UNABOMBER El origen de un terrorista antisistema

USA 2026 97 min.
Dirección Janus Metz Pedersen Guion Sam Chalsen y Nelson Graves Fotografía Yves Bélanger Música Marco Beltrami Intérpretes Russell Crowe, Jacob Tremblay, Annabelle Wallis, Shailene Woodley, Alexander Ludwig, Marc Menchaca, Steven Ogg, Matthew Kevin Anderson, Marc Camacho, David Webster, Gus Halper, Bruce Ramsay, Michelle LeBlanc Estreno en Netflix 25 septiembre 2026

Ted Kaczynski fue entre 1978 y 1995 uno de los más temidos terroristas de Estados Unidos. Su caza y captura trajo de cabeza al FBI, de lo que se han hecho cargo multitud de documentales, películas y series de televisión. Paul Bettany le puso rostro en una serie de 2020, mientras Tobin Bell hizo lo propio en un telefilm de 1996. Ésta es la primera vez que el cine de ficción se hace cargo de su figura, aunque paradójicamente tampoco ha sido destinada a las salas, sino a Netflix. Se trata de un film correcto y escrupuloso, dirigido por el danés Janus Metz Pedersen, que conoció el éxito internacional con Borg McEnroe, y saltó al cine estadounidense con Una cita con el pasado y algunos episodios de Andor.

Tras un brillante paso por diversas universidades, incluida Harvard, el joven Kaczynski se dejó seducir por el neoludismo, una corriente filosófica que promulga la vuelta a los principios naturales y básicos, obviando el progreso industrial y tecnológico, que sólo ha proporcionado miseria e infelicidad. Autor de un manifiesto (La sociedad industrial y su futuro) en el que dejó claras sus teorías, tildadas a menudo como las de un lunático, aunque otros prefirieron considerarlas las de un clarividente, trazó desde 1978 a 1995 una escalada de terror que se saldó con tres muertos y veintitrés heridos, como consecuencia del envío de cartas bomba fundamentalmente a universidades y aerolíneas. De ahí su nombre, Unabomber, acrónimo de Bombardero de universidades y aerolíneas. En esta película se analiza el origen de su mal, posiblemente los experimentos que en plena guerra fría sufrió en Harvard con el fin de descubrir cómo algunos excombatientes de Corea habían sido convertidos al comunismo. Narrada en dos tiempos, su relación con el profesor de filosofía Henry Murray cuando sólo contaba dieciséis años y era alumno aventajado, y la operación del FBI que logró detenerlo cuando vivía con los recursos más básicos en una cabaña en Montana, el film se erige en duelo interpretativo entre Russell Crowe, que da vida al profesor, y Jacob Tremblay, al que vimos cuando era niño en La habitación y Wonder.

Todo, sin embargo, resulta demasiado aséptico y convencional, incluida una puesta en escena harto académica. Pero no se le puede negar habilidad para crear una atmósfera malsana y momentos de alta intensidad emocional, potenciada por una inspirada banda sonora de Marco Beltrami. Kaczynski se suicidó en prisión en 2023, cuando cumplía cadena perpetua. La película hace hincapié en el papel que Moby Dick de Herman Melville desarrolló en el protagonista para articular su teoría del mundo y la sociedad enferma que lo habita, partiendo de la Naturaleza como fuerza invencible frente a la estupidez humana.

HEARTSTOPPER PARA SIEMPRE Endeble final para una serie imprescindible

Título original: Heartstopper Forever
Reino Unido 2026 114 min.
Dirección Wash Westmoreland Guion Alice Oseman, según su novela gráfica Fotografía James Rhodes Música Adiescar Chase Intérpretes Kit Connor, Joe Locke, William Gao, Yasmin Finney, Corinna Brown, Kizzy Edgell, Tobie Donovan, Jenny Walser, Rhea Norwood, Jack Barton, Anna Maxwell Martin, Eddie Marsan, Derek Jacobi, Richard Clifford Estreno en Netflix 17 julio 2026

Con precedente en un par de novelas cortas que escribió en 2017 bajo el título de Nick y Charlie, Alice Oseman inició con tan sólo veintitrés años su novela gráfica Heartstopper, que conoció hasta seis volúmenes antes de adaptarse a la televisión, con ella misma como guionista, en 2022. Tres temporadas protagonizadas por esta entrañable pareja de adolescentes gais confluyen ahora en un largometraje concebido directamente para la misma plataforma digital que lanzó con éxito la serie. Un trabajo que viene a ser algo así como el epílogo a un culebrón romántico que ha inspirado a nuevas generaciones de jóvenes todavía cohibidos por la homofobia reinante, y que ahora se convierte en más necesaria aún debido a la invasión reaccionaria que nos acucia. De hecho, uno de los momentos más inspirados de esta, por otro lado, algo insípida película, lo protagoniza Elle, el personaje trans de la historia, cuando manifiesta su temor porque la ola política reaccionaria acabe con los derechos adquiridos tras tantos años de lucha y reivindicación. En cuanto al resto, Kit Connor y Joe Locke, ya más creciditos, continúan su relación, ahora tensionada por sus respectivas responsabilidades escolares y extraescolares, mientras mirar al horizonte y desconfiar de esa regla no escrita de que los primeros amores rara vez se extienden a perpetuidad, se convierte en leit motiv de esta despedida que parece definitiva.

Todos los méritos de una serie absolutamente necesaria, que tanto ha ayudado a nuevas generaciones y tanto ha hecho por normalizar una situación inevitable e irrenunciable, se perpetúan quizás de forma reiterativa y superficial en este largometraje dirigido por Wash Westmoreland, realizador junto a Richard Glatzer de Quinceañera, La última aventura de Robin Hood, con Kevin Kline y Susan Sarandon, y Siempre Alice, con Julianne Moore, y que ya en solitario presentó cintas como Colette, con Keira Knightley, y La música del terremoto, con Alicia Vikander. No se esmera demasiado en dar continuidad al excelente trabajo desplegado por Euros Lyn y Andy Newbery durante las tres temporadas de la serie, aunque no renuncia a momentos tiernos que provocan una sincera, fresca y natural reacción emocional, gracias en gran parte a la pareja protagonista y a un elenco, que, salvo contadas excepciones, como la de Olivia Coleman, ahora reemplazada por Anna Maxwell Martin, repite en su integridad.

Especial mención merece la tierna participación de Derek Jacobi y Richard Clifford como ejemplo de ese amor eterno, profundo y crepuscular por el que la cinta parece abogar contra toda corriente. No obstante, el conjunto adolece de consistencia, resulta reiterativo y no parece conseguir un rumbo adecuado, no al menos cuando la serie precedente tanto hizo por la inclusión de la diversidad en edades tan tempranas, algo así como la serie Algo más que rivales hizo en el encorsetado mundo del deporte.

