COYOTE VS. ACME Brillante en la forma, insuficiente en el fondo

USA 2026 103 min.
Dirección Dave Green Guion Sammy Burch, Ian Frazier, James Gunn y Jeremy Slater Fotografía Brandon Trost Música Steven Price Intérpretes Will Forte, Lana Condor, John Cena, P.J. Byrne, Tone Bell, Martha Kelly, Luis Guzmán y las voces de Eric Bauza y Candi Milo en versión original. Estreno en Estados Unidos 28 agosto 2026; en España 18 septiembre 2026

Aunque a la hora de las comparaciones surge inmediatamente a la mente ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, no hay que olvidar que nos encontramos con una película basada en los clásicos personajes de los Looney Tunes de Warner Bros., que también ha producido su particular serie de películas animadas, generalmente con el conejo de la suerte como protagonista, e híbridos, con Space Jam y Looney Tunes: De nuevo en acción a la cabeza, a los que pertenece esta nueva aventura. A punto de quedarse sin financiación, en el cajón del olvido, debido a la poca confianza que en ella depositó Warner, quizás temerosa de que como gran corporación pudiera ser perjudicada por su aparentemente reivindicativo mensaje, Ketchup Entertainment logró hacerse con los derechos de distribución, y de esa manera el proyecto vio finalmente la luz.

Quizás no sea Ninja Turtles: Fuera de las sombras, un intento de relanzar a las Tortugas Ninja en el cine, con Megan Fox y la inconcebible participación de Laura Linney, el mejor reclamo de su director, Dave Green, pero es el único que conocemos. Sorprende por lo tanto que sea capaz de dar ritmo y lidiar con los sofisticados efectos visuales de esta película. Gran parte del mérito está, naturalmente, en el equipo técnico, a estas alturas por supuesto capaz de mejorar los grandes aciertos de la cinta de Robert Zemeckis, y esos títulos de Warner que hemos destacado. Con Looney Tunes: El día que la Tierra explotó, un film completamente animado, estrenado hace un par de años, como ilustre precedente, Coyote vs. Acme se presenta como aventura envenenada, toda vez que traiciona un acertado alegato contra la manipulación de las grandes corporaciones empresariales y sus artimañas para generar consumo a diestro y siniestro, con una historia de mero oportunismo para hacerse con la presa tan ansiada. Da así al traste con las premisas originales, quizás satisfaciendo de esta forma los deseos de la todo poderosa Warner, y quedándose en un inofensivo y a la postre decepcionante juguete caro e indiscutiblemente entretenido.

Falto de una personalidad identificable, a pesar de atesorar un Oscar por Gravity, el compositor británico Steven Price se adapta al estilo mickeymousing de las bandas sonoras en este tipo de producciones. Queda, por supuesto, una por momentos hilarante sucesión de gags visuales y los consabidos y divertidos contratiempos del desgraciado Coyote, mientras un desfile interminable de personajes entrañables de nuestra infancia, como Piolín, el Pato Lucas, Porky, el Demonio de Tasmania y, por supuesto, Bugs Bunny, lograrán hacer las delicias del más recalcitrante espectador o espectadora.

JIM QUEEN Una atrevida fantasía animada

Francia 2026 85 min.
Dirección Marco Nguyen y Nicolas Athane Guion Simon Balteaux, Brice Chevillard, Nicolas Athane y Marco Nguyen Música Kirosen Voces (en versión original) Alex Ramirès, Jérémy Gillet, Philippe Katerine, Shirley Souagnon, François Sagat, Harald Marlot, Elisabeth Wiener, Alexandre Brik Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2026; en Francia 17 junio 2026; en España 4 septiembre 2026

Claro ejemplo de cine de animación exclusivamente para adultos, esta producción francesa agota todos los estereotipos de la comunidad gay con tanta gracia y frescura que resulta casi imposible no rendirse a sus encantos. Llega en un momento lamentablemente muy delicado para la prolongación de derechos y libertades cuya consecución ha provocado tanto dolor y sufrimiento. El mapa mundial, a expensas de ese mamarracho integral que ocupa de forma harto discutible la Casa Blanca cual emperador romano de la peor calaña, se está tiñendo de colores represores y reaccionarios, y la comunidad lésbica y homosexual debería ir tomando nota antes de que sea demasiado tarde y volvemos al Pleistoceno. Ya lo decía otra política lamentable, Giorgia Meloni, en sus proclamas electoralistas, abajo el lobby (¿) LGTBIQ+.

Nguyen y Athanel, en su primer largometraje, circunscrito además al formato de animación tradicional o en dos dimensiones, denuncian esta situación sin dejar de lado en ningún momento el carácter lúdico y tremendamente divertido de su propuesta. Convertir la población homosexual en heterosexual, justo cuando no sólo hemos aceptado nuestra condición, sino que la disfrutamos tan plenamente que desearíamos reencarnarnos de nuevo en lo que somos, es la principal amenaza que una sustancia maliciosamente vertida en el ambiente, aterroriza a una comunidad tan antigua y científicamente probada como el ser humano en sí mismo. Por medio, arremeter contra las principales filias de algunos de los diferentes grupos que engloban la comunidad, como el culto al cuerpo, y más concretamente al músculo, el fetichismo o el cuero, se convierte en razón para lograr tanto chiste como mordaz sátira, fácil de digerir y de entender.

El trazo preciso y muy expresivo de los caracteres, la singularidad de la voces, incluida la del popular actor porno gay galo François Sagat, y la acertada recreación de ambientes y situaciones, logran un film disfrutable, que no escandaliza ni en sus propuestas más presuntamente vulgares e incluso escatológicas. Seguramente será más adecuada para un público familiarizado con sus ingredientes que para el generalista, pero convendría comprobar si éste también lo disfrutaría, porque a nosotros nos ha parecido muy divertida.

TOY STORY 5 Reivindicación de la infancia tradicional

USA 2026 102 min.
Dirección Andrew Stanton Guion Andrew Stanton y McKenna Harris Fotografía Matt Aspbury y Jean-Claude Kalache (animación) Música Randy Newman Voces (en versión original) Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Greta Lee, Conan O’Brien, Tony Hale, Craig Robinson, Shelby Rabara, Scarlett Spears, Mykal-Michelle Harris, Bonnie Hunt Estreno en España 17 junio 2026; en Estados Unidos 19 junio 2026

Creador, entre otros históricos de Pixar, de esta pionera saga, Andrew Stanton se ha encargado hasta ahora de colaborar en los guiones de las anteriores entregas, pero nunca a dirigirlas. Sí estuvo a cargo de la dirección de otros títulos míticos de la casa, como Wall-E o Buscando a Nemo, e incluso ha probado fuera de la empresa con películas como John Carter o, este mismo año, En un instante, drama de vidas cruzadas con un toque de ciencia ficción. Stanton debuta con la quinta entrega en la dirección de su propia creación, alargándola sin renunciar al consabido mensaje educativo, esta vez orientado a reivindicar el juguete tradicional y el juego en compañía, frente a la soledad y prematura madurez que proporcionan tablets y teléfonos móviles.

