martes, 15 de abril de 2014

9 MESES... DE CONDENA! Comedia de tebeo con conciencia

Título original: 9 mois ferme
Francia 2013 82 min.
Dirección Albert Dupontel Guión Albert Dupontel, con la colaboración de Héctor Cabello Reyes y Olivier Demangel Fotografía Vincent Mathias Música Christophe Julien Intérpretes Sandrine Kiberlain, Albert Dupontel, Nicolás Marié, Philippe Uchan, Philippe Duquesne, Christian Hecq, Pilles Gaston-Dreyfus, Bouli Lanners, Michel Fau Estreno en España 11 abril 2014

Apenas conocido en España como actor (Irreversible, Un héroe muy discreto, Un largo domingo de noviazgo), Albert Dupontel se estrena por primera vez en nuestro país como director, con cuatro películas a sus espaldas; y lo hace con una divertida comedia que ha sido un éxito en Francia de crítica y público y le ha reportado dos César, uno a su protagonista, Sandrine Kiberlain, a quien hemos visto en cintas como Mademoiselle Chambon y Las chicas de la 6ª planta, y al mejor guión original, firmado por el propio director y protagonista masculino. Cuenta la historia de una responsable y meticulosa jueza reacia al matrimonio y los hijos que de la noche a la mañana se encuentra embarazada, y no precisamente de la persona más recomendada. La situación se nos cuenta con buen ritmo y pulso, haciendo uso de sofisticados recursos visuales y estéticos y un montaje preciso y muy calculado. Los gags se suceden con gracia y efecto, aunque mucho nos tememos que más en el país galo, donde algunos personajes se presumen interpretados por cómicos locales, que en el nuestro. No obstante se digiere con facilidad y ligereza, por mucho que el convencionalismo se vaya adueñando de la función en detrimento del más puro ingenio que exhibiera su arranque argumental. Y finalmente triunfa la moralina sobre la fuerza de la conciencia y los buenos sentimientos, lo que por otra parte no está nada mal. Para apoyar la cinta ahí están los divertidos cameos de Terry Gilliam y Jean Dujardin, el de éste muy relacionado con la película que le catapultó a la fama, The Artist.

domingo, 13 de abril de 2014

ANOCHECE EN LA INDIA Aventura emocional carente de progresía

España-Rumanía-Suecia 2014 99 min.
Dirección Chema Rodríguez Guión Chema Rodríguez, David Planell y Pablo Burgués Fotografía Álex Catalán y Juan González Música Marcus Doo & The Secret Family Intérpretes Juan Diego, Clara Voda, Javier Pereira, Linda Molin, Rafael Rojas, Ken Appledorn, Vanessa Castro Estreno 11 abril 2014

Es difícil distinguir hasta qué punto nuestras conductas son producto de la naturaleza o la educación. La mujer ha desarrollado comportamientos a lo largo de la Historia que han hecho mella incluso en sus neuronas; pero eso no las hace diferentes de los hombres, sólo evidencia el papel que se les ha asignado a lo largo de los siglos. Confunden progresía y humanidad quienes pretenden hacer discurso sobre su fortaleza y capacidad colocándola siempre en un estadio en el que el sacrificio y la entrega más absoluta no hacen sino seguir estigmatizándola eternamente. En esta película de viajes físicos y emocionales, un señor en silla de ruedas decide dejarlo todo y embarcarse en un viaje por carretera hasta la India, con escalas en Rumanía y Turquía y rechazando como compañera de aventura a la mujer que lo cuida, una rumana con más problemas emocionales que económicos, a pesar de lo cual ella le acompaña. No falta el humor en esta película y no se puede decir que no se hayan esforzado sus productores, entre los que destaca la compañía sevillana Jaleo Films, en el acabado formal de la cinta. Sin embargo su realizador, el también sevillano Chema Rodríguez, curtido en el documental con cintas como Estrellas de La Línea y El abrazo de los peces, no acierta del todo al imprimir ritmo narrativo y sentido de la dramaturgia a una película en la que se incurre a menudo en el lugar común, sobre todo en el diseño de unos personajes con trazo grueso – el de la mujer ya lo hemos comentado, y él es el antipático y desagradable con el que habitualmente se asocian las personas con alguna discapacidad severa – si bien sus intérpretes se esmeran y sacan buen partido a sus roles. A ella, Clara Voda, la hemos visto en películas como Si quiero silbar, silbo, Loverboy y La muerte del Sr. Lazarescu. En su irregular guión colabora David Planell, que ha trabajado con Gracia Querejeta en Héctor y Siete mesas de billar francés, y dirigió hace unos años La vergüenza, con la que logró la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga, donde ésta se ha llevado los premios al mejor actor y mejor montaje.

