viernes, 30 de diciembre de 2011

UN LUGAR PARA SOÑAR Tedioso manual de autoayuda

Título original: We Bought a Zoo
USA 2011 124 min.
Dirección Cameron Crowe Guión Aline Brosh McKenna y Cameron Crowe, según las memorias de Benjamin Mee Fotografía Rodrigo Prieto Música Jon Thor Birgisson Intérpretes Matt Damon, Scarlett Johansson, Elle Fanning, Thomas Haden Church, Patrick Fugit, Angus Macfayden, John Michael Higgins, Stephanie Szostak
Estreno en España 30 diciembre 2011

Cameron Crowe tiene la habilidad para ser considerado un autor sin haber realizado ninguna obra memorable. Recordado fundamentalmente por su película Jerry Maguire, que no es precisamente ninguna maravilla, el resto de su filmografía no le va a la zaga, con títulos como Casi famosos, el lamentable remake de Abre los ojos de Amenábar, Vanilla Sky, y la prescindible Elizabethtown. Ésta que nos ocupa no es la excepción. Hace tiempo que los americanos perdieron el talento para hacer buen cine sentimental y emotivo; llevan veinte años ciñéndose a un modelo de hechuras televisivas que pretende emocionar a base de imposturas y consecuentemente apenas lo consigue. Si encima se trata de un manual de autoayuda, la cosa empeora. Todos esos defectos los acusa esta tediosa película con personajes bobalicones y situaciones estúpidas y ridículas, en las que ni siquiera se ha aprovechado el escenario en el que se ambienta, un zoológico cuyos animales podrían haber dado mucho juego y sin embargo apenas lucen. Por el contrario hemos de soportar los egoístas problemas de una familia caprichosa rodeada de mucho buen rollito, demasiado almíbar y escasísima convicción. Mala forma de terminar el año cinematográfico.

jueves, 29 de diciembre de 2011

DRIVE El poder fascinador del cine

USA 2011 102 min.
Dirección Nicolas Winding Refn Guión Hossein Amini, según la novela de James Sallis Fotografía Newton Thomas Sigel Música Cliff Martínez Intérpretes Ryan Gosling, Carey Mulligan, Albert Brooks, Bryan Cranston, Ron Perlman, Oscar Isaac, Christine Hendricks, Kaden Leos, James Biberi, Russ Tamblyn
Estreno en España 28 diciembre 2011

El gusto del público respecto al cine norteamericano ha evolucionado lo que ha transcurrido entre el entrañable Frank Capra y su nieto Frank Capra III, productor ejecutivo de esta violenta película. El realizador Nicolas Winding Refn se ha especializado en hacer un tipo de cine duro y violento que, aunque no muy divulgado, cuenta con legiones de seguidores fieles. Películas como Valhalla Rising, Bronson o Pusher lo han catapultado a la cima de los directores de culto, que ahora traspasa con esta propuesta dirigida a un público más amplio. Su mano elegante y sofisticada se desliza por una cinta que atrapa con un poder de fascinación extraordinario. A medio camino entre una exquisita ternura y una salvaje carnicería, el trabajo del equipo es excelente en todos los apartados; desde unos diálogos concisos y certeros a una fotografía de fuerte cromatismo y extrema nitidez, pasando por una banda sonora inquietante (la música original de Cliff Martínez y los estupendos temas incluidos, como el que acompaña la magnífica secuencia de arranque) y unas interpretaciones antológicas. Ryan Gosling se consolida con ésta, tras Crazy Stupid Love y Los idus de marzo que está por estrenarse, como la estrella masculina más relevante del momento, junto a Michael Fassbender. Inquietante de principio y fin, tierna en su primera mitad, tremenda en sus propuestas y resoluciones, esta cinta justifica por sí sola el amor que muchos y muchas profesamos al cine. Nos invita a introducirnos en una vida intensa, nos presenta unos personajes interesantes, nos cuenta una historia de vorágine, peligro, amor generoso y soledad absoluta, y nos fascina completamente; ¿acaso no vale eso una entrada de cine, y más?

lunes, 26 de diciembre de 2011

IMMORTALS Violencia estética extrema

USA 2011 111 min.
Dirección Tarsem Singh Guión Charley y Vlas Parlapanides Fotografía Brendan Galvin Música Trevor Morris Intérpretes Henry Cavill, Mickey Rourke, Freida Pinto, Stephen Dorff, John Hurt, Luke Evans, Kellan Lutz, Isabel Lucas, Daniel Sharman, Joseph Morgan, Peter Stebbins Estreno en España 23 diciembre 2011

Nadie mejor para dirigir esta epopeya de cuidadísima estética que el realizador indio Tarsem Singh, cuyo gusto por el barroquismo ha quedado patente en cintas como La celda, The Fall: El sueño de Alejandría y una de las dos Blancanieves que se estrenarán próximamente, Mirror Mirror. Tomando como base argumental la sempiterna lucha contra el Mal, en forma de amenaza mundial, pero ambientándose esta vez en la Grecia clásica poblada de hombres, bestias y dioses, esta producción sigue los pasos de 300 en su suntuosa puesta en escena, sus recargados decorados y su permanente uso de la tecnología digital. Quizás quienes estén muy familiarizados con los sofisticados videojuegos de hoy en día no encuentren demasiados elementos de impacto en esta cinta, pero quienes no lo estamos nos rendimos ante un festival de diseño e imaginación, por mucho que algunos escenarios nos recuerden inevitablemente a los belenes que se montan por Andalucía. Las andazas del hermoso Teseo (Henry Cavill) luchando contra el terrible Hiperión (Mickey Rourke), bajo protección de los bellos dioses y diosas del Olimpo, están resueltas con una notable dosis de violencia, en ocasiones hasta desagradable, pero manteniendo siempre un nivel digno de interés y un gusto estético homogéneo. Con evidentes toques de misticismo, pero sin hacer apologías baratas ni molestas, la película termina resultando un entretenimiento considerable y una experiencia pictórica de primer nivel.

