FUERA DE TEMPORADA Un hombre, una mujer y dos depresiones

Título original: Hors saison
Francia 2023 115 min.
Dirección Stéphane Brizé Guion Stéphane Brizé y Marie Drucker Fotografía Antoine Heberlé Música Vincent Delerm Intérpretes Guillaume Canet, Aklba Rohrwacher, Sharif Andoura, Emmy Boissard Paumelle, Lucette Beudin, Gilberte Bellus, Hugo Dillon Estreno en el Festival de Venecia 8 septiembre 2023; en Francia 20 marzo 2024; en España 3 julio 2024

No es la primera vez que Brizé encara un proyecto netamente romántico. Ya lo hizo en Madmoiselle Chambon con Vincent Lindon como protagonista, su actor fetiche en títulos de contenido social con el que más asociamos su filmografía, como La medida del hombre o En guerra. Algo más joven que su actor preferido, Guillaume Canet se responsabiliza del rol principal en esta película nuevamente romántica pero con un tono y un contenido manifiestamente distinto al de su anterior incursión en el género. Arranca de forma irritantemente sospechosa, en el ambiente de un hotel spa algo fantasmagórico, animado por un hilo musical poco convincente y con encuentros desafortunados como el que protagoniza el improbable entrenador personal en una bucólica playa de la Bretaña que será atmósfera recurrente durante todo el metraje.

Aparece entonces Alba Rohrwacher y la función se ilumina. No recordamos verla tan radiante, y menos si ha de interpretar a una mujer conforme con su destino aunque no fuera el que años atrás deseara y que motiva ese reencuentro con un amor del pasado. A partir de aquí la narrativa se torna morosa y surge inevitablemente el recuerdo de otra forma de hacer cine, décadas atrás cuando Lelouch encandilaba al mundo con su particular versión de una relación en la cumbre del romanticismo, Un hombre y una mujer. Largas conversaciones, a veces trascendentales, otras sencillamente coyunturales, largos paseos por la playa nebulosa e invernal… todo largo, demasiado para lograr atrapar nuestro entero interés.

Sólo lo capta la sincera interpolación del testimonio de una mujer ya anciana, engañada por las convenciones sociales durante toda la vida, y finalmente redimida por el amor verdadero, el que buscan los protagonistas de esta triste historia en la que se cruza el miedo escénico de uno, actor popular en el cine, con la ruptura no superada de quien tanto sufrió en el pasado y parece destinada a volver a hacerlo. Dos depresiones y un amor a ritmo muy pausado. Hasta la música de Vincent Delerm parece estar invocando, a su modo, el recuerdo de aquel título mítico de los años sesenta al que la cinta de Brizé y Drucker como guionistas y voces en off, parecen estar queriendo homenajear.

BLONDI Madre amadísima y súper colega

Argentina-España 2023 88 min.
Dirección Dolores Fonzi Guion Dolores Fonzi y Laura Paredes Fotografía Javier Juliá Música Pedro Osuna Intérpretes Dolores Fonzi, Carla Peterson, Santiago Rovito, Rita Cortese, Leonardo Sbaraglia, Matías Camisani Estreno en Argentina 1 junio 2023; en España (no en sevilla) 3 julio 2024

En su primer trabajo como directora, la actriz Dolores Fonzi (Plata quemada, Paulina, Truman) propone un homenaje a la maternidad, pero no a una cualquiera sino una muy especial, de buen rollo y colegueo. Ella misma interpreta a una madre muy joven que apenas se lleva quince años con su hijo, lo que le permite tener una relación muy estrecha con él, disfrutar de las mismas cosas, hacer muchos planes en común e implicarse en su devenir como joven ambicioso de vivir y explorar todas sus posibilidades. Pero no le basta, además se convierte en el eje sobre el que gravita toda la familia, especialmente una hermana algo confusa y desorientada, cuya vida burguesa no parece satisfacerle, y una madre y abuela del joven que parece tan dependiente emocionalmente de su hija menor como el resto de la familia y ella misma con su vástago.

