EN MAR ABIERTO Entretenido híbrido entre Aeropuerto y Tiburón

Título original: Deep Water
USA-España-Nueva Zelanda-China 2026 110 min.
Dirección Renny Harlin Guion Shayne Armstrong, S.P. Krause, Peter Bridges, Damien Power, John Kim, Dan Luo y Jianye Sun Fotografía DJ Stipsen Música Fernando Velázquez Intérpretes Aaron Eckhart, Ben Kingsley, Angus Sampson, Lucy Barrett, Richard Crouchley, Molly Belle Wright, Wenhan Li, Rosie Simei Zhao, Nashi, Lakota Johnson, Mark Hadlow, Rarmian Newton, Madeleine West, Rob Kipa-Williams, Kelly Gale, Ryan Brown, Kate Fitzpatrick, Elijah Tamati Estreno en Estados Unidos 1 mayo 2026; en España 7 agosto 2026 En casa V.O. (jueves 6)

Llama la atención cómo se ensañan los medios locales con esta eficaz y entretenida película, cuando se nota el enorme esfuerzo de producción española, rodaje en Canarias y equipo potente de efectos visuales incluidos. Suele ser una constante echar por tierra lo nuestro y ensalzar lo de fuera, sobre todo cuando se trata de cine de evasión sin más pretensiones. Es cierto que una nómina de siete guionistas, cuatro principales y otros tres encargados de adaptar los diálogos al chino, le viene grande a un libreto bastante básico, cuya única habilidad es combinar todas las constantes del cine de catástrofes clásico que conoció su mejor época en la década de los setenta. A esto hay que añadir algunos avisos fundamentales de la seguridad aeronáutica y del civismo en general. Encontramos en esta nueva película del veterano Renny Harlin reminiscencias de Aeropuerto (una bomba en el avión, esta vez en forma de artilugio tecnológico), Aeropuerto 77 (avión perdido en el océano), La aventura del Poseidón (largas travesías submarinas y complicados recorridos reversos), así como de Tiburón, en su día catalogado también como cine de catástrofes. Un híbrido que Harlin resuelve con pericia y sentido de la tensión dramática.

El director finlandés conoció buenos tiempos al principio de su carrera, cuando dirigió la cuarta entrega de Pesadilla en Elm Street, la segunda de La jungla de cristal y la trepidante Máximo riesgo a mayor gloria de Sylvester Stallone. Fracasó estrepitosamente cuando dirigió a su entonces esposa, Geena Davis, en una de corsarios, La isla de las cabezas cortadas, y se atrevió por primera vez con los tiburones en Deep Blue Sea. Pasaron entonces varios años entregado a productos irrelevantes, tanto que muchos creyeron que había desaparecido del panorama cinematográfico, hasta que la trilogía Strangers, de la que queda por estrenar el capítulo final, lo devolvió a una línea más visible, a pesar de la escasa entidad del producto. En esta producción multinacional se dan todos los tópicos y constantes del género, destacando un accidente rodado con todos los detalles posibles y un resultado técnico sobresaliente, algo sorprendente teniendo en cuenta lo acostumbrados que estamos a estas alturas a este tipo de efectismos. Sólo falta para asemejarse a aquel cine setentero un reparto de estrellas crepusculares, porque personajes y peripecias particulares no le faltan, incluida la inevitable niña repelente.

En el apartado musical, resulta irónico que Fernando Velázquez, traicionado por J.A. Bayona en La sociedad de las nieves, en favor de Michael Giacchino, consiga quitarse la espinita al menos un poquito, poniendo música a este otro espectacular accidente aéreo, en muchos aspectos parecido al de la película del director de Lo imposible. Por otro lado, imaginen que siendo la orquesta elegida para interpretar la música de Velázquez la de Extremadura, cuando su formación habitual era la del País Vasco, aunque ya ha dirigido este conjunto en otras bandas sonoras como La contadora de películas, así como en diversas giras cinematográficas, el resultado de esta gestión fuera mérito de David Sánchez.

TAL VEZ Un despropósito con ínfulas de autoría

España 2026 116 min.
Guion y dirección Arima León Fotografía Carolina Maltese Música Celia Rivero Intérpretes Adriana Ugarte, Tania Santana, Salva Reina, Antonia San Juan, Maykol Hernández, Aitor Luna, Andrea Zoghbi, Ruth Sánchez, María Sabaté, Lea Marks, María Isabel Díaz Lago, Lucifer Rodríguez Estreno 10 julio 2026

Planteada como una libre recreación de la presunta relación romántico sentimental entre la célebre trapecista Pinito del Oro y su frustrada biógrafa Natalia Sosa, la película desaprovecha todas las posibilidades del material de partida, debido fundamentalmente a un desarrollo dramático lleno de lagunas y despropósitos, así como evidenciando una falta de medios que convierte los últimos años laborales de la homenajeada en una desgracia descomunal, enterrada en un circo de tercera categoría en lugar del Price que le dio el merecido y emotivo adiós. Nada hace justicia aquí a quien llegó a ser tan popular internacionalmente que incluso dobló a Gina Lollobrigida en las escenas acrobáticas de la película Trapecio de Carol Reed.

El único glamour que transmite la película se lo debemos a la presencia de una Adriana Ugarte espléndida, radiante, que paradójicamente llegó al proyecto de rebote, cuando Marta Viera se apeó de él. Todo sin embargo, incluida la guardarropía, huele a naftalina, mientras el drama avanza a duras penas y sin más interés que dar trabajo a un puñado de solventes actores y actrices canarios, tierra de donde era la artista y la debutante directora, Arima León. No sirve ni como alegato a una época de represión en la que exhibir la homosexualidad era un atrevimiento heroico, dada la libertad y naturalidad con la que se expone la situación en el entorno familiar de la escritora y laboral de la trapecista.

Premiosa y aburrida, abandona su tesis romántica a una relación epistolar, si bien sólo las cartas de la escritora y poetisa se han hecho públicas, sin que al parecer Pinito del Oro revelase las suyas, lo que deja todo en una incógnita considerable. El irritante tramo final acaba por cargarse el trabajo del todo, cuando una anciana Natalia Sosa se entrega a un juego de la memoria de tintes oníricos, sospechosamente cerca de los biopics de Pablo Larraín, pero sin su talento ni creatividad.

