LES LYONNAIS Una tragedia criminal con escasa garra

Francia 2011 104 min.
Dirección Olivier Marchal Guión Olivier Marchal y Edgar Marie, según el libro “Por un puñado de cerezas” de Edmond Vidal Fotografía Denis Rouden Música Erwann Kermovant Intérpretes Gérard Lanvin, Tchéky Karyo, Daniel Duval, Dimitri Storage, Patrick Catalifo, François Levantal, Valeria Cavalli Estreno en España 4 de mayo de 2012

No son Belmondo ni Delon ni el tono es el socarrón que caracterizaba las películas francesas de los fuera de la ley de los años 70. Se adopta ahora uno mucho más grandilocuente y pretencioso, deudor de un estilo impuesto por el cine italoamericano de la misma época, con Coppola y De Palma a la cabeza, y más tarde adoptado por los propios italianos en títulos como Romanzo Criminale de Michele Placido. Pero la crónica de las andanzas del criminal Edmond Vidal y su banda de Los Lioneses a finales de los 60 y los 70 no consigue el tono entre épico, trágico y hasta heroico que requiere un personaje como el retratado. Con base literaria del propio Vidal, que no duda en achacar, ya desde el título de su obra, la culpa de sus crímenes a un robo insustancial de cerezas que le provocó siete años de cárcel cuando era aún muy joven, y con la caligrafía pulcra y cuidada de un ex policía, Olivier Marchal, la película sin embargo no remonta el mero entretenimiento, sin pasión ni auténtica emoción. El duro Gérard Lanvin se limita a una interpretación hierática con la que pretende transmitir la amargura de una vida desviada marcada por una amistad que se supone entrañable con uno de sus colegas delictivos, pero que en ningún momento traslada tal o similar sentimiento. Tampoco Tcheky Karyo se empeña en darle más convicción a su personaje, pero al menos hace uso de una mayor gama de registros. Por otro lado sus parecidos con los actores que les dan vida de jóvenes son poco menos que inexistentes. No se le puede negar su lograda factura técnica y artística, buena ambientación y efectivo montaje, pero sólo funciona a niveles epidérmicos cuando tendría que haber disfrutado de dimensiones más trágicas y fundamentos más sólidos.

PROGRAMAS DE PANTALLA SONORA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - MAYO 2012

1-5-2012 Seguimos también en mayo rindiéndole homenaje al popular compositor John Williams cuando cumple 80 años, en esta ocasión centrándonos en una grabación de 1994 de la Boston Pops con música de Aaron Colpand y de él mismo, en concreto Los rateros de Mark Rydell, con la colaboración de Burguess Meredith como narrador, y Nacido el 4 de julio de Oliver Stone. Completamos el programa con una selección de Hook de Spielberg interpretada también por la Boston Pops con Williams a la batuta.

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6-5-2012 En este último programa de los cinco dedicados a John Williams en su 80 aniversario, repasamos su música para la trilogía clásica de La guerra de las galaxias: La que da título a la saga, El imperio contraataca y El retorno del Jedi, en unas impecables grabaciones en calidad de interpretación y sonido, a cargo de Charles Gerhardt y la National Philharmonic Orchestra, editadas los mismos años del estreno de cada una de las películas.

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13-5-2012 Integrante del famoso grupo pop de los 80 Sade, Stuart Matthewman se ha dedicado en los últimos años a componer música para el cine o incluir temas suyos, con el grupo liderado por Sade Adu o en solitario como Cottonbelly, en bandas sonoras. En esta muestra escuchamos música de The Astronaut Farmer, Twin Falls Idaho, Una proposición indencente, Spanglish, Melodía de seducción y Ellas y ellos.

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20-5-2012 El primero de dos especiales dedicados a la música en el cine negro clásico americano se centra en el compositor Miklós Rózsa. Escuchamos temas y suites de Doble vida, Perdición, Días sin huella, El extraño amor de Marta Ivers, Forajidos, Fuerza bruta, La ciudad desnuda, La jungla de asfalto y Cliente muerto no paga.

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27-5-2012 El segundo de los dos especiales dedicados a la música en el cine negro clásico americano tiene como protagonista a Humphrey Bogart, siete de cuyas películas, de El halcón maltés a Cayo Largo, repasamos a través de su música, con composiciones de Max Steiner, Adolph Deutsch y Franz Waxman; además escuchamos música de Voces de muerte y Al rojo vivo.

