CAMPEONEX Diversidad virtual

España 2023 124 min.
Dirección Javier Fesser Guion Javier Fesser, Athenea Mata y David Marqués Fotografía Ángel Amorós Música Rafael Arnau Intérpretes Elisa Hipólito, Sergio Olmos, Brianeitor, Jesús Lago, Juan Margallo, Fran Fuentes, Jelen García, Gloria Ramos, Alberto Nieto, Jesús Vidal, José de Luna, Roberto Chinchilla Estreno 18 agosto 2023

Cinco años después de su película más exitosa, con su remake americano a punto de estrenarse en nuestro país y sólo con Historias lamentables estrenada en internet entremedias, Javier Fesser retoma los personajes que tantas satisfacciones le proporcionaron y los embarca en una nueva aventura salpicada de sketches divertidos y giros de guion sorprendentes. Una vez más destaca la habilidad y el ingenio del director de El milagro de P. Tinto y Camino para exhibir a sus protagonistas con toda la frescura, la hilaridad y la humanidad que les caracteriza, lógicamente ya sin la novedad del trabajo anterior pero con el talento suficiente como para exorcizar una publicidad que no parecía prometer nada nuevo y poco hacía por invitar a la seducción que finalmente el producto y sus personajes destilan.

Con una nueva entrenadora, y gafe, al frente, el equipo original pasará de jugar al baloncesto al atletismo, y de éste a una realidad virtual con avatares incluidos que constituye el verdadero reclamo, atractivo  y fuente de originalidad que el producto exhibe, que no se conforma con ser una secuela convencional orientada a la mera taquilla. No cabía esperar menos de este meticuloso y artesano director, que con la ayuda impagable de su sensacional elenco, ahora con Brianeitor al frente, un fenómeno de los ordenadores confinado en una silla de ruedas computerizada, logra un trabajo solvente y agradecido, dejando algo al margen a quienes protagonizaron la primera entrega a favor de otros que entonces sólo eran secundarios.

Mensajes morales quizás algo infantiles pero igualmente eficaces, junto al siempre entrañable trabajo de su equipo artístico, proponen un entretenimiento que, aunque no renuncia a la broma escatológica y puntualmente de mal gusto, ofrece en general diversión apta y amable. Pero nada de esto sería suficiente para tomar la empresa completamente en serio si no fuera por su sorprendente tercio final, ocupado por un campeonato de atletismo entre virtual y real nunca antes visto en pantalla; todo un alarde de virtuosismo digital, ritmo y modernidad a tope, ilustrado con la trepidante banda sonora electrónica de Rafa Arnau , y con todo el suspense y la inquietud que la secuencia demanda llevados al límite. Quizás otra llamada de atención sobre la diversidad y sus innumerables formas y manifestaciones, y las infinitas posibilidades que ofrecen nuestras diferentes capacidades.

ROJO, BLANCO Y SANGRE AZUL Progreso frente a tradición

Título original: Red White & Royal Blue
USA 2023 118 min.
Dirección Matthew López Guion Matthew López y Ted Malawer, según la novela de Casey McQuiston Fotografía Stephen Goldbaltt Música Drum & Lace Intérpretes Taylor Zakhar Pérez, Nicholas Galitzine, Uma Thurman, Clifton Collins jr., Rachel Hilson, Sarah Shahi, Stephen Fry, Ellie Bamber, Thomas Flynn Estreno en Amazon 11 agosto 2023

Tras debutar como guionista en la serie de televisión creada por Aaron Sorkin The Newsroom, Matthew López se embarca ahora como director en la adaptación de una exitosa novela rosa que no disimula su ambición política y social. Bajo una ficción muy parecida a la realidad, con orientación sexual suplantando al matrimonio interracial, el hijo de la presidenta de Estados Unidos y el hermano del heredero a la corona inglesa, mantienen una relación romántico sexual furtiva, mientras sus respectivos países se esfuerzan por salvaguardar las buenas relaciones que históricamente les han caracterizado.

La propuesta da para una comedia romántica con su porción de enredo, bien urdida y con un sabor clásico y añejo muy agradecido, sin renunciar a una vistosa modernidad. Pero en el camino se introducen ideas interesantes, bajo un guion modélico en el que se vislumbra el esfuerzo y el interés desplegado fundamentalmente por López, su principal artífice. La inutilidad y el anacronismo de una institución como la monárquica es puesta en evidencia, aunque para ello no se dude en plasmar los fastos de la realeza y su atractivo mediático y popular. Sus jóvenes protagonistas son por supuesto todo lo apuestos y atractivos que cabía esperar, y por supuesto nada afectados y muy masculinos, siguiendo el patrón generalizado.

La empresa sirve fundamentalmente para pasar un rato entretenido y dejar claras las virtudes de una república, en la que los mandatarios o mandatarias (como es el caso gracias a la intervención de Uma Thurman) son elegidos por el pueblo y pueden provenir de la clase trabajadora en el mejor de los casos, frente a la anquilosada y en términos generales inútil institución monárquica, aunque para limar asperezas acabe funcionando como modelo para los súbditos. Un variopinto escaparate de secundarios y secundarias, con espacio para todo tipo de raza y condición potenciando así su voluntad de corrección política, colabora al éxito de la empresa, su facilidad de digestión y la alegría que en general destila su propuesta. En su variada banda sonora hay sitio hasta para Rigoberta Bandini.

LOVE TO LOVE YOU, DONNA SUMMER Queridísima mamá

USA 2023 105 min.
Dirección Roger Ross Williams y Brooklyn Sudano Fotografía Reggie Chelsom Música T. Griffin Documental Estreno en el Festival de Berlín 21 febrero 2023; en HBO Max 21 mayo 2023

Diez años después del documental Donna Summer: Hot Stuff, de Dietmar Post y la hispanogermana Lucía Palacios, Brooklyn, una de las dos hijas que Donna Summer tuvo con el también músico y colaborador en muchos de sus trabajos Bruce Sudano, nos presenta este minucioso trabajo con el que intenta desentrañar la compleja personalidad de quien fue auténtica diva y reina de la música disco hasta derivar en continuos intentos por desligarse de esa etiqueta y ampliar horizontes, a veces con éxito y otras con una más que evidente incomprensión. En Love to Love You, Donna Summer, una rica colección de videos caseros, imágenes inéditas, conciertos en directo (Live and More), intervenciones televisivas y confesiones íntimas intentan tejer un retrato psicológico de quien nació en un ambiente decididamente religioso, fan incondicional de la estrella del góspel Mahalia Jackson y seguidora de la misma gracias a una portentosa voz. Luego encontró paradójicamente su hueco en el mundo del espectáculo en Múnich, cuna europea del sonido disco de la época, donde comenzó haciendo musicales adaptados al alemán y continuó contribuyendo a forjar ese sonido tan característico de la zona de la mano fundamentalmente de Giorgio Moroder.

Aunque el documental se hace eco de estos episodios, de forma sin embargo algo descarada e intencionadamente desorganizada, a su hija le interesa sobre todo provocar cierta empatía con su madre, quien como tantas otras, y cada vez salen más a la luz, sufrió abusos de adolescente de manos de un ministro de la iglesia y maltrato doméstico en la madurez de manos de un novio, lo que una vez más evidencia lo extendidas que durante tanto tiempo han estado estas prácticas vejatorias machistas. Su lucha por imponerse como artista, finalmente victoriosa con el doble LP Bad Girls a finales de los setenta, al margen de esa etiqueta que le emparentaba únicamente con la música disco, por ejercer correctamente de madre, especialmente de su primogénita, Mimi, una mestiza nacida de una relación mantenida durante su periplo muniqués, y su dilatado diálogo con la Iglesia Católica y sus exigencias más extremistas, que le llevaron a la muerte tras despreciar tratamientos para vencer el cáncer que le devoró, forman parte fundamental de un trabajo que se centra más en la persona que en la estrella.

