NAZA La ventana insensible

Reino Unido-USA 2026 80 min.
Guion y dirección Yuval Abraham y Rachel Szor Fotografía Rachel Szor Documental Estreno en el Festival de Venecia 10 septiembre 2026; en España 9 octubre 2026

Ovacionada en Venecia y récord de taquilla en su género desde su estreno en Italia el pasado mes de septiembre, Naza es el nuevo documental del oscarizado Yuval Abraham, que hace dos años sorprendió junto al activista palestino Basel Adra con su documental No Other Land. Israelí descreído y crítico con la política de destrucción que está llevando a cabo su país en Cisjordania, Abraham se asocia ahora con la directora de fotografía de éste y su anterior trabajo, Rachel Szor, para ofrecer una austera y sórdida operación de desarme emocional, que ha encontrado su antítesis con otro documental de idéntico título y aspecto visual, destinado desde las fuerzas condescendientes con el país a ensalzar la labor de sus fuerzas armadas. Por cierto, el título hace referencia a la expresión con la que en hebreo se denomina al daño colateral que suponen las víctimas civiles de la supuesta contienda.

Abraham va entrevistando sistemáticamente y siempre de noche, a militares y diverso personal estratégico, bajo el prisma aparente del arrepentimiento y la asunción de responsabilidad, que van confesando crímenes de guerra y sádicas formas de aniquilación. Como si de una hitchockiana ventana indiscreta se tratara, mientras las entrevistas se van desarrollando de noche y a cierta altura, la cámara se va deslizando por ventanas de cómodos y suntuosos apartamentos de Tel-Aviv en los que se puede atisbar la vida cálida y tranquila de quienes aún conectando con la contienda permanentemente a través de la televisión, repiten rutinas de relajado descanso nocturno, dando la espalda al sufrimiento y el horror sistemático que se desarrolla a tan sólo sesenta kilómetros de distancia. Una operación que parece derivar del propio productor, Jonathan Glazer, que coqueteó con una idea similar en su aplaudida La zona de interés, y que a pesar de poder considerarse inquietante, pronto se muestra un tanto artificiosa.

Los testimonios, sin embargo, caen frecuentemente en pequeños disparates que hacen mella en su presunta seriedad, mientras el experimento va antojándose repetitivo, a pesar de la brevedad del trabajo. Algunos pasajes documentales fechados a principios del siglo XX, una escalofriante definición de lo que el propio Netanyahu consideraba terrorismo hace cuarenta años, y que coincide con lo que él mismo practica en la actualidad, y un desgarrador pasaje final que hace hincapié en el horror inmenso que a estas alturas todos y todas conocemos, se erigen en los momentos más sorprendentes y conmovedores de un conjunto quizás lastrado por su propia auto condescendencia.

EARTH, WIND & FIRE (TO BE CELESTIAL VS. THAT'S THE WEIGHT OF THE WORLD) Una banda sin democracia

USA 2026 119 min.
Dirección Shmir “Questlove” Thompson Fotografía Emily Topper Música Questlove y Ray Angry Documental Estreno en el Festival de Tribeca 3 junio 2026; en Estados Unidos (Internet) 7 junio 2026

Firme abanderado del orgullo de raza y la influencia de la música negra en Estados Unidos, Questlove saltó a la fama hace unos años con su documental Summer of Soul, sobre el Festival Cultural de Harlem que se celebró en 1969 y que le valió un Oscar, un Bafta y el premio al mejor documental en Sundance, donde también se alzó con el del público en esa categoría. Tras varios años ejerciendo como consultor y testigo en diversos trabajos de similar índole, vuelve a la dirección con este trabajo centrado en el mítico grupo de música afroamericana que vivió la cumbre de su éxito entre los años 1975 y 1980, Earth, Wind & Fire. Muchas personas compartimos con ellos adolescencia y nos enamoramos de su sonido y estilo. Emergieron a finales de los sesenta, buscando su voz y enlazando discos que fueron paulatinamente recibiendo el beneplácito de crítica y público, hasta que en el año referido lanzaron su primer sencillo sofisticado y profundamente comprometido, That’s the Way of the World, citado en el subtítulo de este documental pero cambiando camino por peso, pues la crónica se centra fundamentalmente en Maurice White, fundador y alma mater del conjunto.

Un personaje, como otros, marcado por una infancia difícil y cierta sensación de abandono que le llevó a polémicas decisiones en su vida personal y profesional. Una personalidad tan singular y marcada que no deja resquicio al resto de la banda para la toma de decisiones y el camino a seguir artísticamente, como bien afirma Philip Bailey, una de las voces más destacadas del grupo, cuando asegura que no hay democracia en una banda. Testimonios de destacadas personalidades como Stevie Wonder, Lionel Richie, Flea de los Red Hot Chilli Peppers, H.E.R. o los mismísimos Barack y Michelle Obama, fervientes admiradores del grupo que lanzó Boogie Wonderland y Let’s Groove, se alternan con miembros de la banda y colaboradores esenciales, como Verdine White, bajista y hermano del protagonista, o David Foster, que les ayudó a adaptarse a los sonidos de los ochenta, aunque ello conllevara el final de su marca. Relevantes resultan también los testimionios de familiares y allegados, como la viuda de White o sus hijos, legítimo e ilegítimo.

Todo eso aderezado con tal multitud de documentos gráficos que resulta casi imposible seguir todo al detalle, aunque por el camino advertimos anécdotas como que Stevie Wonder se inspiró en Shining Star para el riff con el que arranca I Wish , o que White compuso Fantasy inspirado por Encuentros en la tercera fase. De ahí la obsesión del líder por la vida extraterrestre y la cultura del antiguo Egipto, plasmada también en algunas de las portadas más icónicas del grupo. Sorprende además la clarividencia de White para montar conciertos espectáculo a imagen de los que hoy abundan, pero décadas antes. Se deja para el final un pequeño homenaje a September, tan emotivo como resplandeciente, aunque lamentamos que Questlove haya olvidado introducir la secuencia de Robot Dreams que ensalza la exultante alegría que transmite este icónico e imperecedero tema de los setenta.

