jueves, 7 de agosto de 2014

DOS VIDAS Víctimas sentimentales de una política implacable

Título original: Zwei leben
Alemania-Noruega 2012 97 min.
Dirección Georg Maas Guión Georg Maas, Christoph Tölle, Stale Stein Berg y Judith Kaufmann Fotografía Judith Kaufmann Música Christoph M. Kaiser y Julian Maas Intérpretes Julianne Kohler, Liv Ullman, Sven Nordin, Ken Duken, Julia Bache-Wiig, Rainer Bock, Thomas Lawinky, Klara Manzel Estreno en España 11 julio 2014

Con una factura clásica y correcta y un argumento que la sitúan en la línea de la muy exitosa La vida de los otros, Dos vidas aprovecha un episodio de la guerra fría en la Alemania del este para tejer un entramado de intriga política y sentimental. Una mujer que fue niña en uno de los orfanatos alemanes que custodiaban hijos de alemanes habidos con mujeres de los países ocupados durante la Segunda Guerra Mundial, ve cómo su mundo de estabilidad y bienestar peligra con la caída del muro de Berlín y las investigaciones sobre crímenes del régimen e intervenciones de la Stasi. Realizada con oficio pero sin mucho ingenio, el interés tarda en aparecer y mientras tanto se sostiene con unas convincentes interpretaciones, especialmente la de Julianne Kohler, que lleva la mayor parte del peso de la función. Lástima que con un material tan suculento se dejen tantas cosas sin esclarecer, fundamentalmente el interés que para la inteligencia de la RDA pudiera tener un país como Noruega, o detalles de guión que no acaban de estar bien atados. Tampoco funciona de manera óptima a nivel dramático, con una gran indefinición de personajes secundarios pero muy relevantes, a pesar de lo cual el conjunto entretiene y ayuda a despertar el interés por uno de esos episodios que se destapan cuando una etapa execrable de la Historia toca a su fin.

VIAJO SOLA Alternativas de vida lejos de la impostura

Título original: Viaggio sola
Italia 2013 79 min.
Dirección Marie Sole Tognazzi Guión Marie Sole Tognazzi, Ivan Cotroneo y Francesca Marciano Fotografía Arnaldo Catinari Música Gabriele Roberto Intérpretes Margherita Buy, Stefano Accorsi, Fabrizia Sacchi, Gianmarco Tognazzi, Alessia Barela, Lesley Manville Estreno en España 1 agosto 2014

Aunque ha dirigido ya un buen puñado de títulos, uno de ellos un documental dedicado a su padre, el mítico Ugo Tognazzi, no conocíamos nada de Marie Sole Tognazzi hasta esta película, una obra de cámara tan atractiva en su revestimiento como lúcida en sus intenciones. Propone una interesante reflexión en torno a una mujer madura, atractiva y muy femenina que trabaja como "cliente misterioso", es decir, inspectora de hoteles para comprobar que merecen la máxima calificación en estrellas. Su vida por lo tanto deambula de hotel de lujo en hotel de lujo, algo a lo que la cámara de la realizadora se adapta como un guante para ofrecernos un entretenimiento sofisticado y elegante. Naturalmente tiene también una vida personal, pero no es la convencional con la que a todos se nos educa. No se puede permitir una familia propia, pero se la ha creado a su alrededor con amigos, sobrinas, hermana y desconocidos que alumbran sus dudas e inquietudes. Son los demás los que parecen reprocharle no adaptarse a las convenciones sociales, porque ella simplemente resuelve compatibilizar un trabajo que parece adorar y realiza con todo lujo de mimos y detalles, con una vida personal en la que no falten los afectos, para lo cual ha de ejercitar también la generosidad y la renuncia. El desarrollo es tan elocuente como insinuante, y mientras asistimos a rutinas y sorpresas en el día a día de esta señora, vamos sacando nuestras conclusiones y aprendiendo otra lección de vida, a la vez que aceptando que hay muchos modelos de convivencia, y ni se quedan en la familia convencional ni en los nuevos modelos homosexuales ni monoparentales; hay muchas más posibilidades, quizás infinitas. Marie Sole Tognazzi ha definido una con la colaboración impagable de Margherita Buy, una de las actrices más populares de Italia y que aquí conocemos fundamentalmente por las películas de Ferzan Ozpetek. Y si alguna pega hay que ponerle a la película es su banda sonora, pues resulta muy obvio el uso de pizzicati cuando se quiere ilustrar escenas cómicas, el esplendor barroco para acompañar el lujo y plagiar el new age de Thomas Newman para resultar profundo y melancólico.

sábado, 2 de agosto de 2014

BEGIN AGAIN Pasión por la música

USA 2013 104 min.
Guión y dirección John Carney Fotografía Yaron Orbach Música Gregg Alexander Intérpretes Keira Knightley, Mark Ruffalo, Adam Levine, Hailee Steinfeld, Catherine Keener, Mos Def, James Corden, CeeLo Green Estreno en España 1 agosto 2014

Once proporcionó en 2006 cierta fama a su director, John Carney. Desde entonces apenas ha dirigido un par de largometrajes de escasa difusión, inéditos en nuestro país, hasta que ha vuelto con una comedia romántica en la que reincide en mostrar el mundo de la música, y más concretamente de la canción folk y pop. Si en aquella un cantautor y una inmigrante paseaban sus canciones y su amor por las calles de Dublín a ritmo casi de documental, ahora son un productor musical y una autora de canciones quienes se enfrentan y ayudan pero en las calles, bares, garitos, lofts y apartamentos de la siempre agradecida Manhattan. Lo primero que hay que agradecerle es que incribiéndose en el género de comedia romántica y ambientándose en Nueva York, no pretenda en absoluto emular al idolatrado Woody Allen, como hacen muchos cineastas contemporáneos. Y los segundo es transmitir una evidente carga de pasión hacia la música, como ilustradora de sueños, compañía de desamores, invitación a la danza o estímulo para reinventarse, autoconocerse y superar complejos. Para ello cuenta con una convincente banda sonora de Gregg Alexander, cuyas canciones son lo suficientemente competentes como para convencer de su presunta calidad, por mucho que al hacer aparición clásicos como Luck Be a Lady de Sinatra, For Once in My Life de Stevie Wonder, As Time Goes By de Dooley Wilson o Thinking About Your Love de Skipworth & Turner sean éstas a la larga las canciones que nos demuestren la grandeza de la música y su carácter imprescindible para acompañar nuestras vidas. Con un argumento en el que las nuevas oportunidades, los afectos, los desencantos y también las nuevas tendencias comerciales de la música y la inevitabilidad de buscar nuevos cauces de distribución, generan un collage tan digerible como entretenido. Hallazgos tales como la transformación de las calles de la ciudad en estudio de grabación, o el despertar emocional de una adolescente desnortada, contribuyen a un producto estimable y disfrutable, en el que sin embargo sobran estereotipos y recursos de guión tan inútiles como la afición del protagonista al alcohol. Keira Knightley hace su habitual exhibición de muecas pero consigue granjearse simpatías con su personaje humilde y discreto, mientras el resto del reparto hace un trabajo solvente, destacando el debut en el cine del líder de Maroon 5, Adam Levine. A celebrar su resolución.

CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2 Aquellos locos vikingos en sus locos dragones

Título original: How to Train Your Dragon 2
USA 2014 103 min.
Guión y dirección Dean DeBlois, según los libros de Cressida Cowell Música John Powell Voces (en versión original) Jay Baruchel, Cate Blanchett, Gerard Butler, Kristen Wiig, Jonah Hill, Christopher Mintz-Passe, Craig Ferguson, America Ferrera, Djimon Hounsou, Kit Harrington Estreno en España 1 agosto 2014

