UN LUGAR PARA SOÑAR Tedioso manual de autoayuda

Título original: We Bought a Zoo

USA 2011 124 min.

Dirección Cameron Crowe Guión Aline Brosh McKenna y Cameron Crowe, según las memorias de Benjamin Mee Fotografía Rodrigo Prieto Música Jon Thor Birgisson Intérpretes Matt Damon, Scarlett Johansson, Elle Fanning, Thomas Haden Church, Patrick Fugit, Angus Macfayden, John Michael Higgins, Stephanie Szostak

Estreno en España 30 diciembre 2011

Cameron Crowe tiene la habilidad para ser considerado un autor sin haber realizado ninguna obra memorable. Recordado fundamentalmente por su película Jerry Maguire, que no es precisamente ninguna maravilla, el resto de su filmografía no le va a la zaga, con títulos como Casi famosos, el lamentable remake de Abre los ojos de Amenábar, Vanilla Sky, y la prescindible Elizabethtown. Ésta que nos ocupa no es la excepción. Hace tiempo que los americanos perdieron el talento para hacer buen cine sentimental y emotivo; llevan veinte años ciñéndose a un modelo de hechuras televisivas que pretende emocionar a base de imposturas y consecuentemente apenas lo consigue. Si encima se trata de un manual de autoayuda, la cosa empeora. Todos esos defectos los acusa esta tediosa película con personajes bobalicones y situaciones estúpidas y ridículas, en las que ni siquiera se ha aprovechado el escenario en el que se ambienta, un zoológico cuyos animales podrían haber dado mucho juego y sin embargo apenas lucen. Por el contrario hemos de soportar los egoístas problemas de una familia caprichosa rodeada de mucho buen rollito, demasiado almíbar y escasísima convicción. Mala forma de terminar el año cinematográfico.

DRIVE El poder fascinador del cine

USA 2011 102 min.

Dirección Nicolas Winding Refn Guión Hossein Amini, según la novela de James Sallis Fotografía Newton Thomas Sigel Música Cliff Martínez Intérpretes Ryan Gosling, Carey Mulligan, Albert Brooks, Bryan Cranston, Ron Perlman, Oscar Isaac, Christine Hendricks, Kaden Leos, James Biberi, Russ Tamblyn
Estreno en España 28 diciembre 2011

El gusto del público respecto al cine norteamericano ha evolucionado lo que ha transcurrido entre el entrañable Frank Capra y su nieto Frank Capra III, productor ejecutivo de esta violenta película. El realizador Nicolas Winding Refn se ha especializado en hacer un tipo de cine duro y violento que, aunque no muy divulgado, cuenta con legiones de seguidores fieles. Películas como Valhalla Rising, Bronson o Pusher lo han catapultado a la cima de los directores de culto, que ahora traspasa con esta propuesta dirigida a un público más amplio. Su mano elegante y sofisticada se desliza por una cinta que atrapa con un poder de fascinación extraordinario. A medio camino entre una exquisita ternura y una salvaje carnicería, el trabajo del equipo es excelente en todos los apartados; desde unos diálogos concisos y certeros a una fotografía de fuerte cromatismo y extrema nitidez, pasando por una banda sonora inquietante (la música original de Cliff Martínez y los estupendos temas incluidos, como el que acompaña la magnífica secuencia de arranque) y unas interpretaciones antológicas. Ryan Gosling se consolida con ésta, tras Crazy Stupid Love y Los idus de marzo que está por estrenarse, como la estrella masculina más relevante del momento, junto a Michael Fassbender. Inquietante de principio y fin, tierna en su primera mitad, tremenda en sus propuestas y resoluciones, esta cinta justifica por sí sola el amor que muchos y muchas profesamos al cine. Nos invita a introducirnos en una vida intensa, nos presenta unos personajes interesantes, nos cuenta una historia de vorágine, peligro, amor generoso y soledad absoluta, y nos fascina completamente; ¿acaso no vale eso una entrada de cine, y más?

IMMORTALS Violencia estética extrema

USA 2011 111 min.

Dirección Tarsem Singh Guión Charley y Vlas Parlapanides Fotografía Brendan Galvin Música Trevor Morris Intérpretes Henry Cavill, Mickey Rourke, Freida Pinto, Stephen Dorff, John Hurt, Luke Evans, Kellan Lutz, Isabel Lucas, Daniel Sharman, Joseph Morgan, Peter Stebbins Estreno en España 23 diciembre 2011

Nadie mejor para dirigir esta epopeya de cuidadísima estética que el realizador indio Tarsem Singh, cuyo gusto por el barroquismo ha quedado patente en cintas como La celda, The Fall: El sueño de Alejandría y una de las dos Blancanieves que se estrenarán próximamente, Mirror Mirror. Tomando como base argumental la sempiterna lucha contra el Mal, en forma de amenaza mundial, pero ambientándose esta vez en la Grecia clásica poblada de hombres, bestias y dioses, esta producción sigue los pasos de 300 en su suntuosa puesta en escena, sus recargados decorados y su permanente uso de la tecnología digital. Quizás quienes estén muy familiarizados con los sofisticados videojuegos de hoy en día no encuentren demasiados elementos de impacto en esta cinta, pero quienes no lo estamos nos rendimos ante un festival de diseño e imaginación, por mucho que algunos escenarios nos recuerden inevitablemente a los belenes que se montan por Andalucía. Las andazas del hermoso Teseo (Henry Cavill) luchando contra el terrible Hiperión (Mickey Rourke), bajo protección de los bellos dioses y diosas del Olimpo, están resueltas con una notable dosis de violencia, en ocasiones hasta desagradable, pero manteniendo siempre un nivel digno de interés y un gusto estético homogéneo. Con evidentes toques de misticismo, pero sin hacer apologías baratas ni molestas, la película termina resultando un entretenimiento considerable y una experiencia pictórica de primer nivel.