LANDA Entre la admiración y la mirada crítica

España 2026 70 min.
Guion y dirección Gracia Querejeta y Miguel Olid Fotografía Aitor Mendilibar Música Nerea Alberdi Documental Estreno en el Festival de Málaga 13 marzo 2026; en salas 17 abril 2026

Esta poliédrica revisión del trabajo y el talento de uno de los actores españoles más icónicos de todos los tiempos, es el resultado del empeño del sevillano Miguel Olid, ya con una generosa experiencia en el documental con trabajos como Trabajando con la muerte y Summers, el rebelde. Ahora, con el apoyo inestimable de Gracia Querejeta, traza un recorrido escueto y preciso sobre la trayectoria, fundamentalmente profesional, de Alfredo Landa, procurando no caer en el tópico de considerarlo un genio y hacer una caricatura hagiográfica del actor. De esta forma echa mano de los habituales testimonios de familiares, sus hijos Alfredo e Idoia, pero sobre todo de conocidos, allegados y críticos cinematográficos, entre la mirada complaciente de amigo de Miguel Rellán y la más dura de un Antonio Resines que no duda en mostrar su desprecio ante El crack de José Luis Garci, así como por aquel cine del franquismo que no había por dónde cogerlo y del que Landa fue todo un exponente. No en vano, Olid, antes que cineasta ha sido y sigue siendo, crítico de cine.

Olid y Querejeta desarrollan un esfuerzo documentalista considerable, analizando en la medida que su corta duración lo permite, una veintena de sus trabajos, desde los más celebrados de su etapa más comercial y cómica, como Cateto a babor o No desearás al vecino del quinto, hasta sus trabajos más celebrados en democracia, la película de Garci, El bosque animado y Los santos inocentes entre ellos. Procura, a través de intervenciones del actor en televisión y los susodichos testimonios convocados, diseñar una imagen del actor acorde a sus ideales y su temperamento, dejando claro su narcisismo lejos de cualquier humildad, su fuerte carácter y sus rencores hacia quienes no le bailaban el agua. Pero sobre todo destaca su talento como actor de mirada extremadamente expresiva, capaz de abordar cualquier trabajo, aunque su físico le condicionara a interpretar habitualmente una misma tipología de lo que se consideraba peyorativamente el españolito medio.

Puede parecer un trabajo aséptico y previsible, pero denota un esfuerzo detrás de documentación y producción que le otorga un acabado impecable en el que la radiografía humana y sentimental del homenajeado se da la mano perfectamente con su legado artístico, contando para ello con una meticulosa puesta en escena y una adecuada banda sonora para la que no se han escatimado medios. Es evidente que su destino definitivo será la televisión, pero de momento, acercarse al cine, a pesar de su rácana distribución, puede valer la pena, tanto para incondicionales como para críticos del actor, pero sobre todo para analistas de una época que no queremos que se repita. Valga como ejemplo el testimonio de Sacristán, que no duda en pasar por alto las notables dieferencias ideológicas entre él y su amigo Alfredo Landa, apostando por el respeto y el entendimiento en lugar de la crispación y el enfrentamiento que amenaza constantemente nuestra convivencia. 

MR. NOBODY AGAINST PUTIN La voz de la disidencia

Rep. Checa-Dinamarca 2025 90 min.
Dirección David Borenstein y Pavel Ilyich Talankin Guion David Borenstein Fotografía Pavel Ilyich Talankin Música Michal Rataj y Jonas Struck Documental Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2025; en Dinamarca 22 marzo 2025; en España (Movistar Plus+) 10 marzo 2026

La urgencia de los múltiples conflictos bélicos que se están desarrollando en este primer cuarto de siglo, ha propiciado la producción de un buen número de trabajos documentales destinados a analizar y denunciar las injusticias y desvaríos que nos han llevado a esta apocalíptica situación. A falta de los primeros trabajos de ficción, la Guerra de Ucrania ha conocido ya varios documentales, el más ilustre y laureado 20 días en Mariúpol, que recogía el horror vivido en esa ciudad, y se alzaba con el Oscar al mejor documental hace dos años. Tras varios trabajos, el joven director estadounidense David Borenstein ha cobrado notoriedad con este trabajo presentado en Sundance el pasado año y condecorado ahora con el Oscar correspondiente, en el que ofrece un punto de vista diferente sobre el conflicto, al fijarse no en el invadido sino en el invasor y cómo este gesto autocrático y despiadado del infame presidente ruso, ha afectado considerablemente la vida de los y las rusas.

Sin perder de vista un horizonte en el que los verdaderos damnificados son la gente ucraniana, Borenstein presta voz y alma a quienes desde Rusia sufren la conflagración. Para eso se hace eco de las grabaciones, oficiales y domésticas, de un joven profesor de escuela, artífice en mayor porcentaje que el propio director de este trabajo estremecedor. Así, Pavel Ilyich Talankin se perfila como inevitable disidente en una comunidad de apenas diez mil habitantes, Karabash, en la zona de los Urales, donde su escuela ha sido tomada por la ideología imperante en un clásico y voraz proceso de adoctrinamiento del que resulta difícil escapar. Un proceso que Talankin documenta exhaustivamente, mostrando las miserias de sus contrincantes más directos, las sensaciones encontradas de los habitantes de la localidad y la paulatina militarización de niños y niñas en el albor de sus vidas.

Poco se manifiesta acerca de la barbarie perpetrada en el país vecino, porque lo que a Borenstein y Talankin interesa en este caso es recoger el efecto devastador en la población rusa, psicológicamente pero también de forma física respecto a los jóvenes soldados enviados sin piedad al campo de batalla. Todo esto rodado de forma eficaz y sin ornamentos, apenas un trabajo de montaje que enlace unos episodios con otros y provoque el efecto narrativo perseguido, con la fluidez y naturalidad que demanda, por mucho que en el camino podamos experimentar cierta sensación de que algunos aspectos hayan sido impostados o provocados. Más por su carácter coyuntural que por sus méritos estrictamente cinematográficos, un film que merece atención y debate.

ORWELL: 2+2=5 Inteligente análisis de una aterradora profecía

Francia-USA 2025 119 min.
Guion y dirección Raoul Peck Fotografía Ben Bloodwell, Stuart Luck y Julian Schwanitz Música Alexei Aigui Narrador Damian Lewis Documental Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Estados Unidos 10 octubre 2025; en Francia y España 27 febrero 2026

Hace casi una década, el director haitiano Raoul Peck sorprendió al Mundo con su documental I Am Not Your Negro, donde analizaba con profusión de imágenes de archivo la obra del pensador afroamericano James Baldwin y su particular lucha contra la discriminación de negros y homosexuales, especialmente en Estados Unidos. Vuelve ahora con más fuerza si cabe, en esta ocasión para diseccionar con un agudo olfato y un excelente sentido para el análisis y la síntesis, el lúcido y profético pensamiento de George Orwell. Naturalmente es 1984, su última y más famosa novela, con perdón de Rebelión en la granja, la principal fuente de inspiración y estudio para Peck, como recurso para demostrar cómo su prodigiosa mente fue capaz de observar los autoritarismos que bajo regímenes dictatoriales asolaron el planeta en el reciente pasado, así como vaticinar los que en regímenes democráticos habrían de instalarse en nuestra incierta y siniestra época. Es especialmente revelador cómo las palabras y el pensamiento de Orwell se ajustan como un guante a la actual administración estadounidense, con Trump como paradigma del mandatario cuyas ideas y manifestaciones son incontestables por el mero hecho de provenir del jefe del país más poderoso del Mundo. Incontestable como la operación matemática que acompaña al título de la película, y que en la novela ambientada en aquel ya lejano 1984, servía para torturar hasta lo extenuante a quien se oponía a reconocer el resultado por mucho que constituyese la verdad del Gran Hermano.