Otra vuelta de tuerca en el cine de animación tridimensional que repite director, realizador también de la divertida Lilo & Stitch, y que aprovecha y mejora los avances técnicos de la anterior entrega para ofrecer un espectáculo visual deslumbrante y narrativamente vertiginoso. Pero lo fundamental de la propuesta es que insiste en su carácter pedagógico con la misma premisa que avanzaba en la anterior entrega para aún perfeccionarla y resultar más incisiva, sobre todo de cara al público infantil, más receptivo a este tipo de enseñanazas y esperanza todavía de que un mundo mejor sea posible. Los dragones de la primera parte están ya integrados con los humanos, han pasado de ser enemigos potenciales a mascotas queridas y mimadas; han dejado de ser una amenaza para una humanidad absorta en sus convicciones y miedos. Mensaje pues de convivencia y entendimiento a través de la generosidad y el talento entre seres en principilo llamados a no entenderse y a beligerar entre sí eternamente. Los peligros por supuesto acechan con el fin de generar argumento, en esta ocasión más endeble que en su antecesora, por mucho que sirva no obstante para generar un espectáculo de fuegos artificiales tan digno de un parque temático como lo es su diseño artístico, una fantástica Isla de Mema y el extraordinario paraje en el que habitan miles de criaturas aladas. Un mensaje de ternura y amabilidad bañado en un incesante juego de carreras de vértigo, personajes estupendamente caracterizados y definidos, virguerías de montaje, efectivos golpes de humor y maravillas de diseño tecnológico, llamado a satisfacer los gustos y las expectativas del espectador más exigente, sin dar por una vez gato por liebre.

viernes, 1 de agosto de 2014

LA REAL CÁMARA EN LAS NOCHES DEL ALCÁZAR: RIGOR SIN MUCHO PALADAR

XV Noches en los Jardines del Real Alcázar. La Real Cámara: Emilio Moreno, violín y viola; Antonio Clares, viola. Mercedes Ruiz, violonchelo. Programa: La Bona Notte. CPE Bach y sus contemporáneos (obras de Mozart, Boccherini y C.P.E. Bach)
Jueves 31 de julio de 2014

Un dubitativo Emilio Moreno
Emilio Moreno es La Real Cámara. Atrás quedaron los tiempos en los que Enrico Gatti y Wouter Möller estaban adheridos a una marca a la que según las necesidades se añadían otros solventes intérpretes; hoy es Moreno la marca y se hace acompañar por quienes estima más oportuno o asequible en cada momento y lugar, por eso no es de extrañar que bajo el prestigioso nombre del grupo se presentaran músicos por otro lado excelentes que presumimos prestados a la empresa, como son la siempre espléndida violonchelista de la Barroca de Sevilla Mercedes Ruiz y el violista murciano Antonio Clares, que ha forjado un formidable currículo en nuestra formación así como en conjuntos imprescindibles como la Orquesta del Siglo XVIII y El Concierto Español.

El tricentenario de Carl Philipp Emanuel Bach fue el pretexto para el programa presentado en la última y fría noche de julio. Del segundo de los siete hijos de Bach y su esposa Barbara se interpretó el Trío wq. 88, según la sonata original para viola de gamba y clave, instrumento por el que más apostaba el compositor en su música de cámara. La transcripción a trío de violín, viola y chelo le hizo perder carácter y singularidad, y aunque los intérpretes lograron un trabajo equilibrado y muy bien dialogado, el conjunto resultó frío y alejado del temperamento de quienes para muchos representa los albores de un espíritu luego conocido como romántico. Moreno llegó a sonar desafinado y puntualmente desentonado al violín en el Adagio K.404a de Mozart, que como otros cuatro de los seis Preludios y fugas del compositor salzburgués, fue seguido de una recreación de una fuga de Johann Sebastian Bach (la sexta es de Wilhelm Friedemann Bach), más en estilo y mejor focalizada.

De Boccherini, históricamente la piedra angular del grupo, se escucharon dos piezas. La que dio título al concierto, un dúo original para dos violines pero frecuentemente interpretado a la viola y el violín, y que Moreno y Clares estrenaron en versión para dos violas, con resultados si no memorables al menos satisfactorios, sobre todo en lo que a alcanzar un sonido homogéneo, aterciopelado y sugerente se refiere. Uno de sus seis tríos grandes Op.14 completó la velada, y aquí sí se hizo notar el carácter precursor romántico de la pieza, gracias especialmente al toque siempre rotundo y autoritario pero sin pérdida del equilibrio ni del sentido de la distancia, de Ruiz al violonchelo.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

miércoles, 30 de julio de 2014

ESPÍRITU MEDITERRÁNEO EN LA GUITARRA DE FRANCISCO BERNIER

XV Noches en los Jardines del Real Alcázar. Francisco Bernier, guitarra. Programa: Evocaciones. Música española del XIX al XX (obras de Sor, Turina, Granados, García Abril, Albéniz y Tárrega). Martes 29 de julio de 2014

Para que un artista llegue a ser considerado tal es imprescindible alcanzar un elevado grado de madurez. Dos años justos después de su excelente concierto en este mismo espacio tan evocador como el propio programa desgranado, Francisco Bernier volvió con un nivel de confianza y madurez aún mayor que el que manifestó en aquella ocasión. Su sola presencia, avalada por los premios y vítores alcanzados no solo aquí sino en muchas plazas entendidas del extranjero, honra unos jardines en los que disfrutar del fresco impropio de un verano ciertamente insólito se ha convertido en una costumbre.

