LOVE ME TENDER Masculinidad ofendida

Francia-Luxemburgo 2025 134 min.
Guion y dirección Anna Cazenave Cambet, según el libro de Constance Debré Fotografía Kristy Baboul Grémeaux Música Maxence Dussere Intérpretes Vicky Krieps, Antoine Reinartz, Monia Chokri, Viggo Ferreira-Redier, Féodor Atkine, Park Ji-min, Manuel Vallade, Aurélia Petit, Oumnia Hanader Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2025; en Francia 10 diciembre 2025; en España 22 mayo 2026

Siguiendo un proceso legal bastante discutible, una mujer pierde la custodia de su hijo tras confesar a su ex marido que es lesbiana. A partir de ahí, conciliar su vida profesional como escritora, su continuo descubrimiento del placer carnal a través de nuevas vías y, sobre todo, emprender esta dura, dolorosa y larga lucha por recuperar la custodia compartida, se convertirá en un viaje de esperanza pero también de incomprensión. En su segundo largometraje como realizadora, Anna Cazenave Cambet se toma demasiado tiempo para contarnos esta historia de masculinidad ofendida.

Otra crónica de venganza de hombre mancillado en su supuesto honor y virilidad, a través de los más inocentes y manipulables, si bien afortunadamente no se trata en esta ocasión de ejercer la violencia vicaria, la más cruel y cobarde de todas. Vicky Krieps presta su lánguido y ambiguo físico a esta mujer a punto siempre de romperse, echando mano de gestos muy medidos y miradas elocuentes, mientras esa sempiterna piscina libre de obstáculos le sirve para exorcizar el duelo, y sus declaraciones de amor escritas al hijo, una vía de escape.

A su alrededor, una galería de personajes que poco aportan en su mayoría, con escenas de reuniones de amistades que no hacen sino dilatar aún más un metraje que ya se nos antoja innecesariamente largo, hasta el punto de provocar aburrimiento. Ser mujer y madre libre se convierte en la meta, pero el camino es angosto y algunos de sus episodios, como esos encuentros programados entre madre e hijo vigilados de cerca, posiblemente exagerados e innecesarios. Aunque nada tiene que ver su título con la película protagonizada por Elvis Presley en 1956, su canción es citada en la banda sonora de Maxence Dussere al final de la cinta. 

Estreno en salas de YO CREO EN TÍ

Reseña de la película, estrenada en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde logró el Giraldillo de Oro y los premios a mejor actriz y mejor guion

HAMNET Ideas claras sobre una cuestión espesa

Reino Unido-USA 2025 125 min.
Dirección Chloé Zhao Guion Maggie O’Farrell y Chloé Zhao, según la novela de la primera Fotografía Lukasz Zal Música Max Richter Intérpretes Jessie Buckley, Paul Mescal, Jacobi Jupe, Joe Alwyn, Emily Watson, Noah Jupe, Bodhi Rae Breathnach, Faith Delaney Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Estados Unidos 5 diciembre 2025; en Reino Unido 9 enero 2026; en España 23 enero 2026

La realizadora china nacionalizada estadounidense Chloé Zhao debutó con la interesante Songs My Brother Taught Me, nos cautivó con The Rider, ganó el Oscar con Nomadland y fracasó con su intento de aportar seriedad al mundo Marvel en Eternals. Con producción de Steven Spielberg y Sam Mendes, vuelve ahora a triunfar con su meticulosa y respetuosa adaptación de la galardonada y superventas novela de Maggie O’Farrell, escritora irlandesa de solvente reputación que en 2020 fabuló con el papel de la esposa de Shakespeare, Anne Hathaway (rebautizada como Agnes, otro nombre reconocido pero menos habitual) y el dolor de la pérdida y la muerte en la vida y obra del escritor, especialmente como influencia directa para su drama Hamlet. Adaptada para el teatro en 2023 y con Focus y Universal adquiriendo sus derechos un año después, la película de Zhao ha logrado aunar público y crítica desde su estreno en el Festival de Toronto, donde obtuvo el premio del público, el mismo que logró en Valladolid. Dos Globos de Oro y ocho nominaciones al Oscar completan ahora el palmarés de una película cuya emotividad y franqueza se ponen de manifiesto desde el primer momento, gracias a un acertado trabajo relativo a temas tan espesos como la ausencia, la incomprensión y la rabia que nunca supera los límites del abuso emocional.

Junto a esa gestión del dolor y la impotencia que marca la cinta en su tramo final, cobra especial relieve el papel del arte como consuelo y asunción de una tragedia inimaginable incluso en una época en la que era más frecuente sufrirla. Cabe destacar en este sentido la atención absoluta con la que el público asistente al estreno del drama del destronado danés sofoca sus sufrientes vidas. Con la ayuda inestimable de Jessie Buckley, a quien hemos visto en cintas como Wild Rose, Judy, La hija oscura, Men y Pequeñas cartas indiscretas, que aquí insiste en incorporar a una mujer rebelde y decidida, así como el buen trabajo de Paul Mescal interpretando con convicción y dulzura al escritor, Zhao logra un film cuya dureza queda solapada por un tratamiento lleno de ternura pero no de gratuita compasión que derive en lo lacrimógeno.

Destaca también la interpretación del niño Jacobi Jupe, que da vida al Hamnet del título, mientras su propio hermano, Noah Jupe se encarga de interpretar al actor que incorpora en el Globe a Hamlet, la pieza con la que el autor cura su propia catarsis emocional y la de su familia. Una puesta en escena más próxima a aquellos dramas clásicos de finales de los sesenta y principios de los setenta, como Paseo por el amor y la muerte o Hermano Sol, Hermana Luna, que al más recargado de la actualidad, completa la empresa y ayuda a dotar de discreción y sinceridad una película a la que el compositor Max Richter aporta su particular estética atmosférica y minimalista, aprovechando para insertar una vez más su archiconocido On the Nature of Daylight, justo en el momento más delicado de la función.

