lunes, 29 de agosto de 2011

EL PERFECTO ANFITRIÓN y la visita incómoda-da

Título original: The Perfect Host
USA 2010 89 min.
Dirección Nick Tomnay Guión Nick Tomnay y Krisha Jones Fotografía John Brawley Música John Swihart Intérpretes David Hyde Pierce, Clayne Crawford, Nathaniel Parker, Helen Reddy, Meghan Perry, Joseph Will, Annie Campbell
Estreno en España 26 agosto 2011

Realizada con escaso presupuesto y en muy pocos días, este pequeño film cuenta con un argumento lo suficientemente original y una realización lo bastante eficaz para haber suscitado el interés del público en aquellos certámenes en los que se ha proyectado, logrando el galardón en esa categoría en el pasado Festival de Sundance. El juego del gato y el ratón, al más puro estilo de La huella de Mankiewicz o Trampa de la muerte de Lumet, sometido a continuos giros de guión, buscando la sorpresa continua y que no decaiga el interés. Sin embargo el experimento se antoja por momentos demasiado mecánico, y su ritmo a veces irregular hace que dicho interés no se mantenga en todo momento al mismo nivel. No obstante su evidente pericia y el excelente trabajo de sus intérpretes, especialmente Hyde Pierce, curtido en televisión (Frasier) y Broadway (Spamalot, Curtains), hace que el producto se eleve por encima de lo meramente convencional, augurando futuras satisfacciones de parte de su desconocido autor. Entre los secundarios destaca la conocida cantante de los 70 Helen Reddy, interpretando a una curiosa e incómoda vecina.

DESTINO FINAL 5 Imaginación inagotable

Título original: Final Destination 5
Dirección Steven Quale Guión Eric Heisserer y Gary Dauberman, según los personajes creados por Jeffrey Reddick Fotografía Brian Pearson Música Brian Tyler Intérpretes Nicholas D'Agosto, Emma Bell, Jacqueline MacInnes Wood, Tony Todd, David Koechner, Ellen Wroe, Miles Fisher, Arlen Escarpeta, P.J. Byrne, Courtney B. Vance Estreno en España 26 agosto 2011

Curtido en el cine como director de segunda unidad en películas espectaculares como Titanic o Avatar, el debutante en la realización Steven Quale ha conseguido con un argumento idéntico al de las cuatro entregas anteriores, un film de terror estimable e impactante, ya desde una secuencia catastrofista inicial sorprendente y ejemplar, y siguiendo con una dosificación del suspense que logra mantener la tensión durante todo el metraje, alcanzando una atmósfera irrespirable y absolutamente inquietante. Y para ello se ayuda de un, por fin, estimulante uso de las tres dimensiones, como se hacía en tiempos de Hitchcock (Crimen perfecto) o de Los crímenes del museo de cera, logrando un gran impacto con los efectos tridimensionales, además de una muy lograda profundidad de campo que no decae en ningún momento. Y como colofón un auténtico festival de grandes momentos estelares de esta inagotable saga, tanto como imaginación tengan sus guionistas para idear nuevas y más truculentas muertes, y sus realizadores para lograr tal nivel de inquietud y desasosiego.


Tema principal de esta quinta entrega, con música también de Brian Tyler, como el resto de la saga

LO CONTRARIO AL AMOR Problemas para sintonizar

España 2011 105 min.
Dirección y guión Vicente Villanueva Fotografía David Carretero Música Julio de la Rosa Intérpretes Hugo Silva, Adriana Ugarte, Luis Callejo, Álex Barahona, Guadalupe Lancho, Rubén Sanz, Kiti Manver Estreno 26 agosto 2011

Comedia romántica que supone el debut en la dirección de largometrajes del valenciano Vicente Villanueva. Al contrario de lo que pudiera parecer, nos encontramos ante un film estimable, amable y simpático cuya tesis reside precisamente en lo que su título anuncia, analizar, por supuesto de forma liviana y sencilla, todo aquello que ahoga al amor, lo corrompe y lo desnaturaliza, como los celos o la posesión. Con un argumento central que recoge el testigo que últimamente ha impuesto Estados Unidos sobre relaciones de pareja sin compromiso, cuenta además con otras dos historias secundarias y paralelas que ahondan en esa misma premisa del amor confundido o desnaturalizado, corrompido por una educación en la que abundan los prejuicios y los estereotipos. Parece mentira que un enorme porcentaje de la población mundial viva en pareja o esté casado y sin embargo sigan siendo insondables los enigmas de la buena sintonización entre personas presuntamente enamoradas. Un reparto atractivo, algo de petardeo, ingenioso pero inevitable, y un generoso aporte de amabilidad y simpatía, construyen una comedia estimable y menos estridente de lo que suele ser habitual en nuestro cine.


