MR. NOBODY AGAINST PUTIN La voz de la disidencia

Rep. Checa-Dinamarca 2025 90 min.
Dirección David Borenstein y Pavel Ilyich Talankin Guion David Borenstein Fotografía Pavel Ilyich Talankin Música Michal Rataj y Jonas Struck Documental Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2025; en Dinamarca 22 marzo 2025; en España (Movistar Plus+) 10 marzo 2026

La urgencia de los múltiples conflictos bélicos que se están desarrollando en este primer cuarto de siglo, ha propiciado la producción de un buen número de trabajos documentales destinados a analizar y denunciar las injusticias y desvaríos que nos han llevado a esta apocalíptica situación. A falta de los primeros trabajos de ficción, la Guerra de Ucrania ha conocido ya varios documentales, el más ilustre y laureado 20 días en Mariúpol, que recogía el horror vivido en esa ciudad, y se alzaba con el Oscar al mejor documental hace dos años. Tras varios trabajos, el joven director estadounidense David Borenstein ha cobrado notoriedad con este trabajo presentado en Sundance el pasado año y condecorado ahora con el Oscar correspondiente, en el que ofrece un punto de vista diferente sobre el conflicto, al fijarse no en el invadido sino en el invasor y cómo este gesto autocrático y despiadado del infame presidente ruso, ha afectado considerablemente la vida de los y las rusas.

Sin perder de vista un horizonte en el que los verdaderos damnificados son la gente ucraniana, Borenstein presta voz y alma a quienes desde Rusia sufren la conflagración. Para eso se hace eco de las grabaciones, oficiales y domésticas, de un joven profesor de escuela, artífice en mayor porcentaje que el propio director de este trabajo estremecedor. Así, Pavel Ilyich Talankin se perfila como inevitable disidente en una comunidad de apenas diez mil habitantes, Karabash, en la zona de los Urales, donde su escuela ha sido tomada por la ideología imperante en un clásico y voraz proceso de adoctrinamiento del que resulta difícil escapar. Un proceso que Talankin documenta exhaustivamente, mostrando las miserias de sus contrincantes más directos, las sensaciones encontradas de los habitantes de la localidad y la paulatina militarización de niños y niñas en el albor de sus vidas.

Poco se manifiesta acerca de la barbarie perpetrada en el país vecino, porque lo que a Borenstein y Talankin interesa en este caso es recoger el efecto devastador en la población rusa, psicológicamente pero también de forma física respecto a los jóvenes soldados enviados sin piedad al campo de batalla. Todo esto rodado de forma eficaz y sin ornamentos, apenas un trabajo de montaje que enlace unos episodios con otros y provoque el efecto narrativo perseguido, con la fluidez y naturalidad que demanda, por mucho que en el camino podamos experimentar cierta sensación de que algunos aspectos hayan sido impostados o provocados. Más por su carácter coyuntural que por sus méritos estrictamente cinematográficos, un film que merece atención y debate.

LA HERMANASTRA FEA La sustancia de la Cenicienta

Título original: Den stygge stesøsteren
Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 2025 110 min.
Guion y dirección Emilie Blichfeldt Fotografía Marcel Zyskind Música John Eirk Kaada y Vilde Tuv Intérpretes Lea Myren, Thea Sofie Loch, Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Grdinger, Adam Lundgren, Willy Ramnek Petri, Ralph Carlsson, Agnieszka Zulewska Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025; en Noruega 7 marzo 2025; en España 17 octubre 2025

Recuperamos este título a propósito de su estreno en plataformas digitales (Movistar Plus+) el pasado 18 de febrero, y su nominación al Oscar al mejor maquillaje y peluquería. Su paso por los cines fue efímero, a pesar de haber ganado en Sitges el premio a la mejor película y de haberse paseado por festivales tan prestigiosos como Sundance o Berlín. El debut en la dirección de la joven directora noruega Emilie Blichfeldt se atreve con ingenio a poner en tela de juicio la conveniencia y oportunidad de los viejos cuentos clásicos tantas veces adaptados.

Se trata de La Cenicienta, cuyos infructuosos trabajos de actualización no han conseguido llegar a la verdadera esencia de su despropósito, que no es sino confinar a las mujeres a ser meros objetos decorativos en busca de su príncipe azul. Blichfeldt nos cuenta ahora esta archiconocida historia desde el punto de vista de una de sus hermanastras, cuya bondad inicial se va deteriorando conforme su hermosa rival va aumentando en popularidad, a la vez que demuestra un desprecio absoluto hacia su pariente por su desagradecido aspecto.

Todos los esfuerzos de la desdichada hermanastra por captar la atención del príncipe, su único propósito en la vida, convierten el relato en un insospechado espectáculo gore a través de operaciones quirúrgicas y mutilaciones voluntarias, como si de un encuentro entre el famoso cuento y La sustancia de Coralie Fargeat se tratara. Todo ello envuelto en una suntuosa producción, un abrazo entre países escandinavos y del este europeo, de un barroquismo extremo que dota al conjunto de un indiscutible atractivo.

TRES ANIMADAS Y NOMINADAS AL OSCAR

LAS GUERRERAS K-POP Un musical luminoso y endemoniado

Título original: KPop Demon Hunters
USA 2025 95 min.
Dirección Chris Appelhans y Maggie Kang Guion Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans Fotografía Gay H. Lee (animación) Música Marcelo Zarvos Canciones Mark Sonnenblick, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami Voces (en versión original) Arden Cho, Ahn Hyo-seop, Mary Hong, Ji-young Yoo, Yunjin Kim, Ken Jeong, Lee Byung-hun Estreno en Estados Unidos y España (Netflix) 20 junio 2025

Debut en la dirección de largometrajes de Maggie Kang, mientras Chris Appelhans ya tiene experiencia en el género de la animación, con El dragón de los deseos, una producción china de hace cuatro años. Juntos han creado esta original, entretenida y muy divertida mezcla entre musical para adolescentes y manga con demonios a los que las tres protagonistas, de nombre artístico-musical HUNTR/X, deben hacer frente echando mano de sus habilidades y poderes.

Una boys band rival, los Saja Boys, acabará convirtiéndose en el mal con el que acabar, con lo que la batalla se extiende también al escenario de los megaconciertos en los que ambas bandas congregan a sus miles de fans. Todo es color, energía, mucho ritmo y desenfadada alegría en esta cinta concebida para Netflix y que hasta el momento ha cosechado dos Globos de Oro, a la mejor película de animación y a la mejor canción, y opta al Oscar en las mismas categorías. Desde luego el diseño es portentoso y las canciones dinámicas y pegadizas.

ZOOTRÓPOLIS 2 Intriga política con animales humanizados 

Título original: Zootopia 2
USA 2025 107 min.
Dirección Jared Bush Guion Jared Bush Música Michael Giacchino Voces (versión original) Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Ke Huy Quan, Fortune Femmster, Andy Samberg, David Strathairn, Idris Elba, Shakira, Patrick Warburton, Quinta Brimson, Nate Torrence, Danny Trejo, Bonnie Hunt Estreno en Estados Unidos 26 noviembre 2025; en España 28 noviembre 2025

Casi una década han dejado pasar sus responsables para devolver a la gran pantalla las aventuras de la pareja de policías Judy la coneja y Nick el zorro, tras una temporada en la televisión. Sus directores, Jared Bush y Byron Howard, vuelven a dar en la diana, tras triunfar también con Encanto, y encargarse el primero de los guiones de Vaiana y su secuela.