MI QUERIDA SEÑORITA Oportuna revisión de un clásico

España 2026 112 min.
Dirección Fernando González Molina Guion Alana S. Portero Fotografía Carlos Rigo Música Álex de Lucas y Zahara Intérpretes Elisabeth Martínez, Anna Castillo, Paco León, Manu Ríos, Lola Rodríguez, Nagore Aranburu, Eneko Sagardoy, María Galiana, Delphine Bianco Estreno en el Festival de Málaga 8 marzo 2026; en salas (limitado) 17 abril 2026; en Netflix 1 mayo 2026

La combinación de la dramaturgia clásica y comercial de Fernando González Molina (Trilogía del Baztán, Palmeras en la nieve) y la mirada atrevida y decididamente abierta de los Javis, productores de la película, da como resultado esta preciosa película cuyo hilo argumental parte del clásico de Jaime de Armiñán y el guion de José Luis Borau para convertirse paulatinamente en una película independiente y completamente diferente. Entre todos los artífices de la empresa logran que este argumento, en principio cogido con alfileres, funcione incluso en la transición de milenio, época ya no tan pretérita ni asida al franquismo como los setenta originales. El escenario sigue siendo una ciudad de provincias, en este caso Pamplona, y el punto de partida vuelve a encadenar a una mujer a una vida gris de catequismo y nula vida sexual. Todo un sistema de protección auspiciado por una familia temerosa de que su realidad se interponga en su felicidad.

No se trata sino de intersexualidad, una condición física que no debería constituir un estigma para desarrollarse en libertad y plenitud de derechos y placeres. Puede ser cierto que el guion de Alana Portero resulte muy explicativo y subrayado, pero también que está muy bien escrito y apela con éxito a la emoción y la ternura más extrema. Algo a lo que no son ajenas las excelentes interpretaciones de prácticamente la totalidad del numeroso elenco. Galiana como abuela, León como singular sacerdote, Castillo como detonante del deseo sexual, están literalmente para comérselos. Pero su debutante protagonista, Elisabeth Martínez,  directamente enamora, llena la pantalla con cada intervención, prácticamente todo el metraje, tal es su omnipresencia.

Lástima que este tipo de trabajos sigan siendo necesarios, especialmente ahora que vivimos tanta regresión. Pero si además el mensaje viene revestido de calidad cinematográfica, con momentos de gran calado estético y emocional, una narrativa fluida y extrema ternura y sensibilidad, merece más que la pena. Esta celebración de la diversidad, de la identidad y de la búsqueda legítima de la felicidad, conoce una distribución limitada en salas antes de desembarcar definitivamente en Netflix, su destino original. Como curiosidad, una fotografía de José Luis López Vázquez, protagonista de la versión de 1972, se desliza de la caja de recuerdos de Galiana, mientras a mitad de los títulos de crédito finales, otra intervención estelar nos sorprende.

TRES ANIMADAS Y NOMINADAS AL OSCAR

LAS GUERRERAS K-POP Un musical luminoso y endemoniado

Título original: KPop Demon Hunters
USA 2025 95 min.
Dirección Chris Appelhans y Maggie Kang Guion Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans Fotografía Gay H. Lee (animación) Música Marcelo Zarvos Canciones Mark Sonnenblick, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami Voces (en versión original) Arden Cho, Ahn Hyo-seop, Mary Hong, Ji-young Yoo, Yunjin Kim, Ken Jeong, Lee Byung-hun Estreno en Estados Unidos y España (Netflix) 20 junio 2025

Debut en la dirección de largometrajes de Maggie Kang, mientras Chris Appelhans ya tiene experiencia en el género de la animación, con El dragón de los deseos, una producción china de hace cuatro años. Juntos han creado esta original, entretenida y muy divertida mezcla entre musical para adolescentes y manga con demonios a los que las tres protagonistas, de nombre artístico-musical HUNTR/X, deben hacer frente echando mano de sus habilidades y poderes.

Una boys band rival, los Saja Boys, acabará convirtiéndose en el mal con el que acabar, con lo que la batalla se extiende también al escenario de los megaconciertos en los que ambas bandas congregan a sus miles de fans. Todo es color, energía, mucho ritmo y desenfadada alegría en esta cinta concebida para Netflix y que hasta el momento ha cosechado dos Globos de Oro, a la mejor película de animación y a la mejor canción, y opta al Oscar en las mismas categorías. Desde luego el diseño es portentoso y las canciones dinámicas y pegadizas.

ZOOTRÓPOLIS 2 Intriga política con animales humanizados 

Título original: Zootopia 2
USA 2025 107 min.
Dirección Jared Bush Guion Jared Bush Música Michael Giacchino Voces (versión original) Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Ke Huy Quan, Fortune Femmster, Andy Samberg, David Strathairn, Idris Elba, Shakira, Patrick Warburton, Quinta Brimson, Nate Torrence, Danny Trejo, Bonnie Hunt Estreno en Estados Unidos 26 noviembre 2025; en España 28 noviembre 2025

Casi una década han dejado pasar sus responsables para devolver a la gran pantalla las aventuras de la pareja de policías Judy la coneja y Nick el zorro, tras una temporada en la televisión. Sus directores, Jared Bush y Byron Howard, vuelven a dar en la diana, tras triunfar también con Encanto, y encargarse el primero de los guiones de Vaiana y su secuela.

Esta segunda parte se presenta todavía más vertiginosa y atiborrada que la anterior. La animación es sensacional, el ritmo excesivo y la cantidad de información que vomita, inabarcable e inasumible. Son detalles que igual sirven para destacar en positivo el resultado final que para hacerlo en negativo, aunque la balanza naturalmente, aunque sólo sea por el enorme esfuerzo de producción desplegado, se inclina hacia lo primero.

Los apuntes sociales, así como la denuncia de corrupción política y policial, vuelven a ponerse sobre el tapete, redondeando una propuesta nada desdeñable aunque definitivamente fatigante. Además, la humanización de los animales pasa por conservar algunas de sus características esenciales y perfeccionar su discurso sobre la diversidad. Zootrópolis ganó el Oscar y su secuela podría repetir la hazaña.

ELIO Huyendo de la Tierra

USA 2025 98 min.
Dirección Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina Guion Julia Cho, Mark Hammer y Mike Jones Fotografía (animación) Derek Williams y Jordan Rempel Música Rob Simonsen Voces (versión original) Yonas Kibreab, Zoe Saldaña, Remy Edgerly, Brandon Moon, Brad Garrett, Jameela Jamil Estreno en Estados Unidos 20 junio 2025; en España 9 julio 2025

Poca gracia le debe haber hecho a la administración Trump que una película de animación protagonizada por personajes latinos y con un mensaje conciliador entre razas, y la diversidad como eje de la cuestión, se haya colado entre las nominadas al Oscar en su categoría. Claro, que no creemos que el infame presidente de Estados Unidos esté muy al corriente de temas relacionados con la cultura. Podríamos considerar ésta entre las producciones más modestas de Pixar, factoría de la que salen sus tres realizadores, Madeline Sharafian, que fue nominada a un Oscar por su cortometraje Madriguera, Domee Shi, responsable de Red, y Adrián Molina, que logró el éxito con Coco.

Juntas celebran ahora la curiosidad por el cosmos, la necesidad de creer que hay vida ahí fuera, y la oportunidad para encajar en un mundo del que la ausencia de los seres queridos parece apartarnos cada vez más. Elio es el pequeño protagonista, cuya relación con su tía, a quien presta voz Zoe Saldaña en la versión original, se ve forzosamente destinada a mejorar cuando viva extraordinarias experiencias y aporte generosidad y empatía a un sorprendente amigo encontrado en un universo paralelo.