SI PUDIERA, TE DARÍA UNA PATADA Otra mujer bajo la influencia (de un entorno hostil)

Título original: If I Had Legs, I’d Kick You
USA 2025 113 min.
Guion y dirección Mary Bronstein Fotografía Christopher Messina Intérpretes Rose Byrne, Delaney Quinn, Mary Bronstein, ASAP Rocky, Conan O’Brien, Ivy Wolk, Christian Slater, Danielle Macdonald Estreno en el Festival de Sundance 24 enero 2025; en Estados Unidos 10 octubre 2025; en España 16 enero 2026

Cuesta entender qué significa para los estadounidenses comedia o musical, dado que Rose Byrne ha sido distinguida con el Globo de Oro a la mejor actriz en esa categoría, a pesar de encontrarnos ante un dramón en toda regla, salvo que nos lo tomemos a risa, que es una opción. Se trata del drama que sufre por enésima vez una mujer sometida a las reglas de una sociedad heteropatriarcal en la que los logros obtenidos tienen forzosamente que combinarse con los roles del pasado. La actriz, rostro conocido al que hemos visto infinidad de veces pero con cuyo currículo y nombre apenas logramos familiarizarnos, realiza un trabajo descomunal para dar vida a otra mujer desquiciada por las circunstancias.

Byrne interpreta a una profesional liberal ahogada por una hija con enfermedad rara, un padre permanentemente ausente pero exigente, y una multitud de episodios que lastran todavía más su difícil convivencia, incluida una pequeña catástrofe en su casa, un terapeuta con el que apenas consigue sintonizar y una serie de personajes que ofrecen su cara más hostil frente a la indefensa protagonista. Como puede observarse, el debut en la dirección de Mary Bronstein se apoya en la acumulación de desgracias, una constante que debería tener su propio género, y que somete a la mujer a un calvario como si esa fuera la forma más acertada de reivindicar su papel en la vida.

A nuestro juicio, de nuevo una equivocación y una falta total de talento para celebrar a la mujer y defender sus derechos. De paso, se nos somete a nosotros y nosotras, las espectadoras, a otro calvario, el de ser testigos de tanta desgracia y desconsideración. No cabe duda, sin embargo, de que la directora novel busca un lenguaje propio, en el que destacan, además de la exigente y exhaustiva interpretación de Byrne, las de la voz en off de Christian Slater y la niña Delaney Quinn, apenas presentes físicamente, mientras se someten sólo al trabajo de voz por distintos motivos.

DIE MY LOVE Irritante psicodrama

USA 2025 118 min.
Dirección Lynne Ramsay Guion Lynne Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, según la novela de Ariana Harwicz Fotografía Seamus McGarvey Música Raife Burchell, Lynne Ramsay y George Vjestica Intérpretes Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Sissy Spacek, Lakeith Stanfield, Nick Nolte Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Estados Unidos 7 noviembre 2025; en España 14 noviembre 2025

Especializada en dramas psicoanalíticos, la realizadora británica Lynne Ramsay espacia mucho sus proyectos. Entre Tenemos que hablar de Kevin y En realidad nunca estuviste aquí pasaron seis años, y entre ésta y la que nos ocupa, ocho. La maternidad y la insatisfacción sexual se convierten en esta adaptación de una novela de cierto éxito, en tema para proponer una cita experimental en la que el desquicie de una mujer, y también de su pareja, un insufrible Robert Pattinson, se combina con secuencias oníricas, un montaje frenético y cierta sucesión de disparates que provocan también la desconexión desde prácticamente el arranque de la función.

De poco sirve pues que Jennifer Lawrence se entregue en cuerpo y alma a su cometido, desnudándose física y psicológicamente y prestándose a multitud de vejaciones con el fin de provocar en un espectador distraído y desinteresado, una pulsión anímica que se parezca lo más posible a la frustración experimentada por su atormentada protagonista. En este apartado tenemos que reconocer que, dentro de su extremista pesonaje, Lawrence logra cierta compostura sin entregarse a la sobreactuación prácticamente en ningún momento. Nada de esto sirve sin embargo a su cometido, mientras lo único que provoca es que miremos el reloj continuamente y luchemos por no quedarnos dormidos.

Que aparezca episódicamente Nick Nolte de poco sirve, pues apenas se le reconoce y a menos que la veamos con los deberes hechos, debido a la ausencia de créditos iniciales, una absurda moda que ya se alarga demasiado, no nos hacemos eco de su presencia en tan irritante película. Otro rescate de última hora cuando con lo poco que prometía cuando se estenó, decidimos obviarla. Ramsay, responsable también en parte de la banda sonora, se permite cantar en los créditos finales del clásico de Joy Division Love Will Tear Us Apart, en una versión tan olvidable como la propia película.

SEFF 2025. WE BELIEVE YOU La esterilidad del proceso

Título original: On vous croit
Bélgica 2025 78 min.
Guion y dirección Charlotte Devilliers y Arnaud Dufeys Fotografía Pépin Struye Música Lolita Del Pino Intérpretes Myriem Akeddiou, Laurent Capelluto, Natali Broods, Ulysse Goffin, Adèle Pinckaers, Alisa Laub, Marion de Nanteuil, Mounir Ben-Naoum Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2025; en Bélgica 12 noviembre 2025

El debut en el largometraje de esta pareja de cineastas belgas, reconocido en Berlín con el premio a la mejor ópera prima, deviene en una propuesta arriesgada, confiar al primer plano y la palabra precisa y bien expuesta, la intensidad dramática de su potente contenido. Una pareja separada debate ante una juez de familia sobre la conveniencia o no de compartir la custodia del hijo y la hija, tras una serie de situaciones que parecen hacer poco recomendable la relación con el padre.

Asistimos a la pantomima en la que un sistema procesal demasiado garantista y encorsetado ha convertido muchos de los litigios que se plantean, y que desgraciadamente se han convertido en rutina diaria en muchos países, entre ellos el nuestro. Casos flagrantes de injusticia, otros en los que las evidencias apenas existen, se dilucidan ante tribunales y jueces a los que se les solicita una sentencia que está más que desmotrada en su verosimilitud y procedencia.

Aguantando el tipo, Myriem Akkediou afronta su papel con fuerza y dramatismo, soportando con extrema profesionalidad un primer plano casi permanente, mientras el resto acompaña con solvencia, entre ellas dos abogadas y un abogado que resultan serlo en la vida real. Extraña sin embargo que el recinto en el que se desarrolla la trama esté tan vacío, tratándose de unos juzgados, y que el comportamiento del niño sea tan diametralmente opuesto al principio y al final. Celebramos, no obstante, el cine que pantea debate.