Por eso no extraña que el documental no siga su carrera artística de forma ordenada, o que no haga tanto hincapié en sus éxitos musicales como deseáramos. Se erige así en complemento psicológico y reflexivo de aquel trabajo al principio aludido, y sobre todo en una carta de amor de una hija, y sus hermanas, a una madre en el fondo desdichada y desaprovechada, otro juguete roto víctima de la falta de escrúpulos y el abuso generalizado de los medios y la industria hacia quienes forjan su triunfo empresarial. El triste episodio que le enfrentó a Casablanca Records & Filmworks centra por eso uno de los episodios de un trabajo a primera vista destartalado, pero en el fondo reflejo de una personalidad controvertida y desconcertante, a la que su hija en colaboración con la profesionalidad del cineasta Roger Ross Williams, prestan la atención y el respeto que merece. El éxito de Love to Love You Baby entre los hombres y el de She Works Hard for the Money entre las mujeres, evidencia esa dicotomía siempre presente a lo largo de la carrera y la personalidad de esta irrepetible artista, y así lo asegura ella misma en una entrevista para la televisión.

JOSETXU OBREGÓN HACE CANTAR AL VIOLONCHELO BARROCO

XXIV Noches en los Jardines del Alcázar. Josetxu Obregón, violonchelo barroco; Sara Johnson Huidobro, clave. Programa: Tanteos. Capriccios, toccatas y sonatas del Seicento italiano (Obras de Domenico Gabrielli, Giuseppe Maria Jacchini, Bernardo Storace, Angelo Maria Fioré, Giulio de Ruvo, Girolamo Frescobaldi y Francesco Supriani). Viernes 18 de agosto de 2023

Josetxu Obregón no es ninguna novedad en los escenarios sevillanos. Hemos podido disfrutar de él, solo o en compañía de su afamado conjunto La Ritirata, aunque generalmente en formación reducida, tanto en el Festival de Música Antigua – sin ir más lejos esta misma pasada edición – como en estas Noches del Alcázar. Su presencia suele ser garantía de calidad y extrema seriedad, como parece ser demostró el pasado mes de marzo cuando presentó aquí su disco Cello Evolution, del que el constreñido programa ofrecido anoche fue un trasunto o resumen, centrado para la ocasión en la historia del instrumento a lo largo del siglo XVII en una creativa y siempre inquieta península italiana. Un repaso al violonchelo cuando empezaba a dejar de ser instrumento de acompañamiento para exigir una voz propia e imponerse como solista, comandando la melodía y ofreciéndose como base para el siempre fascinante contrapunto. Algo a lo que sirvió con mucha disciplina e interés la joven clavecinista Sara Johnson Huidobro, formando así un tándem exquisito, tanto como la música que sirvieron con primoroso deleite.

Lástima que las ilustraciones de Obregón sobre el programa no fueran más extensas y distendidas. Los autores, poco transitados, lo requerían. Y aunque sabemos que es una exigencia del ciclo alcazareño realizar las presentaciones oportunas, el bilbaíno debería haber aprovechado la coyuntura para profundizar más en el repertorio, habida cuenta su facilidad para la elocuencia, capacidad para comunicar y que el programa se le quedó algo corto, al menos lo suficiente para encajar una propina, una danza bergamasca de Giovanni Battista Vitali que desgranó con toda la riqueza ornamental y virtuosística que la pieza demanda. Sí estuvo en el programa con generosidad un maestro en la materia como fue Domenico Gabrielli, tan ligado a la Capilla de San Petronio de Bolonia y la Accademia Filarmónica como también lo estuvo Giuseppe Maria Jacchini, otro de los más frecuentados en este concierto. Un ricercare de Gabrielli para violonchelo solo sirvió para abrir la velada, con Obregón sentando las bases de lo que sería una constante en su interpretación, con una morbidez profunda y sensual que nos hizo sentir como si pisáramos colchones esponjosos. De seguido una sonata de Jacchini defendida con tanta delicadeza en su movimiento lento como vigor y agilidad en los más rápidos, dejando claro el dominio técnico del artista y su capacidad retórica y elegancia articulatoria.