ROUTE IRISH Otro inquietante drama a partir del desastre de Irak

Reino Unido-Francia-Bélgica-Italia-España 2010 112 min.
Dirección Ken Loach Guión Paul Laverty Fotografía Chris Menges Música George Fenton Intérpretes Mark Womack, Andrea Lowe, John Bishop, Geoff Bell, Jack Fortune, Talib Rasool, Craig Lundberg, Trevor Williams, Russell Anderson, Jamie Michie, Najwa Nimri Estreno en España 23 diciembre 2011. No estrenada en Sevilla

Mucho ha tenido que esperar para estrenarse en España, uno de sus países coproductores, la última cinta dirigida por Ken Loach, desde su paso por la sección oficial del Festival de Cannes de 2010, y no lo hace en todas sus plazas. En la línea de Agenda oculta, una de las películas que lo dieron a conocer en la década de los 80, Loach, con la ayuda inestimable de su guionista habitual, Paul Laverty, nos propone una inquietante intriga urdida a partir de uno de tantos episodios dramáticos y camuflados de la Guerra de Irak. Con un estilo sobrio y digno, nos introduce en una trama desasosegante en la que la violencia y la ambición se dan la mano para denunciar toda la estrategia comercial que desde un principio ha supuesto la invasión ilegal y despiadada de ese castigadísimo país. Convincente, impecablemente narrada, y rodeándose de un equipo de primera, que incluye al excelente director de fotografía Chris Menges, galardonado con el Oscar en dos ocasiones, por Los gritos del silencio y La misión, y a su habitual compositor, George Fenton, autor también de las banda sonoras de Gandhi y Las amistades peligrosas, Loach ha logrado un film necesario e inquietante, más sólido e impactante que sus anteriores trabajos, la simpática Buscando a Eric y la tramposa En un mundo libre…

sábado, 24 de diciembre de 2011

EL TOPO Una intriga espesa, muy espesa

Título original: Tinker, Tailor, Soldier, Spy
Reino Unido-Francia-Alemania 2011 127 min.
Dirección Tomas Alfredson Guión Bridget O’Connor y Peter Straugham, según la novela de John le Carré Fotografía Hoyte von Hoytema Música Alberto Iglesias Intérpretes Gary Oldman, Colin Firth, Tom Ardí, John Hurt, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Stephen Graham, Ciarán Hinds, Toby Jones, David Dencik
Estreno en España 23 diciembre 2011

Si el autor de la novela, John le Carré, productor ejecutivo de esta película, ha dado su beneplácito al trabajo realizado por Tomas Alfredson, director de la muy aclamada Déjame entrar, por qué habríamos nosotros de discrepar con él. Y sin embargo qué mala es la sensación de estar sentado o sentada durante dos largas horas frente a una pantalla con la sensación de no sacarle provecho al tiempo invertido; que no acabas de conocer a los personajes que te están presentando, que te pierdes en las situaciones propuestas y que el guión va siempre por delante tuya, sin hacerte partícipe de la intriga proyectada, sencillamente porque los argumentos y pistas que te están dando no atrapan tu intelecto, ya sea porque tengamos un coeficiente bajo o quizás más bien porque sus muy pretenciosos responsables no aciertan a presentar los elementos en juego de una manera convincente o sencillamente inteligible. Con un título original tomado de una película británica de 1918, Calderero, Sastre, Soldado, Marinero, pero sustituyendo (en la cinta se explica por qué) el Sailor final por el más apropiado para esta trama Espía, la novela del famoso escritor especializado en tramas de espionaje ambientadas en la Guerra Fría, ya conoció en 1979 una adaptación televisiva dirigida por el artesano John Irvin y protagonizada por Alec Guinness. En sus generosas cuatro horas de duración se nos contaba mejor esta complicada y misteriosa trama, porque hay ahí elementos de sobra para hacer de una película un fascinante ejercicio de intriga y tensión. Las formas de Alfredson son, como en su anterior título, frías y distantes. No acierta a implicarnos con los personajes, algunos de los cuales apenas están esbozados, por ejemplo el interpretado por Ciarán Hinds, y otros no acertamos a conocer sus inquietudes y motivaciones, caso del de Colin Firth. Con todo hay que felicitar el trabajo del elenco interpretativo, que se suma a un año especialmente interesante en películas corales, como Criadas y señoras o Margin Call. También cabe señalar el espléndido trabajo de ambientación, si bien contribuye junto a la realización y el guión firmado por la prematuramente fallecida Bridget O’Connor, que no llegó a ver el film terminado, a crear una atmósfera espesa y asfixiante que poco ayuda a la comprensión general de su argumento. Los ingredientes estéticos se imponen, incluida la excelente banda sonora de Alberto Iglesias, distrayendo del conjunto y dispersando también en la comprensión de una trama que termina resultando demasiado compleja e inabarcable. Acierta sin embargo a perfilar la personalidad del personaje principal, el típico espía solitario e incapaz de llevar una vida social o sentimental ordenada o satisfactoria, del mismo modo que también acierta en su postulado de que el hombre necesita continuamente conflictos, y que tanto tiempo de paz, aunque sea aparente, le aburre. Muy esperada, tanto sea por su muy eficiente tráiler, ilustrado con música de Danny Elfman para El hombre lobo, como por su paso por Venecia, donde la crítica se rindió a sus pies y sin embargo no arañó ningún premio.

viernes, 23 de diciembre de 2011

CARMINA BURANA THX

Concierto Participativo de la Obra Social La Caixa. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Judith Pezoa, soprano; Jordi Domènech, contratenor; Thomas Mohr, barítono.
Coro de la AA del Teatro de la Maestranza; Niños Cantores de la Escolanía de Los Palacios; Camerata Vocal Concertante; Coro de la Sociedad Musical de Sevilla; Coro de la Universidad de Huelva; Coro del Ateneo de Sevilla; Coro Manuel de Falla del Conservatorio Superior de Sevilla; Orfeón Portuense; Orfeón Virgen de la Escalera de Rota. Pedro Halffter, director. Programa: "Carmina Burana" de Carl Orff.
Teatro de la Maestranza. Jueves 22 de diciembre

Con un variado repertorio distribuido por la geografía española, que incluye El Mesías de Händel, varias veces interpretado en Sevilla, pero también el Magnificat de Bach, aún no estrenado aquí en su versión participativa, que se haya optado por Carmina Burana, tan sólo ocho meses de constituir la pieza central de los fastos del 20 aniversario del Maestranza y la ROSS, nos parecía poco estimulante; hasta que asistimos a la primera función; entonces nos han entrado ganas hasta de repetir y volver a imbuirnos del espíritu de confraternización, el amor por la música y la cohesión y compenetración en torno a un mismo fin y una misma pasión.