VIAJE AL MUNDO DE LOS BLANCOS Un testimonio imprescindible y sobrecogedor

Título original: Viatge al país dels blancs
España-Francia 2026 110 min.
Dirección Dani Sancho Guion Guillem Clua, según el libro de Ousman Umar Fotografía Lluís Ferrer Calafell y Marcel Pascual Música Laetitia Pansanel-Garric Intérpretes Benjamin Bakraba, Ousman Umar, Emma Vilarasau, Jordi Bosch, John Amissah Borkey, Justino Mendes, Esterlina Edjang, Elisabet Assens, Edgar Moreno Estreno en el Festival de Málaga 9 marzo 2026; en salas 26 junio 2026

Ousman Umar dejó su tierra natal, Ghana, cuando tenía doce años. Durante un rocambolesco viaje de cinco años, cruzó el desierto a pie y el mar en patera, perdiendo por el camino a varios compañeros de viaje, hasta que alcanzó las costas canarias, y de ahí fue derivado a Barcelona por decisión propia, con la documentación necesaria para empadronarse y disfrutar así de derechos como la educación o la asistencia sanitaria. Plasmó su odisea en un libro que ahora se ha convertido en película de la mano del hasta ahora documentalista de controvertido nombre Dani Sancho. Con el entusiasmo propio de un debutante, pero un rigor no tan al alcance de principiantes, Sancho ha logrado una emotiva y necesaria crónica que destaca por varios motivos. Huye del sentimentalismo barato para centrarse en la emoción merecida y sincera, contando para ello con unas sorprendentes interpretaciones, no ya de consagradas artistas como Emma Vilarasau, sino incluso de primerizos como el joven Benjamin Bakraba y el propio Umar, que interpretan el mismo personaje en edades diferentes.

Destacan también las motivaciones del joven Umar, centradas en la curiosidad y la inquietud por conocer mundo y aprender, más que en la mera necesidad de supervivencia, lo que justifica la felicidad infantil junto al inseparable amigo Musa. Umar logró no sólo asentarse en nuestro país, sino fundar y presidir Nasco Feeding Minds, una organización no gubernamental sin ayuda institucional, que impulsa la educación digital y el talento joven en África. Una forma de erradicar la pobreza desde la raíz, lo que nos indica la importancia de colaborar en ese ciclo de progreso, confiar e invertir en educación, y mejorar nuestra propia civilización. Un testimonio, por lo tanto, que choca diametralmente con las nuevas políticas que amenazan con cerrar puertas al inmigrante, y con ello a la convivencia, el enriquecimiento y la humanidad. Testimonio por lo tanto imprescindible que sirve, además, para reflejar los adelantos experimentados en nuestro país gracias a gobiernos progresistas que han demostrado una calidad sentimental y humana hasta hace poco inéditas en un sistema todavía a rastras con una dictadura criminal e infame, objeto hoy de una inexplicable nostalgia en ciertos sectores.

El componente humano reflejado en instituciones que facilitan la integración, un funcionariado a menudo empático y una enorme calidad sentimental en parte de la ciudadanía, encuentra su lugar en esta emotiva película, cuya dificultad técnica y complejidad en el manejo de recursos, resulta impensable para un casi novel. También su sencilla pero eficiente banda sonora, destaca en un conjunto preciso y esmerado, que no busca, como en otras ocasiones, el horror y el rechazo, pero en cambio logra la empatía, la solidaridad y, sobre todo, la tan necesaria concienciación. Todo esto además de unas formas cinematográficas esmeradas y una narrativa muy fluida y elocuente.

DOS PELÍCULAS MÁS DEL FESTIVAL DE SEVILLA QUE NO SE ESTRENAN AQUÍ

A lo largo de los años son muchas las películas que pasan por el Festival de Cine Europeo de Sevilla y después no encuentran espacio en la ciudad cuando se estrenan en todo el país. Otro ejemplo más de graves deficiencias en nuestra gestión cultural.

Es el caso de estas dos películas que se han estrenado este fin de semana, con cuyas reseñas correspondientes os dejamos:

Caso 137

Bajo el mismo sol

VIVA A golpe de ocurrencias

España 2026 112 min.
Dirección Aina Clotet Guion Valentina Viso y Aina Clotet Fotografía Nilo Mur Música Clara Aguilar Intérpretes Aina Clotet, Marc Soler, Naby Dakhli, Llol Beltrán, Guillermo Toledo, Zaira Pérez, Xavi Daura, Josh Zuckerman, Sau-Ching Wong, Laura Conejero Estreno en el Festival de Cannes 14 mayo 2026; en salas 19 junio 2026

Hace un mes la actriz y realizadora Aina Clotet recibió un destacado premio en el Festival de Cannes, el de estrella emergente de la Fundación Louis Roederer, que se entrega en la Semana de la Crítica. Esto ha potenciado nuestra necesidad de enfrentarnos al particular universo de esta inquieta cineasta, curtida sobre todo como actriz, pero que ha hecho sus pinitos como directora de cortos y, en especial, de la serie Esto no es Suecia, estrenada hace dos años y medio en RTVE Play. Ambientada en una distopía que toma como referente un acuciante cambio climático que reduce a una sequía interminable nuestra aventura en la Tierra, a la vez que un equipo científico en el que su personaje milita, investiga sobre la posibilidad de llegar a los ciento veinte años con buena calidad de vida, lo que sin duda constituye toda una contradicción. Pero no tanto como el hecho de que ella se debata entre la vida y la muerte tras haber superado un cáncer de mama y negarse a someterse a nuevas pruebas para dilucidar si el mal ha desaparecido del todo. Ella prefiere afrontar su futuro entregándose a una alegría de vivir sin límites, que en realidad trata de vivir el amor y la sexualidad a sus anchas, entregándose en cuerpo y alma a un seductor joven bailarín, sin ninguna contemplación hacia quienes de verdad la quieren, especialmente una pareja que parece haberlo abandonado todo por su amor incondicional a la madura protagonista.

En este contexto, Clotet se entrega a un experimento de cine libre y desprejuiciado, sin juzgar su personaje pero tampoco enaltecerlo, principal virtud de una cinta que, sin embargo y precisamente por ello, nos presenta un personaje casi sin sustancia, incapaz de empatizar con su entorno sentimental, haciendo y deshaciendo a su antojo. Todo ello siguiendo una ruta impulsada por las innumerables ocurrencias que jalonan su libreto, a medio camino entre el drama y la comedia, con más atención a la segunda, pero sin la gracia ni el desparpajo que se le supone.

Construida en torno a ella como actriz decidida a desnudarse literal y emocionalmente, pero sin que su entrega llegue a calar en profundidad, como parece pretender. Su ambiente decididamente cosmopolita se traduce, entre otras cosas, en el uso de diversas lenguas, castellano, francés, inglés y, sobre todo, catalán, así como una diversidad de espacios entre urbanos (viaje incluido) y rurales, mientras se nos escapa la intención de poblar sus áridas tierras de repelentes insectos, quién sabe si quizás como símbolo de la propia mezquindad de su personaje, aunque ésta sea nuestra conclusión, seguramente no la de su premiada responsable.