MEJOR OTRO DÍA Levantarse de caídas físicas y morales

Título original: A Long Way Down
Reino Unido 2014 96 min.
Dirección Pascal Chaumeil Guión Jack Thorne, según la novela “En picado” de Nick Hornby Fotografía Ben Davis Música Dario Marianelli Intérpretes Pierce Brosnan, Toni Collette, Imagen Poots, Aaron Paul, Sam Nelly, Joe Cole, Tuppence Middleton, Rosamund Pike Estreno en España 11 abril 2014

Desde Mejor… imposible hay cierta tendencia en los distribuidores españoles por traducir los títulos de algunas comedias románticas con modismos similares, tipo Cuando menos te lo esperar, Si de verdad quieres o No es tan fácil. Parece como si así quisieran invitar a un público exponencialmente amplio, cuando lo cierto es que desorienta a quien busca una cosa y encuentra otra. Esta nueva adaptación de un libro de Nick Hornby (Un niño grande, Alta fidelidad, An Education) responde mejor al título original, A Long Way Down, acertadamente traducido para los lectores como En picado. Porque así pretenden caer los cuatro suicidas protagonistas de la película; lo que no imaginan es que efectivamente caerán pero en sentido moral y figurado, cuando se presten a ese juego mediático que hoy impera en todas las televisiones del mundo para hacerse famoso rápida y efímeramente y ganar así mucha pasta. Claro que el realizador francés Pascal Chaumeil (Los seductores, Llévame a la Luna) ha preferido fijarse en la vertiente moral de la fábula, construyendo la película como un manual de motivación, preparación y superación de la vida. De esta forma la comedia no lo es cien por cien, incurre en el melodrama sentimental muy a menudo y da pie a sus esforzados protagonistas para crear personajes creíbles, tanto o más que la propia trama, tan inverosímil en su punto de partida como lograda en su desarrollo hasta convencer en cada u no y todos sus detalles y hacer que su visionado resulte cuanto menos simpático.

FRANCES HA La mirada inocente y optimista de la vida

USA 2013 86 min.
Dirección Noah Baumbach Guión Noah Baumbach y Greta Gerwig Fotografía Sam Levy Intérpretes Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Esper, Adam Driver, Michael Zegen, Charlotte d’Amboise, Grace Gumner Estreno en España (no en Sevilla) 4 abril 2014

Guionista de Wes Anderson (Life Aquatic, Frantástico Mr. Fox), dibujos animados (Madagascar 3) y realizador independiente con películas de moderado éxito como Una historia de Brooklyn (The Squid and the Whale) y Margot y la boda, Noah Baumbach dedica su particular homenaje a Nueva York de la mano de Greta Gerwig. La nueva musa de la comedia americana, a quien hemos visto en A Roma con amor, Lola versus y Damiselas en apuros, interpreta a una joven mona y gansa, incluso algo mamarracha, que todo lo deja a la mitad, incluso su apellido, y que vive el día a día superando problemas sentimentales y económicos pero consciente siempre de la suerte que es formar parte de la Gran Manzana e integrarse en su vida bohemia. Con especial hincapié en la relación con su mejor amiga, más traidora que otra cosa, la cinta se mueve entre el tono amable y una intrascendencia asumida, con el aliciente de disfrutar de la presencia de esta carismática actriz, que también firma el guión, y de una estética en la que se adivina otro homenaje, el que el director brinda a la nouvelle vague francesa, a través de su fotografía en blanco y negro y, sobre todo, una banda sonora integrada por temas de Delerue, Constantin y Duhamel, compositores habituales del malogrado François Truffaut, aunque al final se lleve el gato al agua David Bowie.