Dicho esto sólo cabe felicitar a todas las voces de cada uno de los ocho coros, incluidos los muy ocupados niños y niñas de la Escolanía de Los Palacios, que obraron el milagro de sonar al unísono, sin apenas confusión. También a ésta nuestra cada vez más magnífica orquesta, nunca eclipsada por las numerosísimas voces. Y los solistas, con el teatral Domèmench a la cabeza repitiendo el rol con el que nos deleitó en abril; la soprano de timbre extremadamente agudo Judith Pezoa, cuyo Dulcissime estuvo a la altura de las circunstancias, si bien manifestó un legato algo insuficiente en In trutina; y el barítono Thomas Mohr, prodigio de potencia y proyección, a pesar de alguna descompensación en Estuans interius y Dies, nos et omnia. Y por supuesto enhorabuena a Pedro Halffter, a quien se pudo ver muy satisfecho con este festival de buena voluntad e inmarchitable ilusión frente a las inconveniencias del momento.

Para el recuerdo, la perfecta cohesión de todos los elementos en el emocionante bloque final, desde Tempus est iocundum a la repetición del O Fortuna. Y para envoltorio la prodigiosa acústica del Maestranza, convertido en una suerte de Skywalker Studios en el que todo sonaba con la espectacularidad de un sofisticado THX.

LIEDER DE LISZT POR CECILIA LAVILLA Y MIGUEL ITUARTE: UN ESFUERZO TITANICO

Ciclo Liszt. Cecilia Lavilla, soprano. Miguel Ituarte, piano. Programa: selección de Lieder de Franz Liszt. Sala de ensayos de la ROSS en el Teatro de la Maestranza. Miércoles 21 de diciembre de 2011

Completando el mini ciclo brindado a Liszt en el bicentenario de su nacimiento, el muy interesante y entregadísimo pianista vasco Miguel Ituarte compareció acompañado por la inquieta y estimulante voz de Cecilia Lavilla en una singular cita que tuvo lugar el pasado miércoles. En el primer concierto, celebrado en noviembre, Ituarte abordó con profunda sensibilidad los Estudios Trascendentales, mientras hacía gala de mayor austeridad y excesiva preocupación formal en la Sonata Hammerklavier de Beethoven, pieza muy significativa en la carrera pianística del autor homenajeado.

En esta ocasión, el programa estuvo exclusivamente integrado por un buen puñado de preciosos lieder, quizás una de las facetas compositivas menos transitadas del autor. Obras que Lavilla cantó con suma elegancia, evidente dominio técnico y sensibilidad, y con el enorme mérito añadido de hacerlo sin intermedios instrumentales en los que apoyar el conveniente descanso de la voz. Un esfuerzo más que notable que se saldó con resultados muy satisfactorios.

Despachar así un programa ciertamente poco variado exige también una entrega especial del público, en el que se encontraba una justamente orgullosa Teresa Berganza, madre de la protagonista. Un esfuerzo gratificado con el descubrimiento de unas piezas exquisitas en melodía y expresividad, de un romanticismo comedido que Ituarte acompañó como abordó los Estudios trascendentales, con honda reflexión y profunda emotividad. Un fallo técnico motivó que el concierto se celebrase en la moderna y muy bien equipada sala de ensayos de la orquesta, otro agradable descubrimiento.

Crítica publicada en El Correo de Andalucía el viernes 23 de diciembre de 2011

miércoles, 21 de diciembre de 2011

LA CULTURA ESCAPARATE DE LA CLASE GOBERNANTE

Asisto estupefacto a la noticia, difundida a bombo y platillo en los principales medios de comunicación de la ciudad, de que Sevilla pretende competir a largo plazo con Viena en la celebración del tradicional Concierto de Año Nuevo, marcándose el plazo de una veintena de años para conseguirlo. No se trata por supuesto de eclipsar a la Filarmónica de Viena y a la capital de la música por antonomasia, sino de crear una alternativa competente de amplia difusión en el mundo latinoamericano.

Cuando manifestaciones perfectamente asentadas en la cultura hispalense ven peligrar su futuro, como el Festival de Música Antigua, que el consistorio pretende convertir en certamen bienal, el alcalde se emplea a fondo en la sempiterna promoción de una ciudad bimilenaria, promocionada por derecho propio merced a su larga y apabullante historia. Como cuando Monteseirín se empeñaba en salir en todos los acontecimientos relacionados con el Festival de Cine Europeo, Zoido acompañó a Halffter antes de ayer en una rueda de prensa de alto copete en la que se informaba sobre la celebración el próximo 4 de enero del Concierto de Año Nuevo de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Un proyecto a todas luces de escasa envergadura cultural y formativa, articulada sólo para hacer caja y atraer turismo burdo. Esa es la cultura en la que parece querer implicarse nuestro nuevo gobierno, y encima con la petulancia de querer emular a Viena e incluso comparársele.

Siempre empezando y siempre mirando hacia un futuro en el que, ya lo hemos comprobado en numerosas ocasiones, todo acaba frustrándose por desidia, aburrimiento o falta de apuestas y apoyos. Pero, ¿y si la cosa funciona? ¿Vendrán a dirigir en el futuro nuestra magnífica orquesta artistas de la talla de Mehta, Maazel, Rattle o Dudamel, por citar algunos de los directores de orquesta más mediáticos? ¿Lo hará Barenboim, o éste no por las impertinentes polémicas suscitadas frente a su persona por amplios sectores de la sociedad sevillana, muy especialmente por la clase actualmente gobernante?

Esto no es cultura, es un circo mediocre y miserable que sólo provoca vergüenza y malestar entre quienes creemos que la Cultura es otra cosa, un elemento de cohesión y formación y un camino para conseguir un mundo mejor, más igualitario y más justo. Bienvenido sea el Concierto de Año Nuevo, que además no es la primera vez que se celebra aquí. Bienvenida sea su programación, una adecuada mezcla de valses y música, mayoritariamente óperas, inspiradas en la ciudad. Pero por favor no hagan campaña política y no conviertan estas manifestaciones puramente lúdicas y frívolas en otro escaparate burdo y oportunista para una ciudad por la que todos y todas debiéramos sentir mayor respeto y devoción. Dejen de recortar a los que realmente hacen cultura y olvídense de parques temáticos.

martes, 20 de diciembre de 2011

PERROS DE PAJA Un paso atrás de cuarenta años

Título original: Straw Dogs
USA 2011 110 min.
Guión y dirección Rod Lurie, según el guión de David Zelag Goodman y Sam Peckinpah, basado en la novela “The Siege of Trencher’s Farm” de Gordon Williams Fotografía Alik Sakharov Música Larry Groupé Intérpretes James Marsden, Kate Bosworth, Alexander Skarsgard, Dominic Purcell, Willa Holland, James Woods
Estreno en España 16 de diciembre de 2011

Hollywood parece seguir empeñado en sacarle el polvo a antiguos éxitos cinematográficos para convertirlos en fallidos productos de rápido y olvidable consumo. Cuarenta años después del clásico de Sam Peckinpah, una tremenda disección de la violencia y el límite que estamos dispuestos a respetar para no caer en ella, Rod Lurie, competente realizador de Candidata al poder y La última fortaleza, demuestra poco entusiasmo en este remake de la película, que no directamente de la novela en la que aquella se basaba.

Es evidente que los protagonistas están elegidos más por su presencia estética que por su adecuación a los personajes, de ahí que los dos masculinos exhiban poca credibilidad y que ella sea exactamente un palo inexpresivo. La trama se traslada de la Inglaterra de interior al profundo Mississippi, sin que el retrato de la América profunda consiga plausibilidad alguna. La contundencia y violencia extrema que Peckinpah reflejaba en su película se han tornado aquí en mojigatería absoluta. El resultado es un producto fallido, carente de interés y que poco o nada refleja la situación de machismo y salvajismo que la novela denuncia. Y eso que muchas secuencias parecen directamente calcadas del original, no sólo el cartel…


De lo menos copiado de la película es la música de Larry Groupé, y eso que la de Jerry Fielding para el original de Sam Peckingpah recibió una nominación al Oscar en 1971

PROGRAMAS DE ALFOMBRA ROJA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - DICIEMBRE 2011

13-12-2011 Tras el paréntesis del puente de la Constitución y la Inmaculada, Pepe Serrano y Juan José Roldán presentamos los estrenos del viernes 16 de diciembre de 2011, que incluyen The Artist Misión Imposible: Protocolo Fantasma.



Descarga http://www.archive.org/details/AlfombraRojaEstrenos16122011

20-12-2011 En este programa Juan José Roldán presenta los estrenos del viernes 23 de diciembre, con especial atención a El topo de Tomas Alfredson e Immortals de Tarsem Singh. Además repasamos las nominaciones a los Globos de Oro.


domingo, 18 de diciembre de 2011

EL FUTURO El efecto de los rayos gamma sobre los gatos

Título original: The Future
USA-Alemania 2011 91 min.
Guión y dirección Miranda July Fotografía Nikolai Von Graevenitz Música Jon Brion Intérpretes Hamish Linklater, Miranda July, David Warshofsky, Isabelle Acres, Joe Putterlik, Angela Trimbur Estreno en España 16 de diciembre de 2011

Miranda July obtuvo cierto reconocimiento hace unos años con la película Tú, yo y todos los demás. Ahora insiste en la tragicomedia romántica con una propuesta marciana con pretensiones trascendentales, en la que una pareja de mirada lánguida y una postura desconfiada ante la vida y su entorno, entra en crisis existencial, juntos y por separado, y deciden vivir el presente sin expectativas ni ataduras, con la adopción de un gato callejero, para colmo narrador de la función, como pretexto. Típico producto independiente que se pierde en un discurso sin interés, absolutamente anodino y superfluo, sustentado en ciertas dosis de surrealismo con las que se pretende impresionar a un público que no sabrá si no entiende lo que se le propone o sencillamente no se le propone nada, o al menos no invita a reflexionar sobre nada. Así las cosas no extraña que se haya paseado por varios festivales sin acariciar ni siquiera una mención.

CONCIERTO DE NAVIDAD DE LA ROSS Abrazando las fiestas con música

Orquesta de Cámara de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Vladimir Dmitrenco, concertino y director. Escolanía de Los palacios. Juan Manuel Busto Algarín, director. Programa: Villancicos populares y canciones de Navidad
Teatro de la Maestranza, 18 de diciembre de 2011

Enrique Cabello Pavón y algunos de los niños de la Escolanía
de Los Palacios en un concierto en Paradas hace justo un año
Por segundo año consecutivo el violinista solista de la ROSS, Vladmimir Dmitrenco, tomó las riendas de una entrañable cita con nuestra orquesta y el público del Maestranza, repitiendo el esquema del año pasado, pero con el añadido de las voces infantes de la estupenda Escolanía de Los Palacios, cuyo presidente, Enrique Cabello Pavón, lleva muchos años realizando una excelente labor para los niños y la música, ahora con la inestimable ayuda del joven Juan Manuel Busto Algarín a la batuta.

Una cita con la que los sevillanos podemos exhibir un carácter cosmopolita, abiertos a todo, a nuestros villancicos más arraigados, con nuestra particular tradición folclórica y flamenca (Los campanilleros, Una pandereta suena) combinados con músicas a todos y todas familiares importadas de otros países, especialmente Norteamérica. Canciones de Jule Styne, Irving Berlin (la popular Blanca Navidad, ganadora de un Oscar en 1942 por la película Holiday Inn) y Leroy Anderson (el muy alegre y entrañable Paseo en trineo con múltiples efectos de percusión), interpretadas por la orquesta como si estuvieran acostumbrados a hacerlo continuamente, demostrando una versatilidad extraordinaria para acometer este tipo de música ligera con la misma profesionalidad y buenos resultados que cuando se empeñan en partituras mayores. Tampoco faltaron los clásicos, como Adeste Fideles o el Largo del Concerto Grosso nº 8 di Natale de Corelli, bromas musicales incluidas.

Los protagonistas del evento, como de las propias fiestas, fueron los niños; muchos de los del público fueron de nuevo invitados a tomar la batuta, y los de la Escolanía exhibieron disciplina, entonación y afinación. Dmitrenco mostró una enorme generosidad al agradecer en cada oportunidad que se le presentó las experiencias que le ha ofrecido la orquesta y la sociedad sevillana en la que tan perfectamente parece haberse integrado. Cierto que éstas son ocasiones para desplegar grandes dosis de azúcar y algo de cursilería, pero eso es lo bueno que tiene la Navidad, que podemos expresar esos sentimientos y emocionarnos con ellos, con melancolía por los buenos momentos vividos con nuestros tan recordados seres queridos.