IVÁN & HADOUM Amar a una persona

España-Alemania-Bélgica 2026 101 min.
Dirección Ian de la Rosa Guion Ian de la Rosa y Diego Vega Fotografía Beatriz Sastre Intérpretes Silver Chicón, Herminia Loh, Úrsula Díaz Manzano, Esperanza Guardado, Cisco Lara, Nico Montoya Estreno en el Festival de Berlín 13 febrero 2026; en salas 12 junio 2026

En su todavía escueto currículo, el granadino Ian de la Rosa ha tocado fundamentalmente el tema que más le interesa y con el que se siente más identificado, la cuestión de transgénero. Tras un par de cortos y la escritura de guiones para series como La chica invisible, Vestidas de azul o Veneno, debuta en la dirección de largometrajes con este multipremiado trabajo, Teddy en Berlín y premios Especial del Jurado y al mejor guion en Málaga. Se trata de un film cálido y cándido, ambientado en los invernaderos almerienses, donde la atracción entre un chico trans y una joven de origen marroquí genera una serie de problemas, mayoritariamente de índole laboral. Afortunadamente, la cuestión de género ha sido prácticamente superada, de forma que el protagonista vive absolutamente integrado en sociedad, salvo algún detalle aislado, mientras son las dificultades derivadas del trabajo, incluidos los consabidos prejuicios frente al sindicalismo y, en menor medida, la inmigración, los que se erigen en motor de una trama en la que la magnífica definición de los personajes y el extraordinario trabajo respecto a la cuestión de la diferencia, van marcando la senda de una historia tan bien construida como interpretada.

Siguiendo el tratamiento estético y narrativo propio de ese hiperrealismo que caracteriza este tipo de trabajos, y que una vez más entronca con aquellos Vivir cada día que disfrutábamos a principios de la transición política, de la Rosa logra una película llena de encanto y ternura, sin las salidas de tono y la exagerada tensión con la que otros tratan temas que podrían considerarse en principio espinosos. Se permite además un par de secuencias estéticamente muy creativas, embelleciendo aún más una relación romántica en la que la fisicidad juega un papel importante, revelando un autor atrevido y con ideas muy claras. 

Resulta especialmente signifcativa la habilidad con la que de la Rosa y Silver consiguen plasmar la necesidad que cada uno y una tiene de sentirse a gusto con su cuerpo y su identidad, más allá de las dificultades y el dolor que tal decisión pueda originar. De este modo, en el apartado estrictamente interpretativo, sorprende cómo los debutantes Silver Chicón y Herminia Loh glosan sus trabajos y les confieren toda la sinceridad y la expresividad que exigen, todo en un contexto que el director ha sabido plasmar en toda su plenitud y con la convicción de quien conoce bien el tema y se siente tan apegado a él, lográndose así un trabajo con mucha sensibilidad.

LA LUZ Más allá del arrepentimiento

España 2026 118 min.
Guion y dirección Fernando Franco Fotografía Santiago Racaj Música Maite Arroitajauregi Intérpretes Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana, Luis Callejo, Ramón Barea, Pablo Gómez-Pando, Nacho Sánchez, Santiago Mayorga, Antonio Zafra, Itziar Aizpuru Estreno 5 junio 2026

Asistimos estos días estupefactos a las exacerbadas muestras de cariño a un Papa de recorrido todavía muy breve, al que tantos confían sus bebés para que los bendiga, muchos de los cuales, si no se pone remedio definitivamente a esta lacra, podrían acabar siendo víctimas de los abusos sexuales de la Iglesia Católica, sobre la que el pontífice apenas se ha referido de manera tímida y velada, mientras sólo se ha reunido con un par de asociaciones de víctimas, por cierto las más domesticadas por la propia institución, mientras ha despreciado por supuesta falta de tiempo en tan apretada agenda, al resto, muy indignados. Este es el panorama que vivimos en un país presuntamente laico y aconfesional, que sin embargo ha puesto toda la carne en el asador para agasajar al Papa y sus fanáticos feligreses, tan responsables como el que más del dolor y el sufrimiento que millones de niños y niñas han sufrido en manos de aquéllos a los que la institución ha obligado a un absurdo celibato. Observamos que el drama se repite de manera idéntica en todos los países, gracias al bendito cine que tanta mella hace en nuestro ánimo. Basta recordar la estupenda Spotlight para encontrar más puntos en contacto que diferencias con esta nueva película del sevillano Fernando Franco. Pero es que también El club de Pablo Larráin muestra cuestiones que surgen también aquí, y comprobamos así que el modus operandi es calcado en unos y otros países, y que la protección al delincuente ha sido inversamente proporcional a la dispensada a las víctimas, muchas de las cuales han quedado marcadas para toda la vida, si no la han perdido en el intento de sobrevivir al horror y la incomprensión.

En este contexto de amargura se mueve la nueva película del director de La herida, La consagración de la primavera y Subsuelo. Decidido a escarbar en algunas de las miserias más absolutas del ser humano, le toca el turno a esta vergüenza que no merecería más que el desprecio absoluto y la desconfianza total frente a quienes se erigen en líderes de nuestra espiritualidad. Y para eso fija su atención en un sacerdote abusador que, en vísperas de soltar el hábito y rehacer su vida junto a un joven amante inmigrante, descubre que sus crímenes del pasado le van a pasar cuenta ahora que la Iglesia se ve obligada a hacer el paripé de turno.

Le presta rostro un Alberto San Juan en posición algo impostada, seguramente por la convicción de que está interpretando a alguien que interpreta, por lo que de continuo muestra gesto de estupefacción frente a denuncias y reproches. Hay quien ve en su peregrinaje por instancias eclesiásticas y víctimas denunciantes, un particular vía crucis, pero nosotros preferimos ver una estructura narrativa precisa y muy bien articulada, en torno a un guion modélico y unas interpretaciones muy logradas. Lástima que su carácter obligadamente didáctico y su diatriba esperanzadora, esa luz que el propio título promete, se extinga y malogre debido a un final tan poco adecuado, tan equivocado, aunque en él se haga hincapié en esa feligresía tan responsable como la propia institución que para tantos ha sido un verdadero infierno. Claro que se trata de una luz, como tantas otras, que se extingue antes de tiempo, dando paso a quienes representan lo peor de la especie humana, a la espera de que vuelvan, en su vocación cíclica, a convertirse sólo en un mal recuerdo.

LA SILLA Un thriller asfixiante pero imperfecto

España 2026 76 min.
Guion y dirección Ángel de la Cruz Fotografía Christos Voudouris Música Tomás Barreiro y Jesús Martín Fernández Intérpretes Jaime Lorente, Christina Ochoa, Eva Rufo, Rodrigo Poisón, Alba de la Fuente, Estíbaliz Veiga, Santiago Molero, Marcelo Carvajal, Marta Fuenar, Pedro Martell, Gabriel Álvarez, Iñaki y Daniel Urriza Estreno 29 mayo 2026

La filmografía de Antonio de la Cruz es curiosa y variopinta. Tras escribir el guion de tres conocidas películas de animación, El bosque animado (también codirigida por él), Arrugas y Memorias de un hombre en pijama, debutó en la dirección en solitario con un melodrama de corte social, O home e o can, y ahora prueba suerte en el thriller con estilo, sin disimular para nada su admiración por Hitchcock, patente ya desde los títulos de crédito, con un doble volumen literario dedicado al maestro del suspense sobre la mesa del escritor protagonista. Jaime Lorente, con su proverbial versatilidad y un físico tan apropiado para personajes de hombre duro y machacado por su condición de clase, así como para deportistas y aventureros, es ese escritor con ínfulas de Stephen King, cuyos libros atesoran éxitos y poseen la capacidad de influir sobre los lectores más jóvenes y emocionables.