ÉRASE UNA VEZ MI MADRE Comedia melodramática pro y anti madres

Título original: Ma mère, Dieu et Sylvie Vartan
Francia 2025 103 min.
Guion y dirección Ken Scott, según la novela de Roland Perez Fotografía Guillaume Schiffman Música Nicolas Errèra Intérpretes Leïla Bekhti, Jonathan Coen, Naim Naji, Noé Schecroun, Joséphine Japy, Jeanne Balibar, Sylvie Vartan, Anne Le Ny, Lionel Dray, Milo Machado Graner, David Ayala Estreno en Francia 19 marzo 2025; en España 30 mayo 2025

Roland Perez es un reconocido jurista francés que nació con una malformación en un pie que le hubiera impedido caminar y desarrollar, quizás, una carrera tan brillante como la que llegó a cosechar, si no fuera por la perseverancia y la fe absoluta de su madre, que logró el milagro. Concebida por su propio protagonista como una oda a las madres, sustitutas de Dios cuando éste no puede acudir a todas partes, según reza una de las citas reunidas en la película, su discurso acaba por hacerse farragoso y al final no se entiende si se alaba o no a la madre de este singular personaje. Su adaptación cinematográfica corre a cargo del director canadiense Ken Scott, que ha desarrollado una carrera sin mucho interés a caballo entre Canadá, Francia y Estados Unidos, y cuyo único film memorable es Starbuck, una original comedia también basada en hechos reales, sobre un súper donador de semen. Dudamos del carácter comercial del vulgar título castellano de esta cinta, mientras el original, Mi madre, Dios y Sylvie Vartan, nos parece más revelador y desde luego mucho más atractivo.

La primera mitad del film transcurre en un amable y distendido tono de comedia, con momentos realmente divertidos, mientras la actriz de origen marroquí Leïla Bekhti, a quien vimos en cintas como La fuente de las mujeres, Un profeta o más recientemente Maria Montessori y Las dos caras de la justicia, lleva el peso de la función, con carisma y mucho encanto. Pero cuando el problema está resuelto y la consecución de la felicidad por parte del hijo reside en seguir los pasos convencionales de la vida rutinaria, eso que llaman normalidad despreciando cualquier otra alternativa, es decir, estudiar, lograr el éxito profesional, casarse con la mujer de tus sueños y tener una buena prole, el discurso acaba cayéndose. Especialmente porque nuestra heroína pasa a convertirse en un lastre. Desaparecen hermanos y hermanas, y sólo existe madre para el hijo en cuestión, pero de la forma más tópica posible, entrometiéndose en todo y haciéndole la vida imposible.

Esta segunda parte cuenta por supuesto con la nota trágica, al fin y al cabo si se basa en hechos reales habrá que aceptarlo, de forma que el film sigue la estructura habitual en este tipo de películas río, comedia al principio, melodrama al final. Todo esto sin contar la prematura vejez de la protagonista, sometida a los habituales maquillajes pesados y movimientos torpes que no coinciden con la edad que se supone debe tener el personaje, al menos durante un buen tramo de película, pues luego se estanca. Con todo, el buen hacer de sus intérpretes, la colorida ambientación en los sesenta y setenta del pasado siglo, el solvente trabajo de Jonathan Coen interpretando al personaje en edad madura, y una sentimental banda sonora enriquecida con temas jazz y canciones vintage, especialmente del icono francés de la época, Sylvie Vartan, felizmente recuperada para la ocasión, y responsable en buena medida de la recuperación del niño y después adolescente, hacen que el film se vea con agrado y simpatía.

ALUMBRAMIENTO Pasar de puntillas por un tema escalofriante

España 2024 101 min.
Dirección Pau Teixidor Guion Lorena Iglesias y Pau Teixidor Fotografía Pepe Gay de Liébana Música Petre Bog Intérpretes Sofía Millán, Carmen Escudero, María Vázquez, Laura Gómez-Lacueva, Victoria Oliver, Malena Gutiérrez, Miriam Rubio Estreno 19 junio 2024

Recuperamos esta cinta estrenada en junio pasado, a propósito del premio Asecean a la mejor actriz al que opta la muy folclórica Carmen Escudero. Hace relativamente poco se hablaba mucho de los niños nacidos fuera del matrimonio y vendidos en residencias donde madres solteras escondían su “vergüenza”. Una lacra que no sólo existió durante el franquismo sino que se extendió incluso bien avanzada la democracia, como fruto de una educación rigurosa y represiva de signo eminentemente religioso.

Ya hace tiempo que dejó de ser “tema de moda”, como si nunca hubiera ocurrido, igual que tantos otros temas de los que de repente y no se sabe por qué, ya nadie habla. Para eso está muchas veces el cine, para mantener viva nuestra memoria. Pero es importante que el producto tenga garra y fuerza, y esta película de Pau Teixidor carece definitivamente de ambas. Con un tono alicaído y unas interpretaciones nada memorables del reparto todo femenino, la película parece deambular por un territorio nada escarpado, demasiado suave para la gravedad de lo que denuncia.

El exceso de celo a la hora de evitar el tan temido sensacionalismo, se le echa encima, provocando un film intrascendente y anodino, que ni emociona ni logra concienciar. Tampoco provoca el consabido terror que historias tan deleznables y escalofriantes debían llevar aparejado como una etiqueta.

SALVE MARÍA Terror maternal

España 2024 111 min.
Dirección Mar Coll Guion Mar Coll y Valentina Viso, según la novela “Las madres no” de Katixa Agirre Fotografía Nilo Mur Música Zeltia Montes Intérpretes Laura Weissmahr, Oriol Pla, Giannina Frutero, Magali Heu Estreno en el Festival de Locarno 8 agosto 2024; en salas 31 octubre 2024

Una de las muchas cosas que el feminismo lucha por cambiar justa y merecidamente es el tan cacareado concepto que se tiene del instinto maternal, algo que siempre se ha considerado como consustancial a nuestra propia naturaleza en lo que no ha sido sino otra artimaña más del poder para controlar y tenerlo todo perfectamente sistematizado y ordenado en favor de ciertos intereses. Sin discutir la verdad que detrás de todo esto pueda subyacer, y que tantas veces queda demostrado en estudios y ensayos con animales, no cabe duda de que tampoco se trata de una regla general e inatacable, que cualquiera que no comulgue con ella, y perdonen por el uso de otro término heredado del adocenamiento católico, debe ser automáticamente considerado o considerada marginal y extraño, por ser suaves. Cada vez son más las voces que se alzan contra el sistemático convencimiento de que niños y niñas son asuntos de sus madres. Leyes y costumbres se van haciendo eco de esta reivindicación, mientras productos como éste hacen todavía más hincapié en la materia.

Mar Coll, que alcanzó cierto reconocimiento con su ópera prima Tres días con la familia, que perpetuó con Todos queremos lo mejor para ella y la miniserie Matar al padre, consigue con esta adaptación de la intrigante y absorbente novela de Katixa Agirre, su mejor y más fascinante película. Es verdad que la excelente y perturbadora música de Zeltia Montes contribuye sobremanera a otorgar al conjunto el aire de thriller, casi de película de terror, que la película acuña. Pero también lo es que al éxito de la empresa contribuye la presencia de su intrigante protagonista, una Laura Weissmahr que tras varios papeles secundarios esperamos por fin logre la carrera protagónica que merece, y que justamente se le ha reconocido con el premio a la mejor actriz conseguido en Valladolid.

Por eso y mucho más, Salve María se convierte en una de las cintas más estimulantes de la actual cartelera, un recorrido sensual y psicológico por la mente de una madre no preparada para serlo, muy a su pesar posiblemente, y que sufre la particular infancia de su bebé, que no es precisamente el camino de rosas que tanto se nos anuncia para perpetuar ese ejercicio autoconsciente de egoísmo y absoluto narcisismo en el que hemos convertido la aventura de ser padres, tras siglos considerándolo una consecuencia y condición natural de supervivencia. Como curiosidad, comprobar la habilidad de Nilo Mur, actor en películas como la entrañable Héctor de Gracia Querejeta, reconvertido en eficaz director de fotografía.

BLONDI Madre amadísima y súper colega

Argentina-España 2023 88 min.
Dirección Dolores Fonzi Guion Dolores Fonzi y Laura Paredes Fotografía Javier Juliá Música Pedro Osuna Intérpretes Dolores Fonzi, Carla Peterson, Santiago Rovito, Rita Cortese, Leonardo Sbaraglia, Matías Camisani Estreno en Argentina 1 junio 2023; en España (no en sevilla) 3 julio 2024

En su primer trabajo como directora, la actriz Dolores Fonzi (Plata quemada, Paulina, Truman) propone un homenaje a la maternidad, pero no a una cualquiera sino una muy especial, de buen rollo y colegueo. Ella misma interpreta a una madre muy joven que apenas se lleva quince años con su hijo, lo que le permite tener una relación muy estrecha con él, disfrutar de las mismas cosas, hacer muchos planes en común e implicarse en su devenir como joven ambicioso de vivir y explorar todas sus posibilidades. Pero no le basta, además se convierte en el eje sobre el que gravita toda la familia, especialmente una hermana algo confusa y desorientada, cuya vida burguesa no parece satisfacerle, y una madre y abuela del joven que parece tan dependiente emocionalmente de su hija menor como el resto de la familia y ella misma con su vástago.

Pero ella nunca pierde los estribos, siempre está feliz, y eso que ni siquiera disfruta de una situación económica boyante, sino más bien precaria. Nos quiere así convencer de que vivir y procrear puede ser una experiencia muy positiva da igual cuáles sean las circunstancias, lo importante es sentirlo todo con alegría y expectación. Y todo esto se supone que tiene que fluir con frescura y naturalidad, cuando sólo por sus premisas ya nos parece una total impostura propia de cuento chino.

No es que no pueda resultar convincente, sino por el carácter ya de partida de la fábula, enfocada a ese happy happy que pretende inundarlo todo. Dicen algunos que por debajo reina la tristeza y la melancolía, será que han visto otra película. Para otros, como nosotros, lo que reina es la estulticia y la ridiculez. Santiago Mitre, que dirigió a Fonzi en La cordillera, le ha producido el engendro, que cosechó aun así tres nominaciones a los Premios Platino.

ELS ENCANTATS La matemática de la dependencia

España 2023 108 min.
Dirección Elena Trapé Guion Miguel Ibáñez Monroy y Elena Trapé Fotografía Pau Castejón Música Anna Andreu Intérpretes Laia Costa, Daniel Pérez Prada, Ainara Elejalde, Pep Cruz, Aina Clotet, Dèlia Brufau, Martí Atance Estreno en el Festival de Málaga 12 marzo 2023; en España (no en Sevilla) 2 junio 2023

Con un Goya bajo el brazo recién obtenido por Cinco lobitos con un papel muy similar, Laia Costa se pone ahora en manos de Elena Trapé, cuya escueta filmografía se resume en dos interesantes películas que exploran el lado femenino de los sentimientos y los deseos, Blog y Las distancias. En Els encantats interpreta a una madre joven recién separada que se enfrenta a la primera vez que tiene que entregar su hija pequeña al padre, que ha obtenido la custodia compartida, y el vacío y consiguiente desarraigo que en ella genera este episodio novedoso.

Todo esto lo trata Trapé con suma delicadeza, dejando que seamos nosotros y nosotras quienes descubramos las sensaciones por las que pasa su protagonista, que para hacer más llevadera la separación decide huir a la casa familiar del campo que le permita conjugarse con la naturaleza, el Pirineo catalán que la película retrata con todo el cariño que merece. A partir de ahí el análisis que de esta situación realiza el inteligente guion, premiado en Málaga, nos lleva por dos caminos. Por un lado la paternidad compartida más con criterios matemáticos que puramente biológicos, teniendo en cuenta la gran diferencia de participación entre una madre y un padre, y el vínculo tan estrecho y excepcional que se genera entre la mujer y su descendencia. Pero por otro parece que nos esté hablando a un mayor sector de público, a todos y todas, cuando nos enfrenta al espejo de lo convencional, y dentro del mismo a la necesidad de borrar una mancha con otra, de superar traumas sentimentales ocupando el hueco que dejan aunque sea de forma mecánica y antinatural. En este contexto, la joven y herida madre conocerá realidades de una generación más joven que miran con mayor despreocupación y más dosis prácticas a una vida menos dependiente y por extensión considerablemente más madura.