6º CONCIERTO DE ABONO DE LA ROSS Caballos de batalla

6º concierto de abono de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Temporada 2011-2012. Katia y Marielle Labèque, pianos. Pedro Halffter, director. Programa: Abadon, de Pedro Halffter; Concierto para dos pianos en Re menor, de Francis Poulenc; Transcripción de Schoenberg del Cuarteto para piano y cuerda en Sol menor, Op.25, de Johannes Brahms
Teatro de la Maestranza, sábado 17 de diciembre de 2011

Aunque no se tratase de un concierto de Navidad en sentido estricto, muchos fueron los ingredientes que a las puertas de estas fiestas confirieron al 6º programa de abono de la ROSS un carácter especial y entrañable. Reunirnos de nuevo con las Hermanas Labèque es como parafrasear el famoso anuncio de televisión sobre el regreso al hogar. Cada nueva visita es una ocasión de regocijo, más si como en ésta son capaces de demostrar que no han perdido ni un ápice de frescura, añadida a su incontestable dominio técnico y capacidad expresiva. Además llegaron con dos caballos de batalla, su personalísimo, ágil y endiabladamente frenético Concierto para dos pianos de Poulenc, cuya grabación constituyó en su momento piedra angular del dúo, y el hermosísimo Jardín mágico de Ma mère l’oye de Ravel que tocaron como propina, ambas piezas interpretadas con tanta sensibilidad como fuerza expresiva, incluso rimbombancia, y perfecta compenetración, como no podía ser menos tras tantos años de envidiable confraternización. Al concierto de Poulenc ni siquiera le faltó carácter satírico. Al frente de su director la orquesta ofreció un acompañamiento sensible, certero y respetuoso.

Halffter por su parte nos presentó una obra suya, estrenada tan sólo un par de días antes en el Auditorio Nacional de Madrid. Se trata de una pieza que ha de integrarse en principio en una ópera proyectada junto a La Fura dels Baus sobre el Libro del Apocalipsis. La presentación corrió a cargo del Ángel Destructor, Abadon, con dos partes muy diferenciadas. La primera, y más amplia, sinuosa, misteriosa, casi susurrada a la cuerda, con impactos dispersos en forma de tutti orquestal, orientada a crear una atmósfera de tensión y amenaza, que converge en una segunda, breve, crispada, tormentosa y violenta, apabullante en ciertos momentos en los que la carga emocional recae en unos muy potentes metales. Una obra que no puede evitar mirar hacia la música cinematográfica, especialmente al género de terror, en su clara vocación programática.

La magnífica transcripción orquestal del primer Cuarteto con piano de Brahms, por Arnold Schoenberg, heredero espiritual del autor, que algunos bautizaron como Sinfonía nº 5 dado el respeto y profundo conocimiento del estilo brahmsiano con el que el autor de Noche transfigurada acometió la empresa, ya fue grabada por Halffter frente a la Filarmónica de Gran Canaria hace unos años. Pero ésta ha sido si cabe aún más poderosa, épica y enérgica; con un fortísimo control en las dinámicas, el primer movimiento potenció su carácter expansivo, mientras la combinación lírica y militar del tercero obtuvo resultados impecables, hasta desembocar en un final apabullante en ritmo y color, mimetizando a la perfección el carácter gitano del cuarto movimiento. Irreprochable la prestación técnica de una orquesta que además se beneficia de una de las acústicas más milagrosas que existen en este país, la del Teatro de la Maestranza. El concierto acabó con otra propina, algo insólito en estos programas de abono, seguramente como regalo navideño. Muy adecuada la pieza elegida, la celebérrima Danza Húngara nº 5 de Brahms, por ser también pieza habitual de las Labèque en su versión para dos pianos, complementar esta temporada dedicada al compositor alemán, y marcar el carácter festivo y contagioso de estas fechas. De ella Halffter y la ROSS ofrecieron una interpretación de dinámicas muy marcadas, magníficos contrastes y un sentido extraordinario del ritmo.


"Le Jardin féerique" de Maurice Ravel, por Katia y Marielle Labèque

sábado, 17 de diciembre de 2011

MISIÓN: IMPOSIBLE 4 – PROTOCOLO FANTASMA Sofisticada diversión a costa de muchos imposibles

Título original: Mission: Impossible - Ghost Protocol
USA 2011 133 min.
Dirección Brad Bird Guión Josh Appelbaum y André Nemec Fotografía Robert Elswit Música Michael Giacchino Intérpretes Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Josh Holloway, Michael Nyqvist, Léa Seydoux, Vladimir Mashkov, Anil Kapoor, Tom Wilkinson Estreno en España 16 de diciembre de 2011

Hasta ahora Brad Bird sólo había dirigido cintas de animación, desde la muy personal y celebrada El gigante de hierro hasta sus excelentes colaboraciones con Pixar en Los increíbles y Ratatouille. Lo más recurrente para un cronista es analizar la influencia de ese género y la forma de abordarlo en esta cuarta entrega de la saga que creó Bruce Geller para la famosa serie de televisión de los años 60. Pero es que ciertamente hay mucha influencia de esa forma especial de planificar cada secuencia y montar cada escena, de hecho ésta es la entrega más sencilla en estructura narrativa, composición de personajes y comprensión del guión. Un film cien por cien distraído, espectacular y digerible con notable ligereza. También es cierto que nos volvemos a encontrar ante una historia en la que se nos pide que no seamos muy rigurosos con la coherencia interna de la trama, con las situaciones límite que continuamente se nos proponen y con la cantidad de poco plausibles artilugios que auxilian a los protagonistas en sus innumerables y peligrosas misiones. Bird maneja todos los sofisticados ingredientes de este lujoso juguete con perfecta planificación, rigor estructural y mucha profesionalidad, hasta lograr un producto sólido, divertido, ameno y con un magnífico sentido de la tensión dramática perfectamente mezclado con un saludable sentido del humor. A eso hemos de añadir sus bellas localizaciones, desde Estambul a San Francisco pasando por Moscú, Dubai y Bombay, en una suerte de Vuelta al Mundo a lo Julio Verne. Casi podríamos afirmar que se trata del mejor título de la serie, a la zaga de la tercera entrega, que dirigió J.J. Abrams, ahora productor, o al menos al mismo nivel que la excelente primera entrega dirigida por Brian de Palma. Cruise demuestra estar todavía en perfecta forma para encarnar casi a sus cincuenta años al ágil y flexible agente Ethan Hunt, mientras su nuevo equipo, integrado por los muy solventes Jeremy Renner (En tierra hostil), Paula Patton (Precious) y el cómico Simon Pegg (pareja profesional de Nick Frost en títulos como Zombies Party y Paul), demuestran que se han incorporado para quedarse, si la taquilla lo permite. En definitiva, un impecable espectáculo de imagen y sonido, realizado con la mejor tecnología posible, pero sin someter todo su potencial a la misma. Por su parte Michael Giacchino (Up) firma una estupenda, enérgica y muy variada banda sonora, al nivel de la diversión propuesta.