Sara Johnson se ciñó con extrema pulcritud y una excelente capacidad para la ornamentación a las exigencias del instrumento dominante, unas veces sirviendo como impecable contrapunto, otras como base armónica y otras cumpliendo fehacientemente su cometido como instrumento dialogante. En sus intervenciones solistas, un Aria sopra la Spagnoletta de Bernardo Storace que consiste en una serie de seis variaciones conectadas por pasajes muy breves que la clavecinista resolvió con un virtuosismo extremo, y una romanella de Giulio de Ruvo sumida en la delicadeza, Johnson triunfó como aguerrida intérprete. Mientras, seguimos disfrutando del poder reflexivo y el carácter predominantemente relajado de Obregón, que tras una segunda sonata de Jacchini y un trattenimento de Angelo Maria Fioré, otro virtuoso del instrumento en su época que también contribuyó a su emancipación, resolvió con ahínco y mucha expresividad un capriccio de Frescobaldi, prodigio del contrapunto y la habilidad. Rubricó su intervención con dos piezas encadenadas de Francesco Paolo Supriano (o Supriani según las fuentes), verdadero artífice del repertorio como instrumento solista, relacionado con Nápoles y Barcelona cuando ambas estaban tan vinculadas. Se trata de una toccata en su doble versión a solo y acompañada, y una sinfonía con su habitual estructura tripartita, que sirvió para refrendar su dominio, ese sonido sedoso y a la vez misterioso y profundo que le caracteriza, y la estupenda compenetración con Johnson que mantuvieron en todo momento, y que culminó de nuevo de la mano de Gabrielli con otra preciosa sonata.

Fotografías: Actidea

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

MI NOMBRE ES ALFRED HITCHCOCK El maestro resucitado

Título original: My Name Is Alfred Hitchcock
Reino Unido 2022 120 min.
Guion y dirección Mark Cousins Música Donna McKevitt Con la voz de Alistair McGowan Estreno en el Festival de Telluride 5 septiembre 2022; en Reino Unido 21 julio 2023; en España 18 agosto 2023

El realizador británico Mark Cousins es todo un veterano del documental, especialmente el relacionado con el cine, con trabajos centrados en elementos didácticos e históricos y otros en figuras de la talla de Orson Welles o el productor Jeremy Thomas. Su visión del universo Hitchcock es desde ya un imprescindible para todos quienes amamos el cine del que consideramos el mejor director de todos los tiempos. Y no es que cuente apenas nada nuevo o que no sepamos quienes tanto hemos leído sobre la materia, desde la biografía de Donald Spoto al ejemplar que le dedica Taschen, que bajo la siempre atractiva apariencia de esos libros repletos de grandes titulares y estupendas fotografías, encierra muchas de las singularidades, anécdotas y curiosidades que se desgranan en esta película. Pero la forma elegida por Cousins para trasladar su amor por Hitchcock a sus espectadores, incondicionales o no, da la clave del éxito de esta empresa.

Narrada en primera persona gracias al especialista en imitaciones Alistair McGowan, el propio Hitchcock en tiempo presente de móviles y tecnología punta, surgido de la tumba como tanto le gustaba hacer con algunos de sus personajes, desde Rebecca a Madeleine, nos va dando algunas de las claves de su cine, lo que convierte la experiencia en una impagable lección de cine. El resultado nos emociona tanto como nos entusiasma, aunque sólo sea por disfrutar de tantas secuencias memorables e imborrables, la música que les acompaña (Herrmann, Waxman, Tiomkin, Williams) y esa irrepetible sucesión de grandes estrellas del cine que les dan vida. Una vez más acabamos convencidos de que con sólo centrarnos en su cine, tendremos una visión muy completa de lo que es el séptimo arte.

Dividida en varios capítulos, centrados en cuestiones tan ligadas a su cine como el deseo o el tiempo, Cousins, echando mano del ideario hitchcockiano, su sentido del humor y frases escogidas de aquí y de allá, nos convence de que es al maestro del suspense a quienes oímos y seguimos en sus sabias enseñanzas, lo que añade una estimulante emoción al conjunto. Sólo se hacen concesiones al rodaje de material original para mostrarnos escenarios reales, como su barrio de nacimiento, Leytonstone en Londres, o algunos de los paisajes emulados en decorados en sus películas, pero sobre todo para contemplar la mirada fija, de esperanza y misterio latente, que nos brinda una joven de rasgos asiáticos que parece observarnos para asegurarse que somos capaces de asimilar el frondoso sinfín de imágenes, sensaciones y estímulos que emergen de una filmografía tan impecable que hasta los títulos más desconocidos, como ese Declive recuperado hace apenas unos años, invitan a ser revisados. La cinta acaba convirtiéndose así en una declaración de amor en modo dialogante, el que se entabla entre su entregadísimo artífice y director y sus aguerridos y nunca suficientemente agradecidos espectadores.

VARELA Y FERNÁNDEZ, COMPROMETIDOS Y BIEN COMBINADOS

XXIV Noches en los Jardines del Alcázar. Rosa García Varela, violonchelo; Pepe Fernández, piano. Programa: La nuit d’août (Tres romances Op. 22, de Clara Schumann; Capriccio en La bemol mayor H-U 247, de Fanny Mandelssohn; Tres piezas para violonchelo y piano, de Nadia Boulanger; Sonata, de Rebecca Clarke). Jueves 17 de agosto de 2023

El concierto de anoche en el Jardín de la Alcoba supo a síntesis entre los dos ciclos de cámara que nos ofreció el Maestranza en la última temporada y proseguirán en la nueva que arranca en un mes. Por un lado Rasgando el silencio, que nos está revelando de la mano de Carmen Martínez-Pierret la música compuesta por un gran número de compositoras, a menudo olvidadas, y por el otro esas Alternativas de cámara que diseña Juventudes Musicales como presentación de nuevos valores. Precisamente en este segundo ciclo pudimos disfrutar el pasado marzo de la pareja musical formada por el pianista utrerano Pepe Fernández y la violonchelista nazarena Rosa García Varela, que ahora repiten con un programa íntegramente formado por mujeres compositoras, dos netamente románticas, muy conocidas aunque sea a la sombra coyuntural de quienes fueron su esposo y su hermano respectivamente, y las otras dos enraizadas en los estilos y sones de finales del siglo XIX y principios del XX, que gracias a estas labores de difusión hoy ampliamente consolidadas, podemos considerar definitivamente integradas en el repertorio de concierto.

El arreglo que Varela realizó de los Tres romances Op. 22 de Clara Schumann, originales para violín y piano, formó ya parte del programa que presentaron ella y Fernández en aquel concierto en la Sala Manuel García del Maestranza. Arropados por una amplia representación de amistades y familiares, la joven pareja desgranó la tríada de piezas de la famosa pianista y compositora sin que acertáramos a observar diferencia ni progreso alguno respecto a su interpretación del mes de marzo. Varela volvió a desentrañar su particular elegancia en un instrumento del que sabe exprimir un sonido sedoso y homogéneo, mientras su compañero se adaptó a su amplio fraseo con mucho respeto y sensibilidad, sin que ello le impidiese mostrar unas formas, especialmente en agilidades, siempre dinámicas y muy comprometidas, algo que iría a lo largo de la noche demostrándonos que su habilidad al piano va creciendo al mismo ritmo que su capacidad expresiva y su delicada y elegante articulación. El Capricho de Fanny Mendelssohn, relegada en su época a la interpretación doméstica y hoy ampliamente reconocida, es una pieza de exhibición que cambia frecuentemente de registro y plantea alguna que otra dificultad de articulación a sus intérpretes, especialmente al violonchelo. Fernández desplegó también aquí una proverbial facilidad para dotar al conjunto de ritmo y energía, mientras Varela ofreció momentos de una clara intensidad lírica y otros más fulgurantes, sin apenas someter al instrumento a algunos cambios bruscos de tono y dificultad de afinación en pasajes de extremo virtuosismo.