De esta forma, la villana de turno es un iPad que condiciona la avidez de una niña por ser aceptada e incluida entre otras de su edad. La misión de los juguetes protagonistas será ayudarla en su cometido, hasta encontrar la compañera de juegos ideal que garantice el normal desarrollo de una infancia sana y adecuada. El relevo lo protagoniza en esta ocasión la vaquera Jessie, relegando a un segundo plano a Woody, mientras Buzz Lightyear se mantiene en su habitual segundo puesto, aunque multiplicado en ejército, uno de los principales hallazgos de una película que no hace tanto alarde narrativo y técnico como anteriores entregas.

Cabe apreciar el esmero puesto para que, a pesar de los más de treinta años transcurridos desde el primer capítulo, el cambio estético y tecnológico no rechine demasiado. Por lo demás, se agradece su mensaje, hábilmente dirigido al público infantil que se preste a verla, así como a sus progenitores, como forma de mantener la misma ilusión que disfrutaron ellos y ellas. En el apartado musical, Randy Newman recupera el espíritu desplegado a lo largo de la serie, fiel a su estilo y con puntuales referencias a icónicos temas compuestos para capítulos anteriores. Pero como el resto de la función, no hace especial alarde creativo sin más intención que perpetuar la empresa.

LA FSO DIBUJA Y CABALGA EN VALENCIA

Tenemos la sensación de que, a pesar del ya largo recorrido de esta orquesta valenciana y el rigor y la precisión con la que abordan sus atractivos programas, celebrados por la afición con llenos absolutos y giras que ninguna otra orquesta nacional se ha atrevido jamás a emprender, la crítica profesional, seria y comprometida, no le presta la atención que merece. Nosotros, ya sea porque nos iniciamos en este apasionante mundo de la música sinfónica a través de las grandes bandas sonoras del Hollywood clásico y ochentero, o porque hemos sido capaces de apreciar la notable evolución experimentada por Constantino Martínez-Orts y estos, en su mayoría, jóvenes músicos, siempre hemos seguido de cerca los conciertos que la formación ha celebrado en Sevilla. Este año, por motivos estrictamente personales, se nos ha escapado su habitual concierto en Fibes, celebrado el pasado 16 de este mes. Así que nos hemos ido a Valencia, donde el mismo programa, que ya se había tocado también allí, se repitió el pasado sábado día 23 de mayo.

De paso, tuvimos la oportunidad de disfrutar de otro programa que sólo se ha interpretado en Madrid, en cuyo Auditorio Nacional se estrenó el 10 de abril, y volverá a hacerlo en Gijón y Valladolid el próximo mes de junio. Son programas especiales que no van de gira ni se graban para su consumo doméstico, pero que reportan tanta satisfacción como el resto, como pudimos comprobar en esta doble función del pasado fin de semana.

La música, ingrediente fundamental del cine de animación

Toon Story, el programa con el que este año han recorrido toda la geografía ibérica, es un repaso por algunas de las bandas sonoras más icónicas del cine de animación, aunque Martínez-Orts siempre busca su repertorio en aquellas que, con alguna excepción, se estrenaron en las tres últimas décadas. Es la época que entronca con los que siendo de la misma generación, crecimos admirando a los grandes autores del Hollywood moderno, como Goldsmith, Horner, Elfman, Shore... y, por supuesto, John Williams.

Para mí, volver a escuchar música de cine en el Palau de la Música del antiguo cauce del Turia, uno de los mejores, más atractivos y variopintos parques de cuantos conozco, fue como volver a aquella juventud en la que hacía mis primeros pinitos escribiendo sobre música de cine en una revista especializada de idéntico y genérico título, Música de Cine, que se editaba precisamente en esa ciudad en la que ahora descansa también mi corazón. Fueron aquellos primeros noventa del pasado siglo, en los que la revista organizaba en colaboración con la Mostra unos congresos de música de cine cuya guinda la ponía el compositor invitado de turno, que junto a la Orquesta de Valencia nos deleitaba en ese templo de la música.

Con el rigor y la fidelidad a las partituras originales que les caracteriza, los y las integrantes de la Film Symphony Orchestra repasaron estos títulos icónicos del Disney recuperado tras La sirenita, aunque precisamente esta película no figurara en el menú. Junto a éstos, algunos otros de Dreamworks, Ghibli, Fox, Pixar y Aardman. Destaca el trabajo, siempre respetuoso y agradecido, con el que ensamblan temas para lograr acertadas suites que repasan todo el material dramático y musical de las películas en los atriles. Es el caso de Pesadilla antes de Navidad, cuya sensacional banda sonora de Danny Elfman fue recorrida de principio a fin sustituyendo con acierto algunos de los pasajes cantados por arreglos instrumentales, mientras otros, Qué es y El lamento de Jack, fueron eficientemente vocalizados por, si no nos equivocamos, Toni Dublet.

Esta misma estrategia se mantuvo con la música de John Powell para Cómo entrenar tu dragón, incluidos unos festivos acordes celtas perfectamente en estilo reproducidos por la entusiasta plantilla. De igual forma, la banda sonora de Harry Gregson-Williams y el propio Powell para Shrek, sin olvidar las excelentes suites generadas a partir de la música de Alan Menken para Aladdin y Pocahontas, con las habituales intervenciones de la sevillana Anaís Sancruz.

A diferencia de Fibes, en el Palau la orquesta no necesita amplificación, lo que nos permite disfrutar del sonido natural de los instrumentos, incluido el aterciopleado y perfectamente fraseado violín de la concertino Amanda Ochoa en el precioso Oogway Ascends de Hans Zimmer para Kung Fu Panda, y el no menos emotivo tema de Joe Hisaishi para La princesa Mononoke. Divertidísimo el tema de Chicken Run, de nuevo con Powell y Gregson-Williams a la composición, incluyendo ese punto gamberro que jalona la partitura. Disfrazado de Woody, el vaquero de Toy Story, Dublet entonó un delicioso Hay un amigo en mí de Randy Newman. De su primo David pudimos escuchar un medley de Ice Age, y de Stephen Flaherty la emocionante pero algo pomposa Dime dónde vas (Journey to the Past) de Anastasia, también con arreglos orquestales de David Newman.

Otras dos sensacionales suites con la música de Hans Zimmer para El rey león, y la de Menken para La bella y la bestia, tema principal cantado y bailado por Sancruz y Dublet, pusieron punto final al concierto, antes de la propina, Los Simpson de Elfman, con las voces del público colaborando en su arranque. Pero no podemos dejar de alabar la facilidad con la que esta orquesta de jóvenes se adapta a cualquier género, ya sea el swing de Los increíbles (Michael Giacchino) o el mickemousing cargado de aliento jazzístico y muy en estilo del Hollywood de los treinta y cuarenta, recreando los trabajos ilustrativos de Scott Bradley para los cortos de Tom y Jerry... puro delirio sazonado con escenificaciones cómicas de los atareados percusionistas.

Debemos destacar además la conveniencia de programas como éste, destinados a niños, niñas y familias. No hay mejor manera de crear nueva afición, y la verdad es que en general los y las más pequeñas se portan muy bien, sobre todo cuando perciben como nadie que lo que escuchan tiene calidad, ni aburre ni cansa.

