RUIDO DE FONDO Consumo y destrucción

Título original: White Noise
USA-Reino Unido 2022 136 min.
Guion y dirección Noah Baumbach, según la novela de Don DeLillo Fotografía Lol Crawley Música Danny Elfman Intérpretes Adam Driver, Greta Gerwig, Don Cheadle, May Nivola, Sam Nivola, Raffey Cassidy, Danny Wolohan, Lars Eidinger, Jodie Turner-Smith, Barbara Sukowa Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2022; en Estados Unidos 25 noviembre 2022; en España 9 diciembre 2022 (no en Sevilla); en Netflix 30 diciembre 2022

Noah Baumbach ha curtido desde sus inicios con Una historia de Brooklyn un estilo muy personal y para muchos irritante. Amado e incomprendido a partes iguales, solo hace unos años suavizó un poco las formas y se acercó más a lo que se espera de un cine narrativo convencional con Historia de un matrimonio. Ahora vuelve con su película más ambiciosa, donde cabe mejor reconocer ese continuo y exasperante ataque al estilo de vida y la cultura netamente norteamericana que tanto gusta provocar al sector más atrevido y a la vez hipócrita de la cinematografía de ese país.

Con Adam Driver y Greta Gerwig a la cabeza, dos intérpretes que han cultivado sus carreras a la sombra del director, diseña una familia de los setenta del pasado siglo que vive en un idílico pueblo del este, se dedican a profesiones intelectuales (de nuevo el profesor universitario y barrigón) y crían hijos de varios matrimonios fracasados. Como se puede apreciar, todo muy forzado y archivisto con el fin de llevarnos de la mano por el camino de la única verdad, nuestra inevitable mortalidad. Un accidente provoca un apocalipsis en forma de gas letal y la película adopta las hechuras de un film spielberiano, potenciada por la enérgica partitura de Danny Elfman, a la vez que un guiño a aquellas películas de catástrofes tan difundidas precisamente en esa nostálgica década. Las consecuencias inmediatas nos llevan por una senda en la que se instala el disparate y el surrealismo, con mención especial para la jocosa secuencia del vehículo familiar arrastrado por la aguas del río, sin que logre a estas alturas despertar nuestro interés, y ello a pesar de lo mucho que es fiel al original literario, según quienes presumen de poder compararlo.

El resultado es un film quizás vistoso, irritante como gran parte del trabajo del pretencioso realizador, y decididamente fallido en sus intelectuales intenciones acerca de la vida y la muerte. Incluso se permite una coreografía final mientras despreciamos los títulos de crédito, escenificada en lo que es sin duda el gran templo de la cultura consumista de nuestro tiempo, el supermercado.

CON LOS AÑOS QUE ME QUEDAN Una road movie descafeinada

España-México 2022 115 min.
Guion y dirección Frank Ariza Fotografía Javier Salmones Música Maria Vertiz Intérpretes Regina Blandón, Manuel Vega, Estefanía de los Santos, Paco Tous, Aislinn Derbez, Michelle Rodríguez, Enrique Villén, Antonia San Juan, Ken Appledorn Estreno en el Festival de Almería 26 noviembre 2022; en salas 9 diciembre 2022

Para su segundo largometraje, después de la comedia negra ¡Ay mi madre!, el director gaditano (y guionista en la inefable Sin ti no puedo) Frank Ariza ha tirado la casa por la ventana. Se ha aliado con una productora mexicana y convertido los paisajes andaluces, madrileños y mexicanos en escenarios californianos, con el objetivo de poner en pie una genuina road movie protagonizada por una mujer enfrentada a una serie de problemas económicos e identitarios que acepta una peligrosa misión de contrabando mientras afronta sus miedos familiares y sentimentales. Todo en un cóctel que puede resultar algo indigesto ante la cantidad de situaciones y personajes que propone.

Con expresión permanentemente disgustada, la joven mexicana Regina Blandón comparte coche con un fresco y desenfadado buscavidas al que da vida el joven madrileño Manuel Vega, mientras un sinfín de secundarios procuran amenizar el viaje y sus múltiples vicisitudes. La función empieza con narradora en off, una Estefanía de los Santos que reincide en su vocación histriónica; pero conforme avanza la trama la narración se va antojando confusa, a lo que no es ajeno un montaje desordenado y caótico, todo lo cual va paulatinamente conduciendo al desinterés y la desidia.

Una lástima, porque cuenta con medios holgados, tiene momentos con chispa, algunos incluso divertidos, y más o menos funciona como entretenimiento. Pero en general se pierde en sus diversas y variopintas propuestas y sus claros referentes tarantinianos, dejando una incómoda sensación de vacuidad generalizada.

