mínimo para tan dilatado desarrollo, una constante en ese cine diferente y peculiar que nos viene de oriente. Pero esa dilatación acaba resultando crucial para esa degustación a la que nos hemos referido y que tiene en una extraordinaria secuencia casi al final su perfecta justificación y condensación. Niños que son niños y se comportan como tales, que viven en su universo particular, ajeno tantas veces al de los adultos, lleno de carreras, ilusiones, proyectos y proyecciones; los adultos no interfieren pero marcan, y de manera contundente en esos futuros proyectados. El milagro se cumple, y es la vida misma, esa que no es una sino muchas y que consigue que cada uno y una de nosotros seamos diferentes en cada etapa de nuestra vida, acumulando experiencias, aprendizajes, desengaños e ilusiones. Y todo eso nos lo cuenta Kore-eda con aparente y extrema sencillez. Premio al mejor guión en el Festival de San Sebastián. Atención también a su estupenda banda sonora de corte folk.

INMARCHITABLE BELLEZA Triunfo de la Barroca de Sevilla sobre el Tiempo y la Desilusión

Ópera en concierto: “El triunfo del Tiempo y del Desengaño”, de Haendel
Orquesta Barroca de Sevilla. Enrico Onofri, director. Raquel Andueza y Gemma Bertagnolli, sopranos; Luciana Mancini, mezzosoprano; Fernando Guimaraes, tenor
Teatro de la Maestranza. Viernes 20 de abril de 2012

Luciana Mancini

Al contrario de lo que ocurre en el moralista libreto del Cardenal Pamphili, fue la belleza la que triunfó en este acontecimiento lírico, por su partitura y por tan sublime interpretación. La Barroca dio otra lección magistral con esta exigente pieza programada como ópera en concierto, quizás por su carácter de oratorio con representación, género muy difundido en la Roma de la época dado que las óperas estaban prohibidas por orden papal. De nuevo con Onofri a la batuta, la suya fue una interpretación elegante, matizada, equilibrada, enérgica y sensible según demandasen los pentagramas. El resultado fue como si una serie de maestros del virtuosismo se agruparan para nuestro deleite, aprovechando cada solista su oportunidad de lucimiento.

El dominio en estilo de Raquel Andueza y su hermosura tímbrica son proverbiales, pero sus limitaciones para las agilidades quedaron expuestas (Un pensiero nemico) en una primera parte de canto bastante plano que resolvió en una segunda rica en expresividad y lirismo, coronada con un sublime Tu del Ciel ministro eletto. Un placer fue disfrutar de la simpatía y la riqueza en coloratura de Gemma Bertagnolli, con un Lascia la spina (popularizada en Rinaldo como Lascia ch’io pianga) de antología. Guimaraes, a quien hace poco escuchábamos junto Al Ayre Español, cantó con contundente autoridad y estilo su rol del Tiempo, mientras la sueco-chilena Luciana Mancini nos dejó petrificados con su rotunda y penetrante voz y una sensibilidad extraordinaria para la modulación, como dejó patente en un sobrecogedor Crede l’uom ch’egli riposi. Indiscutible triunfo del placer de disfrutar de tanta belleza en apenas tres horas, sin desengaño alguno.

Crítica publicada en la web de El Correo de Andalucía el domingo 22 de abril de 2012

PROGRAMAS DE ALFOMBRA ROJA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - ABRIL 2012

10-4-2012 Un nuevo programa dedicado a los estrenos cinematográficos del fin de semana en nuestra ciudad, aprovechando la ocasión para escuchar música de Cairo Time y De Nicolas a Sarkozy. Además repasamos los últimos títulos de dos compositores españoles que triunfan en Hollywood, Javier Navarrete (Ira de titanes) y Lucas Vidal (La fría luz del día, The Raven).

Descarga http://archive.org/details/AlfombraRoja2012Estrenos13Abril

17-4-2012 En este segundo y último programa emitido en el mes de abril repasamos los estrenos en las salas comerciales de los tres siguientes fines de semana: 20 y 27 de abril y 4 de mayo; con títulos como Los juegos del hambre, La pesca del salmón en Yemen, Los vengadores, Las nieves del Kilimanjaro, La maldición de Rookford, American Pie: El reencuentro y Los diarios del ron, de algunas de las cuales escuchamos su música.

Descarga http://archive.org/details/AlfombraRoja2012Estrenos20Abril

LOS INSÓLITOS DIÁLOGOS DEL DÚO GIRO EN EL CICLO DE CÁMARA DE LA ROSS

Diálogos extravagantes. 5º concierto del XXII Ciclo de Cámara de la ROSS. Dúo Giro: Ramiro García, fagot y acordeón. Gilles Midoux, percusión. Sala de prensa del Teatro de la Maestranza, domingo 15 de abril de 2012

Vibráfono

Es una práctica muy saludable que los y las integrantes de las buenas orquestas se agrupen en pequeñas formaciones para la interpretación de música camerística. Los miembros de la ROSS llevan haciéndolo desde hace mucho tiempo, y en la capital lo ponen en práctica a través del ya tradicional ciclo de música de cámara organizado por la Asociación de Amigos de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la propia orquesta y el Teatro de la Maestranza. En esta vigésimo segunda edición del ciclo han abordado páginas de compositores que van del S.XVIII al XX, pero sólo en esta ocasión el programa ha estado integrado en su totalidad por músicos vivos y en activo.

Ramiro García

Espléndidos en sus cometidos, de este pasado concierto se hicieron cargo el joven Ramiro García, fagotista de la orquesta, y Gilles Midoux, uno de sus percusionistas, siendo quizás estos últimos los componentes menos valorados de una orquesta a pesar de que a menudo se les exige un enorme control y precisión en su trabajo, además de unos amplios conocimientos en otras disciplinas instrumentales. Las obras seleccionadas fueron del relajado, tonal y contrapuntístico Dúo oscuro para fagot y vibráfono de Jeff Harrington, un autor más familiarizado con el acordeón y una pieza muy influida por la atmósfera de su Mississippi natal, con aires de blues y funk mezclados en una suerte de foxtrot, hasta los breves y atrevidos Diálogos sutiles del catalán afincado en Estados Unidos Salvador Brotons, en los que el vibráfono y los timbales llegaron a una fluida intercomunicación con la combinación de notas secas y sostenidas del fagot.

Mientras para Point de rencontre para acordeón y vibráfono del francés Roger Tessier, Midoux tuvo que controlar en la percusión unos difíciles juegos de pedal, García exploró en Retort, una pieza para acordeón y percusión de Norman Sherman, curiosamente fagotista y también norteamericano, sonidos y acordes inimaginables en este instrumento de viento, en diálogo permanente con vibráfonos, timbales, gongs, campanas, bongos y otros instrumentos de percusión, en la que se reveló como la pieza más experimental e hipnótica de todo el programa. El esfuerzo y la disciplina con la que ambos instrumentistas condujeron el original espectáculo recibió su merecido premio en forma de largo y entusiasta aplauso.

BATTLESHIP Escombros en el océano

USA 2012 131 min.
Dirección Peter Berg Guión Erich y Jon Hoeber Fotografía Tobias A. Schliessler
Música Steve Jablonsky Intérpretes Taylor Kitsch, Brooklyn Decker, Alexander Skarsgard, Rihanna, Liam Neeson, Jesse Piemons, Todanobu Asano, Hamish Linklater, Gregory D. Gadson, John Tui Estreno en España 13 abril 2012

Pasada la resaca de los Oscar y habida cuenta de que cada vez más Sevilla se ha convertido en una plaza sistemáticamente despreciada por distribuidores y exhibidores para estrenar cine interesante y mínimamente atractivo, la atención desgraciadamente se desvía hacia productos de tan ínfima calidad como éste, quizás motivados por unos efectos visuales que en muchos casos suelen convertirse en pretexto o incluso consuelo para perder tan miserablemente el tiempo. Eso es todo lo que se puede extraer de este engendro supuestamente basado en el juego de mesa Hundir la flota de Hasbro, si bien cuesta creer que se trate de algo más que mera inspiración, pues cualquier juego sea o no de mesa obliga a un mayor ingenio y ejercicio intelectivo que el que exige este montón de escombros lanzados al mar que convierte en obras maestras las películas de Michael Bay. Ni siquiera sirve como loa al ejército americano, si tenemos en cuenta el espantosamente ridículo guión que conduce su escuálida trama, una batalla naval entre la marina norteamericana, ayudada por algunos japoneses cerca de Peral Harbor (quién sabe cuál era la intención de los hermanos Hoeber con este detalle), y unos invasores alienígenas a bordo de unos aparatosos monstruos metálicos al más puro estilo Transformers. Ni el reparto ni la resolución visual generan interés alguno, todo bajo la inexistente batuta de Peter Berg, un señor que empezó bien como actor (La última seducción, junto a Linda Florentino, a principios de los 90) y como director (Very Bad Things, una especie de precedente de Resacón en Las Vegas más trágico y sangriento) y luego fue cayendo en picado hasta hundirse definitivamente con este montón de chatarra que aún espera estreno en Estados Unidos; vamos, que nos han utilizado como conejillos de indias.

LA ARRUGA ES BELLA Günter Neuhold firma un Réquiem Alemán imperfecto pero sobrecogedor

12º concierto de abono de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Günter Neuhold, director. Elena de la Merced, soprano. Roman Trekel, barítono. Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza. Programa: Obertura Trágica Op.81 y Un Réquiem Alemán Op.45, de Brahms
Teatro de la Maestranza, jueves 12 de abril de 2012

Íñigo Sampil, director del Coro de la
A.A. del Teatro de la Maestranza

El tradicional concierto de música sacra que la ROSS ofrece cada año por estas fechas se centró, aprovechando esta temporada brahmsiana, en su Réquiem, su mayor y más ambiciosa composición. La Obertura Trágica que le precedió cobró amplio sentido anticipando una singular interpretación en ese registro de tan magnífica obra.

Una página tan fundamentalmente coral como ésta reclama del conjunto vocal unas prestaciones extraordinarias en color y armonía, cambios de registro y juegos de dinámicas, así como una resistencia titánica, todo al nivel exacto de disciplina y solvencia que ofreció el Coro del Maestranza ante la exigente dirección de Iñigo Sampil. Bajo la batuta experta de Günter Neuhold se colaron una serie de ocasionales irregularidades, como desajustes entre orquesta y coro, desequilibrios entre maderas, metal y cuerda, cambios abruptos de ritmo en la marcha Denn alles Fleisch, y un Roman Trekel de presencia imponente pero que ha perdido prestaciones, sonando desentonado, descolorido, nasal y hasta engolado.

Estos defectos, lejos de enturbiarlo, contribuyeron a edificar en su imperfección un Réquiem sobrecogedor, siniestro en su primer tercio, luminoso después, como tiene que ser, de tempi rápidos y enérgicos, y beneficiado por su carácter balsámico, profundo, cálido y emocionante, logrando captar la difícil atención del público de principio a fin. En la memoria quedarán sus escalofriantes subidas de tensión en esa marcha aludida, así como la ternura y versatilidad con que Elena de la Merced cantó Ihr habt nun Traurigkeit, única intervención de la soprano que a menudo marca la diferencia en esta obra maestra.

Crítica publicada en El Correo de Andalucía el 14 de abril de 2012

CUMBRES BORRASCOSAS y terriblemente tediosas

Título original: Wuthering Heights
Reino Unido 2011 128 min.
Dirección Andrea Arnold Guión Olivia Hetreed, según la novela de Emily Brontë Fotografía Robbie Ryan Intérpretes Kaya Scodelario, James Howson, Shannon Beer, Solomon Glave, Nichola Burley, James Norticote, Oliver Milburn, Steve Evets, Paul Hilton, Amy Wren Estreno en España (no en Sevilla) 29 marzo 2012