De la Cruz en la dirección y Lorente en la interpretación, tan física como intelectual, ponen toda la carne en el asador para lograr un film de ambiente irrespirable y tensión in crescendo, aunque para ello se tomen su tiempo en un comienzo dilatado y moderado a pesar de su corto metraje. Sin embargo, pronto se atisba su artificiosidad cuando para progresar en una trama de inspirado arranque, se suceden episodios tan casuales como atropellados para que el conjunto disfrute de los giros habituales del género, aunque argumentalmente poco o nada aporten a su sustancia. En este sentido, la tragedia del principio o la habitual infidelidad apenas proporcionan fuelle a la empresa, si no es para generar cierto sentido de cuento moralizante con castigo incluido.

Bien la recreación de ambiente y espacio, y muy bien la atención a los detalles, especialmente los escatológicos que tanto se obvian y que aquí colaboran en dar naturalidad y credibilidad a la trama. Pero mal el uso a veces indiscriminado y fuera de lugar de la banda sonora. Lorente se esfuerza con un trabajo agotador, y triunfa, mientras el director demuestra pericia, pero el conjunto exhibe una diatriba a menudo forzada que, dada su escasa duración, genera dudas sobre la habilidad de un producto que acaba así revelándose imperfecto, algo que Hitchcock nunca se hubiera pedonado.

A LA CARA Gestión del dolor en compañía

España-Bélgica 2025 95 min.
Dirección Javier Marco Guion Javier Marco y Belén Sánchez-Arévalo Fotografía Anna Franquesa Solano Música Margaret Hermant Intérpretes Manolo Solo, Sonia Almarcha, Roberto Álamo, Elena Zumel, Marco Zorrilla, Rulo Pardo, Dani Pérez Prada Estreno en el Festival de Gijón 17 noviembre 2025; en salas 29 mayo 2026

Antes de dirigir a Emma Suárez y Roberto Álamo en la emotiva y sentimental Josefina, Javier Marco ganó un Goya por el cortometraje que ahora desarrolla junto a los dos mismos protagonistas, Manolo Solo y Sonia Almarcha. Propone una radiografía de la cobardía de los haters que, enmascarados en el anonimato que les proporciona internet, se dedican a insultar y despotricar contra famosos cuyas vidas y circunstancias ni conocen ni les interesa. Solo, con su habitual sobriedad y expresiva mirada, es ese hombre al que un día le visita su víctima, una famosa presentadora de televisión de ideas presuntamente polémicas, que en plena crisis personal y sentimental, aprovecha la puesta en alquiler de una habitación del chalé en el que habita él, para exigir que rinda cuentas de sus palabras y hechos.

El reto acaba convirtiéndose en una incómoda convivencia para él y un refugio ante la desesperada huida al que se ve abocada ella. Mientras tanto, la precisa y solemne dirección de Marco y la concisa dramaturgia de Belén Sánchez-Arévalo, que nada tiene que ver con Daniel, colocan frente a frente a dos personas que pronto se revelan heridas, en permanente duelo y con un sentido de la responsabilidad que les hunde y desespera. Todo ello haciendo acopio de paciencia, procurando llenar supuestos huecos narrativos con una elocuencia del silencio y la mirada que desarma, aunque a menudo no sepamos muy bien por qué dirimen su dolor de la manera en que lo hacen, y lo que es peor, en qué consiste exactamente el dolor del hombre, pues el de ella queda perfectamente claro desde el principio, aunque no tanto así su manera de gestionarlo.

Queda por lo tanto una película interesante y hasta cierto punto inquietante, pero imperfecta en sus cometidos e imprecisa en sus objetivos, no obstante el extraordinario esfuerzo interpretativo de su pareja protagonista. Se agradece que abra su espacio ambiental respecto al cortometraje de referencia, así como una galería de personajes que sirven al menos para aliviar la incomodidad que se produce entre sus dos personajes principales. 

CORREDORA Entre el deporte y la psicopatía

España 2026 96 min.
Dirección Laura García Alonso Guion Laura García Alonso y Pol Cortecans Fotografía Gina Ferrer Música Susana Hernández “Ylia” Intérpretes Alba Sáez, Marina Salas, Álex Brendemühl, Claudia Gallego, Albert Ruiz, Jordi Farrés, Marta Bessa Estreno en el Festival de Málaga 6 marzo 2026; en salas 29 mayo 2026

El deporte sirve a la joven directora Laura García Alonso como detonante para una enfermedad mental, convirtiendo esta película en un híbrido ensayista sobre el esfuerzo titánico que hay que hacer para destacar en cualquier faceta de la vida, a la vez que una llamada de atención sobre la inestabilidad emocional que se sufre por herencia y que exige la mayor de las atenciones por parte de quienes rodean al o la paciente. Un tema, como se puede observar, muy maduro y delicado para un debut, sobre todo cuando quien lo plantea es tan joven. Claro que, al margen de haber realizado varios cortometrajes y la serie de televisión Asfalto, García Alonso ha sido asistente de dirección en varios reconocidos largometrajes, entre ellos Julieta y su debut absoluto Los inocentes. Todo esto quizás le da riendas suficientes para encarar con tanta sobriedad y destreza el drama que sufre un importante porcentaje de población, ese brote psicótico que asoma cuando se enciende la mecha. Un detonante que bien puede ser un trauma, un dolor, un sufrimiento insoportable o, como es el caso, un reto asfixiante, el objetivo que marca una existencia.

Es lo que le ocurre al personaje interpretado por la también debutante Alba Sáez, cuya exigencia consigo misma para ganar el campeonato de España de atletismo en la modalidad de corredora de fondo, le lleva a destapar una patología que le persigue desde el nacimiento, pero sin graves consecuencias hasta que tal nivel de exigencia lo descubre. Puede que sea el signo de los tiempos, que nos lleva a tomarnos la vida como un reto permanente, una autoexigencia que acaba en destrucción sino se toman las medidas pertinentes. Pero el film de García Alonso es también una crónica tierna y distendida sobre el amor fraternal, cómo el apoyo y el seguimiento son fundamentales para la sanación, y en este sentido Marina Salas, a quien hace poco veíamos en un papel diametralmente opuesto, pérfido y desquiciado, en Caminando con el diablo, hace un trabajo espléndido como hermana entre la comprensión y el desconcierto, pero siempre ahí, ayudando y tendiendo la mano que, a veces en contra de su propia voluntad, lleva a una catarsis fundamental para superar tan grave crisis.