sábado, 12 de abril de 2014

8ª CRÓNICA FeMÁS/31 Cantos sin límites ni fronteras

31º Festival de Música Antigua de Sevilla

Zefiro Torna & Vocalconsort Berlin con Ghalia Benali. Jurgen de Bruyn, director musical. Folkert Uhde, dramaturgia. Jörg Bittner, escenografía e iluminación. Programa: The Allegory of Desire. El Cantar de los Cantares en las tradiciones occidental y oriental. Sala Joaquín Turina, viernes 11 abril 2014

La muy celebrada en todos los aspectos trigésimo primera edición del FeMÁS terminó con una propuesta muy especial, un espectáculo protagonizado por una multiculturalidad de obras barrocas, renacentistas, medievales y contemporáneas alternadas y entremezcladas, que estrecharon lazos entre dos mundos opuestos pero obligados a convivir como son oriente y occidente. El pretexto, El Cantar de los Cantares o Cantar Superlativo de Salomón, como tantos otros pasajes bíblicos, compartido por diversas religiones cada una con su particular explicación. La poética crónica de dos amantes destinados a estar separados pero siempre con la esperanza de volver a juntarse, que Zefiro Torna, el aclamado Vocalconsort de Berlín, tan ligado a la Academia de Música Antigua que protagonizó una de las primeras citas del festival, y la polifacética cantante tunecina Ghalia Benali, convirtieron en un canto refinado y exquisito en favor de un mundo sin fronteras habitado por el amor y la tolerancia.

Una obra dramático-lírica de inconfundible sentido alegórico que sirvió como base para una sucesión de embriagadoras piezas interpretadas con un preciosista sentido escenográfico, en el que sin embargo costó trabajo entrar por falta de unos subtítulos que ayudaran a seguir la esmerada dramaturgia. Pero una vez comprendida la intención, deslizarse por la dulce polifonía de John Dunstable, la monofonía de amplios rangos tonales de Hildegard von Bingen desde un lateral de la sala, el ars nova de Machaut, el fluido lirismo de Schütz iluminado como un cuadro de Caravaggio, el canto sacro de Orlando di Lasso, el estilo concertado de Alessandro Grandi, el madrigalista de Monteverdi o el elegante airoso de Buxtehude y Johann Christoph Bach, se convirtió en pura delicia y una experiencia singular y diferente.

Ghalia Benali se integró como un guante en tan precioso programa, con composiciones propias o de Umm Kalzum, gran señora de la canción egipcia en los años 50 y 60, aportando sin estridencias ni el tan temido exceso de temperamento el erotismo más explícito sugerido en los poemas interpretados. Zefiro Torna acompañó en la parte instrumental con elegancia y sutileza, mientras la dulce violagambista Romina Lischka se reveló al final como competente voz arábiga, potenciando la intención integrista del espectáculo. Cada una en su tesitura, las exquisitas voces del Vocalconsort y el propio Zefiro Torna condujeron con finura y fluidez este fascinante viaje, un broche de oro para una edición del FeMÁS también dorada.

Versión extensa del artículo publicado en El Correo de Andalucía el 13 de abril de 2014

viernes, 11 de abril de 2014

TANNHAÜSER EN VERSIÓN REDUCIDA DE HALFFTER Apoteosis de la suite sinfónica

12º Concierto de abono de la XXIV temporada de conciertos de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Kerri-Lynn Wilson, directora. Programa: Tannhäuser Sinfónico-Coral, Síntesis en tres actos de la ópera de Wagner por Pedro Halffter Teatro de la Maestranza, jueves 10 de abril de 2014

La reducción sinfónica a suites o sketches más asequibles al público y al bolsillo de los programadores ha sido una constante en la obra de Wagner. Hay una tetralogía sin palabras, una Música de amor arreglada por Stokowski a partir de Tristán e Isolda, o un Preludio y Bacanal de Tannhäuser que ocupa el primer tercio del arreglo sinfónico coral de Halffter a partir de la ópera homónima. En Wagner la orquesta no es un mero acompañamiento y las voces se integran en el resto de la orquestación para crear ese sonido mágico y característico que le convirtió en el gran renovador del género. De hecho siempre se ha reconocido en su música el germen del sinfonismo cinematográfico del Hollywood dorado, constantemente sometido a reducciones narrativas en forma de suites para su escucha en grabación o salas de concierto.
 