ROUTE IRISH Otro inquietante drama a partir del desastre de Irak

Reino Unido-Francia-Bélgica-Italia-España 2010 112 min.

Dirección Ken Loach Guión Paul Laverty Fotografía Chris Menges Música George Fenton Intérpretes Mark Womack, Andrea Lowe, John Bishop, Geoff Bell, Jack Fortune, Talib Rasool, Craig Lundberg, Trevor Williams, Russell Anderson, Jamie Michie, Najwa Nimri Estreno en España 23 diciembre 2011. No estrenada en Sevilla

Mucho ha tenido que esperar para estrenarse en España, uno de sus países coproductores, la última cinta dirigida por Ken Loach, desde su paso por la sección oficial del Festival de Cannes de 2010, y no lo hace en todas sus plazas. En la línea de Agenda oculta, una de las películas que lo dieron a conocer en la década de los 80, Loach, con la ayuda inestimable de su guionista habitual, Paul Laverty, nos propone una inquietante intriga urdida a partir de uno de tantos episodios dramáticos y camuflados de la Guerra de Irak. Con un estilo sobrio y digno, nos introduce en una trama desasosegante en la que la violencia y la ambición se dan la mano para denunciar toda la estrategia comercial que desde un principio ha supuesto la invasión ilegal y despiadada de ese castigadísimo país. Convincente, impecablemente narrada, y rodeándose de un equipo de primera, que incluye al excelente director de fotografía Chris Menges, galardonado con el Oscar en dos ocasiones, por Los gritos del silencio y La misión, y a su habitual compositor, George Fenton, autor también de las banda sonoras de Gandhi y Las amistades peligrosas, Loach ha logrado un film necesario e inquietante, más sólido e impactante que sus anteriores trabajos, la simpática Buscando a Eric y la tramposa En un mundo libre…

EL TOPO Una intriga espesa, muy espesa

Título original: Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Reino Unido-Francia-Alemania 2011 127 min.

Dirección Tomas Alfredson Guión Bridget O’Connor y Peter Straugham, según la novela de John le Carré Fotografía Hoyte von Hoytema Música Alberto Iglesias Intérpretes Gary Oldman, Colin Firth, Tom Ardí, John Hurt, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Stephen Graham, Ciarán Hinds, Toby Jones, David Dencik
Estreno en España 23 diciembre 2011

Si el autor de la novela, John le Carré, productor ejecutivo de esta película, ha dado su beneplácito al trabajo realizado por Tomas Alfredson, director de la muy aclamada Déjame entrar, por qué habríamos nosotros de discrepar con él. Y sin embargo qué mala es la sensación de estar sentado o sentada durante dos largas horas frente a una pantalla con la sensación de no sacarle provecho al tiempo invertido; que no acabas de conocer a los personajes que te están presentando, que te pierdes en las situaciones propuestas y que el guión va siempre por delante tuya, sin hacerte partícipe de la intriga proyectada, sencillamente porque los argumentos y pistas que te están dando no atrapan tu intelecto, ya sea porque tengamos un coeficiente bajo o quizás más bien porque sus muy pretenciosos responsables no aciertan a presentar los elementos en juego de una manera convincente o sencillamente inteligible. Con un título original tomado de una película británica de 1918, Calderero, Sastre, Soldado, Marinero, pero sustituyendo (en la cinta se explica por qué) el Sailor final por el más apropiado para esta trama Espía, la novela del famoso escritor especializado en tramas de espionaje ambientadas en la Guerra Fría, ya conoció en 1979 una adaptación televisiva dirigida por el artesano John Irvin y protagonizada por Alec Guinness. En sus generosas cuatro horas de duración se nos contaba mejor esta complicada y misteriosa trama, porque hay ahí elementos de sobra para hacer de una película un fascinante ejercicio de intriga y tensión. Las formas de Alfredson son, como en su anterior título, frías y distantes. No acierta a implicarnos con los personajes, algunos de los cuales apenas están esbozados, por ejemplo el interpretado por Ciarán Hinds, y otros no acertamos a conocer sus inquietudes y motivaciones, caso del de Colin Firth. Con todo hay que felicitar el trabajo del elenco interpretativo, que se suma a un año especialmente interesante en películas corales, como Criadas y señoras o Margin Call. También cabe señalar el espléndido trabajo de ambientación, si bien contribuye junto a la realización y el guión firmado por la prematuramente fallecida Bridget O’Connor, que no llegó a ver el film terminado, a crear una atmósfera espesa y asfixiante que poco ayuda a la comprensión general de su argumento. Los ingredientes estéticos se imponen, incluida la excelente banda sonora de Alberto Iglesias, distrayendo del conjunto y dispersando también en la comprensión de una trama que termina resultando demasiado compleja e inabarcable. Acierta sin embargo a perfilar la personalidad del personaje principal, el típico espía solitario e incapaz de llevar una vida social o sentimental ordenada o satisfactoria, del mismo modo que también acierta en su postulado de que el hombre necesita continuamente conflictos, y que tanto tiempo de paz, aunque sea aparente, le aburre. Muy esperada, tanto sea por su muy eficiente tráiler, ilustrado con música de Danny Elfman para El hombre lobo, como por su paso por Venecia, donde la crítica se rindió a sus pies y sin embargo no arañó ningún premio.

PERROS DE PAJA Un paso atrás de cuarenta años

Título original: Straw Dogs

USA 2011 110 min.

