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viernes, 14 de agosto de 2026

CUENTA ATRÁS Thriller combinado y ligeramente entretenido

Título original: Fuze
Reino Unido 2025 98 min.
Dirección
David Mackenzie Guion Ben Hopkins Fotografía Giles Nuttgens Música Tony Doogan Intérpretes Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington, Gugu Mbatha-Raw, Saffron Hocking, Honor Swinton Byrne, Elham Ehsas, Luke Mably Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2025; en Reino Unido 3 abril 2026; en España 14 agosto 2026


El director británico David Mackenzie saltó a la fama en 2016 con el western thriller Comanchería, protagonizado por Jeff Bridges y Chris Pine. Antes dirigió a Ewan McGregor en Young Adam y a Jack O’Connell en Convicto. Después volvió a contar con Pine en El rey proscrito, protagonizado también por Aaron Taylor Johnson, uno de los protagonistas de esta nueva aventura en clave de thriller con dos vertientes distintas que se superponen de forma no tan ingeniosa como cabría esperar.

En este contexto, el actor británico interpreta a un militar especialista en desactivación de bombas que debe evitar que estalle una bomba encontrada por azar en pleno corazón de Londres. El desalojo de la vecindad y los pasos de la desactivación, se superponen con otras circunstancias que generan una vorágine de tensión malograda por un montaje más interesado en el ritmo y la velocidad que en generar verdadera tensión dramática. Una sucesión de típicos giros de guion van, sin embargo, mejorando la intriga y el interés, a pesar de que el grado de sofisticación y complejidad de maniobra de cada nuevo episodio, hacen que el conjunto resulte algo indigesto.

A pesar de todo, la falta de cualquier ambición que no sea la del mero y liviano entretenimiento, hace que el producto se disfrute sin dificultad alguna, lo que se ajusta también a un buen diseño de producción y un atractivo reparto al que hay que añadir a Theo James (Divergente), Sam Worthington (Avatar) y Gugu Mbatha-Raw (Belle).

martes, 11 de agosto de 2026

HEARTSTOPPER PARA SIEMPRE Endeble final para una serie imprescindible

Título original: Heartstopper Forever
Reino Unido 2026 114 min.
Dirección
Wash Westmoreland Guion Alice Oseman, según su novela gráfica Fotografía James Rhodes Música Adiescar Chase Intérpretes Kit Connor, Joe Locke, William Gao, Yasmin Finney, Corinna Brown, Kizzy Edgell, Tobie Donovan, Jenny Walser, Rhea Norwood, Jack Barton, Anna Maxwell Martin, Eddie Marsan, Derek Jacobi, Richard Clifford Estreno en Netflix 17 julio 2026


Con precedente en un par de novelas cortas que escribió en 2017 bajo el título de Nick y Charlie, Alice Oseman inició con tan sólo veintitrés años su novela gráfica Heartstopper, que conoció hasta seis volúmenes antes de adaptarse a la televisión, con ella misma como guionista, en 2022. Tres temporadas protagonizadas por esta entrañable pareja de adolescentes gais confluyen ahora en un largometraje concebido directamente para la misma plataforma digital que lanzó con éxito la serie. Un trabajo que viene a ser algo así como el epílogo a un culebrón romántico que ha inspirado a nuevas generaciones de jóvenes todavía cohibidos por la homofobia reinante, y que ahora se convierte en más necesaria aún debido a la invasión reaccionaria que nos acucia. De hecho, uno de los momentos más inspirados de esta, por otro lado, algo insípida película, lo protagoniza Elle, el personaje trans de la historia, cuando manifiesta su temor porque la ola política reaccionaria acabe con los derechos adquiridos tras tantos años de lucha y reivindicación. 
En cuanto al resto, Kit Connor y Joe Locke, ya más creciditos, continúan su relación, ahora tensionada por sus respectivas responsabilidades escolares y extraescolares, mientras mirar al horizonte y desconfiar de esa regla no escrita de que los primeros amores rara vez se extienden a perpetuidad, se convierte en leit motiv de esta despedida que parece definitiva.