La película se erige así en un hermoso e inquietante análisis de nuestra propia existencia, de la vida tal como nos la hemos planteado, nuestras ataduras y servidumbres y la necesidad de desembarazarnos de ellas. Planteada ingeniosamente como un drama in crescendo, la experiencia vital de la protagonista va derivando hacia una catarsis tan lógica como previsible y necesaria, para lo que Trapé cuenta con una extraordinaria interpretación de Laia Costa. No en vano, los títulos de crédito finales van acompañados de una canción de la entrañable Guillermina Motta titulada La soledad.

LA MATERNAL Docudrama poco revelador

España 2022 122 min.
Guion y dirección Pilar Palomero Fotografía Julián Elizalde Intérpretes Carla Quílez, Ángela Cervantes, Jordan Dumes, Pepe Lorente, Olga Hueso, Rubén Martínez, Gal-la Sabaté, Neus Pàmies Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2022; en salas 18 noviembre 2022

Puede que muchos esperasen con impaciencia el nuevo trabajo de la directora de Las niñas, y puede que hayan celebrado este su segundo trabajo como demostración de que el buen sabor que les dejó aquella galardonada película no era fruto de la casualidad. Puede que Pilar Palomero haya aprendido muy bien el oficio y sea capaz de mantener el interés y la tensión de su película durante las dos horas que dura, y que nos sorprenda cambiando el estilo y la forma, ampliando el horizonte de su protagonista, ahora más descarada y desinhibida, reflejado en el paso del formato estrecho 1.37:1 de su ópera prima al cinemascope en que nos presenta esta nueva historia. Todo eso es cierto, y sin embargo hay algo en este film que no nos acaba de convencer, bien sea porque ha diseñado su personaje central de manera que nos resulta antipática, o porque se ve anclada en una mirada que no avanza lo suficiente y nos deja siempre con demasiadas dudas e incógnitas.

En el reparto se combinan actores y actrices profesionales, entre ellas una de las chicas del film Chavalas, que ahora hace de madre de la protagonista, con otras que parecen estar interpretándose a sí mismas en esta suerte de documental sobre las residencias para madres niñas o adolescentes. Cierto que hay detrás un drama importante, educacional sobre todo, pero también consecuencia de una sociedad machista, con maltratos y violaciones allí donde las oportunidades parecen ser más esquivas. Y de todo ello se hace eco la cinta de Palomero; sin embargo en ese contexto no encaja la historia de esta niña malhumorada y rebelde, salvo que no cuente lo que sospechamos y acabamos por no constatar frente a la resistencia de uno de esos guiones que prefiere dejarlo todo a la interpretación y no cerrar ninguna consecuencia.

Así las cosas, la película muestra poco o nada sobre esta tragedia que sufren las mujeres, y lejos de no juzgar parece estigmatizar a quienes rehúyen de su responsabilidad simplemente por dar rienda suelta a su deseo de feminidad, como siempre han hecho los hombres sin que nadie les juzgue. Cabe destacar por supuesto el trabajo de la debutante Carla Quílez, niña de catorce que parecen menos y que mucho nos tememos apenas se interpreta a sí misma, dejando en evidencia a quienes prefieren premiarla a ella por su frescura y naturalidad que a quienes se esfuerzan y agotan día a día desempeñando el difícil trabajo de actriz.

SEFF 2022 3ª Jornada

SONNE Yihad a Go Go

Austria 2022 87 min.
Guion y dirección Kurdwin Ayub Fotografía Enzo Brandner Intérpretes Melina Benli, Law Wallner, Maya Wopienka, Kerim Dogan, Omar Ayub, Awini Barwani, Marlene Hauser, Thomas Momcinovic Estreno en el Festival de Berlín 12 febrero 2022

Poco sol y solo algunos destellos de luz hay en esta película de esta joven realizadora, cuyo único trabajo hasta la fecha, Paradise! Paradise!, data de hace seis años y narraba en clave de documental autobiográfico el regreso a Irak de una joven cineasta austriaca de origen kurdo. La producción ahora de Ulrich Seidl hacía esperar algo más provocador y de corte más certero y austero, sin embargo poco hay aquí de lo primero más que un punto de partida, con el clásico de REM de revelador título Losing my religion como sorprendente objeto central, que hacía presagiar un desarrollo mucho más intenso e inquietante de lo que finalmente es capaz de ofrecer.

No es sino prácticamente una sucesión de ocurrencias vía redes sociales, especialmente tik tok, de una joven austriaca de familia iraquí y sus dos amigas, más las propias del padre de la protagonista, el más evolucionado y divertido de cuantas criaturas habitan en una película que va progresivamente perdiendo fuelle e interés para no quedar reducida sino a la contemplación de sus bellas protagonistas y la energía y alegría propias de su edad.

El camino hacia ninguna parte va así servido, por mucho que se quiera transmitir un mensaje de libertad y autodefinición, con un ligero toque de feminismo y alguna denuncia velada a la religión y la tradición que en su honorable intención de no juzgar ni manipular, no encuentra sin embargo tampoco eco ni trascendencia en un conjunto decididamente fallido.

LE MUR DES MORTS El presente de la memoria

Francia 2022 51 min.
Guion y dirección Eugène Green Fotografía Raphaël O’Byrne Intérpretes Saia Hiriart, Edouard Sulpice, Françoise Lebrun, Lola Le Lann, Alex Terrier-Thiebaux, Eugène Green Estreno en Francia (Canal Arte) 11 septiembre 2022; en Alemania (televisión) 12 septiembre 2022

Estrenada solo en televisión, el nuevo film de Eugène Green (El hijo de Joseph, La sapienza) es un mediometraje que implora por la memoria, el recuerdo de lo ignominioso, de la barbarie y lo injustificable, para que no se repita, quizás con el convencimiento de que ni siquiera la memoria puede evitar caer una y otra vez en la misma desgracia, la guerra en primer plano. Tras una cita de San Agustín que asegura que todos los tiempos, presente, pasado y futuro, son presente, un joven relajado en el verano parisino encuentra el muro de los caídos en la Primera Guerra Mundial y eso le pone directamente en contacto con un fantasma del pasado que le hará revelaciones tan sabias como inquietantes y reflexivas.