EL MENÚ El fogón de las vanidades

Título original: The Menu
España 2022 107 min.
Dirección Mark Mylod Guion Seth Reiss y Will Tracy Fotografía Peter Deming Música Colin Stetson Intérpretes Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Ralph Fiennes, Hong Chau, John Leguizamo, Aimee Carrero, Janet McTeer, Paul Adelstein, Reed Birney, Judith Light, Rob Yang, Arturo Castro, Mark St. Cyr, Christina Brucato, Adam Aalderks, Peter Grosz, Jon Paul Allyn Estreno en el Festival de Toronto 10 septiembre 2022; en Estados Unidos 18 noviembre 2022; en España 2 diciembre 2022

Curtido en comedias de dudoso gusto (Ali G, al servicio de Sacha Baron Cohen, o Dime con cuántos, al de Anna Faris) y series de televisión, cuya máxima dignidad podemos quizás encontrarla en Succession, el director británico Mark Mylod es el encargado de dar ritmo y fuerza a esta entretenida a la vez que grotesca y disparatada película, híbrido entre el thriller, la comedia y el terror, con la alta cocina como telón de fondo. Los sucedáneos de Agatha Christie parecen estar de moda gracias a títulos como Mira cómo corren y Puñales por la espalda, a las que ahora se suma esta cinta coral aunque siguiendo un esquema inverso al de las historias de la dama del crimen en el que varios sospechosos convergen en un mismo lugar y tiempo.

 

Aquí es al revés, hay varias víctimas a merced del criminal de turno, en este caso un afamado chef con el que la película parece querer ajustar las cuentas al sofisticado a la par que vanidoso y vacío mundo de la cocina de cinco estrellas. Quienes hayan tenido oportunidad de comer en uno de estos establecimientos bendecidos con las irritantes estrellas Michelín, sabrán que todo forma parte de una ceremonia en la que lo de menos es la degustación sino el ritual que lo rodea, al que solo pueden acceder bolsillos muy exclusivos, lo que da al fenómeno ese aire de distinción y club cerrado que tanto gustan a las élites y tan poco aporta en última instancia al consumidor. De eso saben también los espectadores que semana tras semana se dejan torturar por el programa Masterchef, donde solo unos pocos, la última Patricia Conde, son capaces de desenmascarar, pagando el precio de ser tildada de cobarde y fracasada, este bochornoso espectáculo donde los conductores y la conductora son despiadados buitres con ademanes militares y sensibilidad bajo cero.

 

Con este porte se presenta en escena el chef de la película, un Ralph Fiennes que desafía a sus invitados e invitadas, seleccionadas de entre lo más curtido de la política, la cultura, la alta sociedad y la economía, en un esperpéntico espectáculo de sangre y maldad un tanto infantil, invadido de una gran cantidad de disparates. La turbadora y elegante presencia de Anya Taylor-Joy sobresale en una función que resulta, no obstante los promenores apuntados, todo lo entretenida que suelen ser estas recreaciones del espíritu y la atmósfera de la célebre escritora criminalista. Pero lo cierto es que entre tanta locura y disparate, este menú se nos antoja difícil de digerir.

SURO Mal acabada, ¡recórcholis!

España 2022 116 min.
Dirección Mikel Gurrea Guion Mikel Gurrea y Francisco Kosterlitz Fotografía Julián Elizalde Música Clara Aguilar Intérpretes Vicky Luengo, Pol López, Ilyass El Ouahdani, Vicente Botella, Joan Carrillo, Roc Coll, Josep Estragués, Nelson Caballero Estreno en el Festival de San Sebastián 19 septiembre 2022; en salas 2 diciembre 2022

Suro, corcho en catalán, es el debut en la dirección de otro idealista, Mikel Gurrea, treintañero vasco que busca a través de sus personajes la esencia imposible de la vida y el ser humano. En este caso se trata de una pareja de su misma generación, a punto de ser padres, cultos y educados que deciden dejarlo todo y empezar una nueva vida en un bosque de alcornoques que han heredado. El atractivo de la vida senccilla en el campo parece apoderarse de ellos, más idealista él, más práctica ella. Sus visiones de cómo encarar esta prometedora nueva vida no son iguales y desde el principio tendrán que hacer cara a la adversidad y a esos mismos obstáculos que hacen del universo urbano en el que han crecido el lugar decepcionante y deshumanizado que lo caracteriza.

Gurrea se decanta por una puesta en escena sobria y bien medida, y hace el imprescindible estudio pormenorizado de sus personajes, baile inicial incluido. Pero tras una parece que inagotable sucesión de secuencias instructivas acerca del oficio del corchero, que hace que la función, en principio intrigante gracias a una conseguida y algo incómoda atmósfera, incurra en algunas caídas de tensión y ritmo, un importante giro argumental hace que surja la incoherencia de los personajes y termine por aflorar el único valor que han adquirido. Se trata de la defensa de la comodidad que da una dehesa reformada con todos sus lujos al más puro estilo urbanita.

La pareja hace un buen trabajo, él premiado en Almería, ella nominada al Goya, mientras no logramos compartir la buena acogida obtenida en San Sebastián. Nuestro entusiasmo se desvió en el momento en que hizo aparición la incoherencia tan socorrida para que los guionistas perezosos encuentren la senda a seguir, pero que a otros solo se nos antoja como ese mal acabado que malogra muchas de las buenas propuestas de nuestro cine.