Todos los méritos de una serie absolutamente necesaria, que tanto ha ayudado a nuevas generaciones y tanto ha hecho por normalizar una situación inevitable e irrenunciable, se perpetúan quizás de forma reiterativa y superficial en este largometraje dirigido por Wash Westmoreland, realizador junto a Richard Glatzer de Quinceañera, La última aventura de Robin Hood, con Kevin Kline y Susan Sarandon, y Siempre Alice, con Julianne Moore, y que ya en solitario presentó cintas como Colette, con Keira Knightley, y La música del terremoto, con Alicia Vikander. No se esmera demasiado en dar continuidad al excelente trabajo desplegado por Euros Lyn y Andy Newbery durante las tres temporadas de la serie, aunque no renuncia a momentos tiernos que provocan una sincera, fresca y natural reacción emocional, gracias en gran parte a la pareja protagonista y a un elenco, que, salvo contadas excepciones, como la de Olivia Coleman, ahora reemplazada por Anna Maxwell Martin, repite en su integridad.

Especial mención merece la tierna participación de Derek Jacobi y Richard Clifford como ejemplo de ese amor eterno, profundo y crepuscular por el que la cinta parece abogar contra toda corriente. No obstante, el conjunto adolece de consistencia, resulta reiterativo y no parece conseguir un rumbo adecuado, no al menos cuando la serie precedente tanto hizo por la inclusión de la diversidad en edades tan tempranas, algo así como la serie Algo más que rivales hizo en el encorsetado mundo del deporte.

jueves, 30 de julio de 2026

LOS CHRISTOPHER Arte dialéctico

Título original: The Christophers
Reino Unido 2025 100 min.
Fotografía y dirección
Steven Soderbergh Guion Ed Salomon Música David Holmes Intérpretes Ian McKellen, Michaela Coel, James Corden, Jessica Gunning, Tilly Botsford Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Reino Unido 15 mayo 2026; sin fecha de estreno en España


A veces cuesta comprender la ausencia en nuestra cartelera, incluidas plataformas digitales, de ciertos títulos. El incombustible y prolífico director estadounidense Steven Soderbergh dirigió esta pequeña pero gran película, diríamos de cámara, justo después de la inquietante Presence y la glamurosa y también interesante Black Bag, aquí llamada Confidencial. Para ello contó con Ed Solomon una vez más en el guion, tras haber colaborado con el autor de Traffic y Ocean’s Eleven en series como Círculo cerrado o Mosaic, o en películas como Sin movimientos bruscos. El coguionista de las dos primeras entregas de Ahora me ves y la primera Men in Black, fija ahora su atención en el escrupuloso y arrogante mundo del arte al máximo nivel, enfrentando a un orgulloso y anciano pintor con una falsificadora que ve la oportunidad de vengarse intelectualmente gracias a un interesado y miserable encargo del hijo y la hija del primero.

Unos personajes a los que ponen rostro y pasión un sensacional Ian McKellen y la enigmática Michaela Coel, a quien hemos visto en personajes episódicos en Star Wars El último Jedi y Black Panther Wakanda Forever. La actriz posee un físico tan felinamente llamativo, que parecería haber sido más bien generada por inteligencia artificial, lo que potencia su atractiva y enigmática presencia en un film duelo que no puede evitarnos pensar en otros productos británicos en la estela de La huella de Mankiewicz, otro norteamericano que logró captar el espíritu netamente inglés, como también hace Soderbergh. Pero ni una dirección firme, ni la solidez del guion ni las excepcionales interpretaciones parecen haber sido suficientes para captar la atención en los festivales y escasos países en los que se ha exhibido, a pesar de su notable excelencia.