Puede que, en el lado negativo, la directora y guionista se tome algo a la ligera la enfermedad, que asoma cuando conviene, despreciando un camino aún más tortuoso para quien la sufre y quienes le rodean, y que genera habitualmente consecuencias más desastrosas e irreversibles. En este sentido, parece deambular cierto desprecio por la terapia narcótica que resulta ajena a una realidad que exige lamentablemente la intervención de fármacos para superarla, no basta la voluntad. Con todo, se trata de un film necesario, sólido y contundente, que mereció en la pasada edición del Festival de Málaga el premio Asecan a la mejor ópera prima.

YO NO MORIRÉ DE AMOR Afrontar la adversidad cuando se es muy joven

España-Bélgica 2026 94 min.
Guion y dirección Marta Matute Fotografía Sara Gallego Música Simon Fransquet Intérpretes Júlia Mascort, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weissmahr, Guillermo Benet, Marc Domingo, Daniel Guerro, Fran Cantos, Lorea Intxausti, Sonia Ocampo Estreno en el Festival de Málaga 11 marzo 2026; en salas 8 mayo 2026

Gran triunfadora, precisamente junto a Hangar rojo, de la última edición del Festival de Málaga, donde se alzó con la Biznaga de Oro y los premios de interpretación a la joven debutante Júlia Mascort y al veterano Tomás del Estal, el también debut de la directora madrileña Marta Matute parece basarse, al menos parcialmente, en experiencias propias, como suele ocurrir en óperas primas. Supone el ya habitual ejemplo de doble debut femenino, realizadora y actriz, al que nos tiene acostumbrados y acostumbradas el cine español de los últimos años. En esta ocasión, nos acercamos a través de un análisis quirúrgico y certero al día a día de una familia afectada por la enfermedad degenerativa de la madre, una suerte de mezcla entre alzheimer y parkinson que exige cuidados intensivos y vigilancia permanente. Pero lo hacemos desde la experiencia vital de la hija menor, apenas dieciocho años truncados por una conciencia que, percibimos, se debate entre su anhelo de vida y búsqueda de propia identidad, y esa huida desesperada de una realidad que le supera y trunca sus expectativas vitales y emocionales.

Matute nos cuenta todo esto con una madurez impropia de una primera película, sin subrayados ni necesidad de esa incontinencia verbal con la que otros y otras justifican comportamientos y ademanes. Aquí todo es sutil, dejando al espectador o espectadora que experimente su propia conexión con una realidad que, desgraciadamente, no nos es ajena, ya sea real o en potencia. Lo logra por supuesto con la colaboración fundamental de un cuarteto protagonista excepcional, desde la joven protagonista debutante al padre, prodigio de expresividad sólo con miradas y gestos, pasando por la hermana, una adecuadamente autoritaria Laura Weissmahr en su mejor papel desde aquel Salve María que le reportó el Goya a la mejor actriz revelación, y por supuesto una sensacional Sonia Almarcha que hace acopio de tópicos para, sin embargo, regalarnos una interpretación sincera y mimética que nos hace olvidar a la actriz que incorpora al personaje.

Matute dirige con contención, sin atisbo de sensacionalismo, aunque alguna reiteración dramática se va apoderando de una función que, dentro de su excepcionalidad, no llega a marcar tanto como pretende, si bien deja la huella suficiente como para preocuparnos y concienciarnos sobre una realidad de la que es difícil escapar, pero que con un soplo de esperanza y la ayuda especializada necesaria, irrenunciable y conveniente, se puede llegar a conciliar y superar, con amor, voluntad y, sobre todo, responsabilidad.

LOS JUSTOS Una comedia judicial que no se sostiene

España 2026 89 min.
Guion y dirección Jorge A. Lara y Fer Pérez Fotografía Alfonso Postigo Música Beatriz López-Nogales Intérpretes Carmen Machi, Vito Sanz, Pilar Castro, Marcelo Subiotto, Ane Gabarain, Bruna Cusí, Hugo Welzel, Marina Guerola, Aimar Vega, Felipe Pirazán, Mapi Sagaseta, Mar Isern Estreno en el Festival de Málaga 9 marzo 2026; en salas 30 abril 2026

Decepcionante debut en la dirección de Jorge A. Lara y Fer Pérez, guionistas en conjunto de las olvidables comedias cinematográfica Superagente Makey y televisiva Olmos y Robles, una pareja de ley, y por separado de las desafortunadas adaptaciones de Zipi y Zape al medio y la lamentable Ahora o nunca de María Ripoll (Lara), así como las más estimulantes, al servicio de Paco León, Kiki, el amor se hace y Aída y vuelta (Pérez). Tampoco ahora logran destacar con esta comedia judicial más cerca de la más lograda Bajo terapia de Gerardo Herrero, aunque el fondo sea distinto, que de las referenciales Doce hombres sin piedad en la que parece mirarse como estructura y tour de forcé interpretativo, y Anatomía de un asesinato, a la que cita al comienzo de la función. Porque de eso parece tratarse, sin ser ninguna adaptación, de una obra de teatro sobre nueve desgraciados encargados de dictaminar la culpabilidad o no de un empresario corrupto, y de la facilidad con la que ellos y ellas mismas son susceptibles de ser corrompidas.

Lo que de esta manera debería ser una hábil y sorprendente disquisición sobre la materia, con la tan de actualidad corrupción política en el banquillo, se convierte en tan torpes manos en algo que no se sostiene desde el minuto cero. Empezando por una secretaria judicial que los trata con un injustificado, al menos al principio, desprecio. Pasando por una galería arquetípica de personajes y una fatigosa sucesión de lugares comunes que afianzan el manuscrito como guion de manual, logrando en algunos momentos incluso ruborizarnos, a una ausencia total de ingenio para sorprender con los habituales giros del género.

No hay convicción en lo escrito ni excelencia en lo interpretado, aunque como sentimos cierta devoción por la poco reconocida Pilar Castro, destacamos su elegancia y moderación dentro del conjunto. Ni siquiera llega el esperado golpe de efecto que redima, aunque sólo sea un poco, el desafortunado desaguisado perpetrado por su pareja de directores y guionistas, que incluso evitan desvelarnos qué ocurrió con el anillo del personaje interpretado por Carmen Machi, seguramente porque se olvidaron de él, de la misma forma que hicieron con tantos detalles que hacen aguas y recalcan que aquí poco o nada se sostiene. Curiosamente, su banda sonora coincide con la de otra estrenada la misma semana, La plaga, en el uso exclusivo de la voz humana, en este caso más para ridiculizar que para inquietar.

KRAKEN: EL LIBRO NEGRO DE LAS HORAS Sin garra ni espíritu

España 2026 111 min.
Dirección Manuel Sanabria y Joaquín Llamas Guion Rocío Martínez Llano, Juan Carlos Cueto y Óscar David Gómez, según la novela de Eva García Sáenz de Urturi Fotografía Carlos Pérez Gascó Música Pablo García Lozano Intérpretes Alejo Sauras, Maggie Civantos, Natalia Rodríguez, Aitziber Luma. Martín Urrutia, Ana Gracia, Fernando Soto, Elena Gallardo, Andere Garabieta, Íñigo Gastesi, Ainhoa Aierbe, Olatz Beobide, Isidoro Fernández, Natalia Millán Estreno en el Festival de Málaga 13 marzo 2026; en salas 24 abril 2026

Hasta cinco libros ha escrito hasta el momento Eva García Sáenz de Urturi sobre las andanzas del detective experto en perfiles criminales Unai López de Ayala, alias Kraken, en la ciudad de Vitoria. Con este film son ya dos las adaptaciones cinematográficas de la saga, que amenaza con ir a más. Y lo mismo se puede decir de ésta que de la anterior, El silencio de la ciudad blanca. Igual de bochornosa es. Aquella la dirigió con idéntica torpeza Daniel Calparsoro, mientras de ésta se han hecho cargo Manuel Sanabria y Joaquín Llamas, que tampoco lograron maravillas con la serie de televisión La coleccionista, basada en la película dirigida por el primero y protagonizada por Maggie Civantos, Daniel Grao y Belén López.

Circunscrita al cine negro de crímenes rituales en serie, relacionados con el patrimonio cultural, la cinta adolece de cualquier atisbo de naturalidad, no digamos credibilidad, cuando todo acontece de manera tan impostada, sin fluidez ni convicción. Algo que se atisba incluso en la desgana con la que está interpretada, lo que hace que prácticamente ninguno de sus personajes destaque lo más mínimo, salvo quizás Aitziber Luma, protagonista de una historia paralela del pasado que lidia con monjas perversas y familias ambiciosas, todas y todos crueles al máximo nivel.

La joven debutante está muy por encima de la falta de naturalidad de Maggie Civantos, la falta de relieve de Alejo Sauras, tomando el relevo de Javier Rey, o la artificiosa caracterización de Natalia Rodríguez como detective albina. Previsible y ridícula en cada nuevo giro de guion, aspira al menos a ser entretenida, y puede que en su sucesión de disparates lo consiga, aunque para ello tengamos que pagar el peaje del rubor y la vergüenza ajena. Ni siquiera Vitoria, la emblemática ciudad en la que está rodada y ambientada sale bien parada del conjunto, siempre a oscuras y sin apenas singularidad.

LANDA Entre la admiración y la mirada crítica

España 2026 70 min.
Guion y dirección Gracia Querejeta y Miguel Olid Fotografía Aitor Mendilibar Música Nerea Alberdi Documental Estreno en el Festival de Málaga 13 marzo 2026; en salas 17 abril 2026

Esta poliédrica revisión del trabajo y el talento de uno de los actores españoles más icónicos de todos los tiempos, es el resultado del empeño del sevillano Miguel Olid, ya con una generosa experiencia en el documental con trabajos como Trabajando con la muerte y Summers, el rebelde. Ahora, con el apoyo inestimable de Gracia Querejeta, traza un recorrido escueto y preciso sobre la trayectoria, fundamentalmente profesional, de Alfredo Landa, procurando no caer en el tópico de considerarlo un genio y hacer una caricatura hagiográfica del actor. De esta forma echa mano de los habituales testimonios de familiares, sus hijos Alfredo e Idoia, pero sobre todo de conocidos, allegados y críticos cinematográficos, entre la mirada complaciente de amigo de Miguel Rellán y la más dura de un Antonio Resines que no duda en mostrar su desprecio ante El crack de José Luis Garci, así como por aquel cine del franquismo que no había por dónde cogerlo y del que Landa fue todo un exponente. No en vano, Olid, antes que cineasta ha sido y sigue siendo, crítico de cine.

Olid y Querejeta desarrollan un esfuerzo documentalista considerable, analizando en la medida que su corta duración lo permite, una veintena de sus trabajos, desde los más celebrados de su etapa más comercial y cómica, como Cateto a babor o No desearás al vecino del quinto, hasta sus trabajos más celebrados en democracia, la película de Garci, El bosque animado y Los santos inocentes entre ellos. Procura, a través de intervenciones del actor en televisión y los susodichos testimonios convocados, diseñar una imagen del actor acorde a sus ideales y su temperamento, dejando claro su narcisismo lejos de cualquier humildad, su fuerte carácter y sus rencores hacia quienes no le bailaban el agua. Pero sobre todo destaca su talento como actor de mirada extremadamente expresiva, capaz de abordar cualquier trabajo, aunque su físico le condicionara a interpretar habitualmente una misma tipología de lo que se consideraba peyorativamente el españolito medio.

Puede parecer un trabajo aséptico y previsible, pero denota un esfuerzo detrás de documentación y producción que le otorga un acabado impecable en el que la radiografía humana y sentimental del homenajeado se da la mano perfectamente con su legado artístico, contando para ello con una meticulosa puesta en escena y una adecuada banda sonora para la que no se han escatimado medios. Es evidente que su destino definitivo será la televisión, pero de momento, acercarse al cine, a pesar de su rácana distribución, puede valer la pena, tanto para incondicionales como para críticos del actor, pero sobre todo para analistas de una época que no queremos que se repita. Valga como ejemplo el testimonio de Sacristán, que no duda en pasar por alto las notables dieferencias ideológicas entre él y su amigo Alfredo Landa, apostando por el respeto y el entendimiento en lugar de la crispación y el enfrentamiento que amenaza constantemente nuestra convivencia. 

DECORADO Prisioneros de una realidad calculada

España 2025 89 min.
Dirección Alberto Vázquez Guion Alberto Vázquez y Francesc Xavier Manuel Ruiz Fotografía (animación) Martín Romero Música Joseba Beristain Voces Asier Hormaza, Aintzane Gamiz, Kandido Uranga, Mikel Garmendia, José Felipe Auzmendi, Ander Vildósola, Iñaki Beraetxe Estreno en el Festival de Sitges 11 octubre 2025; en salas 24 octubre 2025; en Movistar Plus+ 24 febrero 2026

El cineasta gallego, animador y autor gráfico, Alberto Vázquez, tiene un estilo visual y narrativo muy personal, especialmente evidente en el tono macabro que suele abundar en sus obras, ganadoras del Goya en cinco ocasiones desde que debutara con el cortometraje Birdboy y mantuviera la racha con el cortometraje Decorado en el que se basa esta película, y los largometrajes Psiconautas, Unicorn Wars y ahora, también, la cinta que comentamos. Insiste en un mundo distópico para denunciar la creciente ola de autoritarismo fascista que asola el planeta, a partir de una fábula en cierto modo deudora de El show de Truman, pero con objetivos e intenciones singulares.

Así, con un líder todo poderoso que encubre bajo un aparente carisma amable y preocupado por el semejante, se articula todo un sistema perfectamente articulado para convertir a la ciudadanía en esclava de sus intereses, bajo una aparente libertad que no lo es en absoluto y que marca el rol que cada uno y una debe mantener en tan preciso entramado social, político y económico. Vamos, la vida misma. Ahí una pareja de ratoncitos vive su particular crisis, que les lleva a descubrir esa verdad encubierta y rebelarse ante la misma, con ayuda de un presunto pirómano al que el propio sistema acaba corrompiendo, el fantasma de un marginado que lucha contra dicho sistema, y el juguete roto en el que se ha convertido una antigua leyenda de la televisión y el cine.

Ahora los dibujos son más luminosos y hasta el límite que se permite su autor, más tiernos. Pero sigue subyaciendo esa visión apocalíptica y amenazante del destino que cuenta con sus adeptos, si bien hay una amplia parte del público que renegará de tan siniestros postulados que hacen de ésta y el resto de la filmografía de Vázquez una auténtica animación adulta. Cuenta de nuevo con la música de Joseba Beristain, contribuyendo con su dominio de la gramática que propone el personal director, a todo ese devastador mundo que exhibe su universo. Su reciente Goya y adhesión a una plataforma digital, nos ha invitado a recuperarla.

A UNA ISLA DE TI Previsible comedia con fondo turístico

España 2026 102 min.
Dirección Alexis Morante Guion Fernando Pérez, Alexis Morante y Paula López Cuervo Fotografía Carlos García de Dios Música Lucas Vidal Intérpretes Freddie Dennis, Jaime Zatarain, Julia Martínez, Toni Acosta, Carlos González, Alba Goya, Leticia Etala, Aïda Ballmann, Horacio Colomé Estreno en el Festival de Málaga 10 marzo 2026; en salas 10 abril 2026

Nacido en Algeciras, Alexis Morante dirigió un documental sobre Camarón y se curtió realizando documentales y video clips para David Bisbal, Bunbury y Héroes del Silencio. En 2022 dio el salto al largometraje con El universo de Óliver, un fallido ejercicio nostálgico de trasplantar la atmósfera del cine juvenil estadounidense y ochentero a nuestra idiosincrasia. Después vino la más lograda ¿Es el enemigo? La película de Gila, que contó con más aprecio de la crítica que del público. Y ahora nos ofrece este viaje turístico a Gran Canaria y Fuerteventura a través de una previsible y condescendiente comedia romántica gay con apenas otros atractivos que los paisajes y la gastronomía de las islas.

Un catálogo de situaciones arquetípicas, enredos incluidos y el siempre socorrido artilugio cómico de puertas que se abren y cierran, se añade a un reparto de personajes aún más tópicos. Un joven inglés, el impersonal y desconocido Freddie Dennis, despechado por las infidelidades de su prometido, la joven canaria que conoció en Londres, una Julia Martínez incómoda en un papel decididamente ñoño, en las antípodas de su inquietante papel en Subsuelo, y el padre de éste, un Jaime Zatarain que resuelve su capacidad de seducción a fuerza de sonrisas y guiños forzados, mientras espera su oportunidad para convertirse en nuevo galán del cine español, conforman el trío protagonista.

A ellos y ella se unen la omnipresente Toni Acosta con sus tretas habituales, Carlos González perpetuando los gestos que ya había ensayado en series como Maricón perdido, y un puñado de personajes prescindibles, algunos y algunas extraídas de la farándula canaria. Se deja ver sin molestar, sobre todo gracias a sus hermosas localizaciones, pero no aporta nada, ni siquiera a nivel meramente lúdico o festivo.

LA BUENA HIJA Una difícil decisión de futuro

España-USA-Bélgica 2025 101 min.
Dirección Júlia de Paz Solvas Guion Júlia de Paz Solvas y Nuria Dunjó Fotografía Sandra Roca Música Natasha Pirard Intérpretes Kiara Arancibia, Janet Novás, Julián Villagrán, Petra Martínez, Anna Cerveró, Tamara Casellas Estreno en el Festival de Málaga 12 marzo 2026; en salas 10 abril 2026

Sorprende que esta dura e irrespirable película no lograra ningún reconocimiento en el recién celebrado Festival de Málaga. La joven cineasta Júlia de Paz Solvas realizó en 2021 Ama, un interesante largometraje sobre la maternidad en solitario cuando apenas se tienen medios para mantenerse, a cuya protagonista, Tamara Casellas, siempre con niña o niño en brazos, hace un guiño en este nuevo trabajo. Ese mismo año realizó el cortometraje Harta, del que La buena hija es ahora su versión alargada y enriquecida. Entre tanto ha colaborado con Alauda Ruiz de Azúa en la creación de la magnífica serie Querer, y ha dirigido junto a Clara Roquet la serie Las largas sombras. No cabe duda de que pertenece, tanto por nacimiento como por círculo de amistades, a la nueva generación de cineastas españolas que tanto están haciendo por visibilizar los problemas que acucian a la mujer, especialmente en relación al machismo imperante.

Una difícil separación conyugal, manchada por una supuesta violencia machista de la que la cinta nunca se hace eco explícito, se erige en telón de fondo de la difícil situación anímica y psicológica que atraviesa su protagonista, una adolescente con problemas de afectividad e identidad frente a la compleja relación de sus padres, aparentemente distanciados por una orden de alejamiento. Su comportamiento en el ámbito educativo, junto a sus amigas y los primeros y tímidos escarceos sexuales, y frente al entorno familiar, es tratado con tanto acierto como delicadeza, mientras cierta sensación de desasosiego se va adueñando no sólo de la joven protagonista, una excelente Kiara Arancibia, sino del público, al que se hace difícil digerir el sufrimiento existencial de la adolescente, por muy discreta y delicadamente que éste sea tratado.

Todo acaba así convirtiéndose en una sucesiópn, bien estructurada y sometida a una ardua reflexión, de sensaciones e impresiones que acaban dejando tan mal cuerpo como dolor e incomprensión sufre su vulnerable protagonista, víctima del terror más nauseabundo y a la postre racional imaginable. Con esta cinta, la realizadora catalana se confirma como una de las voces más elocuentes y convincentes del actual panorama social español, una autoridad en temas de igualdad y educación, que tanta falta nos hace. A la vez, somete a su protagonista a una dura pregunta que no sabe contestar, ¿y tú qué es lo que quieres?

CALLE MÁLAGA Toda una vida, pasada y futura

Marruecos-España-Francia-Alemania-Bélgica 2025 116 min.
Dirección Maryam Touzani Guion Maryan Touzani y Nabil Ayouch Fotografía Virginie Surdej Música Freya Arde Intérpretes Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane, María Alfonsa Rosso, La Imén, Abdelilah Iramdane, Ghali Errazqi, Miguel Garcés, Tarik Rmili Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2025; en el Festival de Málaga 9 marzo 2026; en salas 1 abril 2026

La nueva película de Maryam Touzani, tras el éxito cosechado con películas de tono igualmente amable y distendido como Adam o El caftán azul, mira hacia nuestro país como huella abandonada a la que una vez fue protectorado nuestro, Tánger, y donde el paso del tiempo no parece haber mermado el dominio, entre otras cosas, del castellano por parte de su población autóctona. Allí se desarrolla esta historia que parte de una situación cruel y algo forzada, en la que la necesidad económica de una enfermera de Madrid pone contra las cuerdas a su madre, afincada desde siempre en la ciudad donde nació, para obligarle a vender la casa donde vivió más de cuarenta años.