Spaghetti y western clásico, sin distinción

Al día siguiente, domingo 24, los y las músicos se disfrazaron de personajes del salvaje oeste, cowboys, indios e indias, para ofrecernos un emocionante recorrido por algunas de las más icónicas bandas sonoras del género. Martínez-Orts, por su parte, abandonó la levita de Neo por la del juez Wyatt Earp. Y juntos nos regalaron una tarde de sensaciones, recuerdos, acción y disfrute a raudales. Un recorrido que arrancó con los títulos iniciales de La conquista del oeste, del patriarca de los Newman, Alfred. Continuó con el arreglo de concierto que hizo John Barry para Bailando con lobos, ensamblando el tema de John Dunbar y la llegada a Fort Sedgwick. El propio Wyatt Earp estuvo presente con una preciosa suite de la película de igual título de Lawrence Kasdan con música de James Newton Howard, incluido el irrepetible tema de la boda, y la suite con los títulos finales de Tombstone, con música de Bruce Broughton, también presente en Silverado, de nuevo con el tándem Kostner-Kasdan, y toda la espectacularidad que fue capaz de recrear la FSO.

No podía faltar Los siete magníficos, con una suite inédita que aprovecha el sensacional arranque de la película con la suite de concierto que el propio Elmer Bernstein creó para interpretarla junto a la Royal Philharmonic Pops Orchestra. Tampoco cabía excluir la excelente banda sonora de Dimitri Tiomkin para El Álamo, en forma de amplia suite encadenando la obertura, Degüello, una sensacional aportación del trompetista Rubén Zaragoza García, y el apoteósico final. Dos partituras que compitieron aquel mismo año de 1960 por un Oscar que finalmente se llevó Ernest Gold por Éxodo. Con Espartaco de Alex North también en la terna de las nominaciones, no cabe duda de que fue un año extraordinario para la música de cine.

Ennio Morricone, por supuesto, tuvo un amplio recuerdo, dejando claro a través de los temas de la trilogía del dólar cómo en Por un puñado de dólares el italiano se inspiró en Tiomkin para su solo de trompeta, que la versatilidad de los y las integrantes de la orquesta les permite incluso emular con éxito a las voces de I Cantori Moderni di Alessandroni, que el solista silbador hizo un excelente trabajo, y que Sancruz puede recrear con éxito la voz de la soprano Edda del'Orso en El éxtasis del oro de El bueno, el feo y el malo. También ella sacó a relucir sus aptitudes en el bellísimo tema de Jill de Hasta que llegó su hora. Con la amenazante partitura de Los odiosos ocho, se completó este obligado homenaje a las imprescindibles aportaciones de Morricone al género.

Toni Dublet fue también en esta ocasión el encargado de entonar las canciones programadas para la ocasión, Do Not Forsake Me Oh My Darlin' de Solo ante el peligro y la televisiva Rawhide, ambas de Tiomkin. Mientras el oeste más épico y grandioso quedó perfectamente reflejado en unas impecables versiones del tema principal de Horizontes de grandeza de Jerome Moross, y la obertura de concierto de Los cowboys de John Williams. Como propina, el nostálgico tema de Bonanza, de los creadores de éxitos Ray Evans y Jay Livingston, y el tradicional saludo final con Cantina Band, terminando así otra tarde inolvidable al son de la orquesta española más cinéfila. Entre las próximas citas, un especial Halloween con música de cine de terror, en Valencia, y Odisea, un repaso por algunos de los títulos más épicos de los últimos treinta años, en gira.

Fotos: Luis Pascual Alcaide

LAS OVEJAS DETECTIVES Una simpática intriga bovina

Título original: The Sheep Detectives
Reino Unido-USA 2026 109 min.
Dirección Kyle Balda Guion Craig Mazin, según la novela de Leonie Swann Fotografía George Steel Música Christophe Beck Intérpretes Hugh Jackman, Emma Thompson, Nicholas Braun, Nicholas Galitzine, Molly Gordon, Hong Chau, Tosin Cole, Kobna Holdbrook-Smith, Conleth Hill y las voces de Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Patrick Stewart, Regina Hall, Chris O’Dowd, Bella Ramsey, Brett Goldstein y Rhys Darby Estreno en Reino Unido y España 8 mayo 2026

Lo que pudiera en principio parecer un cruce entre la traviesa Oveja Shaun y el tierno Babe, el cerdito valiente, acaba convirtiéndose en un producto atrevido y singular en el que más bien se mezclan hábilmente las novelas policiacas al más puro estilo de Agatha Christie con las fábulas bovinas con serios problemas de identidad. El resultado en un film en principio infantiloide que atrapa pronto gracias a su encanto puramente británico, una trama ingeniosa y un tratamiento dramático y estético a la altura de lo deseable. Lo mejor es el tratamiento dispensado a los animales, que lejos del disparatado planteamiento inicial, se comportan como auténticos personajes de su especie, con la única salvedad de comunicarse mediante el lenguaje verbal humano exclusivamente entre ellas, pero sin adoptar en ningún momento comportamientos humanos como estamos acostumbrados en manos de otras factorías. Su hábil aportación a la investigación llevada a cabo por un policía local en una de esas encantadoras aldeas de la campiña inglesa, se limita a proporcionarle los elementos y claves necesarios para que sea él quien resuelva el misterio, lográndose la credibilidad, e incluso la complicidad, de un material en origen tan endeble y delicado.

Con Hugh Jackman y Emma Thompson como reclamos publicitarios, es en realidad el menos popular pero con una larga carrera en el cine y la televisión a sus espaldas, Nicholas Braun, quien protagoniza la función, secundado por el cada vez más célebre Nicholas Galitzine (Rojo, blanco y sangre azul, la serie de televisión Mary & George, y la próxima a estrenarse He-Man y los masters del universo). El resto, las entrañables ovejas, sobresaliendo entre las voces originales la de Julia Louise-Dreyfus (Veep, Sobran las palabras) como la inteligente y vispada Lily, evidencian su origen infográfico en exceso, pero se agradece ese tratamiento animalista, dispensado también en el sustrato e intencionalidad de la trama.

Por otro lado, el elenco de sospechosos habituales queda algo desaprovechado, quizás porque su metraje no permite tanto detalle, teniendo en cuenta todo el material dedicado al tratamiento de estos entrañables bovinos. Pero el resultado global es satisfactorio, entretenido y todo lo amable que cabe esperar de un producto de estas características. Tan apropiado para públicos infantiles como maduros hartos de tanta violencia y malos humos, a pesar del asesinato que origina la trama.

DECORADO Prisioneros de una realidad calculada

España 2025 89 min.
Dirección Alberto Vázquez Guion Alberto Vázquez y Francesc Xavier Manuel Ruiz Fotografía (animación) Martín Romero Música Joseba Beristain Voces Asier Hormaza, Aintzane Gamiz, Kandido Uranga, Mikel Garmendia, José Felipe Auzmendi, Ander Vildósola, Iñaki Beraetxe Estreno en el Festival de Sitges 11 octubre 2025; en salas 24 octubre 2025; en Movistar Plus+ 24 febrero 2026

El cineasta gallego, animador y autor gráfico, Alberto Vázquez, tiene un estilo visual y narrativo muy personal, especialmente evidente en el tono macabro que suele abundar en sus obras, ganadoras del Goya en cinco ocasiones desde que debutara con el cortometraje Birdboy y mantuviera la racha con el cortometraje Decorado en el que se basa esta película, y los largometrajes Psiconautas, Unicorn Wars y ahora, también, la cinta que comentamos. Insiste en un mundo distópico para denunciar la creciente ola de autoritarismo fascista que asola el planeta, a partir de una fábula en cierto modo deudora de El show de Truman, pero con objetivos e intenciones singulares.