Michael Giacchino hace una estupenda versión del mítico tema original de Lalo Schifrin para esta nueva entrega cinematográfica de la serie

viernes, 16 de diciembre de 2011

CONCIERTO DE ESTRENO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA CONJUNTA

Orquesta Sinfónica Conjunta. Joanna Krasuska-Motulewicz, mezzosoprano. Juan García Rodríguez, director. Programa: Passacaglia de "Peter Grimes" de Britten; Kindertotenlieder de Mahler; Sinfonía nº 5 de Beethoven.
E.T.S. de Ingeniería. Fecha: Jueves 15 de diciembre de 2011

La Universidad está más cerca que nunca de lograr una formación sinfónica digna y acorde con la excelencia académica con esta formación surgida de la colaboración con el Conservatorio Manuel Castillo. De nuevo el modelo musical, a pesar de sus muchas y denunciadas restricciones, sirve de referente para cualquier tipo de actividad docente.

En el estreno de esta nueva orquesta echamos en falta unas palabras de introducción que dieran a la ocasión un relieve festivo y solemne. Poco que reprochar sin embargo a sus entregadísimos y muy jóvenes integrantes, comandados por García Rodríguez, líder del Zahir Ensemble e impulsor del ciclo Cajasol de Música Contemporánea. Con mucha ambición afrontan una temporada en la que, habiendo ya demostrado sus capacidades, ofrecerán  una buena dosis de música actual.

De momento atacaron con brío y mucha energía una página generosa en color y textura como es la Passacaglia de Britten, con toda la paleta orquestal brillando en conjunto y por secciones. Otro tanto puede decirse de una Sinfonía nº 5 de Beethoven dicha sin complejos, con intensa energía, tempi rápidos y apenas caídas de tensión. Fueron los pasajes delicados, como el segundo movimiento de la célebre página o las melancólicas Canciones de los niños muertos de Mahler, los que acusaron más tosquedad y menos sensibilidad, muy especialmente los lieder, donde el maridaje entre orquesta y voz resultó desequilibrado. El bello timbre de la mezzo prestada por la Universidad Musical Polaca acusó poca proyección y registros limitados; las maderas y los metales acabaron de eclipsar su intervención.

Crítica publicada en El Correo de Andalucía el 16 de diciembre de 2011


Passacaglia de "Peter Grimes", compuesto por Benjamin Britten e interpretado por André Previn y la Sinfónica de Londres

lunes, 12 de diciembre de 2011

ARTHUR CHRISTMAS: OPERACIÓN REGALO Una montaña rusa de equívoco mensaje navideño

Título original: Arthur Christmas
Reino Unido-USA 2011 97 min.
Dirección Sarah Smith y Barry Cook Guión Peter Baynham y Sarah Smith Fotografía Jericca Cleland Música Harry Gregson-Williams Voces originales James McAvoy, Hugh Laurie, Jim Broadbent, Bill Nighy, Imelda Staunton, Eva Longoria
Estreno en España 9 de diciembre de 2011

La unión entre Sony Pictures (Lluvia de albóndigas) y Aardman Animations (Wallace y Gromit, Chicken Run, Ratónpolis) ha dado como resultado un vertiginoso entretenimiento para pequeños y adultos de impecable diseño y espectacular acabado, pero que encierra trampa en su bienintencionado mensaje. Y es que aboga por la imaginación, la ilusión y el regreso a los valores tradicionales teñidos de juegos infantiles sencillos y clásicos, mientras lo que realmente ofrece a niños y niñas es un espectáculo de tecnología avanzadísima y fascinante resolución formal, que deja perplejos a los pequeños y sin capacidad para asimilar el mensaje propuesto. En su vocación de montaña rusa llega a ser excesiva, provocando fatiga e incluso desinterés, lo que no impide que funcione como digno entretenimiento. Entre los personajes, no todos están convenientemente diseñados para provocar empatía, pero entre los que sí lo están destacan el abuelo Santa Claus, hilarante y entrañable incluso en su perfil de cascarrabias, y la madre Claus, una suerte de contrincante de Meryl Streep en su personificación de Margaret Thatcher, pero henchida de ternura, calma y amabilidad. Mención aparte merecen los divertidos elfos, prodigio de caracterización por cuento son miles y tantos son sus perfiles.


"Make Someone Happy", un clásico de Jimmy Durante compuesto por Jule Styne, Betty Comden y Adolph Green, que Bill Nighy canta en la banda sonora de esta película

domingo, 11 de diciembre de 2011

ATTACK THE BLOCK Pandilleros vs. Aliens

Reino Unido 2011 88 min.
Guión y dirección Joe Cornish Fotografía Thomas Townend Música Steven Price Intérpretes John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Lecon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Nick Frost Estreno en España 9 diciembre 2011

Los misterios de la distribución española son insondables. Esta cinta, llamada de entrada a convertirse en película de culto y generada descaradamente para lograr éxito de taquilla con el ya poco original punto de partida de estar hecha presuntamente con pocos recursos, se ha estrenado en apenas un puñado de salas en todo el país, y sólo en cinco o seis capitales, incluida al menos por una vez la nuestra. Quizás sólo sea una estrategia de mercado y de momento se haya decidido colocarla sólo con copias digitales en pocas salas para luego dar el salto al estreno masivo, algo que ya se probó hace un par de años sin demasiada suerte con Kick-Ass. Lo cierto es que este título supone la consagración definitiva del realizador Joe Cornish, tras disfrutar de sonados éxitos en la televisión británica y escribir el guión, por otro lado fallido, del Tintin de Spielberg, al frente de un equipo que ya ha contado con el respaldo de un público entregado en títulos como Zombie Party. Saludada como un cruce entre Ken Loach y Robert Zemeckis, y como reverso de la reciente Súper 8, la cinta que nos ocupa tiene la desfachatez de convertir en héroes a una pandilla de gamberros chorizos y adolescentes que se tienen que enfrentar a un ataque alienígena. Quien quiera ver en esto denuncia social que se abstenga, pues el producto no pasa de ser un mero entretenimiento, rodado con energía y fluidez, cuyos protagonistas no consiguen empatizar, menos mal, con el público, al menos con el formado y cultivado. A partir de ahí asistimos a un guión caprichoso y mediocre en el que las situaciones son forzadas (participación nula o escasa de las fuerzas de seguridad en una situación de emergencia global, vecinos del bloque de pisos del título al margen de los acontecimientos, y otras lindezas) y los recursos ciertamente mediocres. El doblaje en castellano neutro y perfecto no ayuda por supuesto a creerse a unos niñatos de condición barriobajera, mientras los protagonistas abordan con soltura y solidez sus personajes, incluida la joven Jodie Whittaker, a quien vimos junto a Peter O’Toole en la estupenda Venus de Roger Michell, y el cómico Nick Frost, que junto a Simon Pegg ha disfrutado este pasado verano del éxito de otro extraterrestre, Paul. Especial mención para los niños Caos y Problemas, quizás lo más fresco y simpático del conjunto, en la línea de las niñas enredantes de Tamara Drewe. A pesar de todo lo apuntado logró triunfar en el Festival de Sitges, donde acaparó los premios del público, crítica y banda sonora, efectiva y espectacular de Steven Price y Basement Jaxx.