Este conflicto de intereses deviene en una moderadamente épica lucha de la casi octogenaria mujer para superar la adversidad y, de paso, redescubrir el amor y la sensualidad. Juega así la directora marroquí a exhibir la fuerza vital y seductora de una mujer madura, siguiendo una dialéctica y una narrativa convencional pero decididamente amable, aunque en el camino el proceso se antoje algo repetitivo y cansino. No obstante, se nota su vocación buenista destinada a alzarse con el premio del público en todo tipo de festivales internacionales, empezando por el de Venecia en el que se estrenó.

Un trabajo espléndido de la gran Carmen Maura se erige así en principal atractivo, por mucho que discrepemos del empeño en retratar a las ancianas de hoy como si fueran las de hace cuarenta años, con los mismos gustos musicales y los mismos enseres domésticos de nuestras bisabuelas. como si los setenta y los ochenta del pasado siglo no hubieran existido para ellas. En el camino, echamos de menos la voz desgarrada y personal de María Alfonsa Rosso, mientras disfrutamos con los paisajes anclados en el tipismo de Tánger, cafés incluidos y ese entrañable Teatro Cervantes que sigue aguardando destino, así como el imprescindible viaje a Asilah teñido de blanco y azul. La Calle Málaga del título es la dirección ficticia, en realidad se trata de la calle Italia, donde se encuentra el piso de la discordia.

LAPÖNIA Conflictos culturales y familiares

España 2026 82 min.
Dirección David Serrano Guion Cristina Clemente y Marc Angelet, según su propia obra y de Jordi Casanovas Fotografía Joan Bordera Música Joan Martorell Intérpretes Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes, Vebjørn Enger, Blanca Ramírez, Adrián Gamiz Estreno en el Festival de Málaga 9 marzo 2026; en salas 1 abril 2026

El director madrileño David Serrano saltó a la fama cuando creó el guion de El otro lado de la cama y su secuela, Los dos lados de la cama, para después saltar a la dirección con otros dos éxitos, Días de fútbol y Días de cine. Su estrella comenzó a languidecer hasta que recuperó el aliento con Voy a pasármelo bien, un musical adolescente a mayor gloria de Hombres G. Con Lapönia echa mano de un material ajeno, la obra de Cristina Clemente, Marc Angelet y Jordi Casanovas, una auténtica sitcom o comedia de situación en toda regla que no disimula su parecido con otras similares, también llevadas al cine, como Un dios salvaje de Yasmina Reza, cuya adaptación dirigió Polanski, y Sentimental de Cesc Gay.

Más cerca de la primera que de la segunda, por aquello de que el nudo de su trama parte de una disputa entre padres por la educación de sus hijos, la obra y ahora su película no deja de tener su propia personalidad, al apuntar a otros temas coyunturales como la necesidad de magia e ilusión en la infancia y, en general, en nuestras vidas, aunque ello conlleve la mentira, o las diferencias culturales de los fríos pueblos del norte frente a los del sur, o más concretamente, entre la fría y moderada Finlandia y la chirriante España. Siempre en un tono amable, sin estridencias ni salidas de tono, sus cuatro intérpretes se entregan a fondo para lograr que su apenas hora y media de duración mantenga todo el ritmo y la tensión que su trama exige, con especial mención para Natalia Verbeke, que comienza forzada y algo impostada para más tarde aprovechar al máximo las posibilidades de su a priori antipático papel.

También Julián López consigue destacar con un papel muy a la medida de sus capacidades, combinando comicidad con el trasfondo discretamente dramático que la cinta respira, mientras Ángela Cervantes se presta al juego con contención y cierto halo de madurez, a la vez que su pareja en la ficción, el noruego con perfecta dicción en castellano Vebjørn Enger, sufre un proceso contrario al de Verbeke, comienza más convincente de lo que termina. Todo hace que el film se disfrute sin alardes ni pretensiones, gracias también a una meticulosa puesta en escena que no esconde su origen teatral pero logra dar al conjunto el empaque cinematográfico que necesita, al que la música de Joan Martorell se presta con una hábil combinación de mickeymousing y melódica serenidad.

ALTAS CAPACIDADES Un incómodo espejo

España-Uruguay 2026 101 min.
Dirección Víctor García León Guion Borja Cobeaga y Víctor García León Fotografía Eva Díaz Música Camila Rodríguez Intérpretes Marian Álvarez, Israel Elejalde, Juan Diego Botto, Natalia Reyes, Pilar Castro, Suso Nanclares, Bea Segura, Elena Sanz Estreno en el Festival de Málaga 6 marzo 2026; en salas 27 marzo 2026

De la unión entre Víctor García León y Borja Cobeaga surgió la trilogía televisiva Vota, Vamos y Venga Juan, una irónica, ácida y bastante malvada mirada al político de pacotilla al que daba vida Javier Cámara. Por separado, el primero se ha destacado como acertado cronista de la vida en nuestro país, generalmente de la mano de la comedia, en films como Más pena que gloria, Vete de mí o Selfie, mientras el segundo destacó en la misma línea con películas como Pagafantas, Los aitas o la serie No me gusta conducir. Hace unos años, García León dirigió Los europeos según una novela de Rafael Azcona, que parece ser quien haya influido y guiado al director para poner en pie éste su último trabajo, su comedia más ácida y lograda hasta la fecha, en la que ataca sin misericordia pero con una gran dosis de inteligencia, sutileza y mordacidad, a las familias que en este país han generado los monstruos que hoy deciden sobre nuestro futuro, despreciando sin compasión alguna todo nuestro pasado, nuestra memoria y lo que quienes nuestros más mayores habían construido tras la muerte del dictador.

Todo borrado de un plumazo para perseguir el ascenso social, el atropello y el éxito a cualquier precio, como hacen la pareja protagonista de un film en el que García León y Cobeaga retratan con precisión quirúrgica esa clase media, ligeramente intelectual y comprometida, ahora empeñada en despreciar las bondades de una educación igualitaria y un estado público del bienestar. La misma que aspira a otra clase alta de corte fascista y xenófoba, una apisonadora en cuyos ideales parecen mirarse como en un espejo jóvenes de toda condición en un mundo cuya decadencia le está haciendo romperse en añicos.

Marian Álvarez e Israel Elejalde como pareja trepa a costa de la educación de su hijo inadaptado, y Juan Diego Botto como impresentable niñato rico que desprecia sistemáticamente a quienes no son de su condición, a la vez que se aprovecha de ellos, bordan sus papeles. El resto logra encajar a la perfección, dentro de una trama que absorbe y sorprende, con guiños cómicos tan divertidos como incómodos y una habilidad para sostener largas y complejas secuencias, no importa la dificultad para mantener el interés y la tensión justas. Hacía tiempo que no disfrutábamos de una comedia española tan acertada y reluciente, a la vez que amarga.