Así, con un líder todo poderoso que encubre bajo un aparente carisma amable y preocupado por el semejante, se articula todo un sistema perfectamente articulado para convertir a la ciudadanía en esclava de sus intereses, bajo una aparente libertad que no lo es en absoluto y que marca el rol que cada uno y una debe mantener en tan preciso entramado social, político y económico. Vamos, la vida misma. Ahí una pareja de ratoncitos vive su particular crisis, que les lleva a descubrir esa verdad encubierta y rebelarse ante la misma, con ayuda de un presunto pirómano al que el propio sistema acaba corrompiendo, el fantasma de un marginado que lucha contra dicho sistema, y el juguete roto en el que se ha convertido una antigua leyenda de la televisión y el cine.

Ahora los dibujos son más luminosos y hasta el límite que se permite su autor, más tiernos. Pero sigue subyaciendo esa visión apocalíptica y amenazante del destino que cuenta con sus adeptos, si bien hay una amplia parte del público que renegará de tan siniestros postulados que hacen de ésta y el resto de la filmografía de Vázquez una auténtica animación adulta. Cuenta de nuevo con la música de Joseba Beristain, contribuyendo con su dominio de la gramática que propone el personal director, a todo ese devastador mundo que exhibe su universo. Su reciente Goya y adhesión a una plataforma digital, nos ha invitado a recuperarla.

Estreno en salas de LA EXTRAORDINARIA VIDA DE MARCEL PAGNOL

Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2025
Estreno en España 6 marzo 2026

TRES ANIMADAS Y NOMINADAS AL OSCAR

LAS GUERRERAS K-POP Un musical luminoso y endemoniado

Título original: KPop Demon Hunters
USA 2025 95 min.
Dirección Chris Appelhans y Maggie Kang Guion Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans Fotografía Gay H. Lee (animación) Música Marcelo Zarvos Canciones Mark Sonnenblick, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami Voces (en versión original) Arden Cho, Ahn Hyo-seop, Mary Hong, Ji-young Yoo, Yunjin Kim, Ken Jeong, Lee Byung-hun Estreno en Estados Unidos y España (Netflix) 20 junio 2025

Debut en la dirección de largometrajes de Maggie Kang, mientras Chris Appelhans ya tiene experiencia en el género de la animación, con El dragón de los deseos, una producción china de hace cuatro años. Juntos han creado esta original, entretenida y muy divertida mezcla entre musical para adolescentes y manga con demonios a los que las tres protagonistas, de nombre artístico-musical HUNTR/X, deben hacer frente echando mano de sus habilidades y poderes.

Una boys band rival, los Saja Boys, acabará convirtiéndose en el mal con el que acabar, con lo que la batalla se extiende también al escenario de los megaconciertos en los que ambas bandas congregan a sus miles de fans. Todo es color, energía, mucho ritmo y desenfadada alegría en esta cinta concebida para Netflix y que hasta el momento ha cosechado dos Globos de Oro, a la mejor película de animación y a la mejor canción, y opta al Oscar en las mismas categorías. Desde luego el diseño es portentoso y las canciones dinámicas y pegadizas.

ZOOTRÓPOLIS 2 Intriga política con animales humanizados 

Título original: Zootopia 2
USA 2025 107 min.
Dirección Jared Bush Guion Jared Bush Música Michael Giacchino Voces (versión original) Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Ke Huy Quan, Fortune Femmster, Andy Samberg, David Strathairn, Idris Elba, Shakira, Patrick Warburton, Quinta Brimson, Nate Torrence, Danny Trejo, Bonnie Hunt Estreno en Estados Unidos 26 noviembre 2025; en España 28 noviembre 2025

Casi una década han dejado pasar sus responsables para devolver a la gran pantalla las aventuras de la pareja de policías Judy la coneja y Nick el zorro, tras una temporada en la televisión. Sus directores, Jared Bush y Byron Howard, vuelven a dar en la diana, tras triunfar también con Encanto, y encargarse el primero de los guiones de Vaiana y su secuela.

Esta segunda parte se presenta todavía más vertiginosa y atiborrada que la anterior. La animación es sensacional, el ritmo excesivo y la cantidad de información que vomita, inabarcable e inasumible. Son detalles que igual sirven para destacar en positivo el resultado final que para hacerlo en negativo, aunque la balanza naturalmente, aunque sólo sea por el enorme esfuerzo de producción desplegado, se inclina hacia lo primero.

Los apuntes sociales, así como la denuncia de corrupción política y policial, vuelven a ponerse sobre el tapete, redondeando una propuesta nada desdeñable aunque definitivamente fatigante. Además, la humanización de los animales pasa por conservar algunas de sus características esenciales y perfeccionar su discurso sobre la diversidad. Zootrópolis ganó el Oscar y su secuela podría repetir la hazaña.

ELIO Huyendo de la Tierra

USA 2025 98 min.
Dirección Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina Guion Julia Cho, Mark Hammer y Mike Jones Fotografía (animación) Derek Williams y Jordan Rempel Música Rob Simonsen Voces (versión original) Yonas Kibreab, Zoe Saldaña, Remy Edgerly, Brandon Moon, Brad Garrett, Jameela Jamil Estreno en Estados Unidos 20 junio 2025; en España 9 julio 2025

Poca gracia le debe haber hecho a la administración Trump que una película de animación protagonizada por personajes latinos y con un mensaje conciliador entre razas, y la diversidad como eje de la cuestión, se haya colado entre las nominadas al Oscar en su categoría. Claro, que no creemos que el infame presidente de Estados Unidos esté muy al corriente de temas relacionados con la cultura. Podríamos considerar ésta entre las producciones más modestas de Pixar, factoría de la que salen sus tres realizadores, Madeline Sharafian, que fue nominada a un Oscar por su cortometraje Madriguera, Domee Shi, responsable de Red, y Adrián Molina, que logró el éxito con Coco.

Juntas celebran ahora la curiosidad por el cosmos, la necesidad de creer que hay vida ahí fuera, y la oportunidad para encajar en un mundo del que la ausencia de los seres queridos parece apartarnos cada vez más. Elio es el pequeño protagonista, cuya relación con su tía, a quien presta voz Zoe Saldaña en la versión original, se ve forzosamente destinada a mejorar cuando viva extraordinarias experiencias y aporte generosidad y empatía a un sorprendente amigo encontrado en un universo paralelo.

Ni su parafernalia técnica ni su mensaje conciliador llegan a sorprender ni estremecer en exceso, respectivamente, pero en conjunto se trata de otro film hecho con esmero, cariño y respeto a su público destinatario, si acaso algo más infantil de lo habitual. No cabe duda de que sus guionistas han acertado al proponer una huida de nuestro planeta, bien la merece. Rob Simonsen, compositor al que rara vez se le presta atención, firma una excelente banda sonora.