"The Block", tema principal de Steven Price y Basement Jaxx de la banda sonora galardonada en Sitges

sábado, 10 de diciembre de 2011

5º CONCIERTO DE ABONO DE LA ROSS: LARS VOGT Y MICHAEL SCHØNWANDT Mucho temperamento

Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Lars Vogt, piano. Michael SchØnwandt, director. Programa: Suite Karelia Op.11 de Sibelius; Sinfonía nº 2 Op.16 de Nielsen; Concierto para piano nº 1 Op.15 de Brahms
Teatro de la Maestranza, jueves 8 de diciembre de 2011

El pianista alemán Lars Vogt
Cuando se provoca una crisis como la que estamos padeciendo para cambiar nuestro sistema y estilo de vida, la cultura no sólo pasa a un segundo plano sino que molesta directamente. Maestranza y Sinfónica lo saben bien a la vista de los ajustes (eufemismo de recortes) que están padeciendo, y sin embargo no escatiman a la hora de ofrecer programas tan suculentos como el de este 5º de abono.

Por su larga duración y su carácter sinfónico, el Concierto nº 1 de Brahms ocupó la segunda parte del programa. Con cada nueva visita Lars Vogt va acumulando mayor prestigio y experiencia, certificada con la ya abundante lista de grandes nombres con los que ha colaborado. Por eso no es de extrañar que a la delicadeza de su piano, corroborada en el breve y popular Vals Op.39 nº 15 del autor del Réquiem Alemán que ofreció como propina, debamos añadir la fuerza dramática e intensa expresividad de su sensacional concierto para piano, que Michael SchØnwandt acompañó con aplomo y respeto, a pesar de un desinflado arranque.

Antes, el maestro danés extrajo de la orquesta un sonido diferente al acostumbrado, ni mejor ni peor pero más austero y solemne que en otras ocasiones, lo que dice mucho a favor de la versatilidad y flexibilidad del formidable conjunto. Si en el simpático Intermezzo de Karelia Suite la cuerda dejó en un segundo plano a los metales, éstos sonaron majestuosos en una lectura soberbia de la Sinfonía nº 2 del raramente programado Carl Nielsen, matizando cada uno de los temperamentos que ilustra la obra  con la firmeza y decisión de quien conoce perfectamente a su compatriota.

Crítica publicada en El Correo de Andalucía el 10 de diciembre de 2011

PROGRAMAS DE PANTALLA SONORA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - DICIEMBRE 2011

4-12-2011 El reciente estreno en nuestras pantallas de dos nuevas adaptaciones de clásicos de la literatura como Jane Eyre de Charlotte Brontë y Los tres mosqueteros de Alexandre Dumas, nos ha servido de pretexto para proponer un repaso por los principales títulos que a lo largo de la historia del cine se han ocupado de estas dos novelas. Músicas de Bernard Herrmann, John Williams, Alessio Vlad, Dario Marianelli ilustran la primera, mientras de los famosos espadachines se ocuparon compositores como Max Steiner, Michel Legrand, Michael Kamen y Paul Haslinger.


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6-12-2011 Debido a la fiesta de la Constitución, no emitimos Alfombra Roja; en su lugar aprovechamos para hacer un programa especial de Pantalla Sonora en el que repasamos algunas de las bandas sonoras de películas recientes que no pudimos escuchar en otras ocasiones, como Drei, Anonymous, Acero puro,  War Horse, Arthur Christmas, Un golpe de altura, One Day, Happy Feet 2 e Inmortals.


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11-12-2011 La reciente aparición en el mercado de una grabación del sello Naxos conteniendo dos amplias suites de Aaron Copland para los films Of Mice and Men (1939) de Lewis Milestone, y Sinfonía de la vida (Our Town, 1940) de Sam Wood, interpretadas por Andrew Mogrelia y la Filarmónica Checa Bohuslav Martinu, nos sirve de pretexto para repasar los títulos más emblemáticos de este compositor clásico americano, desde los ya aludidos a La heredera (The Heiress, 1949) y El pony rojo (The Red Pony, 1949).


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18-12-2011 Con ocasión del 95 cumpleaños del legendario actor Kirk Douglas, repasamos algunos de los títulos más significativos de su filmografía a través de la música, escuchando suites y temas de El extraño amor de Marta Ivers, Cautivos del mal, Dos semanas en otra ciudad, El loco del pelo rojo, Duelo de titanes, Los vikingos, Senderos de gloria, Espartaco, La sombra de un gigante, Traficantes de dinero y 20.000 leguas de viaje submarino.


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25-12-2011 En este Día de Navidad nos ponemos sentimentales y nostálgicos y repasamos el argumento del imprescindible de Frank Capra ¡Qué bello es vivir! a través de la música que para el film compuso Dimitri Tiomkin, en una interpretación impecable de David Newman al frente de la Royal Philharmonic Orchestra. El programa lo complementamos con dos clásicos navideños de Bing Crosby (White Christmas) y Judy Garland (Have Yourself a Merry Little Christmas).


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IN TIME

USA 2011 109 min.
Guión y dirección Andrew Niccol Fotografía Roger Deakins Música Craig Armstrong Intérpretes Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Cillian Murphy, Olivia Wilde, Alex Pettyfer, Johnny Galecki, Vincent Kartheiser, Matt Bomer, Yaya DaCosta
Estreno en España 2 diciembre 2011

Poco se prodiga el realizador de Gattaca, Simone y El señor de la guerra, y autor del guión de El show de Truman de Peter Weir. Pero a la vista de los pobres resultados de esta nueva incursión en la ciencia ficción, menos debiera aún prodigarse. Partiendo de una premisa interesante, una sociedad en un futuro próximo (a la vista de la dirección artística parece inminente, aunque algunos avances tecnológicos resulten demasiado inalcanzables) en la que nadie sobrepasa los 25 años, y por supuesto manteniendo una extraordinaria belleza, a cambio de traficar con tiempo en lugar de dinero para sobrevivir. Lucha de clases, injusticias sociales, mafias y tráfico ilegal son temas expuestos con mucha timidez y escasísima capacidad crítica o al menos analítica. La cosa deviene progresivamente en un aburrido bodrio de persecución sin fin y giros de guión de escaso calado emocional. Los guapos y guapas cumplen como pueden mientras la música de Craig Armstrong destaca en el conjunto, si bien tampoco con demasiado entusiasmo.