La frecuente superchería que rodea al arte, más cuando se ha labrado una dignidad y una fama de la que resulta ya difícil desprenderse, se convierte en arma arrojadiza en esta entretenida y particular cinta que logra encandilar a pesar de apostar todo su armamento a la palabra, una borrachera dialéctica a la que se presta fundamentalmente McKellen, tan fluida como a menudo trabada, hasta el punto de no venirle mal algún otro visionado para llegar a entender toda su riqueza intelectual. James Corden y Jessica Gunning acompañan con talento y gracia a los dos protagonistas, dotando de carnalidad y psicología unos papeles que en otras manos apenas habrían sobrepasado el tópico.

miércoles, 13 de mayo de 2026

LAS OVEJAS DETECTIVES Una simpática intriga bovina

Título original: The Sheep Detectives
Reino Unido-USA 2026 109 min.
Dirección
Kyle Balda Guion Craig Mazin, según la novela de Leonie Swann Fotografía George Steel Música Christophe Beck Intérpretes Hugh Jackman, Emma Thompson, Nicholas Braun, Nicholas Galitzine, Molly Gordon, Hong Chau, Tosin Cole, Kobna Holdbrook-Smith, Conleth Hill y las voces de Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Patrick Stewart, Regina Hall, Chris O’Dowd, Bella Ramsey, Brett Goldstein y Rhys Darby Estreno en Reino Unido y España 8 mayo 2026

Lo que pudiera en principio parecer un cruce entre la traviesa Oveja Shaun y el tierno Babe, el cerdito valiente, acaba convirtiéndose en un producto atrevido y singular en el que más bien se mezclan hábilmente las novelas policiacas al más puro estilo de Agatha Christie con las fábulas bovinas con serios problemas de identidad. El resultado en un film en principio infantiloide que atrapa pronto gracias a su encanto puramente británico, una trama ingeniosa y un tratamiento dramático y estético a la altura de lo deseable. Lo mejor es el tratamiento dispensado a los animales, que lejos del disparatado planteamiento inicial, se comportan como auténticos personajes de su especie, con la única salvedad de comunicarse mediante el lenguaje verbal humano exclusivamente entre ellas, pero sin adoptar en ningún momento comportamientos humanos como estamos acostumbrados en manos de otras factorías. 
Su hábil aportación a la investigación llevada a cabo por un policía local en una de esas encantadoras aldeas de la campiña inglesa, se limita a proporcionarle los elementos y claves necesarios para que sea él quien resuelva el misterio, lográndose la credibilidad, e incluso la complicidad, de un material en origen tan endeble y delicado.

Con Hugh Jackman y Emma Thompson como reclamos publicitarios, es en realidad el menos popular pero con una larga carrera en el cine y la televisión a sus espaldas, Nicholas Braun, quien protagoniza la función, secundado por el cada vez más célebre Nicholas Galitzine (Rojo, blanco y sangre azul, la serie de televisión Mary & George, y la próxima a estrenarse He-Man y los masters del universo). El resto, las entrañables ovejas, sobresaliendo entre las voces originales la de Julia Louise-Dreyfus (Veep, Sobran las palabrascomo la inteligente y vispada Lily, evidencian su origen infográfico en exceso, pero se agradece ese tratamiento animalista, dispensado también en el sustrato e intencionalidad de la trama.

Por otro lado, el elenco de sospechosos habituales queda algo desaprovechado, quizás porque su metraje no permite tanto detalle, teniendo en cuenta todo el material dedicado al tratamiento de estos entrañables bovinos. Pero el resultado global es satisfactorio, entretenido y todo lo amable que cabe esperar de un producto de estas características. Tan apropiado para públicos infantiles como maduros hartos de tanta violencia y malos humos, a pesar del asesinato que origina la trama.

domingo, 12 de abril de 2026

INCONTROLABLE La educación como método de cura

Título original: I Swear
Reino Unido 2025 120 min.
Guion y dirección
Kirk Jones Fotografía James Blann Música Stephen Rennicks Intérpretes Robert Aramayo, Maxine Peake, Shirley Henderson, Scott Ellis Watson, Peter Mullan, Steven Cree, Francesco Piacentini-Smith Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Reino Unido 10 octubre 2025; en España 10 abril 2026