Ni su parafernalia técnica ni su mensaje conciliador llegan a sorprender ni estremecer en exceso, respectivamente, pero en conjunto se trata de otro film hecho con esmero, cariño y respeto a su público destinatario, si acaso algo más infantil de lo habitual. No cabe duda de que sus guionistas han acertado al proponer una huida de nuestro planeta, bien la merece. Rob Simonsen, compositor al que rara vez se le presta atención, firma una excelente banda sonora.

JAY KELLY Vida personal

USA-Reino Unido-Italia 2025 132 min.
Dirección Noah Baumbach Guion Noah Baumbach y Emily Mortimer Fotografía Linus Sandgren Música Nicholas Britell Intérpretes George Clooney, Adam Sandler, Laura Dern, Billy Crudup, Riley Keough, Grace Edwards, Stacy Keach, Jim Broadbent, Patrick Wilson, Eve Hewson, Greta Gerwig, Alba Rohrwacher, Lars Eidinger, Isla Fisher, Charlie Rowe, Louis Partridge, Josh Hamilton Estreno en el Festival de Venecia 28 agosto 2025; en Estados Unidos 14 noviembre 2025; en internet (Netflix) 5 diciembre 2025

Cabe preguntarse qué motivó que el director Noah Baumbach (Historia de un matrimonio, Una historia de Brooklyn y los guiones escritos para su esposa, Greta Gerwig y su amigo Wes Anderson) y la actriz Emily Mortimer (Match Point, La librería) se asociasen para escribir esta presuntamente amarga crónica sobre el precio del éxito en lo personal cuando se es una estrella de cine. Tratado como si una de esas veteranas y anticuadas estrellas del Hollywood clásico se tratara, George Clooney se pone en modo intenso y trascendental para dar vida al actor del título, cuyo abundante séquito, liderado por un representante incondicional y amigo al que da vida un excelente y conmovedor Adam Sandler, no logra sustituir esa familia y amistades sinceras que para muchos y muchas conforman la razón de mantener la ilusión en esto que llamamos vida.

Nos encontramos pues ante el enésimo llanto del pobre niño rico, el actor de éxito, venerado por todos y todas, admirado en todo el mundo, que sin embargo no goza del cariño de quienes importan. Una tesis muy trillada y siempre inclinada hacia el cliché que, sin embargo, cae en la contradicción cuando sus artífices incluyen otro personaje, también actor de éxito, que sí goza de todo aquello que Kelly echa de menos. Luego, dónde queda la teoría del pobre triunfador, incapaz de mantener una vida personal satisfactoria, y lo que es peor, de conocerse en lugar de interpretarse a sí mismo.

Con todo, Baumbach dirige con elegancia, sin renunciar a algunas secuencias algo disparatadas y, una vez más, echando mano del imaginario cinéfilo, desde Truffaut al inicio, con referencias a La noche americana, a Woody Allen y sus Recuerdos, que a su vez bebía del Ocho y medio de Fellini. Localizaciones en unos tópicos París y la Toscana y, sobre todo, un reparto multiestelar, algunos con momentos dramáticos brillantes, como Laura Dern o Billy Crudup, hacen que la experiencia de disfrutar de esta película resulte atractiva y reconfortante.

PUÑALES POR LA ESPALDA: DE ENTRE LOS MUERTOS Entretenido enredo criminal

Título original: Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery
USA 2025 144 min.
Guion y dirección Rian Johnson Fotografía Steve Yedlin Música Nathan Johnson Intérpretes Daniel Craig, Josh O’Connor, Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack, Thomas Haden Church, Annie Hamilton Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2025; limitado en Estados Unidos 26 noviembre 2025, y en España 28 noviembre 2025; en Internet (Netflix) 12 diciembre 2025

El director de Looper y Los últimos Jedi insiste en poner a prueba su imaginación e ingenio con esta tercera entrega de los misterios de Benoit Blanc, el detective al que da vida Daniel Craig en un estilo distinto al del agente 007 pero igualmente con un inconfundible sello británico. Rian Johnson se encarga también en este título del guion, igual que lo hizo en los dos anteriores, combinando la ya conocida fórmula del elenco de estrellas involucradas en un crimen sofisticado, ahora con el universo gótico de fabuladores como Allan Poe. El resultado puede parecer artificioso, pero no se le puede negar habilidad para mantenernos interesados, incluso inquietos, ante el desafío que siempre suponen estos trabajos en los que averiguar quién cometió el crimen se convierte en un reto para nuestro intelecto.

Johnson vuelve a sorprendernos y aliviar nuestra sed de Agatha Christie, mientras una cuidada ambientación, esta vez en el seno de una pequeña y muy conservadora comunidad católica en el estado de Nueva York, logra que sintonicemos inmediatamente con la propuesta. No falta la ironía, el sarcasmo y el humor imprescindibles en este tipo de propuestas, a la vez que ese siempre agradecido desfile de rostros conocidos, algunos tan populares como Glenn Close o Josh Brolin, y otros representantes de las nuevas generaciones, como Cailee Spaeny (Priscilla) o Daryl McCormack (Buena suerte, Leo Grande).

Tampoco hay que pedirle más a una cinta que aprovecha sus bien dosificados y generosos recursos. Así, con la ayuda de una mente suficientemente hábil para crear tan estimulante intriga, arropada por el mismo equipo técnico y artístico que las anteriores entregas, el entretenimiento está asegurado y cabe esperar con interés nuevos capítulos de la serie.

SUEÑOS DE TRENES Un hombre sencillo y bueno

Título original: Train Dreams
USA 2025 102 min.
Dirección Chris Bentley Guion Chris Bentley y Greg Kwedar, según la novela de Denis Johnson Fotografía Adolpho Veloso Música Bryce Dessner Intérpretes Joel Edgerton, Felicity Jones, William H. Macy, Kerry Condon, Nathaniel Arcand, Clifton Collins jr., John Diehl, Paul Schneider, Alfred Hsing y la voz de Will Patton Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 7 noviembre 2025; en España (Netflix) 21 noviembre 2025

Chris Bentley forma junto a Greg Kwedar una pareja de cineastas que firman los guiones de sus películas a dúo mientras cada uno dirige alternativamente por separado. De esta forma, mientras el segundo ha dirigido Transpecos y Las vidas de Sing Sing, Bentley es el responsable de El jockey y ahora esta bellísima película basada en una novela de Denis Johnson. Los dos son los autores de los guiones de los cuatro films. En esta película de poético y evocador título, nos cuentan la historia de un hombre sencillo, tímido y solitario. Un anónimo que se gana la vida a principios del siglo XX talando árboles con los que construir los puentes y las vías que de forma metafórica habrán de recorrer trenes que unen vidas, lugares, costumbres y acontecimientos, además de tendencias, razas y estilos de vida.

En un contexto hostil en el que se persigue a los orientales, donde el color es objeto de ejecución y venganza, y los indios han quedado reducidos a un papel secundario en la página de la construcción del país que se autoproclama nuevo imperio del mundo, nuestro personaje vaga sin provocar daño alguno a nadie, ni empuñar un arma, ni participar en ninguna hoguera de vanidades ni escarnios. Por el contrario, alberga la sensibilidad suficiente para cargar sobre sus espaldas el dolor de la injusticia sufrida por semejantes, y que ello le marque de por vida. Dos tragedias puntúan su periplo, mientras el afán de supervivencia, siempre desde la humildad y la sinceridad, irá marcando su camino.

Bentley ha sabido reflejar todo este viaje con una enorme sensibilidad, una carga poética considerable aunque siempre al alcance de cualquiera, y una hermosísima puesta en escena que evoca a través de la transparente, precisa, detallista y luminosa fotografía de Adolpho Veloso, un paisaje de exuberante naturaleza en el que al más típico estilo de Terrence Malick, se enmarcan los recuerdos de quien en algún momento logró ser feliz, ya sea por el contacto con seres amados o por una experiencia aeronáutica que deja ver el mundo con otra perspectiva. Por una vez no sobra la voz en off, un narrador que da carácter épico y crepuscular a tan hermosa crónica en la que un montaje ágil y dinámico no impide que el resultado sea pausado y relajante. Una bellísima partitura de Bryce Dessner y una dulce canción de Nick Cave ponen la guinda al pastel. Y todo ello demostrando que al final nadie es insignificante y todos y todas albergamos recuerdos que potencian esta idea.

UNA CASA LLENA DE DINAMITA Engendrando enemigos

Título original: A House of Dynamite
USA 2025 112 min.
Dirección Kathryn Bigelow Guion Noah Oppenheim Fotografía Barry Ackroyd Música Volker Bertelmann Intérpretes Idris Elba, Rebecca Fergusson, Gabriel Basso, Jared Harris, Tracy Letts, Jason Clarke, Moses Ingram, Jonah Hauer-King, Greta Lee, Anthony Ramos, Malachi Beasley, Brian Tee Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2025; en Estados Unidos 10 octubre 2025; en España (Netflix) 24 octubre 2025

Reina del thriller político actual, tras ganar el Oscar con En tierra hostil y labrarse una prestigiosa carrera con títulos como La noche más oscura y Detroit, Kathryn Bigelow insiste en el género presentando para una plataforma digital, tras su paso por Venecia, esta crónica realista sobre un posible ataque con misil nuclear al corazón de Estados Unidos. La cinta cuenta con el nervio y la fuerza que ha demostrado su directora en anteriores ocasiones. Claro que se trata del típico nervio traducido en cámara inquieta, agitada y mareante que a estas alturas no provoca más que hartazgo.

Tampoco resulta muy original, aunque la fórmula siempre sea atractiva, lo de contar la misma historia desde tres puntos de vista distintos, en este caso con el protagonismo de Rebecca Fergusson, como encargada de estrategia y seguridad militar en la Casa Blanca, Gabriel Basso, joven asesor político, y el presidente del país, encarnado con convicción y aplomo por Idris Elba, un claro ejercicio nostálgico de Obama frente al impresentable Trump. En definitiva, el guion de Noah Oppenheim (Jackie, El corredor del laberinto) rescata los miedos de la Guerra Fría, pero esta vez con Corea del Norte y China sumándose a Rusia en cuanto a las sospechas de autoría del ataque.

Se trata de resolver quién ataca y cómo neutralizar el misil, aunque al final lo que queda claro es cómo las políticas exteriores del país le han propiciado tantos y tan fuertes enemigos, lo que lógicamente se puede pagar caro. El problema reside en contar lo mismo tres veces, lo que acaba resultando reiterativo y sólo atractivo como ejercicio de estilo y puzzle en el que encajar todas las piezas, alargando innecesariamente una historia a la que el tiempo real impide un desarrollo más complejo y convincente.

FRANKENSTEIN ¿Monstruo o super héroe?

USA-México 2025 149 min.
Guion y dirección Guillermo del Toro, según el libro de Mary Shelley Fotografía Dan Laustsen Música Alexandre Desplat Intérpretes Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Christoph Waltz, Lars Mikkelsen, Felix Kammerer, Ralph Ineson, Charles Dance, David Bradley, Christian Convery Estreno en el Festival de Venecia 30 agosto 2025; en Estados Unidos 17 octubre 2025; en España 24 octubre 2025; en internet (Netflix) 7 noviembre 2025

Treinta años después de que Kenneth Branagh, auspiciado por Francis Ford Coppola y el éxito de su Drácula, presumiera de ofrecernos la versión definitiva y más fiel del relato de Mary Shelley sobre el nuevo Prometeo, Guillermo del Toro retoma para las nuevas generaciones el mito, tomándose algunas licencias, especialmente en el doble punto de vista del relato, la primera mitad desde la óptica del doctor y la segunda de la propia criatura, y sobre todo en el tratamiento físico e intelectual del monstruo, que luce más hermoso que nunca en las facciones y el imponente físico, cicatrices mediante, de Jacob Elordi (Saltburn, Priscilla y próximamente una nueva versión de Cumbres borrascosas). Pero disfruta también de una fuerza descomunal y una capacidad para cicatrizar sus heridas y regenerar sus miembros, que lo convierten directamente en una suerte de súper héroe, tema que del Toro también ha cultivado en Hellboy. Y todo para contar en síntesis la misma historia que incide en la inocencia con la que venimos al mundo y cómo ésta se va degenerando y pervirtiendo ante la fealdad y la maldad de cuanto nos rodea.

Del Toro pone en la empresa un gran esfuerzo estético, logrando un film disfrutable sobre todo por su majestuosa e imponente puesta en escena, aunque en el apartado de efectos visuales parezca que los logros de los últimos veinte años se hayan quedado por el camino. Sólo así se explica que los lobos luzcan tan rudimentarios a nivel digital en aspecto y movimiento. Una recreación de la época que no persigue la fidelidad sino la fantasía, con vestuario colorista e imaginativo, suntuosas estancias de estilos muy diversos y un regusto en la fotografía que al final se convierte en lo más destacado de un film que significativamente entretiene.

Oscar Isaac luce algo desmadrado como Dr. Frankestein, mientras Mia Goth aporta una fría y calculadora belleza, física e intelectual, a su personaje de Elizabeth, signo de los tiempos. El resto, Waltz y Dance sobre todo, aporta categoría, y las gélidas aguas en las que se ambientan el prólogo y el final, belleza y esa pizca de terror que la cinta no persigue, a favor de un factor poético que tampoco logra atesorar en toda su dimensión, ni siquiera con la inspirada y variada banda sonora de Desplat. El hecho de que se haya distribuido de forma limitada en salas, y no precisamente las más aventajadas, a la espera de su estreno en Netflix dentro de dos semanas, resulta un despropósito si lo que más ofrece es esa hermosura estética que merece disfrutarse en una pantalla bien grande.

UN FANTASMA EN LA BATALLA El dolor como arma de combate

España 2025 105 min.
Guion y dirección Agustín Díaz Yanes Fotografía Paco Femenía Música Arnau Bataller Intérpretes Susana Abaitua, Andrés Gertrúdix, Iraia Elías, Raúl Arévalo, Ariadna Gil, Jaime Chávarri, Arnatz Zuazua, Almagro San Miguel, Eduardo Rejón Estreno en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2025; en salas 3 octubre 2025; en Netflix 17 octubre 2025

De vez en cuando Netflix permite que algunas de sus producciones puedan verse en pantalla grande antes de debutar en su plataforma doméstica, permitiéndonos disfrutar como se debe de películas como ésta, compartiendo así en grupo las emociones que destila. El mejor Agustín Díaz Yanes, el de su debut en la dirección con Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, se asoma en ésta su sexta película, ocho años después del fiasco que supuso Oro, y con otras decepciones acumuladas, como la de Alatriste. Irremediablemente condenada a ser comparada con el gran éxito del año pasado que fue La infiltrada, la película de Díaz Yanes coincide con ésta en la idea de mujer policía, o guardia civil, infiltrada en la organización criminal ETA, para colaborar de forma decisiva en su desarticulación. Sin embargo, donde allí teníamos fundamentalmente una cinta de acción e intriga, aquí encontramos una mayor profundidad en el tratamiento del material dramático, con un personaje principal más vulnerable, sufriente y en continuo desafío consigo misma. Pero sobre todo encontramos un ejercicio de introspección con el dolor sufrido por tantos y tantas españolas durante demasiado tiempo.

Tras unos ochenta exageradamente sanguinarios, los noventa conocieron la ejecución de nombres de la talla de Ordóñez, Múgica o Tomás y Valiente, el terrible episodio del secuestro de Ortega Lara y, sobre todo, la maquiavélica amenaza de matar a Miguel Ángel Blanco, poniendo en jaque a toda una nación y culminando en un final ni siquiera imaginable por el más perverso de los guionistas cinematográficos. De todos estos episodios se hace eco, con la seriedad y el sentido homenaje a las víctimas que exige, la dura e inflexible película de Díaz Yanes, donde brilla una Susana Abaitua contenida y no por ello menos expresiva.

La gramática precisa y directa de la película se combina con el excelente trabajo de la plantilla artística y su perfecto acabado técnico, mientras la eficaz narrativa nos conduce por el camino de desasosiego que sufre la protagonista, de forma ascendente, dolorosa y casi irrespirable. Todo un alegato contra lo que nunca debería repetirse, pero sin simplificarlo todo a buenos y malos, dejando sin acentos innecesarios que los terroristas lleven también su cruz, que sean conscientes de su inevitable destino. La banda sonora, asfixiante y dramática de Arnau Bataller, se combina de manera ejemplar con las canciones italianas, fundamentalmente de Mina, que sirven al mando para comunicarse con la impagable y, a todas luces, trágica heroína.

EL CLUB DEL CRIMEN DE LOS JUEVES Miss Marple en el Hotel Marigold

Título original: The Thursday Murder Club
USA 2025 118 min.
Dirección Chris Columbus Guion Katy Brand y Suzanne Heathcote, según el libro de Richard Osman Fotografía Don Burgess Música Thomas Newman Intérpretes Helen Mirren, Pierce Brosnan, Ben Kingsley, Celia Imrie, Naomi Ackie, Daniel Mays, Henry Lloyd-Hughes, Tom Ellis, Jonathan Pryce, Paul Freeman, Richard E. Grant, David Tennant, Geoff Bell, Ingrid Oliver Estreno en Netflix 28 agosto 2025

Producción estadounidense al más puro estilo británico, basada en una novela de éxito, a su vez primera entrega de una serie de cuatro libros escritos por el comediante y presentador televisivo británico Richard Osman, cuya esposa, Ingrid Oliver, interpreta a la hija del personaje encarnado por la veterana Celia Imrie. Un trabajo que podría convertirse así mismo en una saga cinematográfica si se siguen adaptando los títulos posteriores y su autor se aventura a escribir más. Se trata de las pesquisas detectivescas de un grupo de personas de avanzada edad y estatus económico elevado, tanto como para permitirles habitar en un típico castillo gótico en la campiña inglesa, habilitado como residencia para la tercera edad. Comandados por una ex jefa del M16, Helen Mirren, suerte de Miss Marple adaptada a los nuevos tiempos, que incluso se atreve a emular en clave humorística a La reina (Isabel), y con un desubicado Pierce Brosnan entre los aficionados detectives, se dedican a disfrutar de su tiempo libre intentado resolver casos de crímenes sobreseídos, hasta que una sucesión de asesinatos en la propia residencia se convierte en reto personal y pasatiempo atrevido.

Al timón de esta combinación de Agatha Christie y el Hotel Marigold figura un Chris Columbus alejado de sus éxitos como guionista (Gremlins, Los Goonies, El secreto de la pirámide) y realizador (Solo en casa, Mrs. Doubtfire y las dos primeras entregas de Harry Potter), pero algo mejorado respecto a sus últimos batacazos, Rent, Percy Jackson y el ladrón del rayo y Pixels. No acaba, sin embargo, de inquietar, ni apenas interesar, una trama en exceso artificiosa, con una investigación y una resolución cogida con alfileres y harto convencional, dentro de un ambiente que pretende ser entrañable cuando apenas logra ser edulcorado y ligeramente amable.

Columbus parece dirigir con piloto automático, mientras el elenco se erige en principal reclamo y atractivo, destacando el protagonismo de Mirren, mientras la presencia de Kingsley se antoja prescindible, y otros como Jonathan Pryce, Paul Freeman o Richard E. Grant adornan el conjunto con sus estimables aportaciones. Tambi´ñen funciona la siempre estimulante música de Thomas Newman. Entre los intérpretes más jóvenes destacan Naomi Ackie, a quien hemos visto en Parpadea dos veces, y Tom Ellis, afortunado protagonista de la serie Lucifer. Netflix produce con su particular sello aseado para consumo fácil y nada comprometido de audiencias poco exigentes.

ESTADO ELÉCTRICO Aparatoso artilugio anti inteligencia artificial

Título original: The Electric State
USA 2025 116 min.
Dirección Arthur y Joe Russo Guion Christopher Markus y Stephen McFeely, según la novela de Simon Stalenhag Fotografía Stephen F. Windom Música Alan Silvestri Intérpretes Chris Pratt, Millie Bobby Brown, Stanley Tucci, Ke Huy Quan, Woody Norman, Giancarlo Esposito, Jason Alexander, Holly Hunter, Colman Domingo y las voces de Woody Harrelson, Alan Tudyk, Anthony Mackie, Jenny Slate, Hank Azaria y Brian Cox Estreno en Netflix 14 marzo 2025

Basada en una de esas novelas que encuentran en la distopía el campo de cultivo para reflexiones más o menos trascendentales sobre la condición humana, Estado eléctrico es el nuevo artilugio tecnológico de Netflix para un entretenimiento familiar tan aparatoso como poco recomendable. Sus directores, los hermanos Arthur y Joe Russo se han curtido en la comedia (Bienvenidos a Collinwood, Tú, yo y ahora… Dupree) y en el universo Marvel con varias entregas del Capitán América y Los vengadores. Ahora, intentan combinar ambas facetas de forma tan artificiosa como desigual con este viaje a un pasado reciente pero distópico en el que los robots se han rebelado contra la tiranía humana que los esclaviza, para dar paso a una nueva tecnología que facilita a la humanidad abstraerse de los problemas de la realidad mediante el refugio en la realidad virtual.

En este contexto una joven traumatizada por la pérdida de su familia, busca junto a un par de simpáticos robots y un rebelde de la carretera, un Chris Pratt que repite el carácter que tanto rédito le ha dado en Los guardianes de la galaxia, a su hermano súper inteligente, en manos quizás de un magnate de los negocios que bajo la apariencia de bonhomía, pacifismo y búsqueda de la felicidad humana, esconde perversos instintos y objetivos, como suele ser habitual en este tipo de productos. La cinta acaba así repitiendo esquemas, abandonándose a una vorágine de violencia y destrucción que acaba por solapar cualquier atisbo educativo o ejemplarizante.