La directora británica Andrea Arnold abandona el drama contemporáneo (Red Road, Fish Tank) por el romántico diecinueve en una operación que recuerda a la que perpetró hace veinte años la neozelandesa Jane Campion cuando pasó de Un ángel en mi mesa a El piano, película con cuya estética ésta guarda mucha similitud. La pregunta es si hacía falta otra adaptación más del clásico de Emily Brontë, en un año en el que otro clásico, esta vez de su hermana Charlotte, también ha conocido su enésima versión, Jane Eyre. Es cierto que Arnold da un nuevo enfoque a este melodrama de amor pasional ambientado en la turbulenta campiña inglesa, convirtiendo al pequeño salvaje Heathcliff en negro y el conjunto en una experiencia más sensorial, estética y visual que puramente narrativa. Pero las novedades se vuelven en su contra cuando el resultado es un film largo y tedioso, en ocasiones sucio en su búsqueda incansable del realismo, y exento de grandes emociones. Su hermosa fotografía fue reconocida en los festivales de Venecia y Valladolid, y en este último también los protagonistas en edad infantil obtuvieron un merecido reconocimiento.

LA OJA MANTIENE EL TIPO

Concierto de la Orquesta Joven de Andalucía. Dirección Santiago Serrate. Volonchelo Damián Martínez Marco. Soprano Leticia Rodríguez. Barítono Damián del Castillo. Programa: Concierto para violonchelo de Tomás Marco; “El teléfono” de Gian Carlo Menotti; Sinfonía nº 1 “Titán” de Gustav Mahler.
Teatro de la Maestranza, 9 de abril de 2012

Aunque hay poca información sobre las actividades que llevan a cabo los jovencísimos integrantes de la Orquesta Joven de Andalucía, el proyecto, iniciado hace ahora dieciocho años, sigue pareciéndonos muy conveniente, y en su seno muchos músicos andaluces han ido perfeccionando y madurando su formación, como da fe por ejemplo la espléndida Orquesta de la Universidad Hispalense y el Conservatorio Manuel Castillo. Por ello nos alegramos de que no se hayan materializado los rumores que hace un año se esparcieron sobre su posible disolución y falta de apoyos. Este concierto en el Maestranza los acalla y ofrece motivos sobrados para la esperanza.

Santiago Serrate, habitual asistente de Pedro Hallfter en varios títulos de las últimas temporadas líricas, tuvo que salvar esta cita ante la deserción del prestigioso director y compositor José Ramón Encinar a última hora. No tuvo tiempo para filtrar su propia personalidad en un programa diseñado por su antecesor que no se antojaba muy atractivo. No es la de Marco una página memorable, si bien la presencia del veterano compositor en la sala parecía apoyarla; pero una interpretación con más empuje y convicción hubiera dado mejores réditos. Tampoco los pasajes solistas dan para mucho lucimiento, a pesar de lo cual Damián Martínez Marco aprovechó sus posibilidades para exhibir un fraseo limpio, sedoso y en ocasiones hasta lírico, y demostrar así que es uno de los violonchelistas más interesantes de su generación. La pieza del italoamericano Menotti es decididamente menor, una ópera de cámara de la que la OJA ofreció una versión inflada y competente de su gramática neoclásica. Generosa en volumen y simpática en interpretación fue la soprano granadina Leticia Rodríguez, elegida tras una audición especialmente convocada para la ocasión, así como el barítono ubetense Damián del Castillo, ganador el año pasado del primer premio del concurso de nuevas voces de Cajasol, que incluía incorporarse a uno de los títulos programados en la presente temporada lírica del Maestranza. Con un rudo inglés proyectado con solvencia y encomiable sentido de la musicalidad dieron vida a una pareja de enamorados cuya relación se ve continua y cómicamente interrumpida por la tecnología. Hubiera sido un acierto que el teléfono original se sustituyese por el móvil, símbolo inequívoco de la impertinencia moderna.