Guión y dirección Rod Lurie, según el guión de David Zelag Goodman y Sam Peckinpah, basado en la novela “The Siege of Trencher’s Farm” de Gordon Williams Fotografía Alik Sakharov Música Larry Groupé Intérpretes James Marsden, Kate Bosworth, Alexander Skarsgard, Dominic Purcell, Willa Holland, James Woods

Estreno en España 16 de diciembre de 2011

Hollywood parece seguir empeñado en sacarle el polvo a antiguos éxitos cinematográficos para convertirlos en fallidos productos de rápido y olvidable consumo. Cuarenta años después del clásico de Sam Peckinpah, una tremenda disección de la violencia y el límite que estamos dispuestos a respetar para no caer en ella, Rod Lurie, competente realizador de Candidata al poder y La última fortaleza, demuestra poco entusiasmo en este remake de la película, que no directamente de la novela en la que aquella se basaba.

Es evidente que los protagonistas están elegidos más por su presencia estética que por su adecuación a los personajes, de ahí que los dos masculinos exhiban poca credibilidad y que ella sea exactamente un palo inexpresivo. La trama se traslada de la Inglaterra de interior al profundo Mississippi, sin que el retrato de la América profunda consiga plausibilidad alguna. La contundencia y violencia extrema que Peckinpah reflejaba en su película se han tornado aquí en mojigatería absoluta. El resultado es un producto fallido, carente de interés y que poco o nada refleja la situación de machismo y salvajismo que la novela denuncia. Y eso que muchas secuencias parecen directamente calcadas del original, no sólo el cartel…

De lo menos copiado de la película es la música de Larry Groupé, y eso que la de Jerry Fielding para el original de Sam Peckingpah recibió una nominación al Oscar en 1971

EL FUTURO El efecto de los rayos gamma sobre los gatos

Título original: The Future

USA-Alemania 2011 91 min.

Guión y dirección Miranda July Fotografía Nikolai Von Graevenitz Música Jon Brion Intérpretes Hamish Linklater, Miranda July, David Warshofsky, Isabelle Acres, Joe Putterlik, Angela Trimbur Estreno en España 16 de diciembre de 2011

Miranda July obtuvo cierto reconocimiento hace unos años con la película Tú, yo y todos los demás. Ahora insiste en la tragicomedia romántica con una propuesta marciana con pretensiones trascendentales, en la que una pareja de mirada lánguida y una postura desconfiada ante la vida y su entorno, entra en crisis existencial, juntos y por separado, y deciden vivir el presente sin expectativas ni ataduras, con la adopción de un gato callejero, para colmo narrador de la función, como pretexto. Típico producto independiente que se pierde en un discurso sin interés, absolutamente anodino y superfluo, sustentado en ciertas dosis de surrealismo con las que se pretende impresionar a un público que no sabrá si no entiende lo que se le propone o sencillamente no se le propone nada, o al menos no invita a reflexionar sobre nada. Así las cosas no extraña que se haya paseado por varios festivales sin acariciar ni siquiera una mención.

MISIÓN: IMPOSIBLE 4 – PROTOCOLO FANTASMA Sofisticada diversión a costa de muchos imposibles

Título original: Mission: Impossible - Ghost Protocol

USA 2011 133 min.

Dirección Brad Bird Guión Josh Appelbaum y André Nemec Fotografía Robert Elswit Música Michael Giacchino Intérpretes Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Josh Holloway, Michael Nyqvist, Léa Seydoux, Vladimir Mashkov, Anil Kapoor, Tom Wilkinson Estreno en España 16 de diciembre de 2011

Hasta ahora Brad Bird sólo había dirigido cintas de animación, desde la muy personal y celebrada El gigante de hierro hasta sus excelentes colaboraciones con Pixar en Los increíbles y Ratatouille. Lo más recurrente para un cronista es analizar la influencia de ese género y la forma de abordarlo en esta cuarta entrega de la saga que creó Bruce Geller para la famosa serie de televisión de los años 60. Pero es que ciertamente hay mucha influencia de esa forma especial de planificar cada secuencia y montar cada escena, de hecho ésta es la entrega más sencilla en estructura narrativa, composición de personajes y comprensión del guión. Un film cien por cien distraído, espectacular y digerible con notable ligereza. También es cierto que nos volvemos a encontrar ante una historia en la que se nos pide que no seamos muy rigurosos con la coherencia interna de la trama, con las situaciones límite que continuamente se nos proponen y con la cantidad de poco plausibles artilugios que auxilian a los protagonistas en sus innumerables y peligrosas misiones. Bird maneja todos los sofisticados ingredientes de este lujoso juguete con perfecta planificación, rigor estructural y mucha profesionalidad, hasta lograr un producto sólido, divertido, ameno y con un magnífico sentido de la tensión dramática perfectamente mezclado con un saludable sentido del humor. A eso hemos de añadir sus bellas localizaciones, desde Estambul a San Francisco pasando por Moscú, Dubai y Bombay, en una suerte de Vuelta al Mundo a lo Julio Verne. Casi podríamos afirmar que se trata del mejor título de la serie, a la zaga de la tercera entrega, que dirigió J.J. Abrams, ahora productor, o al menos al mismo nivel que la excelente primera entrega dirigida por Brian de Palma. Cruise demuestra estar todavía en perfecta forma para encarnar casi a sus cincuenta años al ágil y flexible agente Ethan Hunt, mientras su nuevo equipo, integrado por los muy solventes Jeremy Renner (En tierra hostil), Paula Patton (Precious) y el cómico Simon Pegg (pareja profesional de Nick Frost en títulos como Zombies Party y Paul), demuestran que se han incorporado para quedarse, si la taquilla lo permite. En definitiva, un impecable espectáculo de imagen y sonido, realizado con la mejor tecnología posible, pero sin someter todo su potencial a la misma. Por su parte Michael Giacchino (Up) firma una estupenda, enérgica y muy variada banda sonora, al nivel de la diversión propuesta.

Michael Giacchino hace una estupenda versión del mítico tema original de Lalo Schifrin para esta nueva entrega cinematográfica de la serie

ARTHUR CHRISTMAS: OPERACIÓN REGALO Una montaña rusa de equívoco mensaje navideño

Título original: Arthur Christmas

Reino Unido-USA 2011 97 min.

Dirección Sarah Smith y Barry Cook Guión Peter Baynham y Sarah Smith Fotografía Jericca Cleland Música Harry Gregson-Williams Voces originales James McAvoy, Hugh Laurie, Jim Broadbent, Bill Nighy, Imelda Staunton, Eva Longoria

Estreno en España 9 de diciembre de 2011

La unión entre Sony Pictures (Lluvia de albóndigas) y Aardman Animations (Wallace y Gromit, Chicken Run, Ratónpolis) ha dado como resultado un vertiginoso entretenimiento para pequeños y adultos de impecable diseño y espectacular acabado, pero que encierra trampa en su bienintencionado mensaje. Y es que aboga por la imaginación, la ilusión y el regreso a los valores tradicionales teñidos de juegos infantiles sencillos y clásicos, mientras lo que realmente ofrece a niños y niñas es un espectáculo de tecnología avanzadísima y fascinante resolución formal, que deja perplejos a los pequeños y sin capacidad para asimilar el mensaje propuesto. En su vocación de montaña rusa llega a ser excesiva, provocando fatiga e incluso desinterés, lo que no impide que funcione como digno entretenimiento. Entre los personajes, no todos están convenientemente diseñados para provocar empatía, pero entre los que sí lo están destacan el abuelo Santa Claus, hilarante y entrañable incluso en su perfil de cascarrabias, y la madre Claus, una suerte de contrincante de Meryl Streep en su personificación de Margaret Thatcher, pero henchida de ternura, calma y amabilidad. Mención aparte merecen los divertidos elfos, prodigio de caracterización por cuento son miles y tantos son sus perfiles.

"Make Someone Happy", un clásico de Jimmy Durante compuesto por Jule Styne, Betty Comden y Adolph Green, que Bill Nighy canta en la banda sonora de esta película

ATTACK THE BLOCK Pandilleros vs. Aliens

Reino Unido 2011 88 min.

Guión y dirección Joe Cornish Fotografía Thomas Townend Música Steven Price Intérpretes John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Lecon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Nick Frost Estreno en España 9 diciembre 2011

Los misterios de la distribución española son insondables. Esta cinta, llamada de entrada a convertirse en película de culto y generada descaradamente para lograr éxito de taquilla con el ya poco original punto de partida de estar hecha presuntamente con pocos recursos, se ha estrenado en apenas un puñado de salas en todo el país, y sólo en cinco o seis capitales, incluida al menos por una vez la nuestra. Quizás sólo sea una estrategia de mercado y de momento se haya decidido colocarla sólo con copias digitales en pocas salas para luego dar el salto al estreno masivo, algo que ya se probó hace un par de años sin demasiada suerte con Kick-Ass. Lo cierto es que este título supone la consagración definitiva del realizador Joe Cornish, tras disfrutar de sonados éxitos en la televisión británica y escribir el guión, por otro lado fallido, del Tintin de Spielberg, al frente de un equipo que ya ha contado con el respaldo de un público entregado en títulos como Zombie Party. Saludada como un cruce entre Ken Loach y Robert Zemeckis, y como reverso de la reciente Súper 8, la cinta que nos ocupa tiene la desfachatez de convertir en héroes a una pandilla de gamberros chorizos y adolescentes que se tienen que enfrentar a un ataque alienígena. Quien quiera ver en esto denuncia social que se abstenga, pues el producto no pasa de ser un mero entretenimiento, rodado con energía y fluidez, cuyos protagonistas no consiguen empatizar, menos mal, con el público, al menos con el formado y cultivado. A partir de ahí asistimos a un guión caprichoso y mediocre en el que las situaciones son forzadas (participación nula o escasa de las fuerzas de seguridad en una situación de emergencia global, vecinos del bloque de pisos del título al margen de los acontecimientos, y otras lindezas) y los recursos ciertamente mediocres. El doblaje en castellano neutro y perfecto no ayuda por supuesto a creerse a unos niñatos de condición barriobajera, mientras los protagonistas abordan con soltura y solidez sus personajes, incluida la joven Jodie Whittaker, a quien vimos junto a Peter O’Toole en la estupenda Venus de Roger Michell, y el cómico Nick Frost, que junto a Simon Pegg ha disfrutado este pasado verano del éxito de otro extraterrestre, Paul. Especial mención para los niños Caos y Problemas, quizás lo más fresco y simpático del conjunto, en la línea de las niñas enredantes de Tamara Drewe. A pesar de todo lo apuntado logró triunfar en el Festival de Sitges, donde acaparó los premios del público, crítica y banda sonora, efectiva y espectacular de Steven Price y Basement Jaxx.

"The Block", tema principal de Steven Price y Basement Jaxx de la banda sonora galardonada en Sitges

IN TIME

USA 2011 109 min.

Guión y dirección Andrew Niccol Fotografía Roger Deakins Música Craig Armstrong Intérpretes Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Cillian Murphy, Olivia Wilde, Alex Pettyfer, Johnny Galecki, Vincent Kartheiser, Matt Bomer, Yaya DaCosta

Estreno en España 2 diciembre 2011

Poco se prodiga el realizador de Gattaca, Simone y El señor de la guerra, y autor del guión de El show de Truman de Peter Weir. Pero a la vista de los pobres resultados de esta nueva incursión en la ciencia ficción, menos debiera aún prodigarse. Partiendo de una premisa interesante, una sociedad en un futuro próximo (a la vista de la dirección artística parece inminente, aunque algunos avances tecnológicos resulten demasiado inalcanzables) en la que nadie sobrepasa los 25 años, y por supuesto manteniendo una extraordinaria belleza, a cambio de traficar con tiempo en lugar de dinero para sobrevivir. Lucha de clases, injusticias sociales, mafias y tráfico ilegal son temas expuestos con mucha timidez y escasísima capacidad crítica o al menos analítica. La cosa deviene progresivamente en un aburrido bodrio de persecución sin fin y giros de guión de escaso calado emocional. Los guapos y guapas cumplen como pueden mientras la música de Craig Armstrong destaca en el conjunto, si bien tampoco con demasiado entusiasmo.

Versión coral del tema principal de la película, compuesto por Craig Armstrong

JANE EYRE Nueva adaptación beneficiada por su pareja protagonista

Reino Unido 2011 120 min.

Dirección Cary Fukunaga Guión Moira Ruffini, según la novela de Charlotte Brontë Fotografía Adriano Goldman Música Dario Marianelli Intérpretes Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Judi Dench, Holliday Grainger, Sally Hawkins, Tamzin Merchant, Imogen Poots, Sophie Ward, Amelia Clarkson, Simon McBurney, Freya Parks, Romy Settborn Moore Estreno en España 2 diciembre 2011

Cuando una novela ha sido llevada tantas veces a la pantalla, grande y pequeña, uno se pregunta qué puede ya aportar una nueva adaptación. Quizás se trate sencillamente de acercar una historia que siempre parece interesar, a un público nuevo, incapaz de deleitarse con películas antiguas, como la que dirigió Robert Stevenson en 1943, y dispuesto a desembolsar en taquilla el precio de una entrada para dejarse embaucar por el mismo cuento. Si a eso añadimos que en esta producción se juntan dos de los intérpretes más atractivos y carismáticos del momento, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas y el galardonado actor de Shame y Un método peligroso, puede que comprendamos esta revisión del clásico de Charlotte Brontë. Sorprende sin embargo que para su puesta en escena se haya contado con el director de Sin nombre, una película mejicana de hace un par de años que nos hablaba de los peligros de la emigración clandestina a Estados Unidos, controlada por mafiosos y sicarios. Sorprende porque si aquella contaba con un lenguaje narrativo y visual moderno y colorista, aquí no ha podido dejarse llevar más por el academicismo propio de estas producciones de época, con una fotografía y ambientación preciosistas y un guión pulcro y extremadamente respetuoso. Pero lo que más destaca en esta nueva mirada sobre la famosa institutriz huérfana de mitad del siglo XIX es la química que logran desprender sus dos protagonistas, logrando con aparente poco esfuerzo que su historia de amor sea absolutamente plausible y emocionante. Por lo demás se trata de otra versión que se deja ver con un interés moderado.

El violinista Jack Liebeck despliega virtuosismo en "Awaken", uno de los temas compuestos por Dario Marianelli para esta nueva adaptación del clásico de Charlotte Brontë

RESTLESS Artificioso paseo por el amor y la muerte

USA 2011 95 min.

Dirección Gus Van Sant Guión Jason Lew Fotografía Harris Savides Música Danny Elfman Intérpretes Mia Wasikowska, Henry Hopper, Ryo Kase, Lusia Strus, Jane Adams, Schuyler Fisk, Chin Han Estreno en España 2 diciembre 2011

Con este nuevo título del director de Mi nombre es Harvey Milk, Elephant y Mi Idaho privado se nos plantea una bonita historia de amor en la que la muerte está muy presente, pero de manera poco melodramática e intentando trivializarla hasta lograr que la sintamos como algo natural e inevitable que no debe preocuparnos en exceso. Resulta sin embargo discutible que Van Sant recurra para esta obra aparentemente sencilla y lúcida a una serie de elementos que son como mínimo artificiosos, poco sinceros. Intenta convencernos de sus premisas con una parejita muy mona, forzando situaciones y caracteres y rodeándolo todo de un aire de encanto casi infantil. No discutimos que la cinta sea simpática y tierna, pero igualmente nos resulta manipuladora y muy poco fluida. La pareja protagonista expide encanto y belleza, adaptándose perfectamente al aire de cine de los 60 que parece perseguir el director, vestuario incluido; él, hijo de Dennis Hopper, como personaje típico de un film de la new wave británica, y ella copiando el estilo de Mia Farrow en La semilla del diablo. Y las situaciones deambulan continuamente entre la candidez y la ridiculez, aunque el realizador consigue mantener generalmente el equilibrio. Pero el resultado final es tan blando como impuesto, sin que logre dejar más huella que la de haber asistido a un montaje agradable.

"The Fairest of the Seasons" de Nico y The Velvet Underground se incluye en la banda sonora de esta romántica película

LA CONSPIRACIÓN La Historia como espejo y advertencia

Título original: The Conspirator

USA 2011 123 min.