De esta forma, el film termina por naufragar, convirtiéndose en una suerte de Transformers en el que ni un conjunto de simpáticos personajes animados, ni la imponente factura ni su excelente reparto, ante la cámara o prestando simplemente su voz, logran hacer más digerible. Para colmo, su narrativa resulta farragosa, mientras la trama va perdiendo interés de forma paulatina e inevitable, derivando todo en un despropósito descomunal.

SEIS TRIPLE OCHO La guerra interna

Título original: The Six Triple Eight
USA 2024 127 min.
Dirección Tyler Perry Guion Tyler Perry y Kevin Hymel Fotografía Michael Watson Música Aaron Zigman Intérpretes Kerry Washington, Eboy Obsidian, Shanice Shantay, Sarah Jeffery, Milauna Jackson, Pepi Sonuga, Kylie Jefferson, Moriah Brown, Jeanté Godlock, Gregg Sulkin, Jay Reeves, Dean Norris, Sam Waterston, Susan Sarandon, Oprah Winfrey Estreno en Estados Unidos 6 diciembre 2024; en internet (Netflix) 20 diciembre 2024

Una película cuyo principal y loable fin es contar una de esas historias que merecen sin duda contarse. En este caso se trata de una compañía de mujeres negras que ingresaron en el ejército estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial y a las que se encomendó la misión de organizar y enviar el correo postal atrasado de más de tres años, un trabajo ingente e inabarcable que lograron cumplir en tiempo récord y con el que lograron levantar la moral de centenares de miles de soldados y sus familias. Su director, Tyler Perry, lleva décadas dirigiendo película ligeras y series de televisión, con especial peaje en la serie de films dedicados a Madea, una matriarca sureña con gajes de comedia.

Con la actriz Kerry Washington y la presentadora Oprah Winfrey detrás de la producción, la película procura restablecer la memoria de quienes sufrieron el ultraje y el desprecio de sus superiores blancos, y cómo recibieron mejor trato en Europa mientras desarrollaron su misión, que en Estados Unidos, donde a pesar del reconocimiento inicial, siguieron sufriendo los efectos del más execrable racismo. Un ejemplo de película sentimental, plagado de mensajes y discursos alentadores, que podría haber disfrutado de un tratamiento más atrevido y comprometido, pero que se conforma con el más televisivo y sencillo con el que se presenta.

Quizás celebrar su ejercicio de memoria histórica, ese al que tanto se niega la pñoblación más rancia e injusta, sea su principal aliciente, acompañado de unas interpretaciones responsables y atinadas, un aspecto formal aseado, una narrativa enfocada al más puro entretenimiento y una canción final de Diane Warren, eterna nominada al Oscar, que con ésta suma dieciséis ocasiones sin conseguirlo de momento. Las breves intervenciones de Susan Sarandon y Sam Waterston como el matrimonio Roosevelt y de la misma Oprah Winfrey como activista feminista y anti racista, suman también atractivo a una propuesta cuya cumbre es el testimonio real y sobrecogedor de su centenaria protagonista.

WALLACE Y GROMIT: LA VENGANZA SE SIRVE CON PLUMAS Celebración del disparate y el todo vale

Título original: Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl
Reino Unido-Francia 2024 78 min.
Dirección Nick Park y Merlin Crossingham Guion Nick Park y Mark Burton Fotografía Dave Alex Riddett Música Lorne Balfe y Julian Nott Voces (en versión original) Ben Whitehead, Peter Kay, Reece Shearsmith, Lauren Patel, Diane Morgan, Muzz Khan Estreno en Reino Unido 18 diciembre 2024; en España (Netflix) 3 enero 2025

Nick Park le ha sacado mucho provecho a sus criaturas, La oveja Shaun, los pollos de Chicken Run y sobre todo Wallace y Gromit, tanto en el cine como en la televisión y el juego interactivo. Pero es sin duda esta pareja apasionada del queso la que mayores reconocimientos le ha traído en forma de premios. Hasta tres Oscar al mejor cortometraje y uno al mejor largometraje de animación por La maldición de las verduras hace casi veinte años, ha ganado con los simpáticos personajes.

Precisamente uno de estos galardonados trabajos, Los pantalones equivocados, sirvió de presentación del malvado pingüino Feathers McGraw en 1993. Ahora reaparece en estas disparatadas aventuras del maduro británico y su inteligente perro. Aunque el acento de este nuevo largometraje se pone en la conveniencia de la tecnología, sus peligros y adicciones. Wallace es un incontenible inventor, y uno de sus últimos hallazgos, un revolucionario robot con forma de gnomo, le puede acarrear más problemas que satisfacciones cuando caiga en manos del terrible pingüino.

A partir de ahí todo es un derroche de imaginación, pero al servicio a menudo de un todo vale que a veces resulta molesto. No cabe duda de que en cuanto a técnica, el stop motion marca de la casa alcanza cotas de perfección extraordinarias, y que los personajes invitados al festín logran cierta hilaridad parangonable a la que nos puedan proporcionar los divertidos minions. Por todo ello, celebramos la oportunidad de este cómico y ocasionalmente sarcástico producto, derroche de humor británico pero también de ese todo vale que no llega a convencernos del todo.

EQUIPAJE DE MANO Variación sobre un tema conocido

Título original: Carry-On
USA 2024 119 min.
Dirección Jaume Collet-Serra Guion T.J. Fixman y Michael Green Fotografía Lyle Vincent Música Lorne Balfe Intérpretes Taron Egerton, Jason Bateman, Sofia Carson, Danielle Deadwyler, Theo Rossi, Logan Marshall-Green, Dean Norris, Sinqua Walls, Tonatiuh Estreno en Netflix 13 diciembre 2024

Tras coquetear con éxito con el cine de gran presupuesto en Jungle Cruise y Black Adam, el catalán Jaume Collet-Serra vuelve al género que mejor conoce y en el que parece encontrarse más cómodo, el thriller adrenalítico, con ésta su primera incursión en el imaginario Netflix. Diez éxitos consecutivos en veinte años de carrera en Hollywood, que culminan a sus cincuenta años con este sencillo y eficaz título en el que se combina el terrorismo internacional con el cine de conspiraciones en un ejercicio narrativo quizás lleno de convenciones, traducidas en su mayoría en un uso de los tiempos algo caprichoso, pero que cumple expectativas y nos embauca con ese personal estilo visual y dramático que hace de su filmografía un conjunto absolutamente coherente y convincente.

Taron Egerton, conocido por sus papeles en Kingsman: Servicio secreto y Rocketman, donde interpretaba a Elton John, imprime energía y convicción a su personaje de agente de seguridad aeroportuaria, mientras Jason Bateman nos sorprende con un papel que se sale de su registro habitual, en un juego del gato y el ratón, pinganillo mediante, que sumerge a los sufridos pasajeros del Aeropuerto de Los Ángeles en plena Nochebuena en una pesadilla con la que, a otro nivel, nos es fácil identificarnos cuando viajamos a menudo y nos sentimos rehenes de las cada vez más numerosas medidas de seguridad que tanto afectan a nuestra paciencia y sensatez.

Sin pedirle mucho a cambio, Carry-On nos proporciona dos horas de sano entretenimiento, realizada con pericia y un sentido impecable de la profesionalidad y buen conocimiento del medio. Quizás no se trate sino de una variación sobre un tema y un desarrollo archiconocido, pero con nuevas armas e ingredientes, y con la gracia suficiente como parecer nuevo. Su título original está bien traducido aquí por Equipaje de mano, aunque pierda ese doble sentido que tanto gusta el thriller estadounidense, en este caso en referencia a sobrellevar una carga, la que soporta un protagonista obligado a un silencio similar, aunque en un contexto completamente distinto, al que Hitchcock sometía a Montgomery Clift en Yo confieso.