Con su habitual habilidad para la condensación, la puesta en escena sencilla pero efectiva y el buen gusto que le lleva a que cada nuevo trabajo podamos considerarlo una exquisitez, Green se reserva en la función uno de los personajes, de hecho el que actúa como bisagra entre sus dos partes simétricas, el del aprendizaje y la escucha y el de la práctica y la acción, mientras el resto desarrolla consecutivos diálogos con el joven inquieto que irán añadiendo pesadumbre al relato de nuestra civilización y el peligro siempre latente al que la sometemos.

Una cuidada caligrafía, excelente literatura y preciosas ilustraciones musicales que van de Bach a Schubert, acaban por redondear cincuenta minutos de exquisita experiencia. Una preciosa Letanía para el Día de los Difuntos de Johan Georg Jacobi, con música de Schubert y la voz de Ian Bostridge, cierra significativamente tan hermoso y necesario film.

THE ETERNAL DAUGHTER Fantasmas en conflicto

Reino Unido-Irlanda-USA 2022 96 min.
Guion y dirección Joanna Hogg Fotografía Ed Rutherford Intérpretes Tilda Swinton, Joseph Mydell, Carly-Sophia Davies Estreno en el Festival de Venecia 6 septiembre 2022

En la aclamada Souvenir, Joanna Hogg nos contaba en clave autobiográfica sus primeras experiencias como cineasta y un controvertido romance sentimental. La hija de Tilda Swinton, Honor Swinton Byrne, la interpretaba bajo el nombre de Julie Hart. En la segunda parte de Souvenir aparecía el personaje de su madre, Rosalind, encarnado por Tilda, protagonista ahora de esta tercera entrega y posiblemente cierre de la trilogía, que ahora interpreta los dos personajes, Julie y Rosalind.

Hogg se decanta para este suculento cierre por el cine de fantasmas al más puro estilo de Henry James y su célebre Otra vuelta de tuerca. Un caserón inglés perdido en el bosque y sometido a una neblina permanente sirve de escenario ideal para que la ahora madura Julie se enfrente a su propio pasado y el familiar, a los fantasmas que habitan tan tenebroso escenario y a su propia relación materno-filial, al parecer tan llena de secretos como de ternura y compasión.

El experimento, no exento de honda reflexión, se beneficia de una atmósfera propicia, que otorga intriga e inquietud a una trama que podría estar más cerca del puro melodrama que del terror gótico, aunque beba y mucho de él. Julie fue al hotel en busca de respuestas para desarrollar su próximo guion, y puede o no que las encuentre, ahí radica la intriga de un film que no duda en buscar referentes en El resplandor, música de Bartok incluida, y el universo que Jack Clayton planteaba en Suspense o Los inocentes, la mejor adaptación de la novela de james jamás filmada. Frente a la confusión que plantea su complejo entramado, lo único claro es que el servicio hostelero es igual de infame en Inglaterra que aquí en nuestro país.

LOS HIJOS DE OTROS Ante todo, mujer

Título original: Les enfants des autres

Francia 2022 104 min.
Guion y dirección Rebecca Zlotowski Fotografía Georges Lechaptois Música Robin Coudert y Gael Rakotondrabe Intérpretes Virginie Efira, Roschdy Zem, Antonia Buresi, Yamée Couture, Henri-Noël Tabary, Victor Lefebvre, Chiara Mastroianni, Mireille Perrier, Sébastien Pouderoux, Frederick Wiseman, Anne Berest, Michel Zlotowski Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2022; en Francia 21 septiembre 2022; en España 3 febrero 2023

Fenómeno taquillero en Francia y multi reconocida por la crítica y los palmarés, la nueva película de la realizadora de la irregular Grand Central explora la psicología femenina a través del instinto maternal, para llegar a consecuencias diversas, entre las que podría destacar la impostura o la tradición a la que, como en tantas otras facetas, nos hemos acostumbrado o se nos ha impuesto, en este caso a las mujeres.

La protagonista, una luminosa Virginie Efira, quizás lo más relevante del film, ha llegado a una edad peligrosamente madura para lograr sus objetivos de reproducción y cubrir así la tan ansiada cuota a la que parece obligarnos el aceptado ciclo vital, sin conseguir esa complicidad masculina que le permita cumplir su sueño. Mientras tanto ejerce su frustrado instinto con los hijos de otros del título, especialmente la hija de su nueva pareja y el alumnado más desfavorecido del instituto en el que imparte clases, sin sospechar que quizás ahí puede encontrar sentido a sus anhelos, no sin pagar el peaje correspondiente. Zlotowski parece así volcar su propia experiencia en la película y no duda, entre otras cosas, en contar con su propio padre para interpretar al de la protagonista. Sin embargo, sin dejar de reconocer que la suya es una mirada profundamente femenina, que sabe de lo que trata y cómo hacerlo, no podemos pasar por alto que echamos en falta algo más de naturalidad en el conjunto y que no se repitan clichés y postales de comedia típicamente urbana y burguesa.

De este modo acaba chirriándonos el exceso de impostura, la falta de una fluidez natural a la que tampoco ayuda una banda sonora en la que abundan esos grandes éxitos de índole culta, desde el maniqueo Concierto para mandolina de Vivaldi a Doris Day pasando por el Concierto nº 2 para piano de Shostakovich o la versión de Aguas de marzo de Georges Moustaki. Y es que todo en esta película está diseñado para gustar y complacer, lo que también tiene su mérito si se consigue.

NINJABABY Otra comedia happy sobrevalorada

Noruega 2021 103 min.
Dirección Yngvild Sve Flikke Guion Johan Fasting, Yngvild Sve Flikke e Inga Saetre Fotografía Marianne Bakke Música Kare Vestrheim Intérpretes Kristine Kujath Thorp, Arthur Berning, Nader Khademi, Tora Christine Dietrichson, Silya Nyomen, Evelyn Rasmussen Osazuwa y la voz de Herman TØmmeraas Estreno en Noruega 21 mayo 2021; en España 9 junio 2022

Con el premio del cine europeo a la mejor comedia en su última edición, se estrena una nueva comedia de esas que podemos considerar happy, proveniente del norte del continente. Plantea desde un punto de vista aparentemente fresco y original un embarazo no deseado, convirtiendo las decisiones de la mujer al respecto como nueva arma de control y dominio de su cuerpo y futuro. Se trata una vez más de poner en tela de juicio ese instinto maternal que se presume en toda mujer, siguiendo para ello un esquema de comedia romántica desde todo punto importado del cine indie americano, con sus hechuras y sus personajes marginales rayando a veces lo ridículo y otras directamente lo histérico.