Pero ella nunca pierde los estribos, siempre está feliz, y eso que ni siquiera disfruta de una situación económica boyante, sino más bien precaria. Nos quiere así convencer de que vivir y procrear puede ser una experiencia muy positiva da igual cuáles sean las circunstancias, lo importante es sentirlo todo con alegría y expectación. Y todo esto se supone que tiene que fluir con frescura y naturalidad, cuando sólo por sus premisas ya nos parece una total impostura propia de cuento chino.

No es que no pueda resultar convincente, sino por el carácter ya de partida de la fábula, enfocada a ese happy happy que pretende inundarlo todo. Dicen algunos que por debajo reina la tristeza y la melancolía, será que han visto otra película. Para otros, como nosotros, lo que reina es la estulticia y la ridiculez. Santiago Mitre, que dirigió a Fonzi en La cordillera, le ha producido el engendro, que cosechó aun así tres nominaciones a los Premios Platino.

EL ORGULLO SE CUELA EN LAS SALAS DE CINE

Es fácil encontrar en las plataformas ciclos completos dedicados al cine sobre diversidad sexual estos días, pero son pocas, muy pocas - en Sevilla, sólo una y siempre la misma - las salas donde estos últimos días, coincidiendo con la celebración del Orgullo LGTBI+, se han ido estrenando algunas con cuentegotas y en sesiones limitadas. En concreto, un cuarteto de películas de contenido gay de muy diferente valor e interés, de las que nos hacemos eco por orden de estreno:

NORWEGIAN DREAM

Noruega-Polonia-Alemania 2023 97 min.
Dirección Leiv Igor Devold Guion Justyna Bilik, Gjermund Gisvold y Radoslaw Pazcocha Fotografía Patryk Kin Música Florian Tesslof Intérpretes Hubert Milikowski, Karl Bekele Steinland, Edyta Torhan Estreno en Noruega 17 marzo 2023; en España 25 junio 2024

El director polaco Leiv Igor Devold ha probado con todo, el cortometraje, el documental, la animación y ahora la ficción, volcando en su primer largometraje sus inquietudes acerca de la represión y la falta de oportunidades en su país, especialmente desde que rige allí la extrema derecha. Su película combina el drama de la emigración y el desarraigo con ese otro cada vez más candente de negación de la diversidad sexual.

Un joven encuentra su oportunidad de trabajo en una fábrica de pescado cerca de Trondheim, mientras a la vez experimenta la atracción sexual por un compañero, evidenciando aquello que tenía reservado pero siempre a punto para explotar. El film no encuentra sin embargo el punto necesario para inquietar y emocionar. Sus premisas quedan bastante solapadas por un tratamiento excesivamente frío y convencional de la materia, quedando simplemente como un testimonio de la cruda realidad que se vive en un país que no sólo es miembro de la Unión Europea sino al que se le permite presidir sus instituciones como a cualquier otro.

BIG BOYS

USA 2023 92 min.
Guion y dirección Corey Sherman Fotografía Gus Bendinelli Música Will Weinsenfeld Intérpretes Isaac Krasner, Dora Madison, David Johnson III, Taj Cross, Emily Deschanel, Marion Van Cuyck, Emma Broz, Jack De Sanz Estreno en Estados Unidos 31 mayo 2024; en España 28 junio 

La mejor y más refrescante de estas propuestas en celebración del orgullo LGTBI+, y seguramente una de las películas más hermosas y emotivas de la temporada, es ésta, debut en la dirección del cineasta estadounidense Corey Sherman, en el que posiblemente haya volcado algunos de sus fantasmas y experiencias de primera juventud. Aquí, un adolescente de catorce años experimenta el descubrimiento y la confusión cuando viaja junto a su cretino hermano, su prima del alma y el novio de ésta a un campamento en los frondosos bosques californianos.