LITTLE AMÉLIE Recuerdos de una niña precoz

Título original: Amélie et la métaphysique des tubes
Francia 2025 77 min.
Dirección Mailys Vallade y Liane-Cho Han Jin Kuang Guion Mailys Vallade, Eddine Noël, Aude Py y Liane-Cho Han Jin Kuang, según la novela de Amélie Nothomb Música Mari Fukuhara Voces (en versión original) Loïse Charpentier, Victoria Grosbois, Yumi Fujimori, Cathy Cerda, Marc Arnaud, Latitia Coryn, Haylee Issembourg, Issac Schoumsky En casa V.O. (sábado 21)

Eterna nominada a todos los premios del año en el apartado de película de animación, como Sirât lo es en el de película internacional, sin llevarse el gato al agua, Little Amélie o Amélie y la metafísica de los tubos, es una fábula basada en las memorias infantiles de la escritora belga Amélie Nothomb. Personalmente no recuerdo nada más atrás de los cuatro años, apenas un breve jugueteo con mi abuelo en mi antigua casa de la calle Recaredo de Sevilla. No comprendo pues que esta escritora sea capaz de acumular tantos recuerdos a la temprana edad de dos años y medio y tres, entre las que se encuadra las experiencias narradas en esta película, salvo que posea una mente muy privilegiada y adelantada en el tiempo. Y menos aún, sus reacciones, impropias de una niña de su edad, ante algunos de los dramáticos episodios que se le presentan en ese período de su vida.

Antes, nos cuenta, apenas se siente como un tubo capaz de absorber el entorno como si fuera aire, para engullirlo y vomitarlo como experiencia y aprendizaje al mundo en el que le ha tocado vivir. En concreto, el suyo se circunscribe al Japón donde su padre ejerce de diplomático, a finales de los sesenta y principios de los setenta, con las heridas, todavía relativamente recientes, que le provocó la Segunda Guerra Mundial. Allí conoce los primeros berrinches, la optimista abuela que viene de vacaciones, los primeros juegos con sus hermano y hermana, el agua, que tanta fascinación le provoca, y sobre todo su tata, una joven japonesa sin rencores a pesar de un turbulento y traumático pasado provocado por la propia guerra.

Sin otro Dios que ella misma, como eje de todo el globo terráqueo, que en su vocación de fábula ensoñadora, le permite incluso emular al Moisés capaz de abrir de par en par el Mar Rojo, Amélie nos cuenta en off, imaginamos que algo más adulta, sólo así se comprendería esa rica elocuencia, esas primeras experiencias que se nos antojan excesivas, con imaginación y creatividad, apreciable en una puesta en escena tan deudora del anime, de colores a veces vistosos, otras decididamente pastelosos, y con cierta tendencia a la estética de la acuarela. Nada se nos antoja, sin embargo, tan atractivo y encantador como para elevarla a los cielos de la magnificencia, ni siquiera su edulcorada banda sonora, aunque el conjunto denote mucho entusiasmo de parte de su tándem de debutantes realizadores.

ARCO La esperanza viaja desde el futuro

Francia 2025 82 min.
Dirección Ugo Bienvenu Guion Ugo Bienvenu y Félix De Givry Música Arnaud Toulon Intérpretes Margot Ringard Oldra, Oscar Tresanini, Nathanaël Perrot, Alma Jodorowsky, Swann Arlaud, Vincent Macaigne, Louis Garrel Estreno en el Festival Cannes 16 mayo 2025; en Francia 22 octubre 2025; en España 23 enero 2026

Bienvenido, como su propio nombre parece indicar, sea un joven director especializado en el cine de animación que sea capaz de integrar un mensaje de esperanza con una literatura visual poética, aunque en el proceso no logre proponer nuevas vías de comunicación o una estética innovadora. Después de realizar un buen número de cortometrajes y de coquetear con la industria estadounidense en la serie Ant-Man, Ugo Bienvenu estrenó hace un par de años una serie documental y animada sobre la primera vuelta al mundo, centrada en Magallanes. Ahora debuta con todos los honores en el largometraje, contando para ello en la producción con Natalie Portman, que además de participar en el doblaje estadounidense, junto a estrellas como Will Ferrell, America Ferrara y Mark Rufalo, a buen seguro le habrá abierto las puertas de par en par a la codiciada industria de Hollywood.

De momento, ha conseguido un buen número de nominaciones a los premios del año, incluyendo el Oscar, el Globo de Oro y el Bafta, tras estrenarse en Cannes, exhibirse en Sitges y hacerse con el Premio del Cine Europeo en su categoría. Todos estos reconocimientos vienen a celebrar una película que apuesta por un fututo mucho más agradable del que vaticinamos, pasando por otro más próximo en el que la inteligencia artificial y los desastres naturales amenazan con provocar el caos y la desesperación. El puente entre este futuro próximo y el más lejano lo protagoniza la amistad entre una niña y el niño que responde al nombre de Arco, que con su capa arcoíris es capaz de viajar en el tiempo.

Sin personajes malvados o negativos, buscando siempre la solidaridad y la compenetración, y echando mano de una colorista estética heredada del anime, la cinta de Bienvenu se antoja quizás demasiado discursiva, de forma que no acaba de cuajar en toda su ambicionada dimensión poética. Pero la intención no deja de ser loable, y la emoción, aunque no irradie por los cuatro poros, se beneficia de una elaborada banda sonora compuesta por Arnaud Toulon.

BELLA Publirreportaje tópico pero necesario

España 2025 61 min.
Dirección Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco Guion Manuel H. Martín y Carmen Jiménez Fotografía (animación) Hilario Abad Música Beatriz López-Nogales Voces Michelle Jenner, Víctor Clavijo, Juan Carlos Villanueva, Gema Abad, Mercedes Hoyos, Numa Hoyos, Bernabé Rico, Hilario Abad, Manuel H. Martín Estreno en el Festival de valladolid 27 octubre 2025; en salas 28 noviembre 2025

Manuel H. Martín fue el responsable del documental animado 30 años de oscuridad sobre una víctima de la Guerra Civil que tuvo que vivir escondido, y del documental de imagen real El viaje más largo, sobre Magallanes y Elcano. Ahora presenta en colaboración con Amaro Martínez y Carmen Jiménez esta ficción basada en una historia real que inspiró a miles de mujeres, echando mano de la animación. Se sirve para ello de una técnica bastante sencilla y simplista, bastante esquemática, a partir de una planificación previa fotográfica, combinada en los pasajes oníricos con otras técnicas de animación que le dan cierto empaque al conjunto.

El resultado más bien parece un publirreportaje institucional sobre violencia de género, previsible de principio a fin, recorriendo todas las fases de esta lacra, desde la seducción y el enamoramiento hasta el desenlace trágico o veladamente feliz, lo dejamos abierto para no generar más spoiler, pasando por la negación, la justificación y la toma de conciencia.

Todo muy básico y divulgativo, orientado a la concienciación y la educación, lo que no ha impedido lograr una nominación al Forqué en el apartado de largometraje de ficción. Puede que una narrativa fluida haya influido para merecer tal distinción, por encima de sus logros estéticos y su arquetípico planteamiento.

SEFF 2025. A MAGNIFICENT LIFE Un retrato preciosista pero difuso

Título original: Marcel et Monsieur Pagnol
Francia-Bélgica-Luxemburgo 2025 90 min.
Guion y dirección Sylvain Chomet, según la novela de Marcel Pagnol Música Stefano Bollani Animación Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Francia 15 octubre 2025

Marcel Pagnol fue un destacado novelista, dramaturgo y cineasta francés que alcanzó la fama entre las décadas de 1920 y 1950, siendo el primer miembro de la Academia del Cine Francés. Algunas de sus obras más aclamadas fueron llevadas al cine con carácter póstumo, como el díptico El manantial de las colinas y La venganza de Manon.