El éxtasis amoroso en la gruta de Venus, el aria del pabellón de Elisabeth, el coro de trovadores en el festival lírico, el de peregrinos, la canción de la estrella vespertina y la narración de Roma se suceden a lo largo de tres bloques en esta mastodóntica edición realizada por el director artístico de la ROSS hace un par de años en vísperas del bicentenario del compositor, que ahora espera grabación. De ella la directora canadiense Kerri-Lynn Wilson hizo una lectura esmerada y precisa, inteligente a la hora de distinguir los pasajes apoteósicos y espectaculares asociados a Venus, y los más líricos y románticos de Elisabeth, definiendo con fidelidad y acierto los dos extremos emocionales y morales entre los que se debate el desorientado protagonista.
 
Dicen que en el foso Wilson se revela una batuta eficiente, profesional y respetuosa con la narración y las voces, de tempi precisos y dinámicas volubles y maleables. Buena muestra dio de todo eso en esta versión que sonó tan espectacular como poética en sus manos. Lástima que el coro no estuviera a la altura acostumbrada. El femenino sonó a menudo desentonado y descompasado, y al masculino le faltó empuje y brío. La orquesta por el contrario sí tuvo la fuerza y el dinamismo necesarios, con momentos de sublime resolución como el violonchelo entonando el aria de Wolfram.

jueves, 10 de abril de 2014

NOÉ La crueldad de los fanáticos

Título original: Noah
USA 2014 138 min.
Dirección Darren Aronofsky Guión Darren Aronofsky y Ari Handel Fotografía Matthew Labatique Música Clint Mansell Intérpretes Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ray Winstone, Emma Watson, Logan Lerman, Anthony Hopkins, Douglas Booth, Nick Nolte, Mark Margolis, Kevin Durand, Marton Csokas
Estreno en España 4 de abril de 2014

Que el realizador de películas como Pi, Réquiem por un sueño o Cisne negro se embarque en una cinta bíblica genera cuanto menos curiosidad. Y ciertamente la visión que nos brinda de un relato tan eminentemente bíblico como el del Arca de Noé no es la habitual ni previsible. En parte porque en esto del cine, como en cualquier otro negocio, para triunfar hay que ser original, y en parte porque nos estamos refiriendo a un director que, guste más o menos, no deja indiferente y siempre parece que quiera decirnos algo por encima de lo epidérmico, lo cierto es que Noé es un cuento diferente a partir de una historia religiosa mil veces abordada. Una narración que forma parte del imaginario de cualquier religión sobre la Tierra, que no es exclusiva de ese Catolicismo que se ha apropiado de nuestra Historia Antigua como si no existieran más personajes que los centenarios bíblicos. Sin ir más lejos, nada más volver del cine me encuentro en televisión con un programa de humor en el que preguntan a una serie de cómicos cuándo creen que nació el humor, y todos y todas se refieren a personajes del Antiguo Testamento para, con más o menos ingenio, trazar ese origen, como si no existiera más prehistoria que la imaginada por la religión. Aronofsky medita sobre esto y no parpadea al situar su historia en un tiempo y espacio indeterminados, entre el pasado y el futuro apocalíptico, entre la Tierra Media de Tolkien y sus monstruos y los desiertos de Mad Max. Sólo le importa hacer propaganda clara y descarada, a la par que necesaria, de un ecologismo a ultranza, en categoría vegana; al mismo tiempo se interesa por denunciar la maldad intrínseca en la naturaleza humana, aunque en este sentido parezca trazar un discurso banal e ingenuo, pero que encierra en sí mismo una mayor profundidad digna de un análisis más pormenorizado, con paradas en el fanatismo, la crueldad que genera, el papel de la mujer, aparentemente en segundo plano pero mucho más influyente y controlador de lo que parece; y todo ello en un marco plástico digital que no se esfuerza en disimular su artificio para potenciar el carácter de fantasía que ha adoptado para contarnos un relato desde siempre patrimonio de la religión. Impagable la secuencia de la evolución de la humanidad, un acercamiento ambiguo, entre lo científico y ese fenómeno durante mucho tiempo manipulado por nuestros castradores educadores eclesiásticos. Además de todo eso cuenta con un brillante reparto (Crowe y Connelly de nuevo matrimonio, trece años después de Una mente maravillosa) en el que quien más y quien menos se esfuerza en definir y mostrar sus paranoias, alucinaciones y tormentos, aunque no sé dónde se esconde Nick Nolte; y lo enmarca todo en un espectáculo de puro y eficaz entretenimiento.