Esta segunda parte se presenta todavía más vertiginosa y atiborrada que la anterior. La animación es sensacional, el ritmo excesivo y la cantidad de información que vomita, inabarcable e inasumible. Son detalles que igual sirven para destacar en positivo el resultado final que para hacerlo en negativo, aunque la balanza naturalmente, aunque sólo sea por el enorme esfuerzo de producción desplegado, se inclina hacia lo primero.

Los apuntes sociales, así como la denuncia de corrupción política y policial, vuelven a ponerse sobre el tapete, redondeando una propuesta nada desdeñable aunque definitivamente fatigante. Además, la humanización de los animales pasa por conservar algunas de sus características esenciales y perfeccionar su discurso sobre la diversidad. Zootrópolis ganó el Oscar y su secuela podría repetir la hazaña.

ELIO Huyendo de la Tierra

USA 2025 98 min.
Dirección Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina Guion Julia Cho, Mark Hammer y Mike Jones Fotografía (animación) Derek Williams y Jordan Rempel Música Rob Simonsen Voces (versión original) Yonas Kibreab, Zoe Saldaña, Remy Edgerly, Brandon Moon, Brad Garrett, Jameela Jamil Estreno en Estados Unidos 20 junio 2025; en España 9 julio 2025

Poca gracia le debe haber hecho a la administración Trump que una película de animación protagonizada por personajes latinos y con un mensaje conciliador entre razas, y la diversidad como eje de la cuestión, se haya colado entre las nominadas al Oscar en su categoría. Claro, que no creemos que el infame presidente de Estados Unidos esté muy al corriente de temas relacionados con la cultura. Podríamos considerar ésta entre las producciones más modestas de Pixar, factoría de la que salen sus tres realizadores, Madeline Sharafian, que fue nominada a un Oscar por su cortometraje Madriguera, Domee Shi, responsable de Red, y Adrián Molina, que logró el éxito con Coco.

Juntas celebran ahora la curiosidad por el cosmos, la necesidad de creer que hay vida ahí fuera, y la oportunidad para encajar en un mundo del que la ausencia de los seres queridos parece apartarnos cada vez más. Elio es el pequeño protagonista, cuya relación con su tía, a quien presta voz Zoe Saldaña en la versión original, se ve forzosamente destinada a mejorar cuando viva extraordinarias experiencias y aporte generosidad y empatía a un sorprendente amigo encontrado en un universo paralelo.

Ni su parafernalia técnica ni su mensaje conciliador llegan a sorprender ni estremecer en exceso, respectivamente, pero en conjunto se trata de otro film hecho con esmero, cariño y respeto a su público destinatario, si acaso algo más infantil de lo habitual. No cabe duda de que sus guionistas han acertado al proponer una huida de nuestro planeta, bien la merece. Rob Simonsen, compositor al que rara vez se le presta atención, firma una excelente banda sonora.

EL AGENTE SECRETO Intenso thriller con fondo político

Título original: O agente secreto
Brasil-Francia-Alemania-Países Bajos 2025 158 min.
Guion y dirección Kleber Mendonça Filho Fotografía Evgenia Alexandrova Música Mateus Alves y Tomaz Alves de Souza Intérpretes Wagner Moura, Laura Lufési, Tânia Maria, Robério Diógenes, Hermila Guedes, Italo Martins, Carlos Francisco, Maria Fernanda Candido, Thomás Aquino, Gabriel Leone, Roney Villela, Kaioni Venâncio, Udo Kier, Isabél Zuaa, Joâo Vitor Silva, Alice Carvalho, Enzo Nunes, Luciano Chirolli, Isadora Ruppert, Geane Alburquerque, Erivaldo Oliveira, Fabiana Pirro, Gregorio Graziosi, Marcelo Valle, Joálisson Cunha Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2025; en Brasil 6 noviembre 2025; en España 20 febrero 2026

El cine brasileño vuelve a triunfar rememorando la dictadura de los años setenta, década denominada como Años de plomo por la fuerte represión policial. Lo hizo el año pasado con Aún estoy aquí y lo hace ahora en un tono radicalmente diferente de la mano de Kleber Mendonça Filho. El director vuelve a practicar la narrativa coral, como hiciera en Doña Clara y, de forma mucho más evidente en Bacurau. Como en la primera, El agente secreto presenta un personaje absolutamente protagonista, pero lo rodea de tantos personajes, historias y vidas diferentes, que esa sensación coral rápidamente se adueña del producto. El título parece funcionar más como metáfora que en sentido estricto, de forma que nos adentramos en las experiencias como refugiado dentro de su propio país de un personaje perseguido a dos bandas, siempre desde el mismo lado, el aparato del Estado y los intereses económicos representados en la fuerza industrial y empresarial que también caracterizaron una época paradójica de represión y auge económico.

Sus dos horas y media aprovechan todo un rico material dramático en el que la fuerza del cine constituye un pilar fundamental de la historia, haciendo de clásicos como Tiburón o La profecía, metáforas de una época, del miedo que provoca las peores pesadillas y la necesidad de exorcizarlas, de afrontar esos demonios que generan acritud y desarraigo, y que hoy vuelven a estar tan presentes en la política mundial, bajo la nueva forma de democracias erráticas y forzadas. Wagner Moura, tras su exitoso paso por la serie Narcos, hace un trabajo extraordinario, arropado por un interminable plantel de actores y actrices que conforman un sensacional mosaico humano, tan entrañable como execrable. En sentido personal estricto, me conmovió especialmente el momento en el que se revela que cierto edificio sanitario ocupa el lugar que en el pasado ocupó un importante cine de Recife, capital de Pernambuco, pues yo mismo resido en un edificio que después de un tiempo viviendo en él descubrí que ocupaba la plaza del antiguo Cine Goya que tantas veces frecuenté con mi padre.

Cuestiones románticas aparte, este es un film excelente, magníficamente ambientado con ayuda de una producción holgada, la que propicia la colaboración de varios países europeos, y con interpretaciones sensacionales. Un excelente thriller para hablar de miseria institucional, desviación de fondos y corrupción a gran escala. Una estupenda selección de temas musicales completan la que a nuestro juicio es una de las mejores películas del año, y la que más nos ha convencido de cuantas optan a los Oscar. De momento, los premios al mejor director y al mejor actor en Cannes los tiene asegurados, así como el de mejor actor en los Globos de Oro.

MARTY SUPREME Vender zapatos a un cojo

USA 2025 149 min.
Dirección Joshua Safdie Guion Ronald Bronstein y Joshua Safdie Fotografía Darius Khondji Música Daniel Lopatin Intérpretes Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion, Kevin O’Leary, Abel Ferrara, Tyler Okonma, Fran Drescher, Larry “Ratso” Sloman, Luke Manley, Géza Röhrig, Koto Kawaguchi, Sandra Bernhard Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2025; en España 30 enero 2026

La habilidad estadounidense para venderlo todo, incluido un film sobre ping pong, se resume en una secuencia de esta película, cuando el tío del protagonista admira su capacidad para vender zapatos incluso a una persona sin piernas. Inspirándose en la biografía del supuestamente legendario jugador de ping pong Marty Reisman, Joshua Safdie se independiza de su hermano Ben tras un sinfín de cortometrajes, algún documental y cuatro largos de ficción entre los que destaca Diamantes en bruto, a mayor gloria de Adam Sandler. Y consigue los mayores laureles, muchos más que su hermano con la valiosa The Smashing Machine, otro biopic con deporte como trasfondo, con esta mastodóntica recreación del Nueva York de los años cincuenta del pasado siglo. Allí acontece la mayor parte de las andanzas de un buscavidas con tanta energía y fe como la desplegada por el propio realizador y su generoso equipo técnico y artístico. El resultado es una carrera sin tregua ni fin hacia la previsible gloria, jalonada de zancadillas, episodios donde reina la mala suerte y la acción violenta, siempre echando mano de ese tono de comedia que dulcifique el paquete y logre el entretenimiento perfecto. A todo lo cual se presta Timothée Chalamet con decisión y una energía inusitada, mientras a su alrededor se teje todo un ejército de estupendos secundarios, entre los que destaca la siempre atractiva Gwyneth Paltrow.