Dirección Robert Redford Guión James D. Solomon y Gregory Bernstein Fotografía Newton Thomas Sigel Música Mark Isham Intérpretes James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Evan Rachel Wood, Danny Huston, Justin Long, Tom Wilkinson, Colm Meaney, Alexis Bledel, Toby Kebbell Estreno en España 2 diciembre 2011

Hay actualmente dos realizadores en Estados Unidos capaces de recuperar el estilo del cine clásico norteamericano, y casualmente los dos son actores; evidentemente nos estamos refiriendo a Clint Eastwood y Robert Redford, cuya última película, que ha tardado casi un año en estrenarse entre nosotros, respira ese aire genuino de perfecto engranaje narrativo y estructural. Ya su premisa es apasionante, el juicio a la única mujer presuntamente conspiradora para asesinar al presidente Lincoln, y la consiguiente incomodidad que suscita en su abogado defensor encargarse del caso, transmutada progresivamente en cruzada contra la injusticia y defensa apasionada del Estado de Derecho. Los hechos históricos son utilizados por Redford sabiamente para hablarnos de la tragedia de una mujer a la que el Mundo se le pone en contra, y la emoción del único apoyo que encuentra en un ambiente que le es absolutamente hostil. En este sentido aplaudimos el recital interpretativo de una espléndida, contenida y sensacional Robin Wright, dentro de un elenco en el que brillan absolutamente todos los intérpretes, principales y secundarios. Y ese drama a su vez es aprovechado para recrear una situación que no difiere mucho de la coyuntura que padecemos actualmente, bien se trate de las guerras emprendidas en Oriente o de la crisis económica con la que tanto miedo se nos está acribillando diariamente. El miedo como arma de control y poder, pasando por encima de las instituciones y las leyes que entre todos y todas hemos logrado establecer, y poniendo en peligro la mismísima democracia, está en el germen de esta extraordinaria película y del panorama internacional actual. La ambientación, la música, el guión (puede que resulte algo increíble que los personajes puedan expresarse con tanta lucidez, pero qué gusto da escuchar líneas de diálogo tan bien escritas y declamadas) y las interpretaciones son espléndidamente manejadas por la mano maestra del siempre comprometido Robert Redford para engendrar un espectáculo emocionante y emotivo, a la vez que melancólico y angustioso. El único reparo se lo ponemos a la fotografía, cuyo abuso de filtros y saturaciones la hace cuanto menos antipática.

Música de Mark Isham para la última película dirigida por Robert Redford

UN MÉTODO PELIGROSO Los grandes languidecen

Título original: A Dangerous Method
Reino Unido-Alemania-Canadá 2011 99 min.
Dirección David Cronenberg Guión Christopher Hampton, según su obra teatral “The Talking Cure”, basada en la novela de John Kerr “A Most Dangerous Method” Fotografía Peter Suschitzky Música Howard Shore Intérpretes Michael Fassbender, Keira Knightley, Vigo Mortenssen, Vincent Cassel, Sarah Gadon Estreno en España 25 noviembre 2011

Esperada con impaciencia, tras cuatro años de inactividad, la nueva película de David Cronenberg no ha podido resultar más decepcionante. Y no porque no cuente con múltiples atractivos a priori, como la fotografía de Peter Suschitzky, inseparable del realizador canadiense desde finales de los 80, la música de Howard Shore, que le ha acompañado siempre, y la producción de Jeremy Thomas, responsable de El último emperador, Pina y otros trabajos de Cronenberg, como El almuerzo desnudo. Sin olvidar que tras el guión está Christopher Hampton, siempre recordado por adaptar Las amistades peligrosas para Stephen Frears, que en esta ocasión adapta su propia obra teatral. Hablarnos sobre los inicios del psicoanálisis de Freud en relación a los impulsos y represiones sexuales tampoco parecía mal asunto, y desde luego conecta mucho con la temática habitual en el director de Inseparables. Y sin embargo qué poco interés despliega esta tediosa y aburridísima película, lastrada además por una irritante sobreactuación de la ya habitualmente exagerada Keira Knightley. Últimamente parece que los grandes autores languidecen en una preocupante crisis de ideas debida quizás a un envejecimiento repentino. Si el realizador ha buscado en la ambientación un tono irreal e idílico, no tenemos nada que decir; pero si no es así, no hay quien se crea el entorno en el que se desarrollan las anodinas anécdotas de esta irrelevante película, artificiosos y pretenciosos en su blanco esteticismo. Por si fuera poco resulta muy irritante que bajo un prisma de supuesta progresía y modernidad, el tema sea tratado en realidad con tanta mojigatería y ridículo misterio. Lo único destacable al final es la inquietante banda sonora de Shore, en el que combina sugerentes temas originales con fragmentos de una trascripción directamente realizada para el film por el gran pianista Lang Lang de El idilio de Sigfrido de Wagner. Lástima que esta ocurrencia devenga de la tesis sostenida en novela, teatro y film de la búsqueda del ser impoluto, ilimitadamente puro y digno, representado en la figura del héroe mitológico alemán al que Wagner dedicó una tetralogía de la que este Idilio no forma parte. Más carca no se puede ser en este sentido.

En "Reflection" de Howard Shore, un tema incluido en la banda sonora de la película, resuenan ecos de "El idilio de Sigfrido" de Wagner, en trascripción e interpretación de Lang Lang

UN DIOS SALVAJE Análisis poco incisivo sobre una sociedad enferma

Título original: Carnage

Francia-Alemania-Polonia-España 2011 79 min.