Con el tema "La pared" de María Jiménez se cierra este film sobre las dificultades del amor

miércoles, 24 de agosto de 2011

CONAN EL BÁRBARO Sangre y acero para la eternidad

Título original: Conan the Barbarian
USA 2011 117 min.
Dirección Marcus Nispel Guión Thomas Dean Donnelly, Sean Hood y Joshua Oppenheimer, según el cómic de Robert E. Howard Fotografía Thomas Kloss
Música Tyler Bates Intérpretes Jason Momoa, Ron Perlman, Stephen Lang,
Rachel Nichols, Rose McGowan, Saïd Taghmaoui, Leo Howard, Steve O'Donnell,
Raad Rawi, Nonso Anozie Estreno en España 19 agosto 2011

No podemos establecer comparaciones con el film que John Milius dirigió en 1982 porque tal fue la desagradable impresión que nos causó que rehusamos volver a verlo, pero releyendo su sinopsis comprobamos que nada tiene que ver su argumento con el que nos ofrece el realizador alemán, afincado en América, Marcus Nispel, cuyos detalles hacen pensar que refleja mejor y con más fidelidad el espíritu original del cómic ideado por el fallecido Robert Ervin Howard. Nispel parece haberse especializado en nuevas versiones de películas como Viernes 13 o La matanza de Texas, sin que hasta el momento haya logrado realizar un film notable. Otra de sus películas, El guía del desfiladero (Pathfinder), podría haber sido la clave para encomendarle este nuevo Conan. Lo cierto es que el realizador consigue un film entretenido, muy violento y en el que apenas deja margen para la respiración, ya que prácticamente todo su metraje se centra en batallas y luchas sin tregua ni cuartel. En este sentido cabe elogiarle su capacidad para coreografiar la violencia, insuflar ritmo trepidante a su acción y mantener el hilo argumental, muy sencillo por cierto, con la pericia suficiente como para mantener aunque sea un exiguo interés. En el apartado de las interpretaciones, el hawaiano Momoa luce palmito y desempeña su rol con corrección, tampoco se le exige más, demostrando que los cánones de belleza actuales en lo que a chicos fornidos se refiere tienen poco que ver con los que exhibía Schwarzenegger en la que fue la película que lo lanzó al estrellato. La presencia más estimulante del reparto es sin embargo la de la hechicera Rose McGowan, a quien hemos visto en películas de Rodríguez-Tarantino, como Planet Terror o Machete. Y para que nadie la tilde de mojigata frente a la de Milius, abundan los top-less y no han escatimado la secuencia sexual de turno. La era digital ha permitido que los reinos de Hiboria, Aquilonia o Cimmeria se hayan recreado por ordenador con todo lujo de detalle, se hayan incluido bestias descomunales y una estimulante lucha con guerreros de arena, además de aprovechar el tirón comercial del 3D. El rodaje en España de la versión del 82 se ha sustituido aquí por Bulgaria, con un altísimo porcentaje de participación de técnicos del país. Donde sí podemos hacer comparaciones es en la música, la impersonal rozando experimental del anodino Tyler Bates frente a la famosa eclosión coral y orquestal, un poco a lo Carmina Burana, del desaparecido Basil Poledouris de la versión del 82.


Nada en este nuevo "Conan" parece querer emular la cinta que lanzó a Schwarzenegger al estrellato, ni siquiera la música de Tyler Bates

martes, 23 de agosto de 2011

SUPER 8 Condicionado por la nostalgia

USA 2011 114 min.
Guión y dirección J.J. Abrams Fotografía Larry Fong Música Michael Giacchino Intérpretes Joel Courtney, Riley Griffiths, Ryan Lee, Elle Fanning, Kyle Chandler, Gabriel Basso, Ron Eldard, Noah Emmerich, Zach Mills, Amanda Michalka
Estreno en España 19 agosto 2011