Corrupción policial, miseria, picaresca, éxito empresarial y decadencia artística se dan la mano en un puzzle tan ingenioso como extenuante, lo que a muchos y muchas puede atraer y convencer, mientras los demás podemos acabar algo hastiados. Su magnífica reconstrucción histórica, incluyendo ese Japón vencido en busca de la exaltación patriótica, es uno de sus principales atractivos. A ello hay que añadir el excelente trabajo de prácticamente todo el reparto, y una curiosa banda sonora anacrónica en la que los sonidos ochenteros del compositor Daniel Lopatin se mezclan con canciones en su mayoría también de esa época.

Junto a todo esto, hay que reconocer la inventiva de sus guionistas para someter a su protagonista a tantas desventuras propias de un buscavidas incansable e insaciable, con una determinación que Chalamet logra transmitir con considerable acierto. Del libreto son responsables el propio director y Ronald Bronstein, hermano de Mary Bronstein, en cuya película Yeats participaron los Safdie como actores hace casi veinte años, y que actualmente tiene en pantalla Si pudiera, te daría una patada, por la que Rose Byrne opta a un Oscar a la mejor actriz, tras ganar el Globo de Oro en la categoría de comedia o musical. Por su parte, Chalamet ganó el de mejor actor en la misma categoría, y opta al Oscar al mejor actor, de entre las nueve nominaciones al Oscar y once al Bafta que atesora la película.

EL ASUNTO SIRAT Y LA ESPAÑA QUIJOTESCA

Estos días asistimos perplejos a una de esas incongruencias que tan bien se nos dan en nuestro país. Esta misma mañana leía en la prensa que Sirat merecía estar entre las diez películas nominadas al premio gordo de la Academia de Hollywood, el Oscar a la mejor película, como lo están dos de sus principales competidoras de nominación a la mejor película internacional, Valor sentimental y El agente secreto. No está mal que hagamos apología de lo nuestro si no fuera porque medimos con distinta vara lo que pretendemos fuera que lo que decidimos dentro. El Forqué, el Feroz y el Días de Cine han ido a Los domingos, y seguramente también se llevará el Goya. Así hacemos campaña en España, y no pretendía hacer un pareado. Exigimos de fuera lo que despreciamos dentro.

Hasta la irrupción de la película de Alauda Ruiz de Azúa, Sirat era unánimemente la mejor película española del año. Para muchos, entre quienes me incluyo, lo sigue siendo, por su originalidad, su fuerza, su atrevimiento y su capacidad para mantenerte atado al asiento prácticamente desde el minuto cero. Pero de repente hemos decidido apuntarnos a la moda de lo sagrado y lo eclesiástico, sin menospreciar la que igualmente consideramos una estupenda película y honda reflexión sobre la vocación monacal.

No contentos con este desprecio sistemático que está sufriendo la cinta de Oliver Laxe, hoy nos enteramos que el premio del programa de TVE Dias de cine a la mejor película extranjera ha recaído en Valor sentimental, máxima competidora de nuestra película en los Oscar, y que ya obtuvo el premio del Cine Europeo en la última edición, en la que también competía Sirat. Así que la contracampaña la tiene ya hecha, y se la hemos hecho fundamentalmente nosotros mismos. Si eso no es ser quijotes...

Estreno en salas de LA CHICA DE LA AGUJA

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 11 de noviembre de 2024

BLACK BOX DIARIES Investigación en primera persona

Japón-USA-Reino Unido 2024 102 min.
Guion y dirección Shiori Ito Fotografía Hanna Aqvilin, Yuta Okamura y Keke Shiratama Música Mark De Gli Antoni Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Movistar Plus+ 7 febrero 2025

Primero fe el trauma, la vergüenza y una denuncia infructuosa traducida en fracaso judicial, después la incomprensión y el linchamiento social, un libro basado en una exhaustiva investigación, y finalmente un triunfo procesal. Es el particular via crucis de una joven periodista japonesa que, tras una cena de trabajo con Noriyuki Yamaguchi, uno de los más influyentes periodistas de Japón y amigo personal del primer ministro Shinzo Abe, terminó siendo víctima de una violación en la habitación de hotel en la que se alojaba el citado depredador y periodista. Este recorrido ha culminado en un documental a las puertas de alzarse con el Oscar en su categoría, mientras la víctima y autora, también del libro en el que se basa, Shiori Ito, se ha convertido en referente e influyente activista de los derechos de igualdad.

Muchas lágrimas vertidas y una determinación admirable dan testimonio del singular sufrimiento de quienes como ella han tenido que pasar por este espinoso camino hasta conseguir que se les escuche y se les comprenda, ya sea aquí, con el caso Nevenka como reciente trabajo fílmico que nos retrotrae a oscuros tiempos pretéritos, como en Hollywood, con el movimiento Me Too surgido de los crímenes de Harvey Weinstein, en Japón o el resto del mundo. Una forma muy especial e imprescindible de cambiar legislaciones y modelos sociales, como el japonés, tan necesitado de una amplia y dificultosa reforma, anclado en modelos de patriarcado rancio y marchito. Lástima que tardemos en conectar con el drama, merced a un montaje farragoso, a menudo confuso, y un sinfín de secuencias que parecen de relleno, aportando poco o nada al argumento principal, algo desdibujado hasta que bien avanzado el metraje, empieza a tener forma y suscitar nuestra empatía.

De cualquier modo, tiene mucho mérito que sea precisamente su principal e involuntaria protagonista quien haya urdido todo este entramado para ayudar a generaciones futuras e impedir definitivamente estos abusos imperdonables. De momento, su avance ha logrado algún que otro cambio, especialmente en la mirada del público, aunque como rezan las últimas imágenes del documental, las consecuencias en el verdugo apenas se dejaron apreciar.

NICKEL BOYS Irriante experimento formal

USA 2024 140 min.
Dirección RaMell Ross Guion RaMell Ross y Joslyn Barnes, según la novela de Colson Whitehead Fotografía Jomo Fray Música Alex Somers y Scott Alario Intérpretes Ethan Herisse, Brandon Wilson, Aunjaue Ellis-Taylor, Hannish Linklater, Fred Hechinger, Daveed Diggs, Robert Aberdeen, Gralen Bryant Banks Estreno en el Festival de Telluride (USA) 30 agosto 2024; en Amazon Prime 27 febrero 2025

Desconcertante debut en el largometraje de RaMell Ross, convertido así, de la noche a la mañana, en objeto de culto e incomprensible admiración. Se trata de la adaptación de una novela ganadora del Pulitzer (¡qué bien venden los americanos todo lo suyo!), que como Sugarcane, otro trabajo en liza para los Oscar, en este caso en el apartado de mejor documental, indaga sobre la limpieza étnica en uno de esos centros educativos o reformatorios que con el tiempo han arrojado escalofriantes cifras de abusos y fallecidos. Pero la cinta de Ross no se limita a ser una denuncia o un alegato sobre la barbarie de un país considerado civilizado y que quizás se erige como el más racista del mundo occidental, por no decir del mundo en general.