VENUS Esperpento narco-diabólico

España 2022 100 min.
Dirección Jaume Balagueró Guion Fernando Navarro y Jaume Balagueró, según el relato de H.P. Lovecraft Fotografía Pablo Rosso Música Vanessa Garde Intérpretes Ester Expósito, Inés Fernández, Ángela Cremonte, Magüi Mira, Aten Soria, María José Sarrate, Sofía Reyes, Federico Aguado, Fernando Valdivieso, Pedro Bachura, Francisco Boira Estreno en el Festival de Toronto 14 septiembre 2022; en el Festival de Sitges 6 octubre 2022; en salas 2 diciembre 2022

Descubierto a finales del pasado siglo con el thriller Los sin nombre, Jaume Balagueró prosiguió con una carrera prometedora gracias a títulos enmarcados también en un género híbrido que combinaba intriga y fantasía, como Darkness y Frágiles. Su trabajo sin embargo no despegó tanto como el de su compañero de fatigas, Paco Plaza, con quien colaboró en el documental musical O.T. y la exitosa saga de terror REC. Desde entonces ha logrado suscitar un moderado interés con Mientras dormía, y cosechado su mayor fracaso con Musa, para coquetear luego con la acción de gran presupuesto en Way Down y regresar ahora al género que le dio a conocer con esta Venus.

Balagueró ha trasladado el universo de H.P. Lovecraft a los extrarradios del Madrid actual para contarnos una historia de mujer fuerte y determinada que sucumbe más al horror de sus congéneres en forma de sempiternas y tópicas brujas, que al de la perversión ambiciosa y lujuriosa del narcotráfico de turno. El artefacto tiene su interés y suscita una considerable inquietud mientras esperamos en qué va a converger el terror oculto en el edificio que da nombre a la empresa, y se van sucediendo los efectos visuales, la sangre a borbotones y los momentos veladamente gore.

Pero va poco a poco todo va difuminándose conforme avanza el esperpento diabólico y la fantasía va cobrando protagonismo, hasta que un final deslavazado, sacado directamente de la chistera sin más convicción e interés que el del mero cansancio, acaba definitivamente con su a priori interesante premisa.

Estreno en salas de LA EMPERATRIZ REBELDE

 Reseña de la película, estrenada en el 19º Festival de Cine Europeo de Sevilla

COMO ARDILLA EN EL AGUA y MOTHERTRUCKERS Visiones de mujer con acento andaluz

MOTHERTRUCKERS

España 2022 15 min.
Dirección Paula Romero Guion Lisa Melbourne, según su libro “The Book of March”

Estreno en el Festival de Cine de Sevilla 8 noviembre 2022

COMO ARDILLA EN EL AGUA

España 2022 72 min.
Dirección, guion y fotografía Mayte Gómez Molina y Mayte Molina Romero

Estreno en el Festival de Cine de Sevilla 6 noviembre 2022

Recuperamos dos trabajos hechos por cineastas andaluzas que fueron premiados en el reciente Festival de Cine Europeo de Sevilla. Son dos miradas interesantes, atractivas y relucientes de mujer, que respiran una sensibilidad muy especial inequívocamente femenina, no necesariamente feminista. La joven Paula Romero rueda en inglés un cortometraje de carácter documental en el que refleja la vida de una camionera en plena crisis post brexit, con problemas de carburantes y huelga de transporte como trasfondo no vinculante. La suya es una mirada poética a otra forma de visa posible, lejos de los cánones y las convenciones durante siglos impuestas a las mujeres. Entre escenas laborales, descansos en áreas destinadas a ello y fines de semana junto a su madre, Romero aprovecha diversas técnicas, incluida la animación y los efectos digitales, para desplegar en apenas un cuarto de hora sus aptitudes y dominio de los recursos, así como de una narrativa fluida y amena. Mereció el premio Rosario Valpuesta al mejor cortometraje en la sección Panorama Andaluz del citado festival.

Por su parte, otra joven cineasta, Mayte Gómez Molina, curtida como Paula Romero en tierras extranjeras, en su caso Estados Unidos, se encarga junto a su madre de ajustar cuentas de forma muy original e igualmente poética, con la enfermedad y el aislamiento que provocan los trastornos de la alimentación derivados de las imposiciones sociales y culturales a las que todos y todas estamos sometidas. Concebido como una declaración de amor entre madre e hija, y con una ardilla encontrada y mantenida durante el tiempo en el que la familia vivió en Estados Unidos, como referente de esfuerzo, cariño y ternura, el film resulta valiente en su contenido y atrevido en su forma.

La joven granadina no duda en utilizar diversos recursos, desde material videográfico familiar a escenas de un documental norteamericano sobre las ardillas, así como escenas de la vida cotidiana de la madre, mater amatisima entregada a la recuperación de su hija y refugiada en una máscara del pequeño animal dentro de la cual se encuentra si no como en el agua, sí protegida frente a la adversidad y su propia timidez. El paso del tiempo se ve perfectamente reflejado en este emotivo y poético trabajo rubricado con unas preciosas declaraciones literarias de amor de una hacia la otra. Su sensibilidad se vio recompensada con el premio Rosario Vapuesta al mejor largometraje en la misma sección de Panorama Andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla.