CAUSEWAY Otro regreso traumático del infierno

USA 2022 92 min.
Dirección Lila Neugebauer Guion Elizabeth Sanders, Luke Goebel y Ottessa Moshfegh Fotografía Diego García Música Alex Somers Intérpretes Jennifer Lawrence, Brian Tyree Henry, Linda Emond, Jayne Houdyshell, Stephen McKinley Henderson, Will Pullen Estreno en el Festival de Toronto 10 septiembre 2022; en España y Estados Unidos (Apple TV+) 4 noviembre 2022

No cabe dudar de las buenas intenciones de todo el equipo técnico y artístico de esta película, que cuenta el proceso de superación de una joven militar que ha sufrido un ataque en Afganistán que le ha provocado un severo daño cerebral. Un proceso en el que encontrará un alma gemela que como ella intenta superar también un fuerte trauma emocional.

Pausada y relejada, su realizadora, hasta ahora formada solo en el ámbito televisivo, procura no cargar las tintas en ningún momento, contando para ello con una Jennifer Lawrence excesivamente contenida y el buen trabajo de Brian Tyree Henry, encumbrado por ello en todas las nominaciones a premios de la temporada, Oscar incluido. Sin embargo la empresa se antoja demasiado tímida y sin embargo suficientemente artificiosa como para costar empatizar con el drama de sus protagonistas, algo a lo que ni siquiera ayuda la viciada atmósfera familiar que rodea a su protagonista.

El resultado es una película anodina sobre ese proceso al que alude su título, un Causeway que podríamos traducir como puente o transición, que se deja ver por el encanto de la galardonada actriz y el trabajo de su compañero de reparto, sin que lleguen a cuajar ni sus dramas personales ni alguna posible crítica a la situación bélica y el fracaso del sueño que siempre parece acompañar a la sociedad norteamericana.

HOMBRES RENDIDOS AL TALENTO FEMENINO

Rasgando el silencio. Ciclo de mujeres compositoras. Concierto del Día Internacional de la Mujer. Enrique Palomares, violín. David Fons, viola. Israel Fausto, violonchelo. Javier Sapiña, contrabajo. Carlos Apellániz, piano. Programa: Quintetos para piano y cuerda no. 1 op. 30 y no. 2 op. 31, de Louise Farrenc. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, miércoles 8 de marzo de 2023

Coincidiendo una temporada más con el Día Internacional de la Mujer, el ciclo que articulan Carmen Martínez-Pierret e Israel Fausto en torno al trabajo frecuentemente olvidado de las mujeres compositoras, se centró en esta ocasión en una autora muy singular y digna de reivindicar, la romántica francesa Louise Farrenc. Somos una civilización continuamente en inminente peligro de extinción, y sin embargo lo suficientemente inmadura y primitiva como para necesitar seguir reivindicando derechos y libertades, aunque en demasiadas ocasiones confundamos nuestras reivindicaciones con restar las de otros colectivos, en lugar de sumar entre todos y todas. La de ayer fue una digna manifestación de hasta dónde se puede llegar colaborando y prestando atención al talento del prójimo. Cinco hombres se encargaron de elevar al podio que merece la música de una mujer reconocida y celebrada en su momento, pero como tantas otras olvidada y despreciada por la posteridad simplemente por su género. Es cierto que la ausencia de Carmen Martínez se debió a una indisposición, pero propició la feliz circunstancia de que Carlos Apellániz la sustituyera al piano, cumpliendo así esta particularidad que hemos apuntado de hombres rendidos al talento y el encanto de una mujer muy particular. A eso debemos añadir que, al contrario que muchas mujeres de su generación y posteriores, su esposo no se apropió de su obra con pretextos coyunturales, sino que la apoyó como empresario y editor, confiando ciegamente en su valía y encumbrando, al menos contemporáneamente, su trabajo. Otras circunstancias muy especiales, como el hecho de que Farrenc superara la brecha salarial como profesora del Conservatorio de París, fueron desgranadas por Israel Fausto como maestro de ceremonias y magnífico comunicador a lo largo de la velada.