Gracias al excelente montaje de Alexandra Strauss, las palabras textuales del autor, fraseadas con el timbre rotundo y exquisito del actor Damian Lewis, se ilustran con una riqueza visual extraordinaria, tanto que obliga a un segundo visionado para hacerse una idea completa de todo el mensaje contenido en este épico y terrorífico trabajo documental. La Guerra Civil Española ocupa un lugar destacado en este documental, incluida una extensa escena de Tierra y Libertad de Ken Loach. Pero es sobre todo la nueva situación política instaurada por Trump, con otros líderes incuestionables como Putin o Netanyahu secundando la perversa teoría que subyace en este escalofriante relato. Verdades incuestionables y sin embargo absolutamente disparatadas, que pueblan redes sociales y medios de comunicación, todo perfectamente ilustrado y demostrado en las impactantes imágenes y los cuidados textos, todos extraídos de la obra de Orwell, que lo pueblan.

Un gran desaliento protagoniza la fotografía que pone fin a tan aterrador y elocuente documento, el propio Orwell como bebé en brazos de su ama india, ejemplo de la represión y la opresión que el hombre siempre ejerce sobre sus semejantes. Como en su celebrado trabajo de 2016, Peck echa mano de una importante cantidad de clips cinematográficos, sobre todo de las tres adaptaciones que de 1984 existen, la televisiva de 1953, la de Michael Anderson de 1965 y la del mismo 1984 de Michael Radford, además de un telefilm de 1983 titulado Crystal Spirit: Orwell on Jura, donde se relatan sus últimos días de vida en la isla escocesa del título. Celebramos particularmente la habilidad con la que Raoul Peck diseña una biografía del homenajeado, a la vez que disecciona su obra y demuestra su carácter profético.

ELOY DE LA IGLESIA, ADICTO AL CINE Retrato poliédrico de un artista singular en una España gris

España 2025 99 min.
Dirección Gaizka Urresti Guion Gaizka Urresti, Moisés Garrido y Juan Barrero Fotografía Pepe Añón Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 24 septiembre 2025; en salas limitadas 25 diciembre 2025; en Movistar Plus+ 17 enero 2026

Con una nominación al Goya bajo el brazo, aterriza en una plataforma digital, tras un breve y limitado paso por salas de cine, este documental dirigido por Gaizka Urresti. Tras realizar sendos documentales sobre Labordeta y esa Terapia de pareja que reunió a Rozalén y Marwán, Urresti analiza la controvertida figura del cineasta que acuñó como nadie aquello del cine quinqui de la transición política española. Pero su filmografía es mucho más variada, siempre desde el atrevimiento y la valentía, mientras su vida sufrió las consecuencias de la adicción a la droga y una homosexualidad vivida todo lo libre y abierta que se podía en una época de tanta duda y contradicción. La película recorre, con más hechuras de televisión que méritos propiamente cinematográficos, su carrera, desde Fantasía 3 y Algo amargo en la boca a su despedida con Los novios búlgaros, pasando por iconos de nuestro cine como La semana del asesino, La criatura, Los placeres ocultos, El diputado, Navajeros, Colegas y El pico. Un recorrido que se antoja algo insuficiente, al dejar de lado otros títulos emblemáticos de su cine como El techo de cristal, La otra alcoba o Miedo a salir de noche.

Un retrato poliédrico en un momento cumbre de nuestra historia reciente, aderezado con retazos de su vida, especialmente lo que tiene que ver con su propia drogadicción o su convulsa relación sentimental con el actor José Luis Manzano. Se echa en falta algo más de profundidad en un análisis que no llega a reflejar la verdadera dimensión de un cine hoy reivindicado, y que llevó a algunos a tildar al cineasta del Pasolini o Fassbinder español, toda una contradicción si tenemos en cuenta que su cine era eminentemente comercial y taquillero, mientras el que cultivaban estos cineastas europeos entraba más en el denominado cine de autor minoritario. No cabe duda, sin embargo, de que hay similitudes entre los tres cineastas, sobre todo en su afán de desnudar tabúes s hipocresías.

El recurso a testimonios de estudiosos y allegados, como José Sacristán, Fernando Guillén Cuervo, Valentín Paredes, Ángel Pardo, Pedro Olea, José Luis Garci, María Luisa San José, Claudia Gravy, Fernando Méndez-Leite, Diego Galán o el crítico Luis E. Parés, se alterna con imágenes de archivo, fundamentalmente entrevistas en televisión al propio Eloy de la Iglesia, e imágenes de documental y de su filmografía, entre la que también destaca su particular revisión del clásico de Henry James Otra vuelta de tuerca, siempre desde una óptica queer. Un film por lo tanto indispensable para entender una época, los estertores del franquismo, los últimos coletazos de la censura y los primeros pasos de una democracia incierta y ávida de libertad y color.

ÉRASE UNA VEZ MICHEL LEGRAND La larga agonía de la juventud

Título original: Il était une fois Michel Legrand
Francia 2024 120 min.
Dirección David Hertzog Dessites Guion David Hertzog Dessites y Willy Duraffourg Fotografía Nicolas Beauchamp Documental Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2024; en Francia 4 diciembre 2024; en España (Movistar+) 11 octubre 2025

¿Quiénes nos hacen felices en esta vida, además de nuestros seres más cercanos y queridos? Seguramente la gente de la cultura, los y las que se dedican a la escritura, al arte, a la música… A mí, Wagner o Strauss aparte, me han hecho muy feliz, en el marco de las bandas sonoras de películas que tanto me han enseñado y me han hecho crecer, Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, ´Henry Mancini, Miklós Rózsa… y Michel Legrand. Con ocasión de su único concierto en Sevilla, en enero de 2028, a punto de cumplir ochenta y seis años y sólo un año antes de dejarnos, escribí Gracias, Sr. Legrand, su música nos ha hecho muy felices, y su talante nos inspira ternura e infinito amor. Este documental que se presentó en Cannes en 2024, se estrenó en Francia a las puertas de Navidad de ese mismo año, y desde el pasado 11 de octubre se puede ver en España en Movistar, es también una declaración de amor en ese mismo sentido, en esta ocasión del cineasta francés, precisamente nacido en Cannes, David Dessites.