EL HOYO 2 Secuela innecesaria

España 2024 99 min.
Dirección Galder Gaztelu-Urrutia Guion Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia, Egoitz Moreno y David Desola Fotografía Jon Sagroniz Música Aitor Etxebarria Intérpretes Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Óscar Jaenada, Zorion Eguileor, Pedro Bachura, Bastien Ughetto, Ken Appledorn, Armando Buika, Hoji Fortuna, Iván Massagué, Antonia San Juan, Emilio Buale, Albert Pla, Gorka Zufiaurre Estreno en el Festival de San Sebastián 27 septiembre 2024; en Netflix 4 octubre 2024

El hoyo supuso hace unos años un soplo de aire fresco para el cine de ciencia-ficción hecho en nuestro país con posibilidades de exportación, a pesar de ambientarse en un interno oscuro y sofocador. Planteaba una serie de preguntas trascendentales para entender la voracidad humana y la imposibilidad de lograr una convivencia solidaria y pacífica entre humanos. Cabe preguntarse, a la vista de los resultados, si era necesario hacerle una secuela, más allá de atraer el interés de quienes se rindieron a sus méritos. Vuelve a proponer las mismas preguntas, ahora con más personajes en liza y una rebelión como eje fundamental de la farragosa trama, pero sin aportar nada nuevo a lo que ya apuntaba el título que protagonizaban Iván Massagué, ahora presente de forma muy leve y reveladora, y Zorion Eguileor, que con su inquietante presencia potencia el carácter antipático de la función.

Pero quien protagoniza esta segunda parte es una Milena Smit a la que cuesta muchísimo seguir sus pautas de guion, tal es el defecto de vocalización que arrastra esta chica. Algo que también sucede, aunque en menor medida, a su compañero de reparto, Hovik Kauchkerian. En este sentido, quien mejor se defiende es Óscar Jaenada, que interpreta al principal enemigo de la pareja. Nada resuelve esta secuela, ni si sus personajes viven en un sueño, si hay redención, aunque el personaje de Antonia San Juan parece apostar que sí, qué hacen los personajes en esa suerte de prisión, y sobre todo, qué significa su misterioso final y a dónde nos conduce.

La tiranía de las leyes, la trampa, la lucha por la supervivencia... todo estaba de alguna manera ya tratado en aquel título que no pedía secuela. Así, al margen de su desagradable puesta en escena, poco hay que justifique el disfrute de esta película. Su director prepara para enero próximo otra distopía en la que los más ricos del mundo sufren un virus mortal, con el significativo título de Rich Flu. Otro buen punto de partida que esperemos disfrute de un mejor desarrollo.

LA CALLE DEL MIEDO: 1994, 1978 y 1666 Retrato psicopático de un país enfermo

Título original: Fear Street: 1994, 1978 & 1666
USA 2021 107 (parte 1), 110 (partes 2 y 3) min.
Dirección Leigh Janiak Guion Phil Graziadei, Leigh Janiak, Robert Patiño y Kate Trefry, según la trilogía de R.L. Stine Fotografía Caleb Heymann Música Marco Beltrami, Marcus Trumpp, Brandon Roberts y Anna Drubich Intérpretes Kiana Madeira, Olivia Scott Welch, Benjamin Flores jr., Ashley Zykerman, Sadie Zink, Emily Rudd, Ryan Simpkins, McCabe Slye, Ted Sutherland, Gillian Jacobs, Fred Hechinger, Michael Chandler Estreno en Netflix 2, 9 y 16 de julio de 2021

Descubierta gracias a su banda sonora, un trabajo sólido y espectacular comandado por Marco Beltrami, que en algunos pasajes, especialmente del episodio ambientado en 1978, recuerdan al mejor Goldsmith, hemos repasado esta trilogía sobre textos de Robert Lawrence Stine, especialista en literatura de terror para jóvenes y autor de la serie Goosebumps, que se desarrolla en tres fechas distantes y tienen la maldición de una bruja como eje central. Se trata de una esmerada adaptación de un trabajo que cuenta con más de un atractivo de tipo intelectual, toda vez que parece analizar los miedos, traumas y vicios de una sociedad tan enferma y malsana como la estadounidense, donde el ansia de poder y riqueza se combina con una tendencia desquiciada al uso de armas que en última instancia provoca grandes masacres a lo largo y ancho del país, especialmente entre los más jóvenes y vulnerables.

A la vez, Fear Street parece mirarse cada década en un referente claro del imaginario fantástico cinematográfico del país, Scream y los barrios residenciales en los noventa, Viernes 13 en un 1978 ambientado en un campamento de verano, y el siglo XVII siguiendo la pauta establecida con la leyenda de las brujas de Salem. Su realizadora, Leigh Janiak ha acertado en definir cada época y estilo, dándole ritmo al conjunto y logrando inquietar tanto como provocar horror con sus numerosas y escabrosas situaciones, algunas de ellas crueles hasta lo inimaginable.

Que las protagonistas sean lesbianas, y que esta condición hace tres siglos las señalara como posibles cultivadoras de la hechicería, es otro acierto de una trilogía que resulta más atractiva conforme avanza su enroscada y relacionada trama, si bien es el episodio central el que acaba suscitando un mayor grado de satisfacción.

REBEL RIDGE Acorralado en el calor de la noche

USA-Reino Unido 2024 130 min.
Guion y dirección Jeremy Saulnier Fotografía David Gallego Música Brooke y Will Blair Intérpretes Aaron Pierre, Don Johnson, AnnaSophia Robb, David Denman, Emory Cohen, Zsane Jhe, James Cromwell, Steve Zissis, Dana Lee, Daniel H. Chung Estreno en Netflix 6 septiembre 2024

Con dos interesantes películas en su haber, Blue Ruin y Green Room, el director del que nadie se atreve a traducir los títulos de sus trabajos, Jeremy Saulnier, parece haberse inspirado en dos clásicos del cine, Acorralado y En el calor de la noche, en su mezcla de denuncia racial y justicia personal, a la hora de urdir su desafiante y desasosegadora trama. Dejando claro cómo en muchas zonas del interior de Estados Unidos sigue imperando la ley del más fuerte, como en el salvaje oeste, Saulnier plantea en clave de western contemporáneo, una historia de humillación e injusticia, a la que es arrastrado un ciudadano ejemplar, ex marine en la Guerra de Irak y experto en artes marciales y tácticas de defensa, a quien la corrupción policial conduce hacia una vorágine de violencia, una pesadilla imposible de resolver por los cauces legales e irremediablemente destinada a tomarse la justicia por su propia mano. Un recurso por lo tanto muy de la cultura estadounidense.