Lo fácil es rendirse a sus supuestos encantos, pero lo cierto es que se corre el riesgo de aburrirse y no dejarse arrastrar por sus muy manidos planteamientos. Que por el camino se destruyan otros tópicos del amor romántico, colocando en el eje del interés amoroso de la protagonista a un hombre en las antípodas del semental seductor, no nos parece suficiente para elevar la cinta por encima de un valor meramente coyuntural y simpático. Para que no falte nada en el proyecto con el fin de destacar su carácter amable y distendido, la chica se dedica a escribir cómics, por lo que diseñar un bebé con pinta de luchador ninja para dialogar y discutir con él sobre el futuro de ambos, le servirá de terapia ante las dudas que le plantea esa maternidad sobrevenida y no deseada.

Y para que las similitudes con este tipo de productos al otro lado del charco no decaigan, todo lo que durante dos tercios de película es abiertamente comedia, se convierte de repente en drama existencial. No faltan tampoco las canciones pop que ayudan al progreso dramático de la función. Poco planteamiento en fin, y menos resolución, este éxito inesperado a algunos nos parece una decepción y una pérdida de tiempo.

CINCO LOBITOS Servidumbres de mujer

España 2022 104 min.
Guion y dirección Alauda Ruiz de Azúa Fotografía Jon D. Domínguez Música Aránzazu Calleja Intérpretes Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, José Ramón Soroiz, Amber Williams, Asier Valdestilla, Gloria Helguera Estreno en el Festival de Berlín 11 febrero 2022; en el Festival de Málaga 20 marzo 2022; en salas 20 mayo 2022

Con una comedia romántica, Eres tú, pendiente de estreno en Netflix, la joven cineasta vasca Alauda Ruiz de Azúa convenció y venció en Málaga con su ópera prima, una elocuente y eficiente mirada a la mujer como espejo y reflejo de cientos de años de cultura y educación machista. Un clarividente ejercicio tan íntimo y delicado como para no provocar dolorosas susceptibilidades y guiar con su fluida narrativa por la experiencia vital de una mujer ya no tan joven que se debate, como tantísimas otras, entre lo que se espera de ella como condición de género y lo que desea de la vida.

Retratada desde un principio como otra víctima de una maternidad no tan instintiva como se supone, que siente dolor físico y moral a pesar de no evitar el comprensible y natural aprecio por la criatura a la que acaba de dar a luz, que no cuenta con el apoyo suficiente de su pareja, más entregado, liberado y permitido a seguir con su vida profesional, y que sufrirá en un corto período de tempo el lazo con su hija y el que le une irremediablemente a su madre, provocándole tantas obligaciones como sinsabores y dilemas, siempre desde una mirada atenta, frágil y emocionalmente contenida.

Cuenta para ello con un soberbio guion, tan lleno de detalles y matices que engloba en sus apenas dos horas de duración todo un universo de experiencias femeninas a lo largo de varias décadas, con impagables diálogos y frases siempre divertidas que la extraordinaria Susi Sánchez convierte en dechado de ocurrencias y risas. También Laia Costa borda su papel, siempre al precipicio de la debacle emocional, consiguiendo entre todos y todas una película disfrutable y proclive al debate y la reflexión, con el aliciente de aumentar todavía más la sana y abundante nómina de mujeres realizadoras en nuestro país que tienen mucho que contar y una sensibilidad muy especial para hacerlo.

CANCIÓN SIN NOMBRE Maternidad violada

Perú-España-Suiza-USA 2019 97 min.
Dirección Melina León Guion Melina León y Michael J. White Fotografía Inti Briones Música Pauchi Sasaki Intérpretes Pamela Mendoza, Tommy Párraga, Luco Rojas, Ruth Armas, Maykol Hernández, Bruno Odar Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2019; en Internet 15 septiembre 2021

La realizadora peruana afincada en Estados Unidos, Melina León, estrenó este su primer largometraje en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes; ni esto ni contar con la producción de varios países y la colaboración del escritor norteamericano Michael J. White en el guion, le ha servido para estrenar de manera algo más holgada. Solo un puñado de países, entre ellos, ¡cómo no, Francia!, lo han hecho en salas, mientras otros lo han derivado a internet, como el nuestro, que lo estrenó en filmin el pasado septiembre. Nuestra aportación incluye al actor canario Maykol Hernández, cuyo personaje visibiliza el problema de la identidad sexual en los convulsos años ochenta peruanos, cuando terminada la dictadura del Gobierno Revolucionario de la Fuerza Armada, los nuevos gobernantes no quisieron poner fin a la corrupción y no fueron capaces de hacerlo con el terrorismo de extrema izquierda que asolaba la nación.

En este contexto la protagonista ve como su hija recién nacida es secuestrada en el paritorio para especular con su adopción. El drama de los niños y niñas robadas es por lo tanto el eje y tema del film. Desolada y desgarrada por el dolor, encuentra la ayuda de un periodista para esclarecer los hechos e interponer la correspondiente denuncia. En blanco y negro y con el formato de moda, en pantalla cuadrada, León sigue a sus personajes con cierta distancia, sin definirlos en exceso y dejando que sean las sensaciones, en parte por unos diálogos difíciles de entender entre el acento y la invasión de sonido ambiente y música, las que vayan proponiendo este viaje a la desesperanza que protagonizan ambos personajes.

Pero sobre todo destaca que la directora pone énfasis en las costumbres y tradiciones, la cultura, del pueblo indígena, duramente castigado durante siglos desde la invasión descubridora. Así lo demuestra esa canción de cuna a la que la madre seccionada se agarra para mitigar su dolor. Solo hace falta viajar al país andino para observar que las clases adineradas y empoderadas son caucásicas, mientras el resto de la población, la mayoría, es indígena y apenas sobrevive en el umbral de la pobreza. El film se erige por tanto en un documento necesario y relevante, en el que además se ha puesto interés en sus calidades artísticas, puramente cinematográficas, aunque su esquematismo, cierta falta de empatía, y la falta de respuestas acaben malogrando en parte su resolución. Fue en 2019 la película vencedora del Festival de Huelva y atesora este año una nominación al Goya.