El retrato de un hombre incansable, que al final de su paseo por esta extraña y misteriosa vida, declaró que la infancia nos marca tanto que recordamos todo aquello que nos hace sentir como niños, mientras tendemos a olvidar todo lo demás. Echando mano de material impagable de archivo, grabaciones televisivas, conciertos, testimonio de amistades como Louis Malle, Jacques Demy, Quincy Jones, Alan Bergman y tantos y tantas otras, y grabaciones domésticas, acabamos entendiendo que lo que movía su vida y su entusiasmo, lo que le hacía sentir vivo y entusiasmado con una vida que también tuvo sus momentos bajos, era la música.

Hay una canción que me emociona enormemente, siempre me hace llorar, sin tener que relacionarla con nada en concreto, ningún momento específico de mi vida o mi entorno, ninguna película, nada, sólo la melodía y el gusto exquisito con que lo canta Kiri Te Kanawa (la versión que conozco) acompañada por Legrand a la orquesta. Se trata de Comme elle est longue a mourir ma jeunesse, que se podría traducir como Qué larga es la agonía de mi juventud. Pues eso, dicho en sentido positivo, qué larga fue la agonía de la juventud de Michel Legrand, cuánto disfrutó de su música hasta el último momento, como testimonia ese último concierto que dio en la Sala Pierre Boulez de la Philharmonie de París, en diciembre de 2018, o el concierto sevillano, que uno en el límite de la ilusión cree ver reflejado en una instantánea de este documental, cuando el maestro y sus músicos saludaban a quienes tuvimos la suerte de disfrutar por última vez en directo con la música de una persona excepcional, un músico irrepetible.

Estreno en salas de FANDANGO

Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva el 22 de noviembre de 2024

ELLAS EN LA CIUDAD Mina, Juani, Victoria y otras chicas de valor

España 2025 70 min.
Dirección Reyes Gallegos Guion Reyes Gallegos y Rafael Cobos Fotografía Alejandro Toro, Sergio Caro y Hugo Cabezas Música María Durán y Novia Pagana Documental Estreno en Movistar Plus+ 22 mayo 2025

Como persona inquieta e interesada en la imagen urbanística de su ciudad, Sevilla, la arquitecta Reyes Gallegos dirige en primera persona, recorriendo los barrios periféricos de la ciudad, este sensible e imprescindible documental sobre la transformación de estos espacios gracias al trabajo, la fuerza y la ilusión de las mujeres que los pueblan. Una idea que parte de ella misma en colaboración con el guionista habitual de Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, y que cristaliza en una valiosa obra de recuperación de memoria histórica, ese concepto que la derecha está tan empeñada en borrar, para hacer justicia a esas mujeres anónimas que se convirtieron en verdaderas artífices de la humanización de esta ciudad, trasladable a cualquier otra del país. El film pone por lo tanto el acento en un puñado de mujeres valientes y resueltas, que llegaron a esos barrios que el tardo franquismo vendió como símbolo de modernización, dejando claro que no se trataba más que de no lugares invadidos por el hormigón pero sin las mínimas infraestructuras para generar vida y proporcionar calidad. Mujeres que encargadas de cuidar de la familia y hacer vida exclusivamente en esos inhóspitos barrios, dedicaron su esfuerzo y sacrificio en dotarlos de recursos para hacer de ellos una convivencia social digna.

No fueron noticia, la medalla como siempre se la colgaron los miserables políticos, esos machos cabríos del momento, pero sin ellas no habría centros sociales, ni bibliotecas, ni espacios educativos y deportivos… todo lo que fueron reivindicando y por lo que dedicaron su causa. Mujeres a quienes la pobreza y el género condenaron a la ignorancia. ¡Cuántas científicas, profesoras, artistas, economistas, arquitectas, médicas o abogadas, por citar algunas profesiones, se perdieron por el camino! ¡Cuánta frustración parcialmente aliviada gracias a este trabajo de equipo y esa ilusión compartida que se ha convertido en la mejor herencia para las nuevas generaciones, muchos de cuyos integrantes parecen obviarlo e incluso despreciarlo, exhibiendo comportamientos infames e ingratos frente a quienes demostraron una humanidad y un sentido cívico fuera de lo común.

Gallegos no se conforma con dar testimonio e imagen a estas heroínas anónimas, sino que embellece su trabajo con cuidados recursos cinematográficos como la pantalla partida o una trabajada banda sonora, mientras siguen siendo ellas las protagonistas de este valioso trabajo, emotivo y emocionante. Victoria Ropero, Juana Ruiz o la fallecida Guillermina Elías, mujer agitadora conocida como Mina, a quien nada se le ponía por delante y a quien finalmente se dedicó una plaza en la barriada de San Diego, son algunas de estas valerosas luchadoras, amazonas de la humanización de nuestro entorno. Alcosa, Rochelambert, La Oliva, Pino Montano, Polígono San Pablo… les deben tanto. Ya era hora de que las conociéramos y les pusiésemos en el lugar que les corresponde. Ellas son las verdaderas santas y vírgenes y no esas otras a quienes tanto se rinde esta ingrata ciudad. Va siendo hora de dejar la Biblia de lado y prestarle más atención a estas mujeres de carne y hueso, pues como dice una de ellas, todo empezó con Cristo.

Estreno en salas de ERNEST COLE: LOST AND FOUND

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 12 de noviembre de 2024

¡LUMIÈRE! LA AVENTURA CONTINÚA Otro centenar de valiosos documentos

Título original: Lumière! L’aventure continue
Francia 2024 103 min.
Guion y dirección Thierry Frémaux Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2024; en España 14 marzo 2025; en Francia 19 marzo 2025

Siete años después de deslumbrarnos con un centenar de breves secuencias cinematográficas rodadas por los Hermanos Lumière a finales del siglo XIX y comienzos del XX, primorosamente restauradas, el todavía director del Festival de Cannes y del Instituto Lumiére, Thierry Frémaux, presenta otro centenar largo de prodigiosas secuencias, mientras ahonda en los mismos argumentos prácticamente que ilustraron aquella primera parte titulada ¡Lumière! La aventura comienza. Ahora sin Bertrand Tavernier como pareja artística, pero sí dedicada a él, tras su fallecimiento hace cuatro años, es precisamente la voz en off casi omnipresente de Frémaux lo que nos parece sobrar, al menos en parte, en este viaje por los inicios del cinematógrafo. Salvo análisis esporádicos y aislados comentarios de cierta enjundia, el resto se nos antoja similar a la opción en un aparato de televisión de imagen explicada para personas invidentes.

No obstante, resulta interesante su disquisición sobre la mirada, el punto de vista, la naturalidad de la imagen pura y sin agresiones, frente al truco y la manipulación a que se entregaba otro gran pionero del cine, Mélies, así como sentar las bases de futuras corrientes cinamtográficas a partir de los diferentes puntos de vista adoptados por estos pioneros. Ver con total nitidez y brillo las calles de París o Lyon, la Puerta del Sol madrileña o el bullicio neoyorquino, junto a estampas tan elocuentes como una familia fundamentalmente infantil de acróbatas, las primeras secuencias preparadas y actuadas, o viajes a lomos de un carro o un tren, sigue resultando un espectáculo cargado de nostalgia y sabiduría al que resulta difícil resistirse.

Una modernización de la famosa Salida de la fábrica, rodada por Coppola en 2019, rubrica este indispensable documento. Y si en la primera entrega era la música de Saint-Saëns la encargada de acompañar las imágenes, ahora es otro contemporáneo de los Lumière, Gabriel Fauré, quien con su Pavana, su Dolly Suite o su declicada música de cámara, hace lo propio.

BLACK BOX DIARIES Investigación en primera persona

Japón-USA-Reino Unido 2024 102 min.
Guion y dirección Shiori Ito Fotografía Hanna Aqvilin, Yuta Okamura y Keke Shiratama Música Mark De Gli Antoni Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Movistar Plus+ 7 febrero 2025

Primero fe el trauma, la vergüenza y una denuncia infructuosa traducida en fracaso judicial, después la incomprensión y el linchamiento social, un libro basado en una exhaustiva investigación, y finalmente un triunfo procesal. Es el particular via crucis de una joven periodista japonesa que, tras una cena de trabajo con Noriyuki Yamaguchi, uno de los más influyentes periodistas de Japón y amigo personal del primer ministro Shinzo Abe, terminó siendo víctima de una violación en la habitación de hotel en la que se alojaba el citado depredador y periodista. Este recorrido ha culminado en un documental a las puertas de alzarse con el Oscar en su categoría, mientras la víctima y autora, también del libro en el que se basa, Shiori Ito, se ha convertido en referente e influyente activista de los derechos de igualdad.

Muchas lágrimas vertidas y una determinación admirable dan testimonio del singular sufrimiento de quienes como ella han tenido que pasar por este espinoso camino hasta conseguir que se les escuche y se les comprenda, ya sea aquí, con el caso Nevenka como reciente trabajo fílmico que nos retrotrae a oscuros tiempos pretéritos, como en Hollywood, con el movimiento Me Too surgido de los crímenes de Harvey Weinstein, en Japón o el resto del mundo. Una forma muy especial e imprescindible de cambiar legislaciones y modelos sociales, como el japonés, tan necesitado de una amplia y dificultosa reforma, anclado en modelos de patriarcado rancio y marchito. Lástima que tardemos en conectar con el drama, merced a un montaje farragoso, a menudo confuso, y un sinfín de secuencias que parecen de relleno, aportando poco o nada al argumento principal, algo desdibujado hasta que bien avanzado el metraje, empieza a tener forma y suscitar nuestra empatía.

De cualquier modo, tiene mucho mérito que sea precisamente su principal e involuntaria protagonista quien haya urdido todo este entramado para ayudar a generaciones futuras e impedir definitivamente estos abusos imperdonables. De momento, su avance ha logrado algún que otro cambio, especialmente en la mirada del público, aunque como rezan las últimas imágenes del documental, las consecuencias en el verdugo apenas se dejaron apreciar.

NO OTHER LAND Bárbaros de la era digital

Palestina-Noruega 2024 95 min.
Guion y dirección Basel Adra, Yuval Abraham, Hamdan Ballal y Rachel Szor Fotografía Rachel Szor Música Julius Pollux Ruthlaender Documental Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2024; en españa (Movistar Plus+) 21 diciembre 2024; en Noruega 7 febrero 2025

Relato de lucha y supervivencia en una tierra maldita por acto y gracia de la aún más maldita Israel, en otro sentido radicalmente opuesto, que aplasta y se expande sin reparo y con la aprobación directa o por silencio de una comunidad internacional que se revela cada vez más estéril. Narrada en primera persona por sus protagonistas, dos amigos crecidos en la adversidad y los dos con un mismo fin, dar a conocer las atrocidades del ejército israelí contra la población palestina, el film se convierte en arma indispensable y a la postre arrojadiza contra la barbarie imperante entre quienes se consideran civilizados y nos hacen creer a los demás que enarbolan la bandera del progreso y la libertad. En ese contexto, el palestino Basel Adra y el israelí Yuval Abraham luchan contra la ocupación del ejército y los colonos con la única arma de la que disponen, la información, a través de la imagen y el texto, las redes sociales y el eco que encuentran, a menudo discreto y velado, en la televisión. Se trata pues de una crónica de sangre y destrucción, injusticia y salvajismo, con su reverso amable, el que propicia esta insólita y perdurable amistad basada en la convicción de la justicia y la esperanza.

Un encuentro entre dos mundos antagónicos que se reconocen y se entienden, algo así como pretendían Barenboim y Saïd cuando crearon la fundación a través de la cual jóvenes de uno y otro lado del territorio se juntan para tocar música. Un encuentro como se puede observar, que conduce más a la desesperanza, sobre todo cuando comprobamos ante las terribles imágenes que encierra este valioso documental, que parece viajemos en el tiempo para reencontrarnos con la misma barbarie que azotaba este desdichado planeta cuando romanos o señores feudales lo regentaban. No importan las declaraciones de derechos humanos ni las resoluciones internacionales, todos permitimos que esto ocurra, siguiendo con nuestra vidas acomodadas, privilegiadas, mientras en otros lugares se destruyen escuelas, se dispara a bocajarro a inocentes, se mete en la cárcel a quienes se defienden y se obliga a la gente humilde a abandonar la tierra en la que viven desde hace siglos, destruyendo sistemáticamente sus hogares y taponando pozos de agua para impedir su trabajo y medio de vida. En definitiva, se perpetran atrocidades de todo tipo, inimaginables en un mundo que suponemos civilizado.

Todo esto lo narran los protagonistas y el equipo noruego que les asiste con gravedad, con pausa y sentido del ritmo, pero sin abandonar nunca su principal consigna, la denuncia y la búsqueda, aunque se revele infructuosa, de justicia. Ya ha ganado el premio del público y el de mejor documental en Berlín y en los premios europeos del cine, y podrá gana el Oscar y que Hollwood se apunte otro tanto como comunidad más progresista y culturalmente avanzada que el resto de lo que le circunda, aunque nosotros lo que de verdad seguimos esperando es que algunos y algunas de sus más influyentes personalidades de la comunidad judía, como Spielberg, Streisand o Allen, se pronuncien ante la perversidad sin límites de ese demonio llamado Netanyahu y sus políticas expansionistas, auspiciadas por el nefasto e infame Donald Trump. Nuestro único deseo es que Masafer Yatta, Cisjordania y Palestina no tengan que mirar al cielo para esperar una vida mejor donde reine la igualdad entre hombres y mujeres que a estas altura sigue sin reinar en la tierra.

BANDA SONORA PARA UN GOLPE DE ESTADO Justicia y libertad a através de la música

Título original: Soundtrack to a Coup d’Etat
Bélgica-Francia 2024 150 min.
Dirección Johan Grimonprez Guion Johan Grimonprez y Daan Milius Fotografía Jonathan Wannyn Documental Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Estados Unidos 1 noviembre 2024; en Filmin' 28 febrero 2025

Pasado un tiempo generoso, y siguiendo la pauta veladamente hipócrita de Estados Unidos, todos los países acaban entonando el mea culpa en el cine. Esta vez se trata de Francia, que mantuvo el Congo como colonia desde el siglo XVI, y Bélgica, que tras los negocios de Leopoldo II pasó a la ocupación colonial del país desde 1908. No se escapa el imperio del siglo XX, Estados Unidos, cuyos intereses comerciales en la zona le llevó a propiciar el golpe de estado que, una vez alcanzada la supuesta independencia del Congo, protagonizó Joseph Kasa-Vubu y acabó con el régimen de su esperanzador y efímero primer ministro, Patrice Lumumba, asesinado por orden de la CIA en 1961. Precisamente este episodio provocó la irrupción en el Consejo de Seguridad de la ONU, organismo que una vez más evidenció su blandura e inclinación al fracaso, de la cantante Abbey Lincoln y el percusionista Max Roach para protestar por tan execrable asesinato. Y esto permite al cineasta Johan Grimonprez establecer cierto paralelismo entre la cultura del jazz afroamericano en aquellos tumultuosos años sesenta y los acontecimientos que desataron el empobrecimiento definitivo del continente africano tras la caída del Congo y la explotación brutal de sus recursos naturales, incluido el marfil y el caucho.

Una demostración más del carácter depredador y depravado del hombre sobre su propia especie, que en manos del cineasta belga adopta una estética decididamente farragosa, profusamente documentada y trabajada hasta el extremo, pero cuyo aspecto definitivo denota una histeria fílmica que poco favorece a su instinto educativo. Es así que hay demasiada información, a menudo desordenada, con sobre exposición de rótulos y citas escritas, y tal cantidad de material de archivo que ni siquiera dos horas y media interminables logran aprovecharla.

Tampoco queda suficientemente justificada la intercalación de excelentes interpretaciones de jazz a cargo de famosos como Louis Armstrong, Nina Simone, Dizzy Gillespie, Miriam Makeba, John Coltrane, Ornette Coleman o los directamente implicados Roach y Lincoln, en esta maraña de información. Nikita Krushchev, Malcolm X, Fidel Castro, Dwight Eisenhower o el propio Rey Balduino surgen también entre tanto dato y archivo como peones fundamentales de este holocausto y cataclismo geopolítico que tanto ha contribuido a destruir el continente que hoy protagoniza las mayores pesadillas de los más crueles e insensatos mandatarios occidentales. En su palmarés destacan el Premio Especial del Jurado en Sundance y la nominación al Oscar al mejor documental.

SUGARCANE Un dolor infinito

Canadá-USA 2024 107 min.
Dirección Emilie Kassie y Julian Brave NoiseCat Fotografía Emilie Kassie y Christopher LaMarca Música Mali Obomsawin Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Disney+ 10 diciembre 2024

Premiado en Sundance con el premio a la mejor dirección en el apartado de documentales, este estremecedor trabajo indaga sobre el genocidio indígena perpetrado en Estados Unidos y Canadá aún a lo largo del siglo XX, fundamentalmente en el seno de la Iglesia Católica, cuyas escuelas de segregación sirvieron al Estado para perpetrar los más atroces abusos sexuales y maltrato sistemático que derivó en el suicido de miles de niños y niñas originarias de los territorios ocupados desde que los extranjeros europeos invadieron y agredieron sus tierras.

Resulta curioso que sean precisamente estos invasores quienes ahora enarbolen la bandera patriótica para impedir la llegada de nuevos pobladores en busca de mejores condiciones de vida. En un momento dado del documental, el Papa Francisco responde a las reclamaciones de la Nación Original de Williams Lake, desde donde se centra el proceso de restauración de la memoria histórica, llevada a cabo por su actual jefe, Willie Sellars, y comenzada por el anterior, Rick Gilbert, ambos con un protagonismo importante en la función. El Pontífice se limita a confesar su vergüenza en nombre de la Iglesia Católica. Otro tanto hace el Primer Ministro canadiense, Justin Trudeau, cuando se acerca a los territorios damnificados. Pero la restauración emocional y la justicia aún se hacen esperar, mientras la desolación, el dolor y la impotencia se adueñan de una población diezmada en número y ánimo, y del que este intimista y relajado documental se hace eco desde la contención y el respeto.

Uno de sus responsables pertenece a la familia que lidera la dramaturgia de este trabajo, NoiseCat, quizás de ahí devenga el respeto con el que todo ha sido abordado. Mientras, las valiosas investigaciones de Charlene Belleau y Whitney Spearing se encargan del resto, dejando en general una sensación de enorme desolación y desgarradora impotencia, lejos de una necesaria sanación, aunque todo haya sido trabajado desde la contención y la más profunda melancolía, sin estridencias ni salidas emocionales de tono. Nominado al Oscar.

LA GUITARRA FLAMENCA DE YERAI CORTÉS Unidos por una constelación de satélites

España 2024 91 min.
Dirección Antón Álvarez Fotografía Oriol Barcelona, Nauzet Gaspar, Álvar Riu, Diego Trenas y Arnau Valls Colomer Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2024; en salas 20 diciembre 2024

El verano de 2020 pudo verse en el cielo una constelación de satélites enviados en órbita por SpaceX, compañía de Elon Musk. Una de esas noches en que pudo ser divisado un desfile de starlinks, la popular estrella del reggaetaon C. Tangana, coincidió en una fiesta con el joven guitarrista Yerai Cortés. Quedó tan fascinado por su doble vertiente como artista de vanguardia y flamenco clásico, que decidió emprender una aventura musical con él y plantearse su debut en la dirección cinematográfica trazando un retrato suyo a partir de la idea que debía plasmarse en ese trabajo conjunto. Antón Álvarez, más conocido como C. Tangana, ha demostrado con este sólido e inteligente trabajo tener más que aptitudes para dedicarse también al cine y doblar así su trabajo artístico.

Queda claro que en nuestro país existe un género heredado de esa serie televisiva titulada Vivir cada día, y que a nuestros cineastas sirve tanto para crear metaficción a partir de la ficción, como han demostrado recientemente Sandra Romero con Por donde pasa el silencio e Isaski Lacuesta con Segundo premio, como a partir del documental estricto, como ha hecho precisamente C. Tangana con su debut en el cine. Pero lo más llamativo es cómo trata con rigor y delicadeza un espinoso y dramático episodio de la vida del homenajeado, eje central de todo el argumento, con especial énfasis en la relación del joven artista con sus padres.

Y sobre todo llama la atención el uso creativo e imaginativo que el director hace del sonido en los esmerados números musicales que salpican la trama, a los que el talentoso guitarrista se presta encantado, rodeado de familiares, amistades y artistas que consiguen momentos de extraordinario espectáculo callejero, y que el cineasta se encarga de ensalzar tema a tema en sus jugosos títulos de crédito finales.

MARISOL, LLÁMAME PEPA Juguete reparado

España 2024 87 min.
Guion y dirección Blanca Torres Fotografía Juana Jiménez Documental Estreno en el Festival de Málaga 3 marzo 2024; en salas 10 mayo 2024

Esforzado documental, galardonado con el Premio Forqué, que intenta sin demasiado éxito arrojar algo de luz al mito y la leyenda de Marisol, Pepa Flores, niña prodigio del cine español, aunque a la interesada no le convenza el término, devenida en la mujer más anónima y desaparecida de la historia reciente de nuestro país. Dividida en dos partes diferenciadas, su periplo como estrella infantil venerada por jóvenes y mayores de la época franquista, y su metamorfosis como mujer luchadora por los derechos y las libertades desde el comunismo más marxista, contestataria y polémica. Sin duda una trayectoria fascinante que no encuentra reflejo en este trabajo academicista invadido de testimonios prescindibles y estériles, como los vertidos por gente tan mediática como Elvira Lindo, Fernando Méndez-Leite, Cristina Hoyos, Cristina Almeida o Amaia Romero. Quizás los únicos valiosos sean los de la hermana de la retratada, Vicky Flores, que sin embargo da la sensación de no haberse aprovechado lo suficiente, y del fotógrafo César Lucas, que tanto la conoció y que firmó las famosas fotografías de desnudo que publicó Interviú en plena transición.

Más interesante y trabajado resulta el generoso material de archivo utilizado, haciendo hincapié en el fenómeno de masas que supuso en la época y su proyección internacional, aunque este último episodio no queda suficientemente contrastado. Su deriva contestataria, traducida en convivir con Antonio Gades al margen de su matrimonio con Carlos Goyanes, y su compromiso con la izquierda más radical, queda así mismo algo desdibujada, y podría haber supuesto un documento fascinante del que apenas se saca provecho, como tampoco se hace de sus continuos intentos por destacar como actriz seria de la mano de directores como Mario Camus, Jaime de Armiñán o Juan Antonio Bardem, que conocieron mejores cosechas al margen de sus trabajos con la actriz.

Desaparecida del mundo público tras protagonizar la serie de televisión Proceso a Mariana Pineda y el largometraje Caso cerrado, el documental de Blanca Torres incide en lo obvio, mostrar su faceta de juguete roto, en manos del régimen y de la codicia del productor José Manuel Goyanes, padre de su primer marido, el secuestro de su infancia, y su recomposición ya convertida en mujer. Quizás ese doble capítulo, el del secuestro de su infancia y adolescencia, y las duras críticas recibidas por su uso de la libertad en una época en la que se le condenaba por adúltera y marxista, justifiquen ese retiro que el año que viene cumplirá cuarenta años y en el que tanto celo pone que le impidió incluso recibir el Goya de Honor en su amada tierra hace un par de ediciones. Al fin y al cabo, como ella misma dice, "es mi vida, con eso lo contesto todo".

LA VIDA A TRAVÉS DEL FOLCLORE ANDALUZ Dos películas andaluzas lo reflejan

LOS RESTOS DEL PASAR

España 2024 83 min.
Dirección Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo Guion Luis (Soto) Muñoz Fotografía Joaquín García-Riestra Guhl Música Juan Marpe y Pedro Catalán Intérpretes Rodrigo Ramírez, Paco Ariza y la voz de Antonio Reyes Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 9 noviembre 2024; en salas (sólo Madrid) 29 noviembre 2024

Baena es la ciudad elegida para ambientar esta suerte de cuento sobre la infancia y lo efímera que es la vida. Para ello, el joven director Luis (Soto) Muñoz, apenas un par de meses de estrenar en Filmin su primer largometraje de ficción, Sueños y pan, nos sumerge con la asistencia de Alfredo Picazo y la voz en off de Antonio Reyes, en los recuerdos de infancia de un niño durante la Semana Santa, cómo conoció a un anciano pintor y cómo éste le enseñó acerca del milagro de la vida, el arraigo a la tierra y la brevedad de nuestra existencia.

Representada como si del pasado se tratara, en un estético y estudiado blanco y negro que se combina con un color también reminiscente de tiempos pretéritos, Muñoz y Picazo parecen hacerle guiños a la primera época de Summers, mientras denotan un exceso poco conveniente de ambición poética que cuaja sólo en determinados pasajes, resultando el conjunto tan pretencioso como ocasionalmente aburrido.

El contraste entre los ritos y enseñanzas religiosas y la visión práctica y pagana del ilustre pintor, interpretado por el igualmente artista, fallecido poco después de finalizar el rodaje, Paco Ariza, termina por erigirse en lo mejor y más sustancioso de la cinta. A pesar de eso, se alzó con el Premio Juan Antonio Bermúdez al mejor largometraje en la Sección Panorama Andaluz del último Festival de Cine Europeo de Sevilla. Premio también en Gijón y una nominación al mejor director en los Premios Asecan.