Poltergeist, Regreso al futuro, Gremlins o Los Goonies son producciones de Spielberg que llevaron su sello y firma en la década de los 80. Muchas han sido las películas producidas por el Rey Midas y no todas reflejan ese mundo tan particular que dominó esa fructífera y feliz década; ahora parece querer recuperar esa marca en una operación que se antoja directamente inversa y que pervierte su frescura y originalidad. Independientemente de su capacidad para distraer creando espectáculo, merced a una buena dirección que sabe cómo mover la cámara en todo momento, así como jugar con los personajes y presentar una estructura narrativa sencilla y lineal, Super 8 se autolimita en su concepción y su orientación, a servir como vehículo de homenaje a aquel cine que bebía de la serie B para reconvertirse en A de lujo. Abrams, exitoso realizador de la serie Perdidos, que todavía no ha demostrado ser muy capaz en el cine (tan sólo una película producida por él pero dirigida por su amigo Matt Reeves, ha logrado colarse entre los imprescindibles del género fantástico de los últimos años, Monstruoso), convierte su película del verano en una confesión pública: su amor por el cine y su temprana vocación como cineasta. Los niños protagonistas y su afición por el formato que da título a la cinta lo corroboran, hasta el punto de que todo lo que acontece a partir del acontecimiento que desata la trama pareciera ser una película dentro de la película, la que estos niños cinéfilos podrían hacer una vez alcanzada la madurez creativa y financiera que lo exige. Hasta aquí todo es aceptable y elogiable incluso, contando la empresa con un portentoso diseño de producción y un exquisito elenco técnico e interpretativo, todo lo cual desemboca en un espectáculo notablemente entretenido. Pero el problema es que el artificio resulta siempre bastante evidente, a pesar de una puesta en escena y una ambientación a finales de los 70 asombrosa. La carga-homenaje es muy fuerte, eludiendo cualquier posibilidad de novedad creativa, y forzando los detalles, hasta el punto de que los brillos azulados nocturnos son tan exagerados como los poco plausibles acontecimientos con los que arranca la intriga del film; por no hablar de que en su vocación nostálgica, Abrams incluso descuida los aspectos emocionales del film, en favor de la sempiterna e innecesaria explosión pirotécnica. Falta fantasía y falta imaginación, muy especialmente en el precipitado final. E.T. contaba episodios tan fantásticos como los que cuenta este tributo y sin embargo resultaba mucho más convincente y creíble, y por descontado más emocionante. No obstante este tipo de productos empiezan a ser juzgados con mayor acierto cuando ha transcurrido un buen puñado de años, así que le daremos un voto de confianza.


También la música de Michael Giacchino intenta adaptarse al estilo de las producciones Spielberg de los 80, como se aprecia en este tema con el que se cierra la película

BETTY ANNE WATERS Hermana Coraje

Título original: Conviction
USA 2010 107 min.
Dirección Tony Goldwyn Guión Pamela Gray Fotografía Adriano Goldman
Música Paul Cantelon Intérpretes Hilary Swank, Sam Rockwell, Minnie Driver,
Peter Gallagher, Melissa Leo, Juliette Lewis, Loren Dean, Karen Young, Clea DuVall
Estreno en España 11 julio 2011

Las películas protagonizadas por falsos culpables y mujeres coraje, con juicios de por medio, suelen contar ya de entrada con el favor del público, para en muchas ocasiones convertirse directamente en carne de televisión. Ese riesgo lo corre también esta cinta dirigida por el también actor Tony Goldwyn (Ghost), nieto de dos de los grandes de Hollywood de los años 30, Samuel Goldwyn y Sidney Howard, el guionista de Lo que el viento se llevó. Pero Goldwyn capea ese riesgo de telefilm con pericia, gracias a una sensibilidad especial pero nada lacrimógena respecto a lo que nos cuenta, y a una esmerada puesta en escena, movimientos de cámara incluidos, todo lo cual, junto a su multiestelar reparto, logran que nos encontremos más cerca del melodrama cinematográfico que del más barato televisivo. Aparte Swank y Rockwell, que bordan sus papeles de hermanos compenetradísimos, Goldwyn recupera a Minnie Driver (El indomable Will Hunting), Melissa Leo (The Fighter), Peter Gallagher (Amores de verano), Juliette Lewis (El cabo del miedo) y Loren Dean (Mumford) para contarnos una historia de superación y sacrificio. Sin embargo la empresa tiene dos problemas; por un lado como drama policial y judicial faltan datos e intriga, hasta el punto de que ni siquiera se esboza la posible relación entre víctima y presunto verdugo, y la resolución va llegando de forma fortuita y accidental, sin ingenio. Y como drama humano y sentimental, el sacrificio vital del personaje femenino se narra pero apenas se palpa. Su paso por la Universidad se antoja episódico y hasta innecesario, mientras el calvario del presunto asesino no logra conmover, sin perjuicio de la increíble química que destilan sus dos protagonistas, fundamental para lograr que el espectador efectivamente se implique en esta historia real.


Paul Cantelon (La escafandra y la mariposa, Las hermanas Bolena) adopta un estilo intimista en la banda sonora de esta película

miércoles, 17 de agosto de 2011

QUIQUE BONAL + VICKY LUNA Harlem, Dixieland y Detroit

Vicky Luna, voz y percusión. Quique Bonal, guitarra eléctrica. Programa: En torno a la música negra americana. XII Noches en los Jardines del Real Alcázar. Martes 16 de agosto de 2011

Ha sido la primera vez que esta pareja de solventes músicos intervienen en las noches estivales, y muy exitosas, del Alcázar. Han tenido tres ocasiones en esta edición para demostrar lo que saben hacer sobre un escenario, la del pasado martes 16 de agosto fue la última.

Y lo que saben hacer no es ni más que menos que música. Ella con su generosa voz, de notable proyección e inequívoco dominio técnico, poderosa en agudos, timbre sugerente, compostura seductora y fraseo muy flexible. Y él con su exhibicionista pasión por lo que toca y cómo lo hace, con arreglos originales y sorprendentes de su propia cosecha, como el fingerpicking utilizado en Mr. Sandman.

Vicky Luna lleva mucho tiempo luciendo palmito y derrochando frescura en el escenario, ya sea dentro del grupo Las Niñas, o a dúo con Alba Molina, otra de las integrantes de dicho grupo, combinando su vocación jazzística con el flamenco de su compañera, o junto al guitarrista Ismael Sánchez. Ahora lleva un par de temporadas acompañándola Quique Bonal, un virtuoso enamorado del blues, y a su ritmo mueve las caderas al más puro estilo Dixie. Tiende a modular la voz de forma clónica a como lo hacen la mayoría de las divas del soul actuales, pero no duda en adaptarse en estilo cuando se trata de cantar Is It True What They Say About Dixie, el clásico de Aretha Franklin Baby I Love You, la balada nostálgica que Vangelis escribió para Blade Runner, One More Kiss Dear, o su esforzada y convincente versión del It Don't Mean a Thing de Duke Ellington.

El público sevillano, con su habitual timidez, o puede que por respeto extremo, rompió a cantar, palmear y jalear cuando le fue solicitado, a propósito del tradicional Got My Mojo Working.

sábado, 13 de agosto de 2011

TOURNÉE Las alegres comadres americanas

Francia 2010 111 min.
Director Matthieu Amalric Guión Matthieu Amalric, Philippe Di Folco, Marcelo Novais y Ráphaelle Valbrune Fotografía Christophe Beaucarne Intérpretes Matthieu Amalric, Miranda Colclasure, Suzanne Ramsey, Linda Marraccini, Julie Ann Muz, Angela De Lorenzo, Alexander Craven Estreno en España 13 mayo 2011 (en Sevilla 12 agosto 2011)


Actor y director ocasional, Matthieu Amalric se ganó el aplauso y la confianza de sus colegas del Festival de Cannes del año pasado, que le concedieron el premio al mejor director por esta crónica, a veces amable y otras no tanto, sobre un grupo de personajes en busca de la felicidad, el cariño y la supervivencia haciendo lo que saben hacer, en este caso espectáculo. Mucha ternura hay en el fondo de una película aparentemente tan tosca como un aseado documental. La formación de una familia, el entendimiento y el respeto entre sus integrantes, y la celebración absoluta de la vida, sin condiciones, reproches ni grandes expectativas, son los temas que se encuentran en el germen de una película que se deja ver con agrado. Buena parte de la responsabilidad recae en unos personajes tan entrañables como las chicas que los interpretan, que en realidad se autointerpretan, recreando incluso sus propios números de burlesque erótico, mientras el protagonista se mete tan de lleno en su personaje que logra una simbiosis con el mismo. Sólo cabría reprocharle algunos convencionalismos, necesarios por otro lado para dar al argumento fluidez y desarrollo, al fin y al cabo al director protagonista lo que le interesa es hablarnos de los verdaderos lazos afectivos, a veces no relacionados tanto con los de sangre como con los de amistad o incluso los meramente coyunturales.


El éxito de The Sonics "Have Love Will Travel" abre y cierra esta cinta de forma muy significativa

viernes, 12 de agosto de 2011

EL CASO FAREWELL Dos directores en la Guerra Fría

Título original: L'affaire Farewell
Francia 2009 113 min.
Dirección Christian Caron Guión Christian Caron y Eric Raynaud, según el libro "Bonjour Farewell" de Serguei Kostine Fotografía Walther Van Den Ende Música Clint Mansell Intérpretes Guillaume Canet, Emir Kusturica, Alexandra Maria Lara, Willem Dafoe, Fred Ward, David Soul, Benno Fürmann, Niels Arestrup, Gary Lewis, Vsevold Shilovsky, Ingeborga Dapukunaite Estreno 5 agosto 2011

Con uno de los más grandes casos de espionaje del siglo XX, tal como lo bautizó en su momento un Ronald Reagan que aquí interpreta con convicción Fred Ward, lamentándose en una de sus secuencias de no haber trabajado a las órdenes de John Ford cuando era actor, se revela definitivamente Christian Caron como un nuevo Regis Wargnier (Indochina, Este/Oeste); otro megalómano con vocación internacional empeñado en retratar la crónica de nuestra historia reciente. Ya lo hizo con un anecdótico episodio acaecido en la Primera Guerra Mundial en Feliz Navidad, protagonizada por Diane Kruger, que en ésta hace un cameo. Con dos años de retraso llega a nuestras pantallas esta ambiciosa producción, fallida en su país tanto por parte de público como de premios. Sin embargo nos encontramos ante una cinta estimable que recupera el espíritu de las viejas películas de espionaje, las que se realizaban entre los 60 y 80, antes de la revolución tecnológica y la mezcla con el cine de acción espectacular que supuso la saga Bourne. Con una cuidada ambientación en el Moscú comunista, recreado en gran parte en Ucrania, unas brillantes interpretaciones a cargo de dos habitualmente directores (Kusturica y el realizador de Pequeñas mentiras sin importancia), y un suculento plantel de secundarios dando vida a personajes históricos como Gorbachov o el ya mencionado Reagan, la película resulta entretenida, huyendo del habitual enredo farragoso en el que terminan convirtiéndose estos productos, si bien funciona más por sus aspectos estéticos y técnicos que por su capacidad de enganchar al espectador, el cual se deja llevar sin excesivo entusiasmo por una trama que en manos expertas hubiera suscitado algo más que mera curiosidad y un discreto interés.

miércoles, 10 de agosto de 2011

AQUITANIA HOMENAJEA A MARIA DE PADILLA EN LOS JARDINES DEL ALCAZAR


XII Noches en los Jardines del Real Alcázar
Leonor Bonilla, canto y percusión. Emilio Villalba, arpa, laúd, viola, zanfoña.
Juan Manuel Rubio, laúd, viola, zanfoña. Elena Escartín, flautas. Programa: Obras del Llibre Vermell, Machaut, Landini y anónimos. Lunes 8 de agosto de 2011

Reina y consorte después de muerta, este año se conmemoran 650 años del fallecimiento de María de Padilla, que logró que Pedro I fuera menos Cruel. Qué mejor lugar para celebrarlo que el Alcázar, donde en estancias como el Patio de las Doncellas se cultivó su turbador romance. Aquitania deviene del grupo Mediterránea, cuyos componentes se afanan en divulgar la música y danza antigua de nuestro entorno cultural sin renunciar a una imaginación y fantasía que acerquen sus propuestas a la estética del público contemporáneo.

Con mucho cariño, y con las dicharacheras divagaciones y conjeturas del jerezano Juan Manuel Rubio, sacaron adelante un programa que jugaba con la posibilidad de que aquella música constituyera la banda sonora de la existencia de una mujer en la sombra cuyo perfume aún podía respirarse entre las aromáticas plantas de los suntuosos jardines, a pesar de tan altas temperaturas.

Tres de las diez piezas conservadas del Llibre Vermell, un canon y dos hermosísimas canciones polifónicas, recopiladas en el S. XIV de entre las obras destinadas a entretener a los peregrinos de Montserrat, más dos piezas de los máximos exponentes del Ars Nova, Guillaume de Machaut y Francesco Landini, dos anónimos italianos del mismo siglo, y otros dos de tradición turca, constituyeron un programa que Aquitania desgranó con notable sentido de la musicalidad y la sensualidad y rigor no exento de aires festivos, mezclando influencias árabes y europeas a través del dominio de instrumentos tan exóticos como el laúd árabe, la viola de teclas, el rabel, el arpa gótica o la imprescindible zanfoña.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el 10 de agosto de 2011

martes, 9 de agosto de 2011

PROGRAMAS DE PANTALLA SONORA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - AGOSTO 2011 CIEN AÑOS DE BERNARD HERRMANN (2)

Para escuchar los anteriores programas dedicados a Bernard Herrmann http://pantallasonora.blogspot.com/2011/07/programas-de-pantalla-sonora-emitidos.html

7-8-2011 Gran parte del programa está dedicado a la espléndida partitura de la cinta El hombre de Kentucky, un film de corte colonialista y aventurero, dirigido por Burt Lancaster. Le siguen el melodrama El hombre del traje gris, el cortometraje de corte patriótico Williamsburgh, el drama ambientado en el mundo de las drogas Un sombrero lleno de lluvia, el melodrama romántico juvenil Blue Denim y la cinta bélica a ritmo de marcha Los desnudos y los muertos.


Descarga http://www.archive.org/details/PantallaSonoraBernardHerrmann6


14-8-2011 El primero de los dos programas dedicados a la música que Herrmann compuso para las películas de Alfred Hitchock incluye Pero, ¿quién mató a Harry?, que fue su primera colaboración juntos. Le siguen la versión norteamericana de El hombre que sabía demasiado, en la que brilla The Storm Clouds Cantata que Arthur Benjamin compuso para la versión británica de 1934. A continuación Falso culpable y esa obra maestra absoluta que fue Vertigo (De entre los muertos), en una interpretación ejemplar de James Conlon al frente de la Orquesta de la Ópera de París.


Descarga http://www.archive.org/details/PantallaSonoraBernardHerrmann7


21-8-2011 En el octavo de los programas dedicados a Herrmann, nos centramos en sus últimas colaboraciones con Hitchcock, que incluyen las obras maestras Con la muerte en los talones y Psicosis, ambas disfrutando de las últimas grabaciones en el mercado, dirigidas por Joel McNeely. También él se encarga de la dirección de otro clásico indiscutible, Marnie, así como de la partitura rechazada por el maestro del suspense para Cortina rasgada, lo que supuso la ruptura definitiva y sin vuelta atrás entre los dos creadores.


Descarga http://www.archive.org/details/PantallaSonoraBernardHerrmann8


28-8-2011 Otra de las colaboraciones más importantes y celebradas de Bernard Herrmann fue con el productor y creador de efectos visuales Ray Harryhausen, especialmente en el grupo de cuatro películas integrado por la muy exótica Simbad y la princesa, la ingeniosa y simpática Los viajes de Gulliver, la imaginativa La isla misteriosa, y la trepidante Jason y los argonautas. Los también compositores John Debney, Joel McNeely, William Stromberg y Bruce Broughton se encargan de las interpretaciones que seleccionamos. 


Descarga http://www.archive.org/details/PantallaSonoraBernardHerrmann9

sábado, 6 de agosto de 2011

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS La precuela sustituye a lo imaginado

Título original: Rise of the Planet of the Apes
USA 2011 107 min.
Dirección Rupert Wyatt Guión Rick Jaffa y Amanda Silver, inspirada en la novela “El planeta de los simios” de Pierre Boulle Fotografía Andrew Lesnie Música Patrick Doyle Intérpretes James Franco, Freida Pinto, Brian Cox, Tom Felton, Andy Serkis, John Lithgow, David Hewlett, David Oyelowo, Tyler Labine, Jamie Harris
Estreno 5 agosto 2011

Muchas eran las alternativas imaginables a partir del impactante final de la película que Charlton Heston protagonizó hace cuarenta y tres años. Algunos pensábamos en que una destrucción global había provocado una nueva evolución en la que los primates habían alcanzado la inteligencia, mientras los humanos sólo se habían desarrollado físicamente. Jaffa y Silver han optado por otros derroteros, aprovechando la coyuntura que les ofrecen dos fenómenos de nuestra actual cultura: el alzheimer y la justa defensa de los animales. De ahí ha surgido un argumento consistente y convincente que el realizador británico Rupert Wyatt, cuyo anterior y único trabajo relevante hasta el momento, El escapista, no hemos podido ver en nuestro país, ha sabido aprovechar ofreciéndonos un film inquietante y trepidante a partes iguales. Muy buen cine de entretenimiento, magníficamente interpretado, montado y planificado. El látex ha sido sustituido por la tecnología digital, pero igualmente ha sido necesario el trabajo de expresión y gesticulación de actores para dar vida a los simios protagonistas, especialmente Andy Serkis, uno de los hobbits de El señor de los anillos, cuyo trabajo interpretativo en la cinta es realmente sobresaliente. Estructurado en tres partes, los efectos visuales sólo se hacen evidentes en el último, con una excelente secuencia de acción visualmente impresionante. Su primer tercio atiende a las coordenadas de la narración clásica, mientras el segundo se adentra con absoluta naturalidad en el drama carcelario. El resultado de todos esos factores, dramáticos, visuales e interpretativos, es un film que seguramente logrará pasar a la historia del género con todos sus méritos, por encima de las numerosas secuelas que tuvo el clásico de Franklin J. Schaffner, la serie de televisión y el remake de Tim Burton.


Patrick Doyle ilustra de forma muy espectacular una de las secuencias cruciales de la película, pero sin atisbo del riesgo y la vanguardia con que Jerry Goldsmith abordó la banda sonora de la primera película de la serie

CAPITÁN AMÉRICA. EL PRIMER VENGADOR Capitán Benjamin Buttom

Título original: Captain America. The First Avenger
USA 2011 126 min.
Dirección Joe Johnston Guión Christopher Markus y Stephen McFeely, según el personaje Marvel creado por Joe Simon y Jack Kirby Fotografía Shelly Johnson
Música Alan Silvestri Intérpretes Chris Evans, Hugo Weaving, Tommy Lee Jones,
Hayley Atwell, Dominic Cooper, Toby Jones, Stanley Tucci, Sebastian Stan, Natalie Dormer, Neil McDonough, Derek Luke, J.J. Feild, Kenneth Choi, Samuel L. Jackson
Estreno 5 agosto 2011