Dirección Roman Polanski Guión Roman Polanski y Yasmina Reza, según su obra teatral “Le Dieu du Carnage” Fotografía Pawel Edelman Música Alexandre Desplat Intérpretes Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz, John C. Reilly
Estreno en España 18 noviembre 2011

La publicidad asegura que se trata de una comedia sin modales, y en eso cumple la última película del sufrido Polanski, escrita y preparada mientras permanecía recluido en su casa suiza por imperativo judicial a causa de un presunto delito cometido hace ¡cuarenta años! (por lo visto la justicia americana desconoce la figura de la prescripción). Basándose en una exitosa obra teatral de Yasmina Reza, que a su vez parece inspirada en la de Edward Albee ¿Quién teme a Virginia Woolf?, la cinta pretende diseccionar el comportamiento de un par de parejas burguesas en una sociedad pudiente y enmarcada en eso que se viene a denominar bienestar social. Pretender arreglar una grave pelea de niños entre sus padres de manera educada y civilizada acabará derivando en una sucesión de malos modos, reproches, peleas y violencia física y verbal, entre ambas parejas y entre sí. Un esmerado uso de la pantalla panorámica, un único escenario elegante y acogedor y cuatro solventes y comprometidos intérpretes hace que la película funcione como un entretenido espectáculo, sin embargo lo previsible de la situación desde el mismo inicio hace que el factor sorpresa, necesario en este tipo de denuncias, desaparezca y acabemos asistiendo a una sucesión de lugares comunes e imposturas sazonadas con unas interpretaciones convincentes pero no memorables. De los cuatro el mejor parado es Christoph Waltz, que aborda su papel con ironía y humor, mientras la peor es Jodie Foster, incapaz de resultar natural cuando ríe o llora. El resultado es un divertimento atractivo pero poco mordaz ni incisivo, una ocasión perdida para colocarnos frente al espejo y hacernos reflexionar sobre educación, cultura y relaciones sociales.

5 METROS CUADRADOS Denuncia social poco incisiva

España 2011 91 min.

Dirección Max Lemcke Guión Pablo y Daniel Remón Fotografía José David Montero Música Fernando Velázquez Intérpretes Fernando Tejero, Malena Alterio, Manuel Morón, Emilio Gutiérrez Caba, Secun de la Rosa, Jorge Bosch Estreno en España 11 noviembre 2011

Muy mal debió estar el nivel del pasado Festival de Cine Español de Málaga para que una peliculita como ésta se hiciera nada más y nada menos que con cinco premios importantes: Mejor película, actor (un espléndido, hay que reconocerlo, Fernando Tejero), actor secundario (Jorge Bosch, éste más discutible), guión (cortito) y Premio de la Crítica. Ha pasado más de medio siglo desde que Marco Ferreri, con la ayuda de Rafael Azcona y con humor, denunciara en El pisito la dificultad que tenía la clase trabajadora en la España de Franco para comprar un piso. Max Lemcke, interesado en plasmar en celuloide las preocupaciones de la sociedad actual (las prácticas de empresa en Casual Day), dirige esta película en la que los problemas actuales son otros, pero el resultado el mismo. La especulación, la crisis, la estafa y la falta de justicia provocan ahora lo que antes hacía la falta de dinero y de oportunidades. Pero el guión es demasiado endeble, ya que no ofrece nada que no sepamos de antemano, sin arriesgar con una trama ingeniosa, intrigante, capaz de destapar prácticas escandalosas menos divulgadas, o sencillamente de tramar una intriga emocionante alrededor de un drama que han sufrido muchos y muchas compatriotas. Film por lo tanto discreto, en forma y contenido, con buenas interpretaciones y con poco presupuesto para el apartado musical, debiendo el internacional Fernando Velázquez conformarse con un órgano Hammond para dar forma a su, por otro lado, poco afortunada partitura, con temas poco o nada adecuados para las secuencias que acompañan.

DETRÁS DE LAS PAREDES y detrás de la cámara, ¿hay alguien?

Título original: Dream House

USA 2011 92 min.

Dirección Jim Sheridan Guión David Loucka Fotografía Caleb Deschanel Música John Debney Intérpretes Daniel Craig, Naomi Watts, Rachel Weisz, Marton Csokas, Elias Koteas, Jane Alexander, Taylor Geare, Claire Geare Estreno en España  noviembre 2011

Resulta impensable que el responsable de títulos tan dignos como Mi pie izquierdo o En el nombre del padre sea capaz ahora de perpetrar un engendro tan infumable como éste, aunque su anterior film resultase una pobre y poco convincente adaptación del film danés Brothers que dirigiera Susanne Bier. El guión firmado por el autor de libretos de tan poca categoría como Eddie (con Whoopi Goldberg) o Una pandilla de lunáticos (con Michael Keaton) es un auténtico despropósito. Una historia que no se decide si deambular por el cine de terror, el melodrama familiar o el criminal, y que conforme avanza no hace sino empeorar con sus absurdos y mal hilvanados giros argumentales, uno de los cuales, a poco que se haya visto el tráiler, se espera. Los solventes intérpretes hacen lo que pueden, pero el material es muy endeble y la dirección desganada y desmotivada. Problemas con la productora hicieron que Sheridan intentase quitar su nombre de los créditos y que el elenco se negara a promocionarla, aunque más bien que uno y otros sintieron vergüenza de participar en uno de los peores films del año.

Tema principal de la banda sonora de la película compuesta por John Debney

ANONYMOUS Apasionante intriga histórica

Reino Unido-Alemania 2011 132 min.