Donde allí eran indios canadienses, aquí son una vez más negros, en concreto dos jóvenes a quienes sólo vemos juntos una vez, gracias a un espejo en el techo que los refleja y sirve como cartel anunciador. Porque el resto del tiempo, la cámara adopta una posición subjetiva y vemos a cada uno de los protagonistas con los ojos del otro, por lo que siempre hay uno que escapa a nuestra perspectiva, en lo que se convierte en caprichoso y a la postre irritante ejercicio de experimentación formal. Todo se reduce entonces a dos horas y veinte minutos tediosos, hundidos en una narrativa caprichosa, que juega constantemente al desafío, por lo que hay que estar muy atento y espabilado para comprender el conjunto de adversidades por el que atraviesan los dos jóvenes en una crónica con tendencia permanente a la impostura y el preciosismo estético, incluido el formato cuadrado y la música vanguardista.

Fuera de este prisma queda la denuncia, la catarsis emocional y el juego dialéctico, que pierden fuerza y efectividad a favor del experimento, para entregarse todo a la videocreación artística y el desapego hacia todo lo grave que se cuenta, las atrocidades perpetradas en el centro al que alude su título, Nickel. Habrá quien quiera ver poesía, pero por mucho que cuente con el beneplácito de industria y crítica, rendida a sus supuestos encantos, a nosotros sólo se nos antoja una película pedante y ridícula.

NO OTHER LAND Bárbaros de la era digital

Palestina-Noruega 2024 95 min.
Guion y dirección Basel Adra, Yuval Abraham, Hamdan Ballal y Rachel Szor Fotografía Rachel Szor Música Julius Pollux Ruthlaender Documental Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2024; en españa (Movistar Plus+) 21 diciembre 2024; en Noruega 7 febrero 2025

Relato de lucha y supervivencia en una tierra maldita por acto y gracia de la aún más maldita Israel, en otro sentido radicalmente opuesto, que aplasta y se expande sin reparo y con la aprobación directa o por silencio de una comunidad internacional que se revela cada vez más estéril. Narrada en primera persona por sus protagonistas, dos amigos crecidos en la adversidad y los dos con un mismo fin, dar a conocer las atrocidades del ejército israelí contra la población palestina, el film se convierte en arma indispensable y a la postre arrojadiza contra la barbarie imperante entre quienes se consideran civilizados y nos hacen creer a los demás que enarbolan la bandera del progreso y la libertad. En ese contexto, el palestino Basel Adra y el israelí Yuval Abraham luchan contra la ocupación del ejército y los colonos con la única arma de la que disponen, la información, a través de la imagen y el texto, las redes sociales y el eco que encuentran, a menudo discreto y velado, en la televisión. Se trata pues de una crónica de sangre y destrucción, injusticia y salvajismo, con su reverso amable, el que propicia esta insólita y perdurable amistad basada en la convicción de la justicia y la esperanza.

Un encuentro entre dos mundos antagónicos que se reconocen y se entienden, algo así como pretendían Barenboim y Saïd cuando crearon la fundación a través de la cual jóvenes de uno y otro lado del territorio se juntan para tocar música. Un encuentro como se puede observar, que conduce más a la desesperanza, sobre todo cuando comprobamos ante las terribles imágenes que encierra este valioso documental, que parece viajemos en el tiempo para reencontrarnos con la misma barbarie que azotaba este desdichado planeta cuando romanos o señores feudales lo regentaban. No importan las declaraciones de derechos humanos ni las resoluciones internacionales, todos permitimos que esto ocurra, siguiendo con nuestra vidas acomodadas, privilegiadas, mientras en otros lugares se destruyen escuelas, se dispara a bocajarro a inocentes, se mete en la cárcel a quienes se defienden y se obliga a la gente humilde a abandonar la tierra en la que viven desde hace siglos, destruyendo sistemáticamente sus hogares y taponando pozos de agua para impedir su trabajo y medio de vida. En definitiva, se perpetran atrocidades de todo tipo, inimaginables en un mundo que suponemos civilizado.

Todo esto lo narran los protagonistas y el equipo noruego que les asiste con gravedad, con pausa y sentido del ritmo, pero sin abandonar nunca su principal consigna, la denuncia y la búsqueda, aunque se revele infructuosa, de justicia. Ya ha ganado el premio del público y el de mejor documental en Berlín y en los premios europeos del cine, y podrá gana el Oscar y que Hollwood se apunte otro tanto como comunidad más progresista y culturalmente avanzada que el resto de lo que le circunda, aunque nosotros lo que de verdad seguimos esperando es que algunos y algunas de sus más influyentes personalidades de la comunidad judía, como Spielberg, Streisand o Allen, se pronuncien ante la perversidad sin límites de ese demonio llamado Netanyahu y sus políticas expansionistas, auspiciadas por el nefasto e infame Donald Trump. Nuestro único deseo es que Masafer Yatta, Cisjordania y Palestina no tengan que mirar al cielo para esperar una vida mejor donde reine la igualdad entre hombres y mujeres que a estas altura sigue sin reinar en la tierra.

BANDA SONORA PARA UN GOLPE DE ESTADO Justicia y libertad a através de la música

Título original: Soundtrack to a Coup d’Etat
Bélgica-Francia 2024 150 min.
Dirección Johan Grimonprez Guion Johan Grimonprez y Daan Milius Fotografía Jonathan Wannyn Documental Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Estados Unidos 1 noviembre 2024; en Filmin' 28 febrero 2025

Pasado un tiempo generoso, y siguiendo la pauta veladamente hipócrita de Estados Unidos, todos los países acaban entonando el mea culpa en el cine. Esta vez se trata de Francia, que mantuvo el Congo como colonia desde el siglo XVI, y Bélgica, que tras los negocios de Leopoldo II pasó a la ocupación colonial del país desde 1908. No se escapa el imperio del siglo XX, Estados Unidos, cuyos intereses comerciales en la zona le llevó a propiciar el golpe de estado que, una vez alcanzada la supuesta independencia del Congo, protagonizó Joseph Kasa-Vubu y acabó con el régimen de su esperanzador y efímero primer ministro, Patrice Lumumba, asesinado por orden de la CIA en 1961. Precisamente este episodio provocó la irrupción en el Consejo de Seguridad de la ONU, organismo que una vez más evidenció su blandura e inclinación al fracaso, de la cantante Abbey Lincoln y el percusionista Max Roach para protestar por tan execrable asesinato. Y esto permite al cineasta Johan Grimonprez establecer cierto paralelismo entre la cultura del jazz afroamericano en aquellos tumultuosos años sesenta y los acontecimientos que desataron el empobrecimiento definitivo del continente africano tras la caída del Congo y la explotación brutal de sus recursos naturales, incluido el marfil y el caucho.