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LA MALDICIÓN DE ROOKFORD Traumas y fantasmas

Título original: The Awakening
Reino Unido 2011 107 min.
Dirección Nick Murphy Guión Nick Murphy y Stephen Volk Fotografía Eduard Grau
Música Daniel Pemberton Intérpretes Rebecca Hall, Dominic West, Imelda Staunton, Isaac Hempstead-Wright, Joseph Mawle, Lucy Cohu, Diane Kent, Richard Durden, John Shrapnel Estreno en España 4 mayo 2012

El género de terror en su vertiente gótica no es una invención española, pero es indudable que algunas películas hechas recientemente aquí son las que han impulsado cierta revitalización del género en otras cinematografías, como la británica, de amplia tradición en el mismo. Este año el cine inglés de fantasmas nos ha ofrecido primero La mujer de negro y ahora ésta, y ambas no disimulan su influencia del nuevo cine de suspense y terror hecho en nuestro país. Por si fuera poco Rodrigo Cortés estrenó hace un par de meses Luces rojas, con cuyo argumento esta película del realizador Nick Murphy guarda bastantes similitudes, al menos en su arranque. Y además el español Eduard Grau se encarga de la inquietante y preciosista fotografía de este film. La firme y convincente dirección de Murphy, la ya aludida fotografía de Grau, la estimulante banda sonora de Daniel Pemberton y, sobre todo, las interpretaciones de Rebecca Hall, Dominic West e Imelda Staunton, logran en su conjunto un producto solvente, bien hecho, elegantemente filmado y adecuadamente estructurado que consigue atrapar al espectador y sumirlo en una intriga que procede directamente de los fantasmas que cada uno y una tenemos de nuestro pasado. Traumas infantiles y bélicos (la acción se desarrolla en los años inmediatamente posteriores a la 1ª Guerra Mundial) sirven de base para crear un drama de atmósfera asfixiante y consecuencias no del todo previsibles. En definitiva, sin ser el último grito en el género, ofrece un muy digno entretenimiento para quienes se sienten atraídos por estos relatos de ultratumba.

ADIÓS A LA REINA Arriba y abajo en Versalles

Título original: Les adieux à la reine
Francia-España 2012 100 min.
Dirección Benoît Jacquot Guión Benoît Jacquot y Gilles Taurand, según la novela de Chantal Thomas Fotografía Romain Winding Música Bruno Coulais Intérpretes
Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen, Xavier Beauvois, Noémie Lvovsky, Michel Robin, Julie-Marie Parmentier, Lolita Chammah, Vladimir Consigny
Estreno en España 4 de mayo de 2012

Por si no fueran bastantes las películas que han fijado su mirada en la mítica última reina de Francia, Maria Antonieta, el realizador de la muy estimable y enigmática Villa Amalia pretende ahora arrojar una nueva visión del personaje con una película tan impuesta en la forma como en su anodino contenido. Como si de un Arriba y abajo descafeinado se tratara, Jacquot adapta la novela de Chantal Thomas desdibujando los límites existentes entre la servidumbre y la aristocracia en un Versalles amenazado por la toma de la Bastilla, con el fin de definir la relación entre la regente y su lectora personal. Se supone que la segunda siente una atracción desmedida, entre la fascinación y la admiración, por su reina, a quien profesa una lealtad absoluta e incondicional; pero la nueva estrella gala Léa Seydoux sólo ofrece una interpretación plana y carente de emotividad, limitándose a adornar un palacio ya de por sí atestado de bellezas llenas de gracia y delicadeza, una especie de concurso de misses del Barroco. Diane Kruger pone más empeño en su difícil tarea de personificar a la reina en tan convulsos momentos. Pero no hay tensión ni emoción, las turbulencias de la revolución se reducen a un insustancial telón de fondo, mientras cada personaje se conforma con llevar las pesadas y muy lujosas vestiduras y recitar sus artificiales frases como robots. Sólo destacan algunos pasajes aislados, como el sensual encuentro entre Maria Antonieta y su presuntamente amada duquesa de Polignac (también bellísima Virginie Ledoyen) en público. Hay poco más en un conjunto que se revela rancio y enjuto de principio a fin y que no aprovecha la excelencia de la situación vivida en la Francia de finales del s. XVIII para enfrentar a las clases sociales y crear cierto paralelismo con los también convulsos tiempos que estamos viviendo en contemporaneidad.

BRAHMS POR ANTONI WIT Y LA REAL SINFÓNICA DE SEVILLA

13º concierto de abono de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Renaud Capuçon, violín. Antoni Wit, director
Programa: Obertura del Festival Académico, Concierto para violín y Sinfonía nº 2 de Brahms; Brahms-Fanfare: Lyrische Fanfaren de Udo Zimmermann
Teatro de la Maestranza. Jueves 3 de mayo de 2012

La Obertura Académica marcó la pauta de este concierto programado con tanta coherencia como exquisitez, con una estructura muy similar al que abrió la presente temporada. El tono de la obras a interpretar era tan amable, bucólico y optimista como solemne, y así lo entendió la batuta de Antoni Wit, a quien sin embargo identificamos más con compatriotas como Szymanowski o Kilar que con el genio alemán. Tras el buen sabor de boca que nos dejó hace dos temporadas con el Concierto de Korngold, Capuçon revalidó su condición de gran y virtuoso violinista con una excelente recreación del dificilísimo concierto de Brahms, compaginando la atlética técnica que demandan sus momentos más expansivos y calculados con el lirismo que exigen sus pasajes más íntimos y sus elaboradas cadencias, logrando parecer espontáneo en todo momento. Wit se adaptó a él con finura y sumo respeto, sin almibaramientos ni grandilocuencias y con toques tan personales como las significativas retenciones del alegre movimiento final.