El celebrado director de Bienvenidos a Belleville, Sylvain Chomet, utiliza su particular estilo de animación, visible también en El ilusionista, para recrear la autobiografía de Pagnol a través de la narración que efectúa para la revista Elle, con ayuda de su otro yo infantil y el recuerdo emocionado de familiares que se van quedando en el camino, algunos con carácter muy trágico.

Una pléyade de fantasmas que acompañan a las memorias del homenajeado, con tal profusión de datos y diálogos que hacen difícil su digestión, especialmente cuando se está poco o nada familiarizado con el personaje. Tampoco ayuda su vertiginoso montaje, que apenas permite recrearse en los suntuosos y detallistas dibujos, todo un alarde de animación tradicional, de colores vivos y soluciones estéticas sorprendentes y muy cercanas a las técnicas puramente cinematográficas. Un trabajo, por lo tanto, sensacional desde el punto de vista estético, decepcionante desde el narrativo.

LA MERCANCÍA MÁS PRECIOSA Ese amor que tanta falta hace

Título original: La plus précieuse des marchandises
Francia-Bélgica 2025 81 min.
Dirección Michel Hazanavicius Guion Michel Hazanavicius y Jean-Claude Grumberg, según la novela del segundo Música Alexandre Desplat Voces (en versión original) Dominique Blanc, Grégory Gadebois, Denis Podalydès, Serge Hazanavicius, Antonin Maurel, Adam Carage, Jean-Louis Trintignant Animación Estreno en el Festival de Cannes 24 mayo 2024; en Francia 20 noviembre 2020; en España 11 julio 2025

La inmensa fama que cosechó Michel Hazanavicius con The Artist, cinco Oscar incluidos, y que cultivó antes con sus dos entregas del agente OSS117, réplica francesa de James Bond, no tuvo reflejo en su filmografía posterior. Ni Mal genio, con Jean-Luc Godard como centro de la acción, ni la fábula sentimental El príncipe olvidado, ni la crónica sobre cine que realizó en Corten!, lograron convencer a público ni crítica. Por eso esta primera incursión en el cine de animación, con sus defectos y virtudes, ha concitado una mayor atención y cierta aceptación en determinados círculos. Se trata de la adaptación de una novela en forma de cuento del prolífico Jean-Claude Grumberg, que también colabora en el guion, como ya hiciera antes en innumerables ocasiones, incluso a las órdenes de Truffaut (El último metro) y Costa-Gavras (Amén, El capital, Arcadia). Ambos, director y autor, han volcado en esta triste historia de esperanza y redención, sus propias experiencias con el exterminio judío por los nazis.

Llega a nuestras pantallas justo cuando las simpatías por el pueblo hebreo han disminuido considerablemente como consecuencia del tratamiento igualmente genocida que ellos están dispensando al pueblo palestino. Nada de eso, sin embargo, malogra las bondades de una historia que escenifica del mismo modo la capacidad del hombre para influir sobre su propia condición, generando odio y sentimiento de venganza, frente a la dificultad de enfrentarse a esos mismos sentimientos con convicción y humanidad. La acogida de una bebé por parte de una humilde pareja de leñadores, provocará esta cascada de emociones encontradas, inflexiones sentimentales y sacrificios varios que desembocan en un canto de esperanza, amor y libertad. Conceptos que, lamentablemente, siempre acaban transitando por la cuerda más floja.

Con una técnica de animación que recuerda a la rotoscopia, sobre fondos paisajísticos de enorme belleza, el realizador francés consigue impregnar el relato del tono poético que requiere, aunque en algún momento, especialmente hacia el final, se le vaya de las manos y acabe resultando sensiblero. No acaba siendo la obra rotunda que quizás pretendieran sus responsables, pero atesora suficientes virtudes para hacer su visionado interesante, dejarse conmover por la partitura de Desplat y, sobre todo, por el testamento cinematográfico de Jean-Louis Trintignant, en esta ocasión ejerciendo de narrador.

MEMORIAS DE UN CARACOL Ternura con estética timburtiana

Título original: Memoir of a Snail
Australia 2024 94 min.
Guion y dirección Adam Elliot Fotografía Gerald Thompson (Animación) Música Elena Kats-Chernin Voces (en versión original) Sarah Snook, Kodi Smit-McPhee, Eric Bana, Magda Szubanski, Dominique Pinon, Tony Armstrong, Paul Capsis, Jacki Weaver Estreno en Australia 17 octubre 2024; en España 31 enero 2025

El creativo animador Adam Elliot ganó un Oscar en 2003 por su cortometraje Harvie Krumpet. El salto al largometraje lo dio en 2009 con Mary y Max, y ahora perpetúa la aventura con esta agridulce crónica de la marginación y la incomprensión, que guarda muchas similitudes con su trabajo anterior, dando al conjunto una coherencia muy apreciable. Como si de un niño eterno se tratara, y con sus películas exorcizara malas experiencias vividas aún en proceso de crecimiento, por tratarse posiblemente de un outsider, como lo llaman los angloparlantes, hay en sus películas una ternura teñida de acritud que se vislumbra no sólo en sus apesadumbrados argumentos, sino especialmente en una estética harto deudora del universo de Tim Burton, sobre todo en el diseño de personajes y en el amplio abanico de objetos, sobre todo los que tienen forma en espiral, y el caracol del título es un ejemplo de ello.

Coinciden sus historias en la voz de un narrador o narradora, la supuesta desdicha de quienes cruzan su infancia marcados por la marginación y la pérdida, convergiendo en tragedia, y el retrato de un ambiente familiar a menudo entrañable, otras veces terrible. En este contexto nos encantan detalles como la afición a la lectura del papá francés y sus dos queridos hijitos, o la viveza y el optimismo del personaje que encarna Pinky, la vieja enérgica que cautiva a la protagonista.

Destaca una minuciosa y muy artística animación stop motion, junto a un guion milimetrado y jalonado de episodios, algunos de ellos poco recomendables para pequeñas audiencias, a pesar de que en su conjunto, su contenido se revele más que conveniente para todo tipo de edades, con el fin de proscribir el desprecio y el dolor con el que a menudo se despacha a quien se considera diferente. Celebrado en todos los festivales en los que se ha proyectado, incluyendo el Premio al mejor largometraje de animación en Sitges, opta al Oscar en su categoría.

WALLACE Y GROMIT: LA VENGANZA SE SIRVE CON PLUMAS Celebración del disparate y el todo vale

Título original: Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl
Reino Unido-Francia 2024 78 min.
Dirección Nick Park y Merlin Crossingham Guion Nick Park y Mark Burton Fotografía Dave Alex Riddett Música Lorne Balfe y Julian Nott Voces (en versión original) Ben Whitehead, Peter Kay, Reece Shearsmith, Lauren Patel, Diane Morgan, Muzz Khan Estreno en Reino Unido 18 diciembre 2024; en España (Netflix) 3 enero 2025

Nick Park le ha sacado mucho provecho a sus criaturas, La oveja Shaun, los pollos de Chicken Run y sobre todo Wallace y Gromit, tanto en el cine como en la televisión y el juego interactivo. Pero es sin duda esta pareja apasionada del queso la que mayores reconocimientos le ha traído en forma de premios. Hasta tres Oscar al mejor cortometraje y uno al mejor largometraje de animación por La maldición de las verduras hace casi veinte años, ha ganado con los simpáticos personajes.