El Capitán América nació en plena Segunda Guerra Mundial con ánimos exclusivamente patrióticos, motivar a la juventud para que se alistara en el ejército para defender a su país de la amenaza nazi. Su éxito rotundo propició que durante décadas se comercializara el cómic nacido al amparo de tan justa causa. Como primera incursión en el cine era lógico que se narraran sus nostálgicos orígenes, de la rata de laboratorio al superhéroe pasando por el mono de feria, retratando esa época de los años 40, lo que gracias a la profesionalidad, pericia y probada artesanía de Joe Johnston se ha logrado sobradamente. El resultado es digno de emparejarse con Rocketeer, una simpática película de principios de los 90 también dirigida por el responsable de Jumanji, Cielo de octubre, Parque Jurásico 3, El hombre lobo y Cariño, he encogido a los niños. La acción apenas hace aparición hasta bien entrado el metraje, y no es precisamente su mejor baza, pues cuando lo hace la cinta se limita a contarnos la rutinaria batalla entre el bien y el mal tantas veces vista, aunque lo hace con dignidad y práctico sentido del espectáculo. Pero lo más interesante deviene en el trazado de la historia de un enclenque ciudadano con más valor que la media, elegido para convertirse merced a los avances de la ciencia en un aguerrido y fornido superhéroe. Su primorosa puesta en escena, ese aire nostálgico y sus buenas dosis de humor, todo lo cual nos recuerda a las aventuras de Indiana Jones – no en vano Johnston también dirigió en su momento algunos episodios de la serie de George Lucas sobre el joven Indy – hacen de esta avanzadilla un entretenimiento impecable y saludable, especialmente para esta época del año. Al final de los títulos de crédito nos avanzan la primera aventura conjunta de varios de los personajes creados por Marvel, Los vengadores, a estrenar el próximo año, con este Capitán América, Iron Man y Thor, entre otros, interpretados por quienes recientemente los han llevado a la pantalla.


Alan Silvestri ha escrito una marcha para el superhéroe al más puro estilo Superman

martes, 2 de agosto de 2011

EL HOMBRE DE AL LADO El indiscreto desencanto de la burguesía

Argentina 2009 103 min.
Fotografía y dirección Mariano Cohn y Gastón Duprat Guión Andrés Duprat Música Sergio Pángaro Intérpretes Rafael Spregelburd, Daniel Aráoz, Eugenia Alonso, Inés Budassi, Lorenza Acuña, Eugenio Scopel Estreno 22 julio 2011


Mariano Cohn  y Gastón Duprat llevan dirigiendo juntos un buen puñado de años y seis películas con ésta en total. En esta ocasión nos ofrecen una propuesta en cierto modo minimalista, en su forma, y catastrofista, como no podía ser menos viendo el país de donde proviene, en su contenido. Una nueva crónica sobre una sociedad enferma, putrefacta, en la que la lucha de clases se ha convertido en objetivo y fin, donde reina la insolidaridad, el materialismo más bárbaro (el Edificio Curutchet de le Corbusier en La Plata, Argentina, se erige en tercer protagonista de un duelo salvaje entre dos hombres de distinta pero sorprendente condición) y la incomunicación y falta más absoluta de sentimiento. Aplaudida y laureada tanto en las dos Américas como en Europa, su mayor acierto consiste en las muy elaboradas y logradas interpretaciones de sus dos protagonistas, y en su puesta en escena, ya dijimos minimalista. Pero el análisis planteado se apoya en algo tan anecdótico que para alargarla se recurre a una serie de situaciones intranscendentes que no hacen sino mermar la capacidad de la cinta para captar nuestra atención y mantener la necesaria dosis de tensión que su argumento demanda. El recurso al tópico está también muy presente, especialmente en el carácter muy aburguesado del habitante del emblemático edificio, así como en las relaciones con su hija. Así las cosas nos encontramos lejos de la obra maestra que algunos demandan, pero merece la pena verse como ejemplo de nuevas tendencias cinematográficas, y una planificación moderna y estudiada. 

LA PRIMA COSA BELLA ¡Viva Italia!

Italia 2010 111 min.
Dirección Paolo Virzi Guión Francesco Bruni, Francesco Piccolo y Paolo Virzi Fotografía Nicola Pecorini Música Carlo Virzi Intérpretes Valerio Mastandrea, Micaela Ramazotti, Stefania Sandrelli, Claudia Pandolfi, Marco Messeri, Fabrizia Sacchi
Estreno 22 julio 2011



En esta película su joven protagonista es repetidamente comparada con Ava Gardner, y qué verdad es que cuando Stefania Sandrelli la interpreta en edad madura, con una peluca impuesta por exigencias de guión, se parece notablemente a la estrella norteamericana a esa edad también madura. Esta historia-río sobre las vicisitudes, a menudo amargas, de una hermosa mujer por sacar a sus dos hijos adelante, conmueve y convence, logrando por tanto un merecido reconocimiento en su país y esperemos que también aquí. Con ella Paolo Virzi recupera cierta tradición del mejor cine italiano, especialmente el que realizaban en los 60 y 70 gente del talento de Mario Monicelli, Ettore Scola o Dino Risi, que cuenta con un homenaje en la cinta, al igual que el grande Marcello Mastroianni. Podrán tacharla de sentimentaloide o melodramática, pero hay sentimiento puro y sincero en esta conmovedora historia, y en sus personajes; en el protagonista, víctima de una infancia machacada por el puritanismo y la miseria de un país que no encontraba su identidad y autoconfianza, reflejada en una familia infeliz y en un continuo huir hacia un futuro incierto. La extraordinaria madre, que bordan tanto Micaela Ramazotti como la estupenda Sandrelli; y los niños, personajes tratados con tanto cariño como acierto, y toda una galería de estupendos secundarios que cumplen la misión de mostrar lo mejor de ese país tan afín a nosotros mismos, y que no es precisamente su inagotable patrimonio artístico, sino esa otra riqueza, la humana y sentimental, la de la buena gente. Peligro de coger un sofocón enorme ante tal derroche de emotividad, pero también de irritación por el excesivo ruido, pero ya se sabe, cosí è l’Italia, bella Italia!