La Titán de Mahler se programa con tantísima frecuencia, incluidas las Canciones del camarada errante con las que comparte melodía principal, que se hace francamente pesada. En ese canto a la Naturaleza del primer movimiento se evidenciaron muchas caídas de tensión y algunas notas falsas que se repitieron a lo largo del concierto. Pero en general hay que reconocer que el trabajo del director y sus músicos dio buen resultado, con una visión matizada y respetuosa de la obra, acaso poco apasionada y a la vez nada estridente. Por secciones destacaron maderas y metales, echándose en falta en la cuerda grave un mayor empuje y decisión. Ya no hace falta insistir en lo mucho que nos emociona ver a tantas y tantos jóvenes responsables y disciplinados, algo que sin duda merece la mayor de las atenciones y un gran respeto.

TAKE SHELTER La sociedad enferma

USA 2011 118 min.
Guión y dirección Jeff Nichols Fotografía Adam Stone Música David Wingo Intérpretes Michael Shannon, Jessica Shastain, Tova Stewart, Shea Whigham, Katy Nixon, Kathy Baker, Natasha Randall, Scott Knisley Estreno en España 4 de abril de 2012

En un país en el que apenas se hablan idiomas, no deja de sorprendernos que nuestros distribuidores continúen empeñados en no traducir títulos. El de esta película podría haberse traducido perfectamente por Refugiarse, y hubiera aclarado ya de por sí muchas cosas. Porque la penúltima propuesta de Jeff Nichols, un realizador al que habrá de tener muy en cuenta a partir de ahora, va de recovecos, rincones perdidos en la mente y en el alma, presagios, miedos e incapacidad para combatir y adaptarse al medio. A punto de estrenar su última película Mud, Nichols ha logrado con ésta un buen puñado de premios a lo largo y ancho de Estados Unidos, así como el Premio de la Semana de la Crítica en el pasado Cannes, en una edición en la que curiosamente otra película con más de un punto en común pero mucho más pretenciosa, El árbol de la vida, logró la Palma de Oro. Además obtuvo en Gijón el Premio Especial del Jurado. Y es que cuanto menos Take Shelter es una película incómoda y perturbadora, tanto como lo es la enfermedad mental, la neurosis o la esquizofrenia que parece retratar. Para ello cuenta con el inestimable trabajo de su actor fetiche, Michael Shannon, protagonista de su anterior película Shotgun Stories y presente también en la que está a punto de estrenar. La actriz de moda en este momento, Jessica Chastain (El árbol de la vida, Criadas y señoras, La deuda), hace también un espléndido trabajo como esposa perpleja ante lo que le ocurre a su marido, e incapaz de ayudarle todo lo que quisiera. Su ritmo pausado y esa incomodidad de la que hablábamos puede que no le vaya a ayudar en su carrera comercial, pero sin duda se trata de una cinta muy singular y muy a tener en consideración; todo un análisis sobre el pánico, la enfermedad, la incomprensión y la soledad, que en estos tiempos de incertidumbre y desilusión cobra especial relieve e interés. Y todo eso con una puesta en escena sobria y elegante, perjudicada por una exhibición deficiente en iluminación y, sobre todo, sonido, como es la que ofrece la sala uno del Cine Alameda de Sevilla.

GRUPO 7 Otro caso de thriller sucio y desaliñado patrio

España 2012 95 min.
Dirección Alberto Rodríguez Guión Rafael Cobos Fotografía Álex Catalán Música Julio de la Rosa Intérpretes Antonio de la Torre, Mario Casas, José Manuel Poga, Joaquín Núñez, Inma Cuesta, Julián Villagrán, Estefanía de los Santos, Alfonso Sánchez, Carlos Olalla, Lucía Guerrero Estreno 4 de abril de 2012