En los atriles coincidieron cinco estupendos músicos, reunidos para la feliz ocasión, todos menos el anfitrión provenientes de la comunidad valenciana, el violinista Enrique Palomares, el violista David Fons, el contrabajista Javier Sapiña y el ya mencionado Apellániz al teclado. La experiencia fue doblemente satisfactoria, por un lado por descubrir páginas de desbordante creatividad y contumaz inspiración, inexplicablemente poco registradas, y por otro por disfrutar del excelente y esforzado trabajo de sus intérpretes, que no se conformaron con divulgar las piezas sino darles la mejor forma de cara a reivindicar su mérito y valor. Compuestas de continuo e inspiradas ambas por la fascinación que le reportó a su autora la escucha del Quinteto de Schubert que conocemos como La trucha, para el mismo conjunto de instrumentos, los dos quintetos de Farrenc exhiben una atmósfera muy distinta y están informadas por un espíritu diferente, más dramático y visceral el primero, mucho más amable y juguetón el segundo. Sus cinco aguerridos intérpretes supieron transmitir a la perfección esta particularidad, a la vez que ensamblar sus cometidos y compenetrarse como si trabajasen juntos con mucha frecuencia.

En el op. 30 brilló sobremanera el piano, con escalas vertiginosas y arpegios turbulentos, que Apellániz controló con sabiduría pero sin contención, y sin embargo sin eclipsar a sus compañeros. También Palomares hizo una excelente demostración de control, con una articulación clara y envolvente que se vio perfectamente secundada por una cuerda intermedia que tuvo algunas pérdidas de tono sin importancia que en ningún caso deslucieron el perfecto acabado de un allegro inicial vivaz y contundente. En el adagio Fausto aprovechó su ocasión de lucimiento, felizmente secundado por Fons y con el músculo que fue capaz de aportar en todo momento el contrabajo de Sapiña. Rápidos y con una misma estética feroz se sucedieron el scherzo y un brillante finale antes de acometer quizás con mayor éxito todavía el segundo de los quintetos de una mujer que compuso de todo, desde tres sinfonías a numerosa música vocal y camerística, y sobre todo muchas piezas para piano, instrumento del que era una virtuosa. Así, con mucho encanto y carácter afable arrancaron el elegante andante del op. 31, al que siguió un grave quizás no tan inspirado como el del quinteto precedente, ni mucho menos tan nostálgico, pero igualmente gozoso en su inventiva melódica, del que los cinco músicos se hicieron perfectamente eco gracias a una interpretación depurada, atenta a todos los detalles y matices, y presta a una articulación y un fraseo sumamente atractivos. Aunque la presencia aquí del piano tiene un carácter menos protagonista, Apellániz continuó haciendo gala de ser un formidable instrumentista, plegándose a las prestaciones de sus compañeros, que alcanzaron con el vivace y el allegro final el éxtasis y el entusiasta reconocimiento del público.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

MARCEL THE SHELL WITH SHOES ON Híbrido inclasificable

USA 2021 90 min.
Dirección Dean Fleischer-Camp Guion Dean Fleischer-Camp, Nick Paley y Jenny Slate Fotografía Eric Adkins y Travis Cline Música Disasterpeace Intérpretes y voces Jenny Slate, Dean Fleischer-Camp, Isabella Rossellini, Joe Gabler, Lesley Stahl, Rosa Salazar, Thomas Mann Estreno en Estados Unidos 24 junio 2022

Sin fecha de estreno en nuestro país a pesar de su nominación al Oscar a la mejor película de animación, Marcel la concha con zapatos es tan inclasificable que ni siquiera encaja en el género por el que ha sido reconocida. Y es que se trata de un film de acción real en el que la protagonista es una pequeña caracola con un ojo saltón y una boquita de piñón que vive en su particular hábitat constituido por una vivienda de alquiler vacacional o turístico desde la que observa su particular mundo.