El carisma del joven protagonista nos enamora desde el primer minuto, fundamental para empatizar con su vivencia de verano, esa estación en la que ocurren los episodios más maravillosos de nuestras vidas, época de descubrimiento, ilusión pero también frustración y valentía para afrontar todo lo que se nos ha de venir encima. Especialmente relevante en este sentido es la imaginación del joven enfocada a un futuro próximo en el que como adulto consigue afrontar su condición de diferente y por ello igualmente feliz.

Los cuerpos no normativos, incluido el atractivo objeto del deseo y el cariño pero no fibrado ni musculado de gimnasio, y la facilidad con la que los protagonistas departen sobre distintos temas relacionados con la temática principal, ayudan a hacer del visionado de este entrañable film una experiencia en la que cabe la risa, la sonrisa, la emoción y la ternura, derrochando gracia y frescura y alimentando nuestras ansias siempre renovables de disfrutar del verano y del amor. La banda sonora relajada y evocadora contribuye al encanto general de una película que merecía mejor distribución y más suerte en taquilla, sobre todo por su carácter educativo y de magnífico entretenimiento.

DRAMARAMA

USA 2020 91 min.
Guion y dirección Jonathan Wysocki Fotografía Todd Bell Música Chanda Dancy Intérpretes Nick Pugliese, Anna Grace Barlow, Megan Suri, Nico Greetham, Danielle Kay, Zak Henri Estreno en Estados Unidos 13 agosto 2020; en España 1 julio 2024

Como si de una versión queer de El club de los cinco se tratara, también los cinco protagonistas de esta película viven su particular encierro, esta vez no impuesto como castigo sino como fiesta exclusiva para despedirse antes de empezar cada uno y una su periplo universitario y artístico. Estos no son los malos estudiantes del instituto, sino todo lo contrario. Quizás más bien los raritos que quieren dedicarse a las artes, plásticas o escénicas, lo que da mucho juego para la identidad sexual. Un sexto personaje, el guaperas algo chulo pero inhábil para los estudios, sirve para desorientar al grupo y afectar a sus presuntamente inquebrantables lazos.

Ambientada en 1994 quizás con el fin de justificar la armarización de sus protagonistas, especialmente los dos masculinos, todo discurre a lo largo de una jornada de confesiones y desvelos que ponen en entredicho el valor de la amistad, sobre todo cuando se está a punto de pasar página y se sabe que todo empezará a ser diferente, empezando por las relaciones sociales. Más allá de eso, el film puede irritar todo lo que las tontas conversaciones de sus pijos protagonistas pueden deparar, sin que despierte un interés más allá del meramente coyuntural.

La última en estrenarse, Potato Dreams of America, lo hizo el 2 de julio en nuestras salas y de ella ya dimos cuenta cuando se pudo ver en el Festival Andalegai en abril de 2022.

EN TIERRA DE SANTOS Y PECADORES No habrá paz para los asesinos

Título original: In the Land of Saints and Sinners
Irlanda-Reino Unido-USA 2023 106 min.
Dirección Robert Lorenz Guion Terry Loane y Mark Michael McNally Fotografía Tom Stern Música Diego, Lionel y Nora Baldenweg Intérpretes Liam Neeson, Kerry Condon, Jack Gleason, Ciarán Hinds, Colm Meaney, Srag Greene, Desmond Eastwood, Conor McNeill, Seamus O’Hara, Niamh Cusack, Michelle Gleason, Valentine Olukoga Estreno en el Festival de Venecia 6 septiembre 2023; en Estados Unidos 29 marzo 2024; en Irlanda y Reino Unido 26 abril 2024; en España 3 julio 2024

Liam Neeson interpreta a justicieros y personajes turbios como otros se dedican a la fontanería o la abogacía. Se ha especializado, quizás muy a su pesar, en esos papeles y como buen profesional, los borda. Su carisma y su imponente presencia se hace con ellos con total facilidad, logrando convencernos sea cual sea el argumento. En esta ocasión se encarga de dirigirle Robert Lorenz, que hace un par de años lo dirigió en El protector y hace una década debutó en la dirección con Golpe de efecto, la última película en la que Clint Eastwood ejerció sólo como actor. Con la pericia de Terry Loane al guion, tan atraído por personajes ex combatientes de la Segunda Guerra Mundial, como ese Pierce Brosnan que protagonizaba El último soldado, dirigida por Loane y estrenada hace apenas unos meses, o este Finbar Murphy al que da vida Neeson en una Irlanda ambientada en los años setenta, en pleno conflicto político y militar, como lo define la propia cinta, entre el IRA y las fuerzas británicas.