Ya tenemos película para los premios ASECAN del año que viene. Apostamos que seguirá siendo a estas alturas del 2013 la más firme candidata andaluza a acaparar la atención del profesional autonómico. Y sin embargo qué decepcionante nos ha parecido. A estas alturas ya no vamos a confiar más en Alberto Rodríguez, un señor que se empeña en mostrar la cara más sucia y desagradable de una ciudad que no se caracteriza precisamente por ofrecer una imagen amable en el cine local, será porque para eso ya está el turismo. Rodríguez se mantiene fiel a su equipo (guión, fotografía y música están firmados por los mismos responsables de After, 7 vírgenes y El traje) para contarnos una historia interesante sobre el papel, que naturalmente demandaba esa ambientación en la más baja ralea de la ciudad; la de un grupo especial de la policía que en los años inmediatamente anteriores a la Exposición Universal de 1992 se encargó de limpiar la ciudad de drogas, yonquis y camellos, aunque para ello tuviera que emplear métodos poco ortodoxos. Hasta ahí todo bien, y de factura técnica y artística no nos quejamos (¡qué bien recrean nuestros actores y actrices los personajes marginales, tipo drogadictos y prostitutas!), pero la capacidad de Rodríguez y su guionista Rafael Cobos para atraparnos e implicarnos en el día a día de esta patrulla se revela deficiente, sin línea argumental clara ni un objetivo que alcanzar, y con clichés en abundancia (caracteres agriados y golpeados por la vida, segundas oportunidades perdidas, vidas sentimentales imposibles y mucha muchísima violencia). Afortunadamente el folclore no hace apenas aparición, salvo en acentos exagerados y personajes graciosillos, o algún apunte simpático como el interior de ese bar inenarrable que es el Garlochí. Aún así el número 7 podría darle de nuevo suerte al realizador, como ya ocurriera con la película que en 2005 protagonizó Juan José Ballesta.

LA FRÍA LUZ DEL DÍA Disparate exótico

Título original: The Cold Light of Day
USA 2012 93 min.
Dirección Mabrouk El Mechri Guión Scott Wiper y John Petro Fotografía Remi Adefarasin Música Lucas Vidal Intérpretes Henry Cavill, Sigourney Weaver, Bruce Willis, Verónica Echegui, Roschdy Zem, Joseph Mawle, Óscar Jaenada, Michael Budd, John Piddock, Caroline Goodall, Rafi Gavron, Emma Hamilton Estreno en España 4 de abril de 2012

Para nosotros esta película se justifica por su carácter exótico. Y es que está rodada en Mallorca y Madrid, entre sus protagonistas se encuentra la guapa y talentosa Verónica Echegui, y su música está compuesta por el joven en alza Lucas Vidal, autor de la banda sonora de Mientras duermes y de la nueva versión de El cuervo de Edgar Allan Poe. Al margen de estos detalles nos encontramos con un film disparatado hasta la médula. Su responsable firmó hace unos años una película considerada de culto por muchos comentaristas, una especie de confesión pública del actor Jean Claude Van Damme, que llevaba por título sus siglas JCVD. Ahora sin embargo perpetra una trama de intriga internacional infectada de violencia gratuita, inverosímil y absurda, que a cierta altura del metraje sólo puede suscitar la carcajada. Un Madrid invadido de agentes buenos y malos de la CIA, de agentes del Mossad, terroristas y policías nacionales, disparando a diestro y siniestro o protagonizando acrobáticas persecuciones de coche. La intriga, que en manos de algún especialista clásico hubiera dado para un estimable film de suspense y aventuras, deviene en secundaria al servicio de un nuevo circo, deficiente en todos y cada uno de sus aspectos, intrascendente y ridículo. Entre sus protagonistas destaca también Roschdy Zem, actor fetiche del argelino Rachid Bouchareb (Días de gloria, Fuera de la ley); la aportación de Óscar Jaenada es puramente anecdótica, a pesar de lo cual aparece acreditado en el cartel original publicitario.

PROGRAMAS DE PANTALLA SONORA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - ABRIL 2012

1-4-2012 Aprovechando que el programa se emite en Domingo de Ramos, repasamos algunos de los más famosos episodios bíblicos a través de las películas y su música. Los diez mandamientos, Sansón y Dalila, David y Betsabé, Salomé, Sodoma y Gomorra, Salomón y la reina de Saba, Barrabás, José y sus hermanos y La biblia son los títulos elegidos; Elmer Bernstein, Victor Young, Alfred Newman, Daniele Amfitheatrof, Miklós Rózsa, Mario Nascimbene y Toshiro Mayuzumi, los compositores.