Fruto seguramente de una desbordada imaginación, el film se erige como una especie de falso documental urdido por su principal artífice, un joven realizador cuyo único trabajo hasta el momento, Fraud,  constituía así mismo un reto, organizar un documental sobre el fracaso del sueño americano a partir de imágenes y audios extraídos solo de youtube. La operación se traslada ahora al documental on line a partir de las vivencias y testimonios de esta caracola parlanchina, animada gracias a la técnica del stop motion, en la que muchos han querido ver un dechado de ternura e incluso lo más parecido a un abrazo a través de una experiencia estrictamente cinematográfica. Cuesta trabajo sin embargo comprender cuál sea exactamente esa visión que la pequeña caracola, bajo la voz inocente y susurrante de Jenny Slate, tiene del mundo, de ese microcosmos en el que habita y donde defiende cuestiones como la importancia de la colectividad y la comunidad, que despierta el entusiasmo de una conocida y veterana reportera estadounidense, Lesley Stahl, y su programa 60 minutos.

Puede que no sintonicemos con su particular sensibilidad, lo que no obsta para disfrutarse aunque solo por el simpático diseño de su protagonista y el resto de objetos inanimados y animalitos animados que pueblan la escena, así como la especial relación que le une a su abuela, con voz de Isabella Rosellini. Pero cuesta trabajo entusiasmarse con su marciana propuesta, y mucho más dejarse abrazar por ella y encariñarse con sus presuntos postulados.

MOMIAS Animación española con vocación mimética

España 2023 88 min.
Dirección Juan Jesús García Galocha Guion Jordi Gasull y Javier Barreira Música Fernando Velázquez Voces Óscar Barberán, Ana Esther Alborg, Luis Pérez Reina, María Luisa Solá, Jaume Solá, José Luis Mediavilla, José Javier Serrano Rodríguez, Aleix Estadella, María Moscardó, Juan Carlos Gustems Yelmo Campanar Valencia (domingo 5)

Diseñada con éxito como vehículo de difusión internacional, y estrenada ya en una cincuentena de países antes de aterrizar en nuestra propias pantallas, la apuesta animada de Atresmedia mimetiza con fortuna las hechuras del cine de animación digital made in USA, curiosamente una de las pocas plazas que se le han resistido, donde solo se ha estrenado de manera limitada, para constatar una vez más la buena salud de la animación española. Pero si esto queda del todo demostrado a nivel técnico y artístico, la cosa no acaba de despegar del todo a nivel narrativo y emocional. Gracias a un montaje frenético y un diseño detallista de personajes y espacios, no cabe duda que gustará a los más pequeños, pero carece de cualquier tipo de elemento educativo, salvo en lo que se refiere a los valores más rancios y arquetípicos, perdiéndose en una trama algo rutinaria donde unas momias vivientes lucharán por mantenerse unidas, finalmente enamoradas, y dedicadas a recuperar una importante sortija pirateada por el villano de turno, que aun sin serlo lo suficiente en el sentido de no cometer asesinato alguno, acabará sometido a un castigo inexplicablemente virulento y desproporcionado.

La cinta traza un particular viaje que nos lleva de una ciudad egipcia colmada de referencias al mejor péplum, con un anacrónico Ben Hur como primer referente, a la moderna Londres donde una función musical de Aida se convierte en una de sus secuencias más singulares y memorables. Sus protagonistas no poseen sin embargo el carisma suficiente, únicamente un obligado margen feminista en la protagonista, malogrado cuando se trata de encontrar medias naranjas, someterse al matrimonio y terminar siendo tan dependiente como se nos ha enseñado a ser. Siguiendo la estela de la producción estadounidense, no falta la mascota simpática y divertida, en esta ocasión un pequeño cocodrilo vendado que queda prendado de un cerdito de peluche. Tampoco el niño exaltado, que para la ocasión busca admirar al hermano mayor que le sirva de referente, aunque sea a fuerza de una sucesión imparable de clichés archivistos.

No es que la empresa merezca desprecio alguno, ni mucho menos. Demuestra sin duda esa fuerza técnica de nuestro cine de animación, pero podría haberse esforzado en insuflar al conjunto de un mayor carácter educativo y más singularidad cultural en vez de conformarse con dejarse arrastrar por ese mainstream que asegure el éxito de taquilla.