Peligrosamente en la frontera entre fascista y poética, donde la ley deja de tener valor y peso para dar lugar a una búsqueda de la verdad y la justicia por caminos poco ortodoxos, cabe sin embargo la posibilidad de aplaudir la casi ausencia de bajas, el uso de armas no letales y la tendencia del protagonista a dejar el menor rastro de sangre posible en su empeño. Claro que todo ello debido a la necesidad de justificar sus actos, propiciando un final feliz en el que la consecución de su objetivo no empañe el destino de quien se ha ganado nuestra simpatía desde el minuto cero, cuando transita a ritmo de heavy metal en su bicicleta de alta gama por estrechas carreteras de Louisiana. Un papel que recae en la enigmática y atractiva presencia de Aaron Pierre, muy pronto en el remake marveliano de Blade, capaz de eclipsar al veterano Don Johnson como propiciatorio sheriff corrupto, y a su compañera de reparto, cuyo personaje se presta a actuaciones poco verosímiles teniendo en cuenta su delicada situación familiar.

El rebelde Ridge descarga todo su potencial en una película que destaca por una tensión dosificada y una atmósfera inquietante que Saulnier logra no sólo por su condición de director sino, sobre todo, por la de montador. Da cancha a sus actores y actrices para desplegar su carga dramática, y trabaja su intriga y esa subida de tensión que explota al final, con ahínco, sentido del ritmo y buen oficio cinematográfico.

HIT MAN. ASESINO POR CASUALIDAD Seductor bajo el disfraz

Título original: Hit Man
USA 2023 113 min.
Dirección Richard Linklater Guion Richard Linklater, Glen Powell y Skip Hollandsworth Fotografía Shane F. Kelly Música Graham Reynolds Intérpretes Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta, Sanjay Rao, Molly Bernard, Evan Holtzman, Gralen Bryant Banks, Mike Markoff Estreno en el Festival de Venecia 5 septiembre 2024; en Estados Unidos 24 mayo 2024; en España 7 junio 2024

Glen Powell, el galán de moda (Cualquiera menos tú, Top Gun Maverick), ya trabajó a las órdenes de Richard Linklater en Todos queremos algo. Ahora parece que sea el director de Boyhood y la trilogía de Antes del amanecer quien se ponga a las órdenes de quien además de protagonizar, también es co-autor del guion y productor de la cinta. Solo así se entiende que nos encontremos ante uno de los trabajos más impersonales del director, y no por ello despreciable ni exento de su particular huella. Más cerca de La vida secreta de Walter Mitty que de El sueño eterno, Hit Man plantea cierto homenaje al cine clásico negro con una historia en la que un personaje anodino encuentra en el disfraz y la impostura su verdadera vocación y la tapadera perfecta para desenvolverse en la forma que más le gusta, lejos de las imposiciones y las inseguridades a las que le somete su vida cotidiana. De esta forma trabaja para los servicios secretos en improbables pero divertidas misiones destinadas a evitar crímenes. Algo así como Minority Report pero sin ciencia ficción, hasta que una mujer se cruza en su vida y le obliga a saltarse algunas reglas.

Surgen entonces ciertos arquetipos que no hacen ningún favor por ejemplo a la lucha feminista y que dilatan situaciones algo archivistas, además de una resolución quizás poco recomendable. Mientras tanto, asistimos a una divertida comedia de acción controlada, con puntuales dosis de romanticismo y una indiscutible capacidad para entretener. Sirve además para asegurar la posición del protagonista como nueva estrella del firmamento hollywoodiense, y darle un papel con más relieve y enjundia, del que sale ciertamente airoso.

Este Mortadelo guaperas encuentra así su vena cómica y expande su versatilidad para acometer todo tipo de papeles, mientras encuentra en su comparsa el habitual desfile de buenos secundarios que siempre ha caracterizado al cine estadounidense. Linklater pone todo el oficio y la profesionalidad al servicio del espectáculo y logra divertirnos e intrigarnos a partes iguales.

EL SALARIO DEL MIEDO Armas y músculos dominan este descafeinado remake

Título original: Le salaire de la peur
Francia 2024 104 min.
Dirección Julien Leclercq Guion Hamid Hlioua y Julien Leclercq, según el guion de Henri-Georges Clouzot y Jérôme Géromini basado en la novela de Georges Arnaud Fotografía Wim Vanswijgenhoven Música Eric Serra Intérpretes Franck Gastambide, Ana Girardot, Alban Lenoir, Sofiane Zermani, Bakary Diombera, Astrid Whettnall, Alka Matewa, Sarah Afchain, Ghita Berdai Estreno en Netflix 29 marzo 2024

En 1953 el director francés Henri-Georges Clouzot marcó un hito en el cine de acción y aventuras con El salario del miedo, donde la falta de los medios sofisticados con los que hoy cuenta el cine se suplió con una buena dosis de intriga y mucho suspense, a veces incluso irrespirable. Yves Montand encarnaba al duro mercenario arquetípico de la época, que tan buenos resultados había dado en el cine estadounidense con Humphrey Bogart y El tesoro de Sierra Madre como ejemplos más distinguidos. Casi un cuarto de siglo después William Friedkin, basándose en el mismo material literario, firmó su particular versión, cambiando los desérticos y ásperos paisajes de Méjico por las enrevesadas selvas amazónicas, y añadiendo un prólogo de generoso metraje en el que se explicaban los precedentes y motivaciones de los cuatro asalariados a los que se encomienda la imposible misión de transportar una buena carga de nitroglicenrina por caminos y carreteras nada recomendables. Roy Scheider cogía el relevo de Montand y le acompañaba como segundo protagonista Francisco Rabal. El director de French Connection y El exorcista lograba así con Carga maldita una estimable revisión del original francés, dejando incluso su huella particular y manejándose con éxito en secuencias de difícil digestión, como la del puente colgante.

Los tiempos cambian y hoy se impone la velocidad y el montaje frenético, por lo que las trampas que se acumulan en el difícil viaje son resultado de sumar a algunas de las más recordadas del clásico original otras proporcionadas por el nuevo paisaje, un país del norte de África acosado por la violencia y la corrupción, lo que provoca que sean las armas, casi ausentes en las dos películas precedentes, las que tomen protagonismo, restando totalmente cualquier resquicio de verosimilitud a la salvaguarda de tan delicado cargamento. El montaje rápido provoca que estas situaciones al límite planteadas con éxito en las otras películas que se tomaban su tiempo, aquí resulten meros episodios que no llegan a acumular la tensión requerida. Signo también de los tiempos, abundan los músculos y uno de los cuatro mercenarios se sustituye por una valerosa doctora. Las motivaciones económicas se sustituyen a su vez por otras de carácter humanitario y estrictamente familiar, por lo que aquello del salario deja de tener demasiada importancia. Y el pobre guion hace acopio de clichés y sobreabundancia de peleas y tiroteos que convierten a ésta con distancia en el más decepcionante remake imaginable.

Se estrena en internet y su consumo rápido se impone sin más interés. Al timón un aprendiz de Luc Besson que ha dirigido películas y series de acción así como uno de los últimos vehículos de lucimiento de Jean-Claude Van Damme, Lukas. El protagonista, una especie de Ving Diesel francés, resulta tan inexpresivo como el conjunto, entretenido pero absolutamente prescindible. Mejor sufran con el clásico original, y déjense deslumbrar con el glamour de su remake norteamericano. Quien sí se esfuerza en ofrecer algo con un poco más de brillo es el compositor Eric Serra, con una banda sonora enérgica y variada. La operación de innecesario rejuvenecimiento al que se somete la cinta de Clouzot deriva de la originalidad francesa a la globalización estadounidense, plegándose al cine de acción que nadie mejor que ellos saben hacer, dentro de las limitaciones a las que han sometido el género.