Descarga en http://archive.org/details/PantallaSonora2012CineBblico

3-4-2012 Como estamos en plena Semana Santa, en lugar del habitual Alfombra Roja ocupamos la tarde del martes con un especial Pantalla Sonora dedicado a la música de Alex North para tres películas relacionadas con Roma y la religión. Nos referimos a Espartaco, Cleopatra y El tormento y el éxtasis, en regrabaciones con una alta calidad de sonido a cargo de  Eric Stern y la Sinfónica de Londres, Cliff Eidelman y la de Seattle y Jerry Goldsmith y la Royal Scottish National Orchestra.

Descarga en http://archive.org/details/PantallaSonora2012MartesSanto

6-4-2012 La Semana Santa nos invita a seguir dedicando nuestro programa de bandas sonoras a temas de contenido religioso. Este Viernes Santo dedicamos un programa especial a la figura de Jesucristo en el Cine, con películas como La túnica sagrada, La Historia más grande jamás contada, ambas con música de Alfred Newman que presentamos a través de la cantata Man of Galilee; Rey de reyes de Miklós Rózsa, La última tentación de Cristo de Peter Gabriel, y la ópera rock de Andrew Lloyd Webber Jesucristo Superstar completan la oferta.

Descarga en http://archive.org/details/PantallaSonora2012ViernesSanto

8-4-2012 La reciente edición de un quíntuple cd conteniendo toda la música compuesta por Miklós Rózsa para el clásico de William Wyler Ben-Hur, y que este programa se emitiera el Domingo de Resurrección, nos ha animado a dedicarlo a esta legendaria partitura. Esta nueva edición integra la banda sonora original completa, con temas alternativos y descartados, así como los tres discos originales grabados en su momento por Carlo Savina y Erich Kloss, cuyo primer registro nunca se había editado antes en formato digital.

http://archive.org/details/PantallaSonora2012BenHur

15-4-2012 Michel Legrand cumplió el pasado 24 de febrero 80 años, y nosotros lo celebramos con un especial en el que repasamos su música para el cine, escuchando algunos de sus temas más emblemáticos, como los de Los paraguas de Cherburgo, Verano del 42, El caso Thomas Crown, Yentl, El mensajero, Las señoritas de Rochefort, Amigos muy íntimos o Con los ojos cerrados.

Descarga http://archive.org/details/PantallaSonora2012MichelLegrand

22-4-2012 Primero de cinco especiales que, aprovechando las vacaciones primaverales,  dedicamos a John Williams en el año de su 80 cumpleaños, a través de regrabaciones de su música. En esta ocasión repasamos un concierto celebrado en septiembre de 2007 en el Avery Fisher Hall de Nueva York con la Filarmónica de la ciudad interpretando temas de Hook, Jane Eyre, Harry Potter, El violinista en el tejado y Memorias de una geisha entre otras películas.

Descarga http://archive.org/details/PantallaSonora2012JohnWilliams1

24-4-2012 En este segundo especial dedicado a John Williams, prestamos nuestra atención a la magnífica suite que Charles Gerhardt frente a la National Philharmonic grabó de Encuentros en la tercera fase en 1977, el mismo año del estreno de la película. Completamos la audición con el espléndido violinista Gil Shaham interpretando tres temas de La lista de Schindler acompañado por la Sinfónica de Boston, y una selección de E.T. con Williams y la Boston Pops.

Descarga http://archive.org/details/PantallaSonora2012JohnWilliams2

29-4-2012 El tercero de estos especiales celebrado el 80 cumpleaños de John Williams lo dedicamos a escuchar grabaciones del propio compositor frente a la Boston Pops de partituras como Los cowboys, Las brujas de Eastwick, Superman, Sí Giorgio, Parque Jurásico y Solo en casa. Además el violinista Itzhak Perlman interpreta Sabrina junto a Williams y la Sinfónica de Pittsburgh.

Descarga http://archive.org/details/PantallaSonora2012JohnWilliams3

LA VIDA DE EMILIO ZOLA

Hace unos días he tenido la oportunidad de ver La vida de Emilio Zola, una estupenda y sólida producción de 1937, dirigida por William Dieterle y protagonizada por Paul Muni. Ganó el Oscar a la mejor película en aquel año, además de otros dos. No se trata de la típica biografía de un personaje famoso, en este caso el autor francés máximo exponente del Naturalismo literario, sino que se centra fundamentalmente en el caso Dreyfus, un militar condenado injustamente por espía, de cuya defensa se encargó el entonces influyente escritor a instancia de la esposa del militar, al que da vida de manera magistral el actor austriaco Joseph Schildkraut, justamente reconocido con un Oscar al mejor actor secundario por este trabajo. Gale Sondergaard, como su esposa, completa el trío protagonista.

Ver esta película, en la que un por fin acomodado Zola, tras tantos años de bohemia y necesidades (las primeras secuencias del film recuerdan a La Bohéme de Puccini), a punto de ingresar en la Real Academia, decide dar un revulsivo a su vida sumergiéndose en las turbulentas aguas de la vida judicial y castrense de la Francia de finales del XIX, me ha recordado inevitablemente al caso Garzón. Más de cien años han pasado y la Historia se repite. Aquél se enfrentó al sistema para defender a un solo hombre, el juez español lo hizo para defender a muchas familias. En ambos casos había que quitarse de encima a un sujeto incómodo e impertinente; Zola sufrió el exilio, Garzón de momento ha perdido su cargo y su carrera, y nosotros nuestra esperanza en la Justicia y la Razón. Hace más de cien años un país recuperó la dignidad y el espíritu que lo ha hecho fuerte y admirado; el caso se revisó y se ajustó a la grandeza y al espíritu del Hombre; ¿correremos nosotros y nosotras esa misma suerte? La Historia se repite y nos escupe en la cara; el poder sigue campando a sus anchas y sacrificando lo mejor de nosotros por el camino, pero nuestro deber es impedirlo, haciendo uso de los recursos a nuestra disposición. Si toda la tiranía, fáctica y de comunicación, está en manos de los mismos, nuestra obligación es denunciarlo, atacarlo y defendernos. Zola lo hizo, Garzón lo intenta… echémosle una mano.

[REC]3 GÉNESIS Dejamos de grabar

España 2012 77 min.
Dirección Paco Plaza Guión Paco Plaza y Luiso Berdejo Fotografía Pablo Rosso Música Mikel Salas Intérpretes Leticia Dolera, Diego Martín, Ismael Martínez, Álex Monner, Claire Baschet, Jana Soler, Emilio Mencheta, Adolf Bataller, Dolores Martín, Blai Llopis Estreno 30 marzo 2012

Puede que la saga más famosa e internacional del cine de terror español haya quemado su formato videocasero original, no tanto por sus dos primeras entregas sino por otras películas con idea similar que se han realizado especialmente al otro lado del Atlántico. Quizás por eso sus creadores han decidido reinventarla y adaptarla a un formato convencional de cine, en un giro muy bien urdido a partir del cual dejamos de observar la realidad ajena a través de una cámara doméstica para regresar al cómodo e impecable formato cinematográfico. Pero lo paradójico es que el conjunto funciona mejor en su primera casi media hora, ¡pre títulos de crédito!, de cámara en mano, en la que se nos presenta el escenario, una suntuosa boda en un hermoso palacio mediterráneo, y los personajes, los típicos invitados e invitadas, en su mayoría familiares cliché. Esta primera parte está rodada con mucha pericia, sentido del ritmo y escrupulosa planificación. Después, cuando disfrutamos del formato panorámico con una cuidada fotografía y una esmerada banda sonora, el espectáculo deviene mucho más convencional, en forma de película de zombies socarrona y atrevida, con sus habituales toques de humor. Su carácter casi paródico debe ser seguramente aportación del realizador, un Paco Plaza en solitario frente al más depurado y morboso Jaume Balagueró, que se encargará de la cuarta entrega, Apocalipsis. Con todo la cinta agradará a los incondicionales, a pesar de sus caídas de ritmo y tensión, aunque en conjunto no supere a sus dos anteriores entregas. Impecable su factura técnica y aceptable su nivel interpretativo.