TO LESLIE Pequeño ensayo sobre la redención

USA 2022 115 min.
Dirección Michael Morris Guion Ryan Binaco Fotografía Larkin Seiple Música Linda Perry Intérpretes Andrea Riseborough, Marc Maron, Owen Teague, Allison Janney, Stephen Root, James Laandry Hébert, Catfish Jean, Andre Royo, Matt Lauria Estreno en Estados Unidos 7 octubre 2022; en España 3 marzo 2023

El origen de esta pequeña y sensible película se encuentra en una difícil relación maternofilial marcada por el alcoholismo y el abandono familiar. Una relación que pone de relieve a los dos principales y más valiosos baluartes del film, la interpretación de Andrea Riseborough que da vida a la trastornada madre y el guion de Ryan Binaco en el que ha depositado sus personales vivencias como hijo de una mujer que tras ganar una importante suma de dinero en una lotería, dilapida su pequeña fortuna y abandona a su hijo. Lo que desconocemos es lo que ha llevado al joven que aquí figura como obrero, a iniciar una carrera cinematográfica produciendo un par de títulos y escribir otros dos, a un nivel de clarísima serie B, hasta que le ha llegado la oportunidad de exorcizar su amarga experiencia.

Dirige con oficio y pericia un director acostumbrado al formato televisivo y que sin embargo en este su primer trabajo cinematográfico ha sabido adaptarse al medio y disimular sus maneras aprendidas. El resultado quizás no sea tan conmovedor como pudiera parecer, seguramente porque se ha tenido el pudor de no convertir este episodio autobiográfico y doloroso en un circo sentimental dominado por el exceso y la desesperación. Por el contrario, Binaco ha decidido homenajear y comprender a su madre, dar testimonio a la vez de ese ángel de la guarda que tanto necesitamos cuando nos encontramos perdidos y que el propio hijo fue incapaz de encarnar, y sobre todo plasmar esa nueva oportunidad y esa redención que todo el mundo merece, y por la que incluso los sistemas penales más avanzados abogan. Se trata de creer en esa segunda oportunidad, en esa redención que tanto nos negamos como sociedad a ofrecer a quien ha cometido errores, a veces incluso crímenes, en el pasado.

Y es que ya se sabe, seguimos creyendo en el ojo por ojo, la cárcel permanente, incluso la pena de muerte, el castigo en definitiva, más que en la segunda vida, la fuerza de voluntad y la confianza en el prójimo de que un nuevo horizonte es posible. Nada que nos sorprenda habida cuenta de la educación inevitablemente religiosa que arrastramos. Esta pequeña pero valiente película, seguramente visible gracias fundamentalmente a su nominación al Oscar a la mejor actriz, apuesta por esos valores y exhuma humanidad en su cometido. Contribuye sobremanera a ello la espléndida interpretación de Andrea Riseborough, a quien tras muchos años perdida como protagonista o secundaria en películas poco memorables, hemos visto esta temporada en Amsterdam y Matilda de Roald Dahl, el musical.

JEANNE DIELMAN, 23 QUAI DU COMMERCE, 1080 BRUXELLES Mujer entre la cocina y el dormitorio

Bélgica 1975 193 min.
Guion y dirección Chantal Akerman Fotografía Babette Mangoilte Intérpretes Delphine Seyrig, Jan Decorte, Jacques Doniol-Valcroze, Yves Biscal, Henri Storck, Chantal Akerman Estreno en el Festival de Cannes 14 mayo 1975; en Francia 21 enero 1976; en España 8 marzo 2023

Con apenas tres largometrajes de ficción en su haber, la realizadora belga Chantal Akerman estrenó en Cannes y después también en Venecia (eran otros tiempos en los que la exclusividad no jugaba tan fuerte), esta emblemática película que apenas cosechó algún éxito ni en estos certámenes ni en las salas de los pocos países en los que se estrenó comercialmente. Resulta elocuente que fuera en el Festival de la Isla de Faro, un lugar tan ligado a la figura de Ingmar Bergman, con cuyos silencios y estudios psicológicos tanto tiene que ver a su manera, donde obtuvo su mayor reconocimiento por aquel entonces, cosechando los premios a la mejor película y la mejor actriz. Fue aquel un jurado sin duda visionario, pues con el tiempo la cinta fue aumentando su reconocimiento y leyenda, hasta haber llegado al año pasado, cuando una encuesta realizada por la revista Sight & Sound a más de mil quinientos críticos, académicos y profesionales de todo el mundo, la encumbró al primer puesto de la discutible lista de las mejores películas de la historia del cine. Un puesto que durante muchos años ocupó Ciudadano Kane y algo menos otra cinta con música de Bernard Herrmann, Vértigo.