Precisamente uno de estos galardonados trabajos, Los pantalones equivocados, sirvió de presentación del malvado pingüino Feathers McGraw en 1993. Ahora reaparece en estas disparatadas aventuras del maduro británico y su inteligente perro. Aunque el acento de este nuevo largometraje se pone en la conveniencia de la tecnología, sus peligros y adicciones. Wallace es un incontenible inventor, y uno de sus últimos hallazgos, un revolucionario robot con forma de gnomo, le puede acarrear más problemas que satisfacciones cuando caiga en manos del terrible pingüino.

A partir de ahí todo es un derroche de imaginación, pero al servicio a menudo de un todo vale que a veces resulta molesto. No cabe duda de que en cuanto a técnica, el stop motion marca de la casa alcanza cotas de perfección extraordinarias, y que los personajes invitados al festín logran cierta hilaridad parangonable a la que nos puedan proporcionar los divertidos minions. Por todo ello, celebramos la oportunidad de este cómico y ocasionalmente sarcástico producto, derroche de humor británico pero también de ese todo vale que no llega a convencernos del todo.

ROBOT SALVAJE Buenas intenciones lastradas por la violencia

Título original: The Wild Robot
USA 2024 98 min.
Guion y dirección Chris Sanders, según el libro de Peter Brown Fotografía Chris Stover, animación Música Kris Bowers Intérpretes Lupita Nyong’o, Pedro Pascal, Kit Connor, Stephanie Hsu, Mark Hamill, Catherine O’Hara, Bill Nighy, Ving Rhames Estreno en el Festival de Toronto 27 septiembre 2024; en Estados Unidos 8 septiembre 2024; en España 11 octubre 2024

A estas alturas, si no fuera por la irrupción de esa maravilla técnica y emocional que es Flow, esta película sería saludada definitivamente como la mejor producción animada del año pasado. Así parecieron recibirla críticos de todo el mundo. Lamentablemente no podemos sumarnos a ese entusiasmo generalizado, aunque tampoco somos ajenos a sus logros y méritos. Con una técnica depuradísima, que combina texturas digitalizadas con otras que imitan razonablemente las tradicionales analógicas, a menudo inspiradas en la acuarela, Dreamworks suma este paradigmático robot femenino a personajes de su factoría ya tan familiares como Shrek, el gato con botas, los Croods o Hiccup y su dragón, logrando altas cotas de sentimentalismo pero sin renunciar a la molesta y recurrente violencia a la que apenas encontramos producciones hollywoodienses capaces de resistirse.

En Robot salvaje, última creación de Chris Sanders, responsable de personajes como los mencionados Croods o Lilo y Stitch, y director del western con Harrison Ford y perro también digitalizado La llamada de lo salvaje, asistimos a la inteligencia artificial al servicio de grandes gestas despreciadas por el ser humano, como la lucha anticlimática o la solidaridad como única arma para enfrentarse el enemigo común. Reconforta un arranque en el que los animales casi se comportan como tales, prescindiendo de la arcaica fábula que los convierte en variaciones humanoides. Luego se justifica el lenguaje verbal con un programa de traducción que lleva aparejado el singular robot, lo que no justifica su comportamiento humanizado. Y a partir de ahí seguimos las andanzas del personaje, su instinto maternal y su capacidad de conciliación y resiliencia frente al abuso del poder y la economía.

Pero todo acaba resultando excesivamente infantil y sentimentaloide, lo que hace que su recurrente violencia sea aún más peligrosa e inconveniente. Sus logros técnicos y sus buenas intenciones quedan así ensombrecidas por su inevitable recurso hacia la destrucción y el caos, por mucho que ésta sea su principal denuncia. Una descomunal banda sonora de Kris Bowers, asociado a trabajos más íntimos y recogidos, y un par de inspiradas canciones pop ilustran el conjunto con acierto y significación.

MARIPOSAS NEGRAS Desplazadas climáticas

España-Panamá 2024 78 min.
Dirección David Baute Guion Yaiza Berrocal y David Baute Fotografía María Pulido Música David Navarro Voces Laura Gómez, Bella Agossou, Miranda Gas, David Comrie, Jean-Didier Aïssy, María Jesús Lleonart, Bernat Quintana, Mercè Montalà Animación Estreno 13 diciembre 2024

Curtido en el documental y concienciado activista del cambio climático, el canario David Baute consagró su último trabajo, Éxodo climático (2020), a contar la historia de tres mujeres obligadas a emigrar como consecuencia de las tragedias naturales que asolaron sus hogares. Tres madres de familia que tuvieron que abandonar a sus maridos, y en un caso incluso a sus hijos, en Ghoramara (India), Turkana (Kenia) y San Martín (Caribe), para emigrar a Dubai, Nairobi y París respectivamente. Desde entonces ha estado trabajando en la versión ficcionada y animada de estas dolorosas experiencias de desarraigo y miseria a la que ha condenado la desidia y falta de interés de los países que pueden frenar esta barbarie que está acabando con el planeta y sus recursos.

Baute emplea para ello una animación sencilla, incluso diría básica, pero efectiva. Sobre todo echa mano de una sensibilidad extrema para contar de la forma más didáctica posible los efectos devastadores de huracanes, inundaciones, sequías y demás catástrofes cada vez más frecuentes y en los lugares más insospechados, como consecuencia del tan negado por algunas esferas calentamiento global. Lástima que como ocurre con el cine social, quienes se acerquen a verla estén ya suficientemente concienciados, y que apenas se haya estrenado en una veintena de cines de todo el país. Esperemos que con el Premio Forqué recién obtenido, su carrera comercial se impulse un poquito más, aunque sobre todo confiamos en que el trabajo no caiga en el olvido inmediato y pueda ser exhibido en aulas y allí donde más interesa, entre las nuevas generaciones, la única esperanza de que lleguemos a tiempo de evitar el apocalipsis.

Por el camino, cabe destacar las penurias que sufren quienes se ven obligados y, como en este caso, obligadas a desplazarse y no poder ser consideradas ni siquiera como refugiadas por no estar sus casos incluidos en la Convención sobre el Estatuto de los Refugiados. En este sentido, la película acierta al no subrayar este sufrimiento ni tampoco banalizarlo, sino mostrarlo tal cual es, una situación de parias y sin derechos que, en el caso de las mujeres, como muy bien han demostrado sus guionistas, se ve considerablemente empeorada, llegando a suponer también un problema de violencia de género. El legendario Rubén Blades rubrica el trabajo con una acertada y emotiva canción.

NIMONA Sorprendente cuento que destila educación en valores

USA 2023 102 min.
Dirección Nick Bruno y Troy Quane Guion Robert L. Baird y Lloyd Taylor, según el cómic de N.D. Stevenson Música Christophe Beck Voces (en versión original) Chloë Grace Moretz, Riz Ahmed, Eugene Lee Yang, Frances Conroy, Lorraine Toussaint, Beck Bennet, RuPaul Charles, Indya Moore, Julio Torres Estreno en Estados Unidos 23 junio 2023; en España (Netflix) 30 junio 2023

Motivados por la reciente nominación al Oscar, recuperamos esta película estrenada en Netflix el pasado mes de junio. Y como ya nos ocurriera el pasado año con The Sea Beast, descubrimos una joya enriquecida por sus valores en libertades y derechos humanos. Sin renunciar a las sempiternas historias de lucha entre el bien y el mal y la salvaguarda de la inocencia frente a una acusación y trampa injusta, el cómic de Nate Stevenson aboga por defender y potenciar la diversidad, así como denunciar el recurso que desde antaño se hace al miedo como arma de control y manipulación, todavía vigente en nuestros días.