Dirección Roland Emmerich Guión John Orloff Fotografía Anna J. Foerster Música Harald Kloser y Thomas Wander Intérpretes Rhys Ifans, Vanesa Redgrave, David Thewlis, Xavier Samuel, Sebastian Armesto, Joely Richardson, Rafe Spall, Edward Hogg, Jamie Campbell Coger, Sam Reid, Derek Jacobi Estreno en España el 11 de noviembre de 2011

Roland Emmerich abandona, al menos momentáneamente, la destrucción masiva del Mundo (Independence Day, El día de mañana, 2012) para embarcarse en el drama histórico, aunque sin dejar de lado la fantasía. Y es que elucubrar sobre la autoría de las obras de Shakespeare, algo que ya apuntaban personalidades del prestigio de Mark Twain o Sigmund Freud, no deja de pertenecer al género fantástico. Pero si se hace sobre la base de un guión tan espléndido y bien urdido como del de John Orloff, autor de la serie de televisión Hermanos de sangre o la cinta de Michael Winterbottom Un corazón invencible, y cuenta con una realización tan sobria y convencida como la del director alemán, la plausibilidad surge desde el primer momento. Poco se sabe de la biografía del genial autor de Stratford-upon-Avon, y eso abre el camino a la especulación, lo que unido al elevado nivel intelectual de su legado, propio de alguien exquisitamente ilustrado, como se supone lo era el Conde de Oxford, Edward de Vere, a quien en esta intriga histórica se le atribuyen los extraordinarios versos shakespearianos, logran que la trama sea convincente y enseguida veamos al venerado autor como se le presenta, un mediocre actor pendenciero y chabacano. La habilidad del guionista y el realizador hacen que la combinación entre las obras teatrales representadas en el Globe Theatre y las intrigas y artimañas que sobre la sucesión de Isabel I se urdieron a finales del siglo XVI, con protagonistas como el Conde de Essex, sirvan como justificante y parámetro sobre el que edificar esta inteligente, intrincada pero muy bien contada intriga política. A nivel interpretativo el film ofrece un excelente nivel actoral, con una mención muy especial al emocionante prólogo y epílogo protagonizado por Derek Jacobi, la magnífica caracterización de Isabel I de Inglaterra, con Vanesa Redgrave y su hija Joely Richardson en su vertiente más joven, y sobre todo el extraordinario trabajo del siniestro y a la vez bufonesco Edward Hogg incorporando al  consejero de la reina Robert Cecil. Ni que decir tiene que la ambientación es excelente y la puesta en escena meticulosa y preciosista. Antes Emmerich sólo había abordado el drama histórico en El patriota, pero en esta ocasión la jugada le ha salido mucho mejor y el resultado es bastante más emocionante.

"Play After Play" es uno de los temas compuestos por Harald Kloser y Thomas Wander que integran la banda sonora de la película

MELANCOLÍA La incapacidad del Hombre para asumir su posición en la Naturaleza

Título original: Melancholia
Dinamarca-Suecia-Alemania-Italia-Francia 2011 139 min.
Guión y dirección Lars von Trier Fotografía Manuel Alberto Claro Intérpretes Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, John Hurt, Alexander Skarsgard, Jesper Christensen, Udo Kier, Stellan Skarsgard, Brady Corbet, Cameron Spurr Estreno en España 4 noviembre 2011

La melancolía es un estado de ánimo por el cual se siente una profunda tristeza que te hace incapaz de disfrutar de la vida. Por eso quizás el personaje por el que Kirsten Dunst ganó el premio a la mejor actriz en el pasado Festival de Cannes, y que originalmente fue concebido para Penélope Cruz, que decidió embarcarse en otros proyectos más lucrativos, siente una enorme apatía en su propia boda, y por eso un planeta con el nombre de la patología se abalanza contra la Tierra para provocar la destrucción de toda vida sobre ella. Un prólogo preciosista, con imágenes oníricas deudoras del arte de la videocreación, ilustradas muy significativamente con el preludio de Tristán e Isolda de Wagner, y dos partes muy diferenciadas conforman este nuevo trabajo del director Lars von Trier, con el que se reafirma en su condición de perfecto realizador nórdico redentor en la línea de un Dreyer y dramático al estilo Bergman. Se trata en cierto modo de su obra más pictórica, evidente en el retrato de la protagonista como una Ophelia de John Everett Millais, o en su imagen tendida desnuda bajo la luz del planeta que pondrá fin a todas las banalidades de los humanos. En su primera parte la protagonista experimenta una progresiva degradación psicológica y moral cuando comprende, merced a la visión del planeta presuntamente hostil, que el mundo que le rodea es superficial y banal, ridículo y egoísta. Los invitados a su celebración representan lo más bajo y ruin de la condición humana, y para ello Trier se rodea de un lujoso y espectacular elenco, incluyendo al hijo, Alexander Skarsgard (True Blood, Perros de paja), de uno de sus actores fetiches, también presente en la cinta. Lástima que el realizador se empeñe en esta orgía de falsa felicidad conducida por la voluntariosa y más tarde desesperada hermana del personaje central, una espléndida Charlote Gainsbourg, con cámara fatigosa en mano y un uso de los tiempos muy caprichoso. Incomoda y desorienta esta tendencia al exceso, al montaje frenético y al empeño de epatar a toda costa. Las cosas cambian radicalmente en una segunda parte mucho más sosegada, ilustrada siempre por la famosa página wagneriana, en la que asistimos a la desesperanza absoluta, a la resignación frente a lo inevitable, al cataclismo absoluto que pondrá fin a la incapacidad del Hombre para asumir su verdadera posición en la Naturaleza. Es en este sentido en el que la música de Wagner cobra todo su significado, merced al empeño del autor por plasmar en sus óperas la lucha de la Naturaleza en un entorno dominado por el Hombre y condenado a la devastación, aunque sea en la tetralogía del anillo, y no en el romántico Tristán e Isolda, donde esa inquietud se plasme con más transparencia y claridad. En definitiva, el hombre es cretino por naturaleza y sólo la devastación podrá redimirle, lo que confirma la tendencia teológica del realizador.

El Preludio al Acto III de "Tristán e Isolda" de Richard Wagner, aquí en una interpretación de Daniel Barenboim frente a la Orquesta de París, ilustra los títulos de crédito finales de esta película