Lorenz logra imbuir a su película de un notable y loable espíritu triste y melancólico, gracias en gran medida a los bucólicos paisajes y la fotografía de Tom Stern. Pero sobre todo a la tristeza que azota a sus personajes, sean del bando que sean, convencidos unos y otros de su lucha sin reparar en el daño infligido a miles de inocentes, pero sin menospreciar tampoco sus propósitos. Así, la clásica película de acción con antihéroe, y éste tiene mucho que justificar éticamente, se combina con el trágico recuerdo de tantas vidas que quedaron por el camino, con el acierto del director y guionistas de respetar la dignidad de estos recuerdos, ofreciendo un espectáculo entretenido y con buen ritmo al que no falta su toque de reflexión.

Con una secuencia de arranque devastadora, de esas que te deja muy mal cuerpo, la cinta deambula entre los fantasmas de quien pretende exorcizar su pasado y quienes pretenden recodificar el futuro. A todo esto contribuye el notable reparto, cargado de rostros familiares de la isla, como Ciarán Hinds, Kerry Condon, Colm Meaney y Jack Gleason. Mención especial merece la hermosa, inspirada y melancólica banda sonora de los Baldenweg, pura intersección entre sonidos celtas y modos del spaguetti western.

ON THE GO Corridas de admiración

España 2023 72 min.
Guion y dirección María Gisèle Royo y Julia de Castro Fotografía Ilton K. Do Rosario Intérpretes Omar Ayuso, Julia de Castro, Chacha Huang, Manuel de Blas, Jordi Rosh, Alberto Velasco Estreno en el Festival de Locarno 8 agosto 2023

En 1982, en plena transición y coincidiendo con la celebración en España del Mundial de fútbol, Gonzalo Gª Pelayo dirigió con total desprejuicio y desenvoltura Corridas de alegría, que junto a Vivir en Sevilla se convertiría en estandarte de una subcultura urbana que abogaba por la libertad sexual y la más absoluta con las tramas más disparatadas posibles, siguiendo la estela de las corrientes provenientes de Europa del Norte. Cuarenta años después, coincidiendo con una atmósfera que en muchos aspectos nos hacen revivir aquel espíritu cargado de temor y conspiración, con la amenaza de la ultra derecha campando a sus anchas, dos fervientes admiradoras de Pelayo y ese cine que sigue cultivando con total libertad y desvergüenza (su última película se titula Tu coño), se han lanzado a un rendido homenaje de la cinta.

Para ello han rodado en 16 mm y han recreado casi miméticamente algunas de sus secuencias y chistes más icónicos. Pero la intención y el propósito son distintos, aumentando la carga homoerótica que en su referente se limitaba al papel del Maestro (El Gran Simón) y al chiste que contaba el marido de Chari Moreno, si bien esta nueva versión con variante argumental no accede a la transgresión absoluta que supuso la cinta de García Pelayo, con participación destacada de Carla Antonelli e impagables intervenciones de Isabel Pisano (La volcaíta) y Silvio (de Barra Libre). Donde antes el viaje de Sevilla a Cádiz pasando por Setenil y Jerez, con un valor documental impagable, tenía como propósito encontrar a una novia perdida y vengarse de unos mafiosos de la droga, ahora tiene la maternidad y las aplicaciones para encuentros sexuales como leit motiv.

No se puede negar a sus realizadoras el interés en generar imágenes estéticamente potentes, con algunos encuadres preciosistas y juegos de cámara que dan al conjunto algo más de empaque que su precedente. Sin duda le han echado valor, logrando con un presupuesto exiguo dar ritmo a la empresa y desparpajo a su indudable comicidad. Pero jugar ya desde el arranque al culto es algo que deberá dilucidar el tiempo. Su referente, tan lleno de flamenquito y sorprendentes interludios musicales como su velado remake, pasó a la historia como film de culto, que lo haga este homenaje ya sería demasiado, aunque de momento ha cosechado premios en Locarno (del Jurado Joven), Gijón (Película y dirección) y Valladolid (Espiga de Arcoiris). Han querido ver frescura donde sólo había imitación y cutrerío impostado. De momento sólo se ha visto en festivales y alguna que otra sesión especial en Madrid. En Sevilla lo hizo en el último seudofestival de Cine Europeo, en el CAAC hace una semana y en el Avenida ayer mismo. Espera estreno definitivo.

LA ROSS NOS REFRESCA EL VERANO

12º Concierto de abono Ciclo Gran Sinfónico de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Meigui Zhang, soprano; Darrell Ang, dirección. Programa: Suite orquestal Rapaukes Sommernachtstraum, de Núñez Hierro; Chants d’Auvergne, de Canteloube; Die Seejungfrau, de Zemlinsky. Teatro de la Maestranza, jueves 3 de julio de 2024

Es una lástima que un programa tan atractivo y original como éste fuera disfrutado por tan poco público, menos de la mitad del aforo del Maestranza. Es lógico, ya entrados en julio, muchos de los abonados y abonadas de la Sinfónica han huido de la candente ciudad para refugiarse precisamente en los lugares evocados en este último programa de la temporada, centrado en el verano y por una vez con piezas bastante relacionadas con el tema. Por otro lado, nos congratula saber que incluso en julio cabe esperar en nuestra ciudad una programación cultural al margen de la típicamente estival que con tanto acierto y fortuna nos ofrecen las Noches en los Jardines del Alcázar.

Para arrancar este monográfico, Nuria Núñez Hierro completó el ciclo de piezas dedicadas a las cuatro estaciones compuestas por autoras andaluzas, uniéndose a Elena Mendoza, Lula Romero e Inmaculada Almendral. La suya es una suite integrada por los cinco números que compuso por encargo de la Orquesta de la Radio de Berlín para introducir a los niños y las niñas en la música clásica, en concreto en El sueño de una noche de verano de Mendelssohn, manteniendo un especial interés en educar en la música contemporánea. Escuchada en bloque, se trata de una muy sugerente, seductora y atractiva pieza que más que seguir la narrativa shakespeariana, evoca su atmósfera de magia y fantasía, jugando con los acordes de Mendelssohn y dialogando tanto con el bardo como con el compositor.

Especialmente relevante es el juego de tímbricas que propone, con profusión de campanas, exquisita y delicada percusión y susurros de viento que logran un resultado de ensoñación casi místico. No necesita para eso ni intervenir ni preparar los instrumentos, pero los somete a usos a menudo distanciados de los suyos propios, consiguiendo en general un coqueteo en el que los acordes de la célebre página de Mendelssohn parecen fluir como apéndices de la obra de la jerezana. Nada de esto hubiera podido percibirse de no ser por la ejemplar interpretación de la ROSS con Darrell Ang al frente.

Del verde monte al mar azul

Tras esa refrescante ensoñación estival, el director Darrell Ang y la soprano Meigui Zhang nos llevaron al Auverne a través de cinco de la treintena de canciones que Joseph Canteloube rescató y orquestó del acervo popular de la región francesa. Zhang evidenció una voz densa y profunda, cercana a la tesitura de una mezzo, entonando a la perfección las deliciosas canciones enmarcadas en las alegres L’aïo de Rotso y Lou Coucut, desplegadas con una agilidad y un fraseo exquisitos, si bien el autor prefería una voz de emisión más natural y sencilla que la más lírica empleada por la cantante asiática.

Esto afectó también a la expresividad, que acabó siendo más homogénea de lo deseable. Con todo, la célebre Baïlèro sonó melancólica y encantadora, mientras la batuta extrajo de la orquesta toda la riqueza y exuberancia que los arreglos de Canteloube impregnaron a cada página. Cantar en auvernés, lengua derivada del occitano o provenzal, no lo pone fácil y Meigui parece que la resolvió con éxito.

La segunda parte estuvo protagonizada por una partitura relativamente reciente por el tiempo que estuvo ausente de las salas de concierto, el poema sinfónico La sirenita de Alexander Von Zemlinsky. Después de triunfar en su estreno a principios del siglo XX, su autor la repudió y anduvo perdida durante mucho tiempo, hasta que en 1984 unos musicólogos la rescataron y la dieron a conocer en el formato que hoy conocemos. Después, una edición crítica añadió un pasaje turbulento que a juzgar por la duración de la pieza interpretada anoche, no debió considerarse en el programa.

A caballo entre el sinfonismo de Strauss y Mahler y la Nueva Escuela Vienesa, la de Zemlinsky es una obra exuberante, lírica y espectacular, a la que Ang prestó un inusitado interés y una loable dedicación, logrando una lectura absorbente y dinámica que en manos de la Sinfónica fue un derroche de color y sugestión, tanto en sus pasajes más líricos y románticos como en los más agitados y turbulentos.

Fotos: Marina Casanova
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

CASA EN LLAMAS Modelo de familia tóxica

Título original: Casa en flames
España-Italia 2024 105 min.
Dirección Dani de la Orden Guion Eduard Sola Fotografía Pepe Gay de Liébana Música Maria Chiara Casà Intérpretes Emma Vilarasau, Enric Auquer, María Rodríguez Soto, Alberto San Juan, Clara Segura, José Pérez-Ocaña, Macarena García, Flavio Marini Estreno en el Festival de Barcelona 18 abril 2024; en salas 28 junio 2024

El joven catalán Dani de la Orden, director de El mejor verano de mi vida, Mamá o papá, Hasta que la boda nos separe y Loco por ella, regresa al cine con el que se dio a conocer hace una década, sin abandonar la comedia pero con algo más de trascendencia y ambición de lo que escondían esos títulos comerciales y puramente alimenticios. Rueda además en catalán combinado con castellano, como hiciera en el díptico Barcelona, noche de verano y Barcelona, noche de invierno, y recupera su relación con el escritor Eduard Sola, que escribe un guion en el que la comedia se torna agria y cínica en función de un mensaje corrosivo y sin remisión, como ya ocurriera en otro de sus trabajos relacionado con la familia, María y los demás.

Se trata de la enésima denuncia de las tensiones e intrigas de una familia burguesa en torno esta vez a un inmueble, su posible venta y el pretexto de una mujer madura para reunir a sus hijos, con quienes apenas tiene relación muy a su pesar. Al final todo circula alrededor del egoísmo humano, de la ambición por ser felices sin saber muy bien el significado del concepto, sacrificando todo lo que de verdad importa en alas de una satisfacción siempre egocéntrica y narcisista. Con ese universo como trasfondo, Sola y de la Orden construyen un film más cerca de Litus y El test que de los títulos antes apuntados, quizás con más malicia y mayor acierto, a pesar de un punto de partida bastante discutible e irresponsable, y de un pretexto argumental algo manido.

Así, aún tratándose de una cinta entretenida y con más de una divertida ocurrencia, lo que más destaca en este nuevo trabajo del codirector de 45 segundos es su capacidad para definir personajes, dotando a cada uno y una de una entidad propia y una psicología particular que nos permite adivinar un pasado y un posible futuro. Cabe destacar también la posible asunción de peligro por parte de algunos de sus intérpretes, especialmente Auquer y Gómez en el aire y Rodríguez Soto en el agua. El paisaje de Cadaqués en el que se sitúa la trama, aunque pretenda ser veraniego pero mucho no lo parezca, contribuye también a los evidentes atractivos de una cinta en la que sobresale la interpretación de la veterana Emma Vilarasau.