Una demostración más del carácter depredador y depravado del hombre sobre su propia especie, que en manos del cineasta belga adopta una estética decididamente farragosa, profusamente documentada y trabajada hasta el extremo, pero cuyo aspecto definitivo denota una histeria fílmica que poco favorece a su instinto educativo. Es así que hay demasiada información, a menudo desordenada, con sobre exposición de rótulos y citas escritas, y tal cantidad de material de archivo que ni siquiera dos horas y media interminables logran aprovecharla.

Tampoco queda suficientemente justificada la intercalación de excelentes interpretaciones de jazz a cargo de famosos como Louis Armstrong, Nina Simone, Dizzy Gillespie, Miriam Makeba, John Coltrane, Ornette Coleman o los directamente implicados Roach y Lincoln, en esta maraña de información. Nikita Krushchev, Malcolm X, Fidel Castro, Dwight Eisenhower o el propio Rey Balduino surgen también entre tanto dato y archivo como peones fundamentales de este holocausto y cataclismo geopolítico que tanto ha contribuido a destruir el continente que hoy protagoniza las mayores pesadillas de los más crueles e insensatos mandatarios occidentales. En su palmarés destacan el Premio Especial del Jurado en Sundance y la nominación al Oscar al mejor documental.

SUGARCANE Un dolor infinito

Canadá-USA 2024 107 min.
Dirección Emilie Kassie y Julian Brave NoiseCat Fotografía Emilie Kassie y Christopher LaMarca Música Mali Obomsawin Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Disney+ 10 diciembre 2024

Premiado en Sundance con el premio a la mejor dirección en el apartado de documentales, este estremecedor trabajo indaga sobre el genocidio indígena perpetrado en Estados Unidos y Canadá aún a lo largo del siglo XX, fundamentalmente en el seno de la Iglesia Católica, cuyas escuelas de segregación sirvieron al Estado para perpetrar los más atroces abusos sexuales y maltrato sistemático que derivó en el suicido de miles de niños y niñas originarias de los territorios ocupados desde que los extranjeros europeos invadieron y agredieron sus tierras.

Resulta curioso que sean precisamente estos invasores quienes ahora enarbolen la bandera patriótica para impedir la llegada de nuevos pobladores en busca de mejores condiciones de vida. En un momento dado del documental, el Papa Francisco responde a las reclamaciones de la Nación Original de Williams Lake, desde donde se centra el proceso de restauración de la memoria histórica, llevada a cabo por su actual jefe, Willie Sellars, y comenzada por el anterior, Rick Gilbert, ambos con un protagonismo importante en la función. El Pontífice se limita a confesar su vergüenza en nombre de la Iglesia Católica. Otro tanto hace el Primer Ministro canadiense, Justin Trudeau, cuando se acerca a los territorios damnificados. Pero la restauración emocional y la justicia aún se hacen esperar, mientras la desolación, el dolor y la impotencia se adueñan de una población diezmada en número y ánimo, y del que este intimista y relajado documental se hace eco desde la contención y el respeto.

Uno de sus responsables pertenece a la familia que lidera la dramaturgia de este trabajo, NoiseCat, quizás de ahí devenga el respeto con el que todo ha sido abordado. Mientras, las valiosas investigaciones de Charlene Belleau y Whitney Spearing se encargan del resto, dejando en general una sensación de enorme desolación y desgarradora impotencia, lejos de una necesaria sanación, aunque todo haya sido trabajado desde la contención y la más profunda melancolía, sin estridencias ni salidas emocionales de tono. Nominado al Oscar.

AÚN ESTOY AQUÍ La herida abierta

Título original: Ainda estou aqui
Brasil-Francia 2024 137 min.
Dirección Walter Salles Guion Marilu Hauser y Heitor Lorega, según el libro de Marcelo Rubens Paiva Fotografía Adrian Teijido Música Walter Ellis Intérpretes Fernanda Torres, Selton Mello, Luiza Kosovski, Bárbara Luz, Valentina Herszage, Guilherme Silveira, Antonio Saboia, Cora Mora, Olivia Torres, Pri Helena, Dan Stulbach, Fernanda Montenegro Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2024; en Brasil 7 noviembre 2024; en España 21 febrero 2025

Imposible evitar viendo esta película que se trata de una historia que nos la han contado infinidad de veces, y sin embargo qué impotencia provoca saber que apenas sirve de nada, por mucho que funcione como sano, indispensable e irrenunciable ejercicio de memoria histórica. Muchas fueron las personas desaparecidas durante la larga dictadura militar brasileña de Humberto de Alencar Castelo, de 1964 a 1985. El episodio elegido por Walter Salles, conocido por Estación Central de Brasil y Diarios de motocicleta, se refiere el ex diputado democrático Rubens Paiva, según las memorias publicadas por su hijo Marcelo. Paiva colaboró en la comunicación entre exiliados y sus familiares y las fuerzas que luchaban por la reinstauración del orden democráctico en su país. Acomodado y feliz padre de familia, su esposa, cuatro hijas y el referido hijo conforman ese núcleo sometido a la oscuridad y el terror más intrenso e inaudito cuando en 1971 su padre y esposo fue secuestrado y desaparecido.

Inevitable pensar en cómo estas dictaduras que camparon a sus anchas especialmente en el continente sudamericano, surgieron de golpes militares auspiciados por el poder económico de la autodenominada nación más poderosa del mundo, y hoy surgen del voto democrático, llegándose a la máxima aberración imaginable, la de una dictadura que surge de la voluntad del pueblo, y si no que se lo pregunten a los Estados Unidos, donde a golpe de decreto su ciudadanía está aprendiendo lo que significa perder derechos y puestos de trabajo. ¿Acaso no se lo esperaban? Pues todavía queda mucho por sufrir, y lo peor es que salpicará al resto del mundo considerado libre. Películas como ésta nos ayudan a reflexionar sobre el tema, a temer y sufrir el peligroso giro al que viran los extremismos, y los inconvenientes del liberalismo a ultranza. Estamos en ese bucle que se repite cada cierto tiempo, no importa el fracaso al que se vean abocados los regímenes autoritarios, tal como demuestra la Historia una y otra vez. La ignorancia y el atrevimiento nos llevan a estas situaciones de injusticia, terror e inabarcable angustia que, con mucho tino y considerable delicadeza, nos muestra Salles y su excelente equipo técnico y artístico. En la génesis de la película nos parece vislumbrar la Roma de Cuarón en la forma y el estilo narrativo, y El olvido que seremos de Trueba en su actitud de denuncia y el ambiente familiar en el que se desarrolla el drama.

Entre los méritos de la película se encuentra la interpretación comedida y precisa de Fernanda Torres, justamente nominada al Oscar y ganadora del Globo de Oro, y relevada por su propia madre, Fernanda Montenegro, cuando alcanza la ancianidad y esa memoria imprescindible se diluye como lo hace la que ostentamos como colectividad. Curiosamente Montenegro fue en su día nominada al Oscar por su trabajo en Estación Central de Brasil, también a las órdenes de Salles. Y una última reflexión, ¿por qué nuestro país, tan proclive a narrar en el cine las atrocidades de la Guerra Civil, no presta atención al sufrimiento al que fuimos sometidos durante cuarenta años, y del que aún no nos hemos recuperado, tal es la desidia mostrada por nuestras instituciones a la hora de paliar el dolor de quienes nunca disfrutaron del reconocimiento merecido? Premio en Venecia al mejor guion y Goya a la mejor película iberoamericana son otras de las credenciales de esta imprescindible película.