En el programa autores habituales en su repertorio, incluso piezas que ya había interpretado entonces, como los Recuerdos de la Alhambra y la Fantasía sobre motivos de La Traviata, ambos de Tárrega, que volvieron a lucir impolutos, claros y sugerentes, pero con un abanico de matices más amplio y depurado. Enmarcado en esas Visiones de España que diseñan una de las líneas de los conciertos de este año, se repitieron piezas ya escuchadas la semana pasada en versión quinteto de cuerda, como Asturias, en la que Bernier exhibió una vertiginosa pulsación y una enorme plasticidad; y aunque se perdiesen algunas notas en las aceleraciones, su esfuerzo y talento se tradujeron en un trabajo sensacional.

Bernier grabó las Evocaciones de García Abril hace unos años, con resultados notables. Compuestas en 1981 y estrenadas por Ernesto Biteti, la nº 3, dedicada a Juan Ramón Jiménez, es la más íntima y evoca aires mediterráneos con un carácter introspectivo, a lo que la atenta y delicada pulsación de Bernier no solo le hizo justicia sino que la enriqueció. Llobet, habitual también en sus programas, estuvo presente a través de su arreglo de la popular Danza andaluza de Granados, en la que el guitarrista amortiguó su carácter nacionalista, limando y depurando su preciosista expresividad. Claras y sencillas sonaron las Variaciones Op. 9 de Fernando Sor sobre temas de La flauta mágica de Mozart, excelentemente moduladas, salvaguardando su inconfundible estilo galante; mientras en la Sonata Op. 61 de Turina, estrenada por Andrés Segovia en 1932, desplegó rigor, virtuosismo y energía, destacando el detalle con el que tañó su impresionista andante. En esa misma línea técnicamente depurada y espiritualmente detallista abordó las piezas cortas de Tárrega Lágrima, Capricho árabe y la afrancesada y rítmica María Gavota, así como el Preludio de Villalobos que dejó para la propina.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el 31 de julio de 2014

domingo, 27 de julio de 2014

UN TOQUE DE VIOLENCIA Degradación moral en cuatro movimientos

Título original: Tian zhu ding
China-Japón 2013 130 min.
Guión y dirección Jia Zhang-ke Fotografía Yu Lik-wai Música Lim Giong Intérpretes Wu Jiang, Li Meng, Luo Lanshan, Wang Baoqiang, Zhang Jiayi, Tao Zhao Estreno en España 21 julio 2014

El realizador de Naturaleza muerta invita a un viaje a la quintaesencia de la violencia (o el pecado según el título internacional) a través de cuatro historias en cuatro lugares distantes de la actual China, para acabar tejiendo un tapiz reflejo de la degradación moral y sentimental de un país acuciado por problemas como la corrupción política, la marginación social, la mafia, la prostitución o la precariedad laboral. Haciendo uso de una violencia extrema como recurso también extremo en sí mismo, rubrica esa desmoralización y progresiva deshumanización de una sociedad comandada casi únicamente por el poder del dinero. Rodada con un equilibrado sentido épico y un depurado manejo de los recursos cinematográficos, se resiente sin embargo de un metraje excesivo, a pesar de que su estructura en cuatro episodios parezca favorecer el interés y el seguimiento del espectador. Lástima que en el camino se opte por sacrificar animales, mucho nos tememos que sin truco alguno, lo que a nuestro juicio resulta imperdonable y resta calidad y recomendación a un producto decididamente sugerente y a ratos fascinante, con el que lamentablemente resulta fácil identificarse a pesar del extremismo de sus propuestas. Su artificio voluntario queda hábil e inteligentemente expuesto a través de varias inclusiones de teatro tradicional callejero. El guión, en el que se mezclan personajes, historias y situaciones con habilidad y genio, fue premiado en Cannes el año pasado, mientras su ecléctica banda sonora lo fue en Gante.