Versión coral del tema principal de la película, compuesto por Craig Armstrong

jueves, 8 de diciembre de 2011

CITAS EN MADRID: LADY MACBETH Y DON QUIJOTE

Cuando Shostakovich estrenó su segunda ópera simultáneamente en Leningrado y Moscú, cinco años después de debutar en la lírica con La nariz, nada le hacía presagiar que dos años más tarde, a propósito de la asistencia de Stalin a una de sus representaciones en la capital de la Unión Soviética, comenzaría un particular calvario para el compositor que acabaría con su carrera como autor operístico – su tercera ópera, Los jugadores, que comenzó a escribir ocho años después del estreno de Lady Macbeth de Mtsensk, quedó inacabada. El dirigente soviético vio mucha mezquindad, vulgaridad y música confusa en una obra que debía ser el punto de partida de una serie de óperas que reflejasen el papel de la mujer en Rusia, desde la machista época zarista a la liberación femenina en la URSS. Para ello adaptó una novela corta basada en un acontecimiento verídico en el que una mujer asesinaba a su suegro, marido y el sobrino de éste, con la ayuda de su amante y con móviles absolutamente económicos, lo que le valió el apodo del personaje shakespeariano. El hecho de que Shostakovich despojara a la protagonista de ambiciones hereditarias, y limitara sus frustraciones a las de índole sentimental, le sirvió para analizar la sociedad machista en la que se desenvuelve el drama de un juguete sexual castigada sin estímulos sensuales y afectivos. Sin embargo en ese punto deja de tener relación con Lady Macbeth, y mejor debiera haberse titulado Katerina Ismailova, que es como tras la censura indirecta a la que fue sometida y tras provocarle algunos recortes y ajustes, decidió rebautizarla en 1963.

Hechas estas consideraciones introductorias, en su apuesta por títulos contemporáneos y poco divulgados, Mortier ha tenido el acierto de convocar de nuevo esta ópera al escenario del Real, tras haber pasado más de una década desde que la dirigiera en este mismo espacio el mismísimo Rostropovich, artífice de la recuperación de la partitura original. Para esta nueva ocasión ha contado con la celebrada producción de Ámsterdam del 2007, con una muy simbólica y acertada dirección escénica de Martin Kusej. En ella Katerina permanece gran parte de la obra en una inmaculada jaula de oro, rodeada de caprichosos y lujosos zapatos; a su alrededor la superficie es de alquitrán, con lo que cada hombre que con su consentimiento va entrando en su cámara, la va consecuentemente ensuciando, o lo que es lo mismo, mancillando la pureza y la inocencia de la joven. La acción se ha trasladado desde mitad del siglo XIX a mitad del XX, demostrando que por mucho que Shostakovich quisiera reflejar en su ciclo frustrado, las cosas no han cambiado tanto, al menos en lo que a violencia de género se refiere, hasta el punto de que también se habría podido ambientar hoy en día. Porque encaprichada y enamorada, Katerina va siendo vejada por quien la utiliza seguramente para fingir una sexualidad que no posee, o para ultrajarla y aprovecharse de ella hasta repudiarla. Ella acaba matando a su rival en lugar de a su maltratador, y sacrificándose a sí misma porque vive en una sociedad, como la nuestra, que no invierte en educación convenientemente y aboca a una conducta machista, como muy bien escenifica el coro, multitud de gente mezquina, ya sea robando los zapatos que simbolizan la riqueza, bebiendo y gamberreando como aficionados a la botellota en la muy danesa escena de la boda (piénsese en la película Celebración de Thomas Vinterbeg) o desfilando como zombies en las gélidas tierras siberianas donde han ido a pagar por sus crímenes.

Como ven esta Lady Macbeth de Kusej da mucho que pensar, invita a reflexionar y tiene mucho que decir, un ejercicio intelectual sano y por supuesto muy bienvenido. Pero Lady Macbeth no triunfa si no lo hace su protagonista, y la soprano holandesa Eva-Maria Westbroek lo hace sobradamente, por su torrencial voz, su facilidad para la entonación, los cambios de registro, el fraseo y la agilidad, con momentos tan emotivos como cuando sola en la habitación reflexiona sobre su falta de ternura y atenciones (escena 3 del acto 2º). Pero sobre todo por su expresividad y su talento interpretativo, convenciendo sobradamente en su progresivo deterioro emocional y moral. Poco importa que los personajes masculinos no brillen ni mucho menos a su altura. Michael König es un chulo convincente y vocalmente correcto, sin más, mientras Vladimir Vennev, ampliamente familiarizado con el detestable personaje del suegro, evidenció escasa capacidad de proyección, que salvó con gusto en la modulación y expresividad actoral. La dirección orquestal del veterano Hartmut Henchen brilló por encima de la mera corrección, con interludios llenos de fuerza, especialmente en la dura escena del casi explícito coito, donde el ímpetu orquestal y los intermitentes flashes de luz lograron dotar de enorme dignidad a una escena esencialmente escabrosa.

Antes de esta experiencia multisensorial, pudimos asistir en el Auditorio Nacional a uno de los conciertos de abono de la Orquesta Nacional que Josep Pons ha articulado este año en torno al París de la Belle Epoque. Tres Don Quijotes muy distintos; el más conocido y programado el de Strauss para violonchelo solista, que Miguel Jiménez defendió con notable solvencia, aunque quien brilló especialmente fue la viola de Cristina Pozas, prodigio de claridad y expresividad. La dirección de Pons fue sin embargo irregular, con numerosas caídas de tensión, imprecisiones de articulación y escasa incisividad cuando se requería. Las amables y algo folclóricas Danzas del catalán Roberto Gerhard, dichas con sentido del color y notable fluidez; y el fundamental Retablo de Maese Pedro de Falla que Pons, quien tiene una interesante grabación de la página junto a Cambra Teatre Lliure, dirigió con ímpetu y precisión, mientras Raquel Lojendio defendió con loable acierto su difícil tarea de sopranista, sin echar mano del recurrente falsete y evidenciando una voz perfectamente colocada que modula a la perfección, sin desfallecer en ningún momento. Gustavo Peña destacó en proyección en sus intervenciones recitadas, mientras el joven barítono Joan Martín-Royo se mostró más inseguro e impreciso en su más difícil tarea de dar vida al Quijote. Lástima que la solvencia del concierto, al margen del fallido poema sinfónico de Strauss, fuera ilustrada con unas notas al programa tan pobres, mal escritas y peor punteadas como las de la catedrática, supuestamente especialista en Cervantes y la música, Begoña Lolo.