LAS CUATRO HIJAS Libertad en la oscuridad

Título original: Les filles d’Olfa
Túnez-Francia-Alemania-Arabia Saudí 2023 107 min.
Guion y dirección Kaouther Ben Hania Fotografía Farouk Laâridh Música Amin Bouhafa Intérpretes Olfa Hamrouni, Ella Chikhaoui, Tayssir Chikhaoui, Nour Karoui, Ichrak Matar, Majd Mastoura, Hind Sabri Documental Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2023; en Francia 5 julio 2023; en Túnez 20 septiembre 2023; en España 9 febrero 2024

La directora tunecina Kaouther Ben Hania se ha erigido en una de las voces más respetadas, reivindicadoras e inspiradoras del cine actual del Norte de África. En Hollywood la tienen mimada, con su película de ficción El hombre que vendió su piel nominada al Oscar a mejor película internacional en 2020, y con una nueva nominación, ahora a mejor documental, con este trabajo híbrido y discutible. Un film que se nos antoja en cierto modo heredero de aquellos programas de televisión que recreaban crímenes reales en formato documental con la ayuda de actores y actrices profesionales.

La cuatro hijas o Las hijas de Olfa nos cuenta como en el trabajo antes citado una historia de libertad y auto determinación, pero también de sufrimiento frente al futuro incierto de unos seres queridos. Con la propia Olfa desdoblándose entre ella misma y una actriz cuando la escena le incomoda especialmente, y sus dos hijas desaparecidas interpretadas por actrices, así como un actor que da vida a diferentes hombres a lo largo del relato, Ben Hania fija su atención en otra abducción ideológica y religiosa que en realidad esconde una denuncia a la falta de libertad de las mujeres en un estado anti yihaddista como Túnez, que se pretende más abierto y moderno que el resto de sus vecinos.

Así, las dos hijas desaparecidas, que fueron noticia de cabecera en su país durante bastante tiempo hace apenas unos años, parecen abrazar el Estado Islámico como forma de reivindicar su libertad bajo el hiyab. Lástima que todo su discurso se revele confuso y reiterativo, con los testimonios de las dos hijas menores y la propia Olfa alternándose con episodios de sus vidas torpemente rodados, resultando el conjunto poco atractivo, todo lo opuesto a lo que debe entenderse como su intención.

RRR Espectáculo delirante pero bien controlado

Título original: RRR (Rise Roar Revolt)
India 2022 185 min.
Dirección S.S. Rajamouli Guion S.S. Rajamouli, Vijayendra Prasad, Sai Madhav Burra y Madhan Karky Fotografía Senthil Kumar Música M.M. Keeravani Intérpretes N.T. Rama Rao jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Olivia Morris, Shirya Sarah, Alison Doody, Ray Stevenson, Edward Sonnenblick, Eduard Buhac Estreno en India 25 marzo 2022

Bollywood se ha propuesto desembarcar definitivamente en la cartelera de occidente. Esta película llegó a las pantallas de medio mundo hace exactamente un año, quedando el terreno así abonado para obtener un éxito rotundo con películas posteriores, igualmente estrenadas en India a la vez que en otras plazas más cercanas, como sucedió con Pathaan. Quizás porque en España RRR no ha visto comercialmente la luz, al menos hasta el momento, aquella pasó injustamente desapercibida por nuestra cartelera. Ahora bien, sólo nos faltaba añadir a la cada vez más abultada cartelera el inagotable cine hecho en Bollywood.

Si los Oscar han decidido después de tantísimos años incluir las películas indias en sus nominaciones, por qué fijar su atención solo en la canción, cuando hay multitud de apartados que brillan en esta cinta épica y espectacular. Tres horas de auténtico parque de atracciones, en un híbrido entre aventuras y cine histórico que aprovecha la colonización británica del país asiático para arremeter contra los invasores y mostrarlos como seres despiadados, casi endemoniados, emprendiendo una lucha sin cuartel y sin límites de rigor ni verosimilitud que convierten el artilugio en una fiesta de sangre, sadismo, efectos visuales increíbles y situaciones a cada cual más delirante y disparatada. Su director, S.S. Rajamouli, demuestra conocer perfectamente los recursos a su disposición y controlar todo el complejo entramado que sostiene la película para ofrecernos un espectáculo brillante y efectista. Cabe temer sin embargo que tras tanto avance en igualdades y derechos, esta nueva exhibición de testosterona, músculo, hombría y machismo acabe haciendo mella en nuestros más jóvenes.

Aquí hay de todo, camaradería, rivalidad, lucha sin tregua, situaciones sorprendentes (la estampida de animales salvajes o la explosión del tren no tienen desperdicio), y mucha música, con dos escenas de baile tan desatadas y extenuantes como el resto de su imaginativa parafernalia. En el reparto, aparte de los hipervitaminados protagonistas, cabe destacar a Alison Doody, quien fuera treinta años atrás compañera de reparto y aventuras de Harrison Ford en Indiana Jones y la última cruzada, interpretando a la despiadada y sádica esposa del gobernador. Merece destacarse su colorida puesta en escena, aunque abunden tantos anacronismos que no acertemos a saber en qué década de la primera mitad del siglo XX nos encontramos, y su excepcional y luminosa fotografía, completando una estética esmerada que inconfundiblemente nos remite a esas exóticas fantasías orientales que sin duda agradarán a quienes se dejen arrastrar por sus tres horas de metraje.

TRES DOCUMENTALES EN BUSCA DEL ÓSCAR

ALL THAT BREATHES

Reino Unido-India-USA 2022 97 min.
Dirección Shaunak Sen Fotografía Ben Bernhard, Riju Das y Saumyananda Sahi Música Roger Goula Sarda Estreno en el Festival de Sundance 21 enero 2022

En una turbulenta Nueva Delhi, cuando en febrero de 2020 los duros enfrentamientos entre hindúes y musulmanes se saldaron con una treintena de fallecidos, tres hombres mantienen un cometido muy especial, salvar milanos negros, rapaces que pueblan los cielos del país y el continente y simbolizan la libertad y la grandeza de las aves frente a la sinrazón de una humanidad cada vez más ensimismada consigo mismo, que da la espalda a la naturaleza que le vio nacer y con la que ya hace mucho debería haber aprendido a convivir.

Con un estilo absolutamente minimalista y tan ajeno al típicamente documental que a veces casi parece un film de ficción con una narrativa considerablemente convencional, su debutante director deja libertad a sus protagonistas, Salik Rehman, Mohammad Saud y Nadeem Shehzad para que expresen lo que escuetamente necesitan, mientras asistimos a una rutina en la que recoger, curar y salvar estas especies se convierte en el objetivo fundamental. No en vano la cinta comienza con ratas invadiendo la superficie con nocturnidad, clara metáfora de los que habitamos la tierra frente a quienes pueblan con su majestuosidad los cielos. Logró el Premio del Jurado en Sundance y de momento aquí solo se ha podido ver en la Seminci.