Su protagonista es un monstruo, vilipendiada desde siglos atrás, incomprendida y rebelde en su condición. El trazo y su definición nos la hacen simpática y divertida, una gamberra atrapada en cuerpo de adolescente que se transforma en cualquier tipo de animal, grande o pequeño. Su objetivo es ayudar a un guerrero sorprendentemente gay, con novio también aguerrido, despreciado primero por el pueblo por su condición de plebeyo (crítica también al sistema de clases y monarquías que todavía imperan en nuestro mundo), después admirado por su coraje e impecable sentido del esfuerzo, y finalmente odiado por su imputación en un horrible crimen que no ha cometido. No desvelamos nada, ya que todo esto ocurre nada más arrancar esta aventura colorista y simpática que echa mano parcialmente de la estética manga pero con personalidad propia, mucha luz y un diseño a la altura de unos postulados que quedan de esta manera fácil y decididamente establecidos, con el mismo trazo sincero y seguro que caracteriza a su ágil y desenfadada narrativa.

Este canto a la diversidad, al respeto y a superar miedos infundados y vencer así el control y el dominio de quienes quieren imponer su voluntad, se erige así en experiencia muy conveniente para el público más joven, y por extensión al público en general, que tanta educación parece seguir necesitando. Y lo mejor es que no resulta nada pretenciosa en sus cometidos y resoluciones. Su ropaje queer se trasluce también en las aportaciones estelares del drag RuPaul y la modelo y actriz Indya Moore (Pose), doblando a un reportero y una reportera de televisión. No nos sorprende que tras años de interés por parte de Disney, finalmente la rechazara y fueran otras productoras más pequeñas, Blue Sky y Annapurna, quienes la hicieran realidad, con el patrocinio decisivo de la todopoderosa Netflix.

SPIDER-MAN: CRUZANDO EL MULTIVERSO Un concepto muy barroco de la animación

Título original: Spider-Man: Across the Spider-Verse
USA 2023 140 min.
Dirección Joaquim Do Santos, Kemp Powers y Justin Thompson Guion Phil Lord, Christopher Miller y Dave Callahan, según los personajes de Stan Lee Música Daniel Pemberton Voces (en versión original) Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Brian Tyree Henry, Lauren Vélez, Jake Johnson, Oscar Isaac, Jason Schwartzman, Issa Rae, Daniel Kaluuya, Karan Soni, Shea Whigham, Greta Lee, Mahershala Ali Estreno en Estados Unidos y España España 2 junio 2023

Cuando los Daniels se coronaron como vencedores de los Oscar de 2022 con Todo a la vez en todas partes, el multiverso ya había sido explorado por las películas Marvel, especialmente las saga de Spiderman y del Doctor Strange. En ese mismo contexto, aún a riesgo de hartazgo, se desarrolla la secuela de Spider-Man: Un nuevo universo, cuyo título ya adelantaba esta creación en la que todo vale y todo se confunde.

Los incondicionales del cómic saldrían satisfechos de esta película estrenada el pasado verano, que ahora recuperamos por su reciente nominación al Oscar a la mejor cinta de animación. Y es que la película supera con creces lo que promete, ampliando sus recursos, giros y sorprendentes recreaciones visuales, que combina todo tipo de técnicas de animación y obliga al público a prestar la máxima atención para no perderse en su vorágine de datos, personajes, temas y traumas de diversa índole. Entre todos los Spider-Men & Women que propone, sigue destacando el personaje de Miles Morales, incurso ahora en problemas de mayor índole familiar que de salvar propiamente el mundo.

Le sigue muy de cerca una mujer araña, Gwen Stacey, tan traumatizada por sus relaciones paterno filiales como su compañero. El conjunto rebosa creatividad pero provoca igualmente cierta sensación de cansancio y confusión que quienes no comulgamos especialmente con la propuesta, acabamos traduciendo en aburrimiento no exento de la clásica animadversión por la violencia extrema.

ROBOT DREAMS Colegas especiales en Zoópolis

España-Francia 2023 102 min.
Guion y dirección Pablo Berger, según la novela gráfica de Sara Varon Música Alfonso de Vilallonga Animación Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2023; en España 6 diciembre 2023

Dice Pablo Berger que nunca tuvo la intención de convertirse en director de cine de animación, pero que cuando cayó en sus manos un ejemplar de las aventuras de Dog y su inseparable robot, escritas por Sara Varon, no pudo resistirse a la tentación de adaptarlas al cine en su formato original. Tras dos años de trabajo concienzudo con un equipo de animadores y animadoras bajo la dirección de José Luis Ágreda, el resultado nos llega esta temporada en forma de milagro, el que nos depara una película en la que sin diálogo alguno, apoyándose sólo en la expresividad de sus personajes y sus precisos movimientos, la emoción se hace latente en cada fotograma, con la inestimable ayuda de un tema musical que ya de por sí es emoción pura, September de Earth, Wind & Fire.

En Robot Dreams, el director de Blancanieves y Abracadabra nos regala una historia de amistad y camaradería, pero sobre todo de complicidad y amor, de compartir experiencias y emociones, en la que un perro que vive en una Nueva York zoológica de los años ochenta, encuentra en el robot que adquiere por catálogo para paliar su soledad, la compañía y el cariño que tanto se la había resistido. El escenario por lo tanto es la Gran Manzana, pero habitada exclusivamente por animalitos, lo que da una sensación de mayor diversidad aún de la que ya disfruta la gran metrópolis, y se revela además como un sentido homenaje a una ciudad en una época en la que todavía no había empezado a perder parte de su encanto. Es cierto que en su alegato del compañero o compañera como modelo de vida, deja fuera a quienes han decidido hacer de la soledad su bandera, e incluso de quienes se ven solos por imposición, que en lugar de recibir consuelo o alivio sobre su situación, ven cómo ésta se ve agravada por manifestaciones como la que protagonizan Varon y Berger en su trabajo, algo que perpetúa una sociedad que sólo ve sentido en la pareja o el grupo y no respeta la soledad.

Pero consideraciones existenciales aparte, no cabe duda de que el mensaje de amistad y compenetración que transmite este emotivo trabajo resulta tan emocionante como agradable, resuelto además a través de una historia hermosa donde la pérdida del ser al que queremos, el duelo y la superación encuentran un vehículo extraordinario, sin palabras pero con mucho corazón, una animación esmerada que mira en parte a los estudios Ghibli y a Futurama, y un trabajo de Alfonso de Vilallonga a la música que contribuye sobremanera al éxito de la empresa. Cabe destacar también el sensacional ramillete de referentes y homenajes al cine que se acumula a lo largo del metraje, desde El mago de Oz al cine de terror, con guiños a Hitchcock incluidos, o el musical de Busby Berkeley y los grandes momentos animados de Disney. En definitiva, un festín para amantes del cine, del dibujo animado y de la emoción y el sentimiento en general. Su carrera no ha hecho más que empezar, así que esperamos que esas nominaciones a los Premios Europeos del Cine y a los Goya con los que comienza su palmarés, cristalicen pronto en merecidos reconocimientos.