No faltó misterio en las Tres piezas de Nadia Boulanger, delicadísima y tan moderada la primera como indica la partitura y muy bien supo apreciar Fernández, henchido de emoción mientras desgranaba sus casi minimalistas notas y al violonchelo, Varela mantenía la cuerda impecablemente sostenida. El carácter místico de la segunda disfrutó también de la meticulosa interpretación de ambos, mientras el revoltijo de acordes y arpegios que acumula la tercera, se benefició también del acierto de unos hábiles transmisores. Estas particularidades se repitieron, ahora ya de forma más rotunda y comprometida, en la Sonata para viola y piano de Rebecca Clarke, convenientemente arreglada para violonchelo, lo que dota a la pieza de mayor cuerpo y sustancia. La pieza, todo un ejemplo de virtuosismo y expresividad llevada al máximo de sus posibilidades, encontró en Fernández un intérprete endiablado y entusiasmado, mientras ambos exhibieron esa complicidad imprescindible para llevar a tan buen puerto una interpretación tan exigente, fatigosa y desgarradora. La transición progresiva del bucólico adagio al tempestuoso allegro final mereció todos los elogios posibles. La inspiración de Clarke en el poema Las noches de mayo de Alfred de Musset, precisamente sobre la inspiración artística, sirvió como leit motiv a este concierto, titulado justamente Noche de agosto. En la propina, un delicado arreglo de Alfonsina y el mar, Varela perdió la oportunidad de hacer llorar a su instrumento, pero aun así la versión resultó conmovedora.

Fotos: Actidea
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

HÁBLAME Inteligente incursión en el terror espiritista

Título original: Talk to Me
Australia 2022 95 min.
Dirección Danny y Michael Philippou Guion Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman y Daley Pearson Fotografía Aaron McLisky Música Cornel Wilczek Intérpretes Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Miranda Otto, Joe Bird, Otis Dhanji, Zoe Terakes, Chris Alosio, Marcus Johnson, Alexandra Steffensen, Ari McCarthy, Sunny Johnson Estreno en el Festival de Sundance 21 enero 2023; en Australia 27 julio 2023; en España 11 agosto 2023

Cada semana hay al menos un estreno del género más apreciado entre la afición, el terror. Prueba de ello es la ristra de trailers que precedieron a la proyección de la que nos ocupa, otra secuela de El exorcista incluida. Pero no son muchos los títulos que logran renovar aunque solo sea un poquito un género tan trillado, y la distribuidora A24 se está colgando el mérito de descubrir algunos de los más relevantes de los últimos años, como los dos films de Ari Aster Hereditary y Midsommar, o el debut ahora en el largometraje de los hermanos Danny y Michael Philippou. Con una serie de televisión, RackaRacka, y un puñado de cortometrajes en los que el famoso payaso de McDonald, Ronald, se convierte en un psicokiller, estos algo desquiciados hermanos presentan ahora una sobrecogedora historia que tiene a las sesiones espiritistas como punto de partida y leit motiv.

Uno de los consejos más repetidos por nuestros mayores cuando de muy jóvenes nos dejábamos seducir por el contacto con el más allá, era no convocar espíritus familiares, porque sólo la experiencia, verdadera o falsa, podía provocarnos algún tipo de trastorno. Con esta teoría los Philippou plantean una historia de adolescentes y fantasmas tan medida en su ritmo como en la atmósfera, en la que una serie de situaciones radicalmente escalofriantes, van dando forma y motor a todo un estudio sobre traumas familiares, abandono de las obligaciones paternofiliales, adicciones, incapacidad de comunicación real si no es a través de móviles y redes sociales, y sobre todo ese peligro latente en cualquier coqueteo indebido y desinformado con la vida después de lo terrenal.

Con todos estos ingredientes y unas ajustadas interpretaciones, además de unos perfectos diseños de personajes, la cinta logra más que asustar, a la vez que complacer a los amantes del género incluso en su vertiente más gore. Su lanzamiento en el Festival de Adelaida, impulsora real de este proyecto netamente australiano convertido en fenómeno, tuvo respuesta en los festivales de Sundance y Berlín, y de ahí ha ido merecidamente ganando adeptos en toda la larga lista de países en los que se ha estrenado. Si todavía creemos en la posibilidad de pasar miedo con una película, ésta podría ser la respuesta.