FIRE OF LOVE

USA 2022 93 min.
Dirección Sara Dosa Guion Shane Boris, Erin Casper, Jocelyne Chaput y Sara Dosa Fotografía Pablo Álvarez-Mesa Música Nicolas Godin Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2022; en España 26 agosto 2022

Imposible viendo este documental de National Geographic no pensar qué hubieran hecho Katia y Maurice Kraft, los protagonistas de esta cinta de Sara Dosa, si viviesen todavía y hubiesen conocido la erupción del Cumbre Vieja en La Palma, de la que tanto, trágico y buen material de archivo se ha conseguido. Quizás se hubiesen congratulado de que seguramente muchos de sus descubrimientos y hallazgos se pusieron en práctica para evitar la oleada de víctimas que de no haberse procedido a tan efectivas campañas de desalojo y prevención se habrían producido. La pareja de vulcanólogos a los que está dedicado este trabajo asumieron su pasión por este fenómeno de la naturaleza tras su desencanto manifiesto con el mundo que les tocó vivir, con la Guerra de Vietnam en pleno apogeo y núcleo de protestas en todo el mundo. De nuevo el desencanto con la humanidad acerca a la sabia y majestuosa naturaleza.

Apoyándose en el prodigioso material de archivo atesorado por la pareja, fallecida por acercarse demasiado al abismo infernal en junio de 1991 en Luzón (Filipinas), el film cuenta con un vibrante, complejo y trepidante montaje, premiado en Sundance, la voz como narradora de Miranda July y el doblaje de las voces de los protagonistas allí donde el metraje en súper 8 no contiene sonido. Elaboradísima y a veces fascinante, casi hipnótica, gracias a las imágenes ahora expuestas, el film fluye a lo largo de la vida de estos dos enamorados desde que se conocieron hasta su muerte, con paradas en algunas de las más vistosas erupciones de volcán de las décadas de los setenta y ochenta del pasado siglo. Fracasa sin embargo como testimonio didáctico capaz de arrojar algo más de luz sobre el fenómeno, quedándose en la epidermis de una sucesión de imágenes deslumbrantes. Una variada e imaginativa banda sonora de Nicolas Godin, integrante del grupo Air, potencia la belleza de las imágenes.

NAVALNY

USA 2022 98 min.
Dirección Daniel Roher Fotografía Feliz Angermaier, Nikita Pavlov y Niki Waltl Música Marius De Vries y Matt Robertson Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2022; en España (HBO max) 26 mayo 2022

El nuevo trabajo del responsable de Once Were Brothers, documental que contaba la historia del mítico grupo The Band, se centra ahora en un tema de candente actualidad, la historia del activismo político del principal opositor al régimen ruso de Putin, su presunto envenenamiento con Novichok, una sustancia que afecta al sistema nervioso y provoca la muerte sin dejar rastro, su recuperación y su valiente gesta al regresar al país a pesar del peligro evidente para él y su familia, hasta desembocar en la prisión en la que se mantiene encerrado hasta nuestros días. Todo ocurrió hace apenas tres años, y la cámara sigue vigilante y sigilosa los testimonios frontales del protagonista, echando mano de archivo para mostrar su carrera como activista anticorrupción, y de material genuino para narrar todos los acontecimientos mencionados así como el proceso que él, su familia, sobre todo su esposa Yulia, y su equipo en Alemania, especialmente la abogada Mariya Pevchikh, productora también del film, y el periodista búlgaro Christo Grozev, llevaron a cabo para preparar su triunfal regreso a Moscú, inspirado a la vez por los entusiastas vítores duramente represaliados de sus numerosos y numerosas incondicionales.

Dividirá al público como lo hace la criminal invasión de Ucrania, entre quienes ven el fruto de la provocación yanqui y quienes no ven legitimación alguna y solo motivación sádica y criminal en los tejemanejes del Kremlin. Y paradójicamente provocará en más de uno y una la sensación de incomodidad ante un personaje que parece diseñado al gusto, atractivo físico incluido y familia ideal, y podría acabar por ello pareciendo un monigote del imperialismo americano para erigirse en un arma más de desprestigio del régimen moscovita. Preferimos pensar que no es así y seguir maldiciendo a quien con su sed de guerra está generando tanto y disparatado dolor. Contiene secuencias de mucha tensión, brillantemente ilustradas con la efectiva banda sonora de Marius De Vries y Matt Robertson. Bafta al mejor documental, logro en Sundance el premio del público al mejor documental norteamericano.

EL MONSTRUO MARINO Un paso adelante de gigantes proporciones

Título original: The Sea Beast
USA 2022 115 min.
Dirección Chris Williams Guion Chris Williams y Nell Benjamin Música Mark Mancina Voces (en versión original) Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Jim Carter, Doon Mackichan, Dan Stevens Estreno en Netflix 8 julio 2022

Curtido en cintas de animación como Bolt, Vaiana y Big Hero 6, Chris Williams ha logrado con El monstruo marino su obra maestra. Disponible en plataformas digitales desde hace más de medio año, solo hemos reparado en ella gracias a la nominación al Oscar, para comprobar de que se trata de una película tan gozosa como generosa en hallazgos técnicos y narrativos, todo tipo de conveniente mensaje educativo incluido. Es una lástima que obras tan vistosas en todos los sentidos como ésta se limiten al consumo doméstico, cuando su lugar de exhibición natural son las grandes salas cinematográficas dotadas con los mejores equipos de sonido e imagen disponibles.

Williams rescata las antiguas películas de corsarios y batallas marítimas que tanto triunfaron en el Hollywood clásico de la mano de estrellas como Errol Flynn. A la vez echa mano de aquellas supersticiones primitivas que hacían de los mares lugares poblados por increíbles y temibles monstruos, tal como aparecían reflejados en muchos de los mapas con los que por aquel entonces se surcaban los océanos. Con todo el ingenio imaginable, los autores de esta excepcional película construyen un cuento moderno sobre la manipulación a través del miedo, la desinformación o la información deformada como arma de control, y la provocación como medio a través del cual se organizan guerras y conflictos de poder. Todo un entramado incómodo para el país de origen, pero tan bien urdido y estructurado que hace sencillo lo complicado, y asumible lo ininteligible.

En el apartado visual, El monstruo marino llega hasta donde nunca había llegado antes un trabajo de este género, logrando a estas alturas despertar nuestra capacidad de asombro y admiración, con diseños extremadamente cuidadosos, mares de un realismo absoluto, movimientos de cámara vertiginosos, un ritmo más que trepidante, un esmerado diseño de personajes con acertada tendencia a la multidiversidad racial y de género, y un minucioso trabajo analítico sobre el miedo a lo desconocido y a lo diferente. Todo lo cual converge en casi dos horas de disfrute absoluto que merece el Oscar por encima de cualquier otro trabajo nominado o no este año.

LUNANA: UN YAK EN LA ESCUELA Música desde el Himalaya

Título original: Lunana: A Yak in the Classroom
Bután 2019 110 min.
Guion y dirección Pawo Choyning Dorji Fotografía Jigme Tenzing Música Yi Chen Chiang y Duu-Chih Tu Intérpretes Sherab Dorji, Ugyen Norbu Lhendup, Kelden Lhamo Gurung, Kunzang Wangdi, Pem Zam, Tandin Sonam, Tsheri Zom Estreno en Bután febrero 2020; en España 22 julio 2022

Hay películas que narran la persecución de un sueño, otras muestran cómo el destino nos puede deparar una sorpresa y descubrir que quizás nuestro lugar era otro al que teníamos en mente. Esta sencilla y hermosa película pertenece al segundo grupo. Una nominación al Oscar a la mejor película internacional en la última edición de los premios ha obrado el milagro e impulsado el estreno de una cinta proveniente de un país tan exótico como Bután en nuestras pantallas. Pero ni el tema que toca ni el ambiente en el que lo hace son ajenos a nuestra memoria y cultura. De nuevo el Shangri-La emerge como paradigma de la felicidad y el equilibrio espiritual, aunque no exactamente como esa tierra del maná que planteaba el clásico de Frank Capra hace ya casi un siglo.