Como ocurrió en su estreno en España, la pasada temporada de la Orquesta Nacional con Frühbeck de Burgos a la batuta, la Fanfarria de Zimmermann sirvió para introducir la Sinfonía No. 2, acentuando también su carácter alegre, pastoral y esperanzador. El director polaco consiguió, tras un titubeante e irregular allegro non troppo, controlar todas las secciones de la orquesta, que volvió a lucir una cuerda grave imponente, y ofrecer una versión de la pieza muy en estilo, definitivamente romántica, dinámica y jovial, sin dejar por ello de expresar también sus sombras a través de los trombones.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el 5 de mayo de 2012

MARTHA MARCY MAY MARLENE Retrato de una dama multipolar

USA 2012 102 min.
Guión y dirección Sean Durkin Fotografía Jody Lee Lipes Música Saundern Jurriaans y Danny Bensi Intérpretes Elizabeth Olsen, Sarah Paulson, John Hawkes, Hugh Dancy, Brady Corbet, Maria Dizzia, Christopher Abbott, Julie Garner, Louisa Krause
Estreno en España 27 abril 2012

Con este debut en el largomentraje, el joven Sean Durkin parece retomar el argumento que dio origen a su cortometraje de 2010 Mary Last Seen, en el que un joven (Brady Corbet, que también aparece en esta cinta) lleva engañada a su novia a un lugar aparentemente apacible y placentero en el que vivir de una manera alternativa. Preocupado en la forma por el peligro de la vida en comuna sectarista, Durkin se revela sin embargo más interesado en analizar la personalidad de una joven multipolar, incapaz de desarrollarse en grupo y encerrada permanentemente en un mundo individual y secreto en el que los recuerdos se fusionan con los sueños. No en vano el cartel publicitario original, reproducido en esta página, encierra el rostro de esta hermosa mujer en un código de barras que será el espectador quien tendrá que descodificar. Mientras tanto asistimos a un relato entre fantasmagórico, alegórico e inquietante, pero a la vez idílico en ciertos instantes, quizás potenciado por una brillante y bucólica fotografía, que nos sumerge en las mismas pesadillas que parecen apropiarse de la estabilidad emocional de la sufrida protagonista. Elizabeth Olsen, a quien hace poco hemos visto a las órdenes de Rodrigo Cortés en Luces rojas, hace un espléndido trabajo encarnando a esta singular joven, desorientada, abstraída e inmersa en una múltiple personalidad que apenas nadie acierta a descubrir ni mucho menos ayudar. Por su parte John Hawkes (Winter’s Bone) corrobora su capacidad para engendrar suspense e inquietud con su sola presencia. La composición musical colabora a generar su evidente dosis de desasosiego a través de sonidos graves y obstinados. Tan arriesgado debut tuvo su compensación en Sundance 2011 en forma de premio al mejor director, además de multitud de reconocimientos a lo largo y ancho de los Estados Unidos el pasado año, mirando quizás a posibles nominaciones a los Oscar que no llegaron.

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO La mala conciencia de la nueva burguesía

Título original: Les neiges du Kilimandjaro
Francia 2011 107 min.
Dirección Robert Guédiguian Guión Robert Guédiguian y Jean-Louis Milesi, inspirado en el poema “La gente pobre” de Victor Hugo Fotografía Pierre Millon Intérpretes Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Marilyne Canto, Grégoire Leprince-Rinquet, Anais Demoustier, Adrien Jolivet, Robinson Stévenin, Karole Rocher
Estreno en España 27 abril 2012

Muy alejado de la montaña de Tanzania y del clásico de Hemingway que fue adaptado al cine en 1952, Robert Guédiguian (Marius y Jeannette, Marie-Jo y sus dos amores), se inspira en un poema de Victor Hugo y en una canción de Pascal Danel para, sin salir de su habitual Marsella, tejer una realidad tangible y fácilmente identificable alrededor de la mala conciencia generada sobre una clase media en el marco de una crisis de valores tan grave como la económica que estamos padeciendo. Con una sencillez pasmosa Guédiguian vuelve a confiar en sus actores y actrices de siempre para desplegar una historia lo más parecida a un cuento contemporáneo, con su moraleja y sus buenos y malos, relativizados para entroncar con la tradición moderna, y de paso emocionarnos con una trama tan ingenua como efectiva, aunque para ello no tenga más remedio que forzar algunos sentimientos y comportamientos contradictorios. La tolerancia, los buenos modales y cierto regusto por lo entrañable se apoderan de un escenario en el que sin embargo emerge una evidente amargura, la que provoca años de herencia que hemos malgastado y que finalmente nos está siendo expropiada, la que nos dejaron nuestros antepasados como consecuencia del derroche de lucha, sudor y sangre que desplegaron para lograr los derechos que hoy poco a poco nos van siendo arrebatados. Un film precioso y entrañable, justamente reconocido en Valladolid con la Espiga de Plata y el Premio del Público, que encierra sin embargo un enorme pozo de amargura y pesimismo. En su banda sonora destacan, además del tema de Pascal Danel aludido y que da título al film, la versión de Joe Cocker de Many Rivers to Cross, así como los clásicos Pavana para una infanta difunta de Ravel y el Kyrie de la Misa en do menor de Mozart.