Malika Ayane interpreta para el film una versión de "La prima cosa bella" de Nicola Di Bari

lunes, 1 de agosto de 2011

APOTEÓSICO CONCIERTO DE BARENBOIM Y EL WEST-EASTERN DIVAN EN SEVILLA

Orquesta West-Eastern Divan. Daniel Barenboim, director. Programa: Sinfonías nos.1 y 5 de Beethoven; Adagio de la Sinfonía n.10 de Mahler. Teatro de la Maestranza. Domingo 31 de julio de 2011

Un público enfervorecido exhibió anoche su admiración y apoyo incondicional al que sin duda es uno de los grandes baluartes de la música clásica de las últimas décadas a nivel universal, Daniel Barenboim, cuyo concierto al frente de la Orquesta generada por la Fundación que lleva su nombre y el del difunto Edward Said se ha convertido en cita ineludible del calendario musical del aficionado sevillano al gran sinfonismo romántico. A pesar de ello, y en gran parte por el calor generalmente reinante en la ciudad en esta época, el aforo no fue completo, aunque sí muy considerable. Lástima, porque Sevilla debería tener ya el nivel de cultura musical que impidiese que el clima fuese un pretexto para despreciar el privilegio de escuchar in situ a este genio de la música.

Ensayando en Pilas
Una vez más no podemos dejar de emocionarnos con los resultados obtenidos a partir de un conjunto de músicos tan jóvenes y con tan asombrosas prestaciones, a los que se les da impulso para basar su proyecto de vida generosamente en la música. En estos últimos días en que muchos han sido víctimas de la barbarie, sin duda lo de anoche y la noche anterior en Ronda es una magnífica noticia. Y sin duda el bonaerense ha basado toda su vida en ese amor exhibicionista e ilimitado por la música, visible en su particular manera de dirigir, de mover manos y batuta, de controlar con autoridad, ilusión, excelencia y sinceridad.

A estas alturas Barenboim ya no tiene que demostrar que es el mayor experto beethoveniano de la actualidad. Su versión de la Sinfonía nº 1 ni es estruendosa ni militarista, y desde luego presta más atención al Beethoven renovador y vanguardista que al mero continuador de la herencia de Haydn. Desde su introducción lenta ya dota a la pieza de enorme cuerpo y robustez, para continuar con ataques decididos y seguros, prestando mayor atención a la forma musical, nítida y pulcra, enérgica y vigorosa, que a supuestos artificios anímicos o emocionales. Aunque la orquesta renueva sus integrantes cada año, si bien algunos permanecen dos o tres ediciones, parece mentira que los niveles de excelencia vayan aumentando hasta lograr que podamos esperar que la próxima integral del ciclo sinfónico del genio de Bonn, que grabarán a finales de agosto en Colonia, vuelva a ser indispensable en la discografía de Barenboim.

La Quinta fue sencillamente prodigiosa, con sus primeros famosísimos acordes rompiendo los entusiastas aplausos con los que el público recibió la segunda parte del concierto. Con un dominio absoluto de la partitura, y algún desajuste técnico en los metales, absolutamente intrascendental, se logró una rendición extraordinaria, apabullante, de la celebérrima página, pletórica en tensión, energía, drama, tragedia y triunfo. Se demostró además que todavía se puede expresar mucho a pesar de ser una pieza tan frecuentada, especialmente en un tercer movimiento sigiloso, de puntillas, preparando el apoteósico final, y dejando claro que la batuta es puro Barenboim y nadie le ha allanado el camino a la hora de preparar a los jóvenes músicos. La suya fue una Quinta desgarradora, un grito de socorro, una llamada de atención, quizás el más apropiado himno para un proyecto humanitario de esta envergadura.

Mahler es un campo menos explorado por el director, y sin embargo qué versión tan extraordinaria ofreció del Adagio, único movimiento completado por el propio autor de su Sinfonía nº 10. El carácter elegíaco de esta singular pieza exige una precisión técnica enorme, y sus dos momentos de catastrófica tragedia casi al final, un dominio del color orquestal extremo. Todo eso estaba en la estremecedora versión de Barenboim y sus alumnos y alumnas, marcado por una mayor atención en las transiciones que en el contraste, deviniendo en una interpretación desgarradora pero a la vez sutil y elegante, de una obra que Mahler dejó incompleta no tanto por falta de tiempo como por inestabilidad emocional. Con todo lo argumentado queda claro que lo de anoche fue un acontecimiento excepcional y un motivo para la esperanza.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el 1 de agosto de 2011