Una aldea remota en el Himalaya es ahora el escenario en el que la magia y la espiritualidad abrirán los ojos de un joven urbanita convencido de que su felicidad está donde el sistema y su aparato mediático se empeñan en destacar. La gente amable, exquisita y educada con la que se ve obligado a convivir, tan ajena a cualquier tipo de prepotencia, le demostrará que existen otros mundos donde la esperanza, la convivencia y la armonía resultan más tangibles. Curiosamente el debutante director y guionista hace hincapié en la altitud a la que se encuentra cada localización de la película, desde lo más alto en esta pequeña y entrañable localidad, lo más cerca del cielo, hasta lo más bajo y alejado del paraíso, ubicado junto a la Ópera de Sydney, donde los sueños quizás no sean como los pintamos. Mientras tanto nuestro protagonista realiza un viaje físico, y extenuante, así como espiritual y sentimental que le enseñará de la vida tanto como él sea capaz de enseñar a los niños de la escuela del título, ávidos de saber y de conocimiento como fin para lograr la estabilidad y la supervivencia de un ecosistema llamado a ser engullido por las grandezas del mundo supuestamente civilizado. El yak del título representa a la naturaleza de la que es imposible desconectar si se quiere alcanzar ese nivel de equilibrio y sabiduría que nos lleve a la consecución de esa felicidad.

La música funciona en todo este entramado como eje alrededor del cual gravitan los sueños perseguidos y los encontrados por el joven y desorientado protagonista. El sonido de la música sirve aquí también para conectar con el presente y el pasado, y ejercer como impulsora de emociones y sentimientos, sin apenas necesidad de un público que la reconozca. Su combinación con el imponente paisaje y su espléndida iluminación obra la maravilla, convirtiendo esta en una película de viajes y descubrimiento, quizás más convencional de lo deseable pero indiscutiblemente amable en sus nobles planteamientos y eficaces resultados.

LA HIJA OSCURA En busca del instinto maternal

Título original: The Lost Daughter
USA-Reino Unido-Israel 2021 121 min.
Guion y dirección Maggie Gyllenhaal, según la novela de Elena Ferrante Fotografía Hélène Louvart Música Dickon Hinchliffe Intérpretes Olivia Colman, Jessie Buckley, Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgaard, Paul Mescal, Oliver Jackson-Cohen, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher, Robyn Elwell, Jack Farthing, Panos Koronis, Ellie Blake, Athena Martin Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2021; en estados Unidos 17 diciembre 2021; en España 18 febrero 2022

Para su debut en la dirección de largometrajes, la actriz Magge Gyllenhaal (La profesora de parvulario, Secretaria, El caballero oscuro) ha elegido, de forma tan reflexiva como inteligente, la famosa novela de la enigmática autora italiana Elena Ferrante, La hija oscura, todo un tratado de psicología femenina tan controvertido como aplaudido. En él una mujer madura viaja a lo más profundo de su mente cuando de vacaciones en una playa griega conoce a una joven cuyo instinto maternal, prácticamente nulo, le recuerda poderosamente al que le llevó a ella a tomar en el pasado una decisión muy drástica y poco popular.

Somos lo que aprendemos, y desde mucho, inspirados sobre todo por la religión, hemos asumido una serie de cargas que entendemos como naturales, cuando en realidad no dejan de ser definitivamente artificiosas e impostadas. Las mujeres además sobrellevan más responsabilidades de este tipo, en las que el sentido de la culpabilidad pesa como una rotunda losa. Eso les lleva a reprimir muchas de sus emociones y renunciar a una considerable parte de su libertad. En esta tesitura se encuentra el personaje brillantemente interpretado por Olivia Colman (El padre, La favorita) en su edad madura, y con igual fortuna por Jessie Buckley (Wild Rose, Judy) de joven, mientras Dakota Johnson exprime su belleza y sensualidad para dar vida a la tercera mujer en liza.

La pérdida y secuestro de una muñeca se convierte en símbolo de ese complejo de culpabilidad que persigue a la protagonista, mientras una vez más el Mediterráneo se erige en espacio ideal para que estos anglosajones perdidos entre complejos y dudas, exorcicen sus traumas y reciban reveladoras lecciones de vida. Gyllenhaal dirige al más puro estilo europeo, mientras en su caligrafía combina pasado, presente y pensamiento no siempre con la misma fortuna, por lo que no es difícil perderse o lo que es peor, perder el interés por este rotundo drama sobre la maternidad, la soledad y la libertad, construido bajo un prisma sabia y eminentemente femenino, con una lucidez que convierte este en un debut sorprendente, valiente y arriesgado. Tres nominaciones al Oscar y el premio al mejor guion en Venecia la avalan.

CODA: LOS SONIDOS DEL SILENCIO Abandono de un nido diferente

Título original: CODA
USA 2021 111 min.
Guion y dirección Sian Heder, según el guion de Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau para la película “La familia Bélier” Fotografía Paula Huidobro Música Marius De Vries Intérpretes Emilia Jones, Troy Katsur, Marlee Matlin, Daniel Durant, Eugenio Derbez, Ferdia Walsh-Peelo, Amy Forsythe, John Fiore, Lonnie Farmer, Kevin Chapman Estreno en el Festival de Sundance 29 enero 2021; en Estados Unidos 13 agosto 2021; en España 18 febrero 2022

Remake de la comedia francesa de notable éxito La familia Bélier, estrenada hace siete años. Pero si aquella se centraba en mostrar la diferencia como algo natural de lo que no acomplejarse, y situaba en una familia de sordos a la única oyente como distinta y extravagante, esta versión se queda más en la anécdota, buscando en la oportunidad de una joven para salir de un entorno familiar que le condiciona, su principal objeto temático.

La realizadora Sian Heder demuestra pericia a la hora de trasladar el imaginario propuesto en la película de Eric Lartigau al particular paisaje físico y humano de Massachusetts, donde los problemas laborales de esta familia de pescadores se combinan, no sin acusar un cierto desequilibrio dramático, con la historia de amor y descubrimiento que vive su protagonista, que en la versión francesa constituía el tema principal y prácticamente único de la función. Para la ocasión se ha contado con actores y actriz sordomudas, al contrario que su referente, donde Karin Viard y François Damiens tuvieron que aprender lenguaje de signos para meterse en sus personajes. Aquí la conocida Marlee Matln, ganadora de un Oscar en 1986 por Hijos de un Dios menor, y el multi reconocido Troy Katsur interpretan a los entrañables pero algo posesivos padres de la joven Emilia Jones, que exhibe candor y buena voz para afrontar este cuento moral y ético sobre la diferencia y la búsqueda de la propia identidad.

Entre los secundarios destaca el joven Ferdia Walsh-Peelo, protagonista de la española El amor en su lugar, mientras la pasión por la buena música soul americana se erige como uno de los principales alicientes que contribuyen a que la película se vea con agrado y complacencia, la misma que le valió en Sundance el premio del público, además del Gran Premio del Jurado y el de mejor dirección. Nuestros distribuidores le han robado a Simon & Garfunkel el título de su famosa canción para subtitular ridícula e inútilmente el original de la película, evitando de paso que algún crítico pensara en la misma jugada para su sufrido titular de reseña.