Sin menospreciar los méritos que sin duda tiene el film de Akerman, no podemos sin embargo obviar que en tiempos de tanta corrección política un trabajo con mensaje inequívocamente feminista debía alzarse contra todo pronóstico y haciendo honor a los tiempos que corren, con tal reconocimiento. Por ello la cinta por fin encontrará su estreno oficial en nuestras pantallas, tras cinco décadas limitada a circuitos especializados y alguna que otra filmoteca. Jeanne Dielman (y el resto del título o dirección postal de la protagonista) es una película dura, por lo que cuenta y por cómo lo hace, apelando a la paciencia del público, obligado a seguir el ritual diario de una mujer de la época, abnegada madre y ama de casa que cumple todos los cometidos por entonces requeridos a una mujer, señora y puta a la vez. Apenas hay diálogos a pesar de su largo metraje, pues ni siquiera su habitual interlocutor, un hijo estudiante mayor en apariencia de lo que pretende, abre apenas la boca, añadiendo más penitencia al sufrido y disciplinado espectador o espectadora. Tampoco el pasado de la protagonista, casada por exigencias de la 2ª Guerra Mundial, aunque treinta años atrás no parece poder cumplir la edad adecuada, resulta muy convincente. Viuda después, aprendemos a conocerla a través de esos trabajos domésticos que no ahorran metraje y que a lo largo de tres días, enmarcados en sus capítulos correspondientes, van mermando su actitud y resignación hasta tomar una decisión sorprendente y no por inesperada menos lógica.

Jeanne Dielman es por tanto una película singular, irrepetible y, a pesar de esa paciencia que exige, inquietante y subyugadora. Sin embargo su reconocimiento ahora como mejor película de la historia, al margen de resultar tan inmerecido como lo sería cualquier otro título ante tan inabarcable producción mundial, nos parece un desprecio al trabajo en equipo, que es lo que siempre hemos creído es el arte del cine. Una película tan austera y sencilla en su puesta en escena, pero compleja en su intención y plasmación psicológica, no responde más que a su principal artífice, en este caso una directora que se reserva un pequeño papel fuera de plano y que trabajó hasta el final de los días cuando en 2015 estrenó el documental No Home Movie dedicado a su madre Natalie, también superviviente del nazismo y encerrada en su casa de Bruselas, de donde no quería salir desde hacía mucho tiempo. Aunque en su vasta filmografía, donde se alternan cortos, largos de ficción y documentales, apenas sobresalen un puñado de títulos, incluido un interesante documental sobre Pina Bausch, casi treinta años antes de que Wim Wenders centrara su atención en la legendaria coreógrafa. Encontramos también grandes fiascos como ese Romance en Nueva York que unió a William Hurt y Juliette Binoche con pretexto de una empalagosa relación sentimental.

Gran parte del mérito de la película recae también en la actriz Delphine Seyrig, no en vano importante activista feminista durante gran parte de su vida, con quien volvió a coincidir por partida doble en 1986, cuando la dirigió en Golden Eighties y Letters Home. Esta aportación definitiva de la actriz francesa no deslegitima al conjunto de su concepto de cine pleno de autor, en el sentido de responsable máximo y único en la persona de su realizadora. Pero sobre la actriz recaen esas tres largas horas de tedioso ritual y el paulatino cambio de humor que conlleva ese inequívoco y contundente mensaje feminista que hoy parece haberse valorado para otorgarle un reconocimiento tan delicado y discutible.

SAINT OMER. EL PUEBLO CONTRA LAURENCE COLY Estreno en salas

Reseña de la película, Giraldillo de Oro y mejor guion en el Festival de Cine Europeo de Sevilla

Estreno en salas comerciales 3 marzo 2023