FANDANGO

España 2024 89 min.
Dirección Remedios Malvárez y Antonio Andújar Guion Remedios Malvárez y Miguel Ángel Parra Fotografía Luis Castilla Documental Estreno en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva 22 noviembre 2024

Tras la excelente Pico Reja, Malvárez y Andújar vuelven a indagar sobre nuestra memoria histórica, esta vez de forma mucho más amable, a través de la cultura y el patrimonio andaluz, onubense para más señas. Se trata de analizar los orígenes, las fuentes y la trascendencia del fandango como palo del flamenco a menudo despreciado como cante menor al que cualquiera puede enfrentarse, dejando claro que sólo los más grandes le hacen justicia.

Y ahí aparecen Perlita de Huelva o, en imágenes de archivo, Toronjo, que junto a los testimonios y actuaciones de artistas como Arcángel, Sandra Carrasco o Argentina, y las semblanzas de intelectuales como Juan Cobos Wilkins y participaciones de artistas plásticos como Martín Lagares, tejen un particular viaje por la provincia de Huelva en un blanco y negro impostado que nos lleva de Alosno a la capital, pasando por Almonaster la Real, El Cerro de Andévalo o las Minas de Riotino.

Un viaje sentimental salpicado por hermosas actuaciones del bailaor Rafael Estévez en el muelle de hierro de la capital, o de Rocío Márquez, también directora musical del proyecto y que además colaboró en Pico Reja, en plan video clip elegante y estéticamente muy elaborado. Premio Talento Andaluz en Huelva y dos nominaciones (guion y dirección) en los Asecan avalan este artístico trabajo, quizás no tan riguroso y definitivo como pretende, pero ciertamente disfrutable incluso por quienes no cultivamos el flamenco.

SEFF 21 (2024) LA BELLE DE GAZA Medio siglo atrás

Francia 2024 76 min.
Guion y dirección Yolande Zauberman Documental Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2024; en Francia 29 mayo 2024

Hace tiempo que la realizadora francesa Yolande Zauberman abandonó el formato de ficción (Bailar hasta morir) para centrarse en visibilizar algunos de los problemas más acuciantes de nuestra sociedad global a través de una mirada eminentemente documental. Y esa mirada la dirige especialmente hacia ese mundo tan fragmentado que resiste en la frontera entre Israel y el Estado Palestino. En M, su anterior trabajo, analizaba un caso de abusos sexuales a un hombre en el seno de una comunidad judía ultraortodoxa. Ahora, con la joven transexual Talleen Aby Hanna como eje central, siempre en actitud alegre y distendida, reflexiona sobre el viaje físico y espiritual que deben realizar tantas mujeres como ella rechazadas en su comunidad y obligadas a trasladarse a Israel para al menos poder vivir su sexualidad en libertad, aunque sea siempre desde la marginación de quien ha de mantenerse con su cuerpo y del placer de los demás. Pero la mirada de Zauberman se vuelve más incómoda de lo que su propio mensaje anuncia cuando abusa de una forma de rodar tosca y deliberadamente desagradable, tan pueril en recursos como abandonada en sus formas, siempre agitadas y decididamente feístas, haciendo que su apenas hora y cuarto de duración se eternicen y que su mensaje se diluya. Que asistamos a una sociedad cuyos relatos coincidan con los que sufrimos en otros países supestamente más civilizados hace más de medio siglo, no parece suficiente motivación para dejarse seducir por esta nueva propuesta de Zauberman.

SEFF 21 (2024) ERNEST COLE: LOST AND FOUND La fuerza del arte

Francia 2024 105 min.
Guion y dirección Raoul Peck Fotografía Wolfgang Held y Moses Tau Música Alexei Aigui Narrador LaKeith Stanfield Estreno en el Festivald e Cannes 20 mayo 2024; en Suecia y Estados Unidos 22 noviembre 2024

La recuperación de un enorme arsenal de fotografías y otros documentos del fotógrafo sudafricano afincado en Nueva York, Ernest Cole, en una caja fuerte de un banco sueco hace unos años, es el detonante que justifica este valioso documental realizado para el Canal Arte y Netflix por el especialista en el género Raoul Peck (I Am Not Your Negro). El sensacional y conmovedor trabajo tiene una doble vertiente, como pieza estrictamente artística, destinada a divulgar la actividad del homenajeado, enseñando cómo observar una fotografía, extraer sus matices y detalles y considerarla obra de arte cuando así lo merece. Y por otro lado como testimonio desgarrador de la barbarie humana, especificada en el apartheid sudafricano, y hoy desgraciadamente latente en ese otro que protagoniza el una vez fustigado pueblo de Israel y hoy verdugo del pueblo de Gaza. Aún podría haber elegido una tercera vertiente, como ejercicio de intriga frente al anonimato de quien depositó toda esa documentación en el banco sueco y sufragó el gasto que conlleva. Pero esto último resulta ciertamente frívolo frente a lo que de verdad importa, el arte y la denuncia.

Peck no se vale para la ocasión de la habitual sucesión de testimonios alternándose con imágenes de archivo convenientemente ilustradas. Su testimonio surge fundamentalmente del propio Cole a través de sus escritos y de las entrevistas realizadas a quienes le conocieron. Así gestiona el director un guion que declama con precisión y capacidad para emocionarnos el actor LaKeith Stanfield (Selma, Puñales por la espalda), mientras el noventa por ciento de la imagen procede de la cámara de Cole, en gran parte de ese conjunto descubierto y del imprescindible House of Bondage que propició el exilio del artista. Así pasan ante nuestras retinas varias décadas de indecencia, así en África como en Estados Unidos e incluso Suecia, convirtiéndose en todo un valioso y fascinante testimonio visual de varias épocas.

En uno de sus segmentos, vemos una serie de fotografías en blanco y negro (casi toda su producción lo es) que muestran una pareja de enamorados besándose en medio de una concurrida avenida de Nueva York a mediados de los setenta del pasado siglo. Absortos en su romance, muestran una total abstracción ante lo que les rodea, quizás la misma que mostramos casi todos y todas como observadores pasivos ante la sucesión implacable de injusticias que asolan el planeta, ahora y siempre. De ahí la importancia absoluta de este tipo de documentos, destinados a conservar nuestra memoria y procurar en la medida de lo posible, si aún hay esperanza para ello, que este tipo de dramas y atropellos no se repitan. Una sensacional selección de jazz completa este impecable e imprescindible trabajo documental.