MADRES PARALELAS Coherencia emocional y déficit democrático

España 2021 123 min.
Guion y dirección Pedro Almodóvar Fotografía José Luis Alcaine Música Alberto Iglesias Intérpretes Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde Aitana Sánchez-Guijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Ainhoa Santamaría, Daniela Santiago, Adelfa Calvo y la voz de Pedro Casablanc Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2021; en salas 8 octubre 2021

Hay aún más dolor si cabe en la última película de Almodóvar que en sus dos anteriores largometrajes, Julieta y Dolor y gloria. Y como en la primera, la maternidad juega un papel fundamental en una historia sin fisuras ni concesiones. De hecho contiene una de las escenas más conmovedoras jamás vista en una película entre una madre y una hija recién nacida, o para ser más exactos dos madres y sus bebés. Justo después del parto asistimos a una soberbia y tiernísima declaración de amor, cuando ya hemos empezado a emocionarnos con el que es uno de los dos pilares argumentales del film, la búsqueda que hace una mujer de sus antepasados asesinados durante la Guerra Civil y enterrados en una fosa común. Esa reivindicación de la Memoria Histórica como primera ocasión en la que el cineasta manchego confiesa abiertamente en una creación suya su ideario político, y respuesta emocional a una crisis aún no resuelta que mantiene viva la brecha entre unas y otros españoles y españolas, es el eje sobre el que gravita una historia contada desde el corazón, con una caligrafía impecable y un dominio de la narrativa como solo un maestro consagrado es capaz de lograr.

Con una interpretación antológica, Penélope Cruz da vida a una fotógrafa profesional que decide en los albores de su madurez tener descendencia soltera, mientras ultima junto a un reputado antropólogo la apertura de una fosa común en el pueblo de sus antepasados, con el dignísimo fin y derecho fundamental de dar sepultura a la gente represaliada por las fuerzas insurgentes durante la Guerra Civil. La coincidencia en el hospital con una joven también madre soltera, esta a su pesar, provocará una situación excepcional que pondrá a prueba su sentido de la moral y la coherencia. En el más austero ejercicio de cine de cámara que jamás conocimos a su autor, en la cinta nos encontramos con el adiós legítimo a los seres queridos y el recuerdo de quienes nos dejaron en las circunstancias más trágicas, como ese Lorca de nuevo evocado a través de su Rosita la soltera y la actriz que la incorpora, una Aitana Sánchez Gijón cuyo personaje es paradigma de la clase burguesa y adinerada que tanto se ha apropiado de los símbolos de nuestra cultura, incluso de los que una vez fueron de izquierdas.

Pero sobre todo nos reencontramos con todo el dolor de aquellas personas a las que una mala transición vendida como ejemplar dejó en el limbo de quienes están vivos pero muertas. El contrapunto inocente, perteneciente a una generación desinhibida fruto de esas políticas progresistas, infinitamente humanas que han caracterizado buena parte de los últimos veinte años de este país, se encuentra en la ternura de la mirada y el ademán ingenuo de Milena Smit, a quien conocimos en un papel en las antípodas en No matarás. Cabe agradecer a Almodóvar haberse mojado con un film valiente y conmovedor, prodigio de buena narrativa y contenedor de estupendas interpretaciones. Nadie mejor que nuestro director más valorado y reconocido a nivel internacional para visibilizar en el mundo ese intolerable déficit democrático que aun habita en nuestra política y sociedad, y nos hace tan indecentes como pueblo. 

AMA Mujer y madre en un entorno hostil

España 2021 90 min.
Dirección Júlia de Paz Solvas Guion Nuria Dunjó y Júlia de Paz Solvas Fotografía Sandra Roca Música Martín Sorozábal Intérpretes Tamara Casellas, Leire Marín Vara, Estefanía de los Sanbtos, Manuel de Blas, Ana Turpin, Pablo Gómez-Pando, Chema del Barco, María Gregorio Estreno en el Festival de Málaga 4 junio 2021; en salas 16 julio 2021

Tras el escaso interés crítico que suscitó su primer largometraje, La hija de alguien, la joven directora barcelonesa Júlia de Paz aborda su segundo largo adaptando un corto que ella misma dirigió en 2018, en el que examina las vicisitudes y complicaciones que experimenta una joven madre a la deriva con una hija pequeña que más parece un estorbo que despertar su sobreentendido instinto maternal. Hay quienes piensan que se trata del retrato de una mala madre, otros sostienen que dinamita algunos de los tópicos más recurrentes de la maternidad, pero nosotros vemos en esta valiente película un retrato generacional en un país que lleva casi un siglo intentando levantar cabeza. En su película, de Paz nos cuenta la historia de Pepa, una joven sevillana que por alguna razón ha huido del hogar materno y vive a su suerte en Benidorm. El problema es que tiene una niña de seis años a la que se supone debe cuidar y educar, una responsabilidad que el posible padre no parece compartir y a la que la sociedad no le presta mucha atención. La cuestión es si pesa más la responsabilidad de una madre sola y perdida que la de un entorno supuestamente civilizado.

Pepa y Leila recorren las calles de una bulliciosa ciudad turística y costera cargando con sus miedos, sus limitaciones y un sentido de la maternidad que no parece haber cuajado, bien por edad, por esperar otras cosas de la vida o simplemente porque la falta de oportunidades no le permite ejercer de madre como se supone debiera. Cuarenta años de democracia tras otros cuarenta penosísimos de dictadura no han solucionado muchos de los problemas que nos acucian desde antaño, y el paro y la falta de oportunidades es una de las más alarmantes, inexplicable en una potencia económica que se jacta de pertenecer a las instituciones más importantes del mundo. En las formas la realizadora no asume papel de jueza alguna; Pepa no es la malísima madre que algunos se han apresurado a ver, tampoco es suficientemente responsable, como queda patente en sus primeras secuencias, pero tiene sentimientos, un pasado incierto y doloroso, un anhelo por sobrevivir y quién sabe si algunos sueños que una sociedad enferma y desestructurada no le permite alcanzar.

De todo esto es seguramente de lo que trata esta película que te sumerge inteligente y eficazmente en ese pesadumbroso ir y venir de la joven y su niña por un infierno del que no sabremos si el regreso a Sevilla le salvará. En Málaga su protagonista, Tamara Casellas, con apenas un par de trabajos irrelevantes a sus espaldas, logró el reconocimiento con la Biznaga de Plata, mientras los Feroz le entregaron al film el Premio Puerta Oscura.