Kirk Jones
tiene una dilatada pero muy dispersa filmografía, de modo que en treinta años apenas ha dirigido seis películas, desde la muy divertida y sorprendente Despertando a Ned a tocar fondo con Mi gran boda griega 2, pasando por la estupenda La niñera mágica (Nanny McPhee) o la menos estimulante Todos están bien, remake estadounidense de la cinta homónima de Giuseppe Tornatore. Ahora vuelve a brillar su mejor faceta, escribiendo y dirigiendo con tan buen oficio como sensibilidad esta emotiva película sobre John Davidson, diagnosticado con una enfermedad rara conocida como síndrome de Tourette. Su título original es bien preciso y específico, haciendo alusión a la acepción del verbo Swear como insultar, en lugar del más habitual jurar. Y es que ese es el principal inconveniente de dicho síndrome, un exceso de sinceridad que lleva a quien lo sufre a insultar sin piedad ni atención a las consecuencias. Además, exhibe espasmos de la más diversa índole, lo que le hace difícil desarrollar determinadas tareas.

Conocemos a Davidson desde su adolescencia, cuando se perfilaba un prometedor futuro ante sus ojos, como estudiante y como portero de fútbol, todo truncado con la aparición espontánea y repentina de la inconveniente enfermedad. Un estupendo joven, Scott Ellis Watson, se encarga del personaje antes de que Robert Aramayo, rostro familiar por haberlo visto infinidad de veces como secundario, pero seguramente recordado por su participación en Juego de tronos, coja el testigo y se haga dueño de la función, acaparando incluso los Bafta correspondientes a mejor actor y mejor estrella emergente en la última edición, además de recibir de refilón también el de mejor cásting. Al margen de esta extraordinaria interpretación, está la de quienes le rodean, incluidos los veteranos Peter Mullan y Maxine Peake, que añaden dimensión sentimental al asunto, así como Shirley Henderson, que aunque más popular para los y las seguidoras de Harry Potter, algunos siempre la recordaremos por Wonderland de Michael Winterbottom. Peake y Henderson representan respectivamente a la familia natural, incapaz de entender y asimilar la diferencia, y la de adopción, generoso y bondadoso colchón sobre el que superar la adversidad.

Pero sobre todo la cinta brilla por apostar por la educación en empatía y solidaridad como mejor antídoto ante una enfermedad cuya cura está en el aire y exige una inversión que está lejos de lograrse tanto en el Reino Unido como en otros países del entorno. Ese es el verdadero acierto de esta imprescindible película, hacer hincapié en nuestra responsabilidad para que nadie se siente diferente, y todos y todas gocen de ese concepto tan universal pero poco puesto en práctica como es la igualdad. Algo que pasa por ser conscientes de que todos tenemos algún tipo de incapacidad, una carencia de habilidades que nos impide realizar todo lo que quisiéramos. Algo que necesita una divulgación adecuada y suficiente, la que por ejemplo da esta estremecedora y a la par entretenidísima película, dentro de un género que nadie maneja mejor que los ingleses.

miércoles, 18 de marzo de 2026

EL TESTAMENTO DE ANN LEE Extravagante y superficial musical seudorreligioso

Título original: The Testament of Ann Lee
Reino Unido 2025 136 min.
Dirección
Mona Fastvold Guion Mona Fastvold y Brady Corbet Fotografía William Rexer Música Daniel Blumberg Intérpretes Amanda Seyfried, Lewis Pullman, Thomason McKenzie, Matthew Beard, Stacy Martin, Tim Blake Nelson, Christopher Abbott, Scott Handy Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2025; en Reino Unido 27 febrero 2026; en España 13 marzo 2026


La actriz y directora noruega Mona Fastvold debió conocer a Brady Corbet participando como intérprete en su delirio psicodélico y musical Vox Lux. Juntos escribieron The Brutalist, que dirigió él, emprendieron una relación sentimental y tuvieron un hijo. Antes de esta película, Fastvold dirigió en su país natal Dobles parejas y en Estados Unidos el western queer El mundo que viene. El pasado año se embarcó en el que seguramente ha sido el proyecto más ambicioso de su carrera hasta el momento, un extravagante musical sobre la líder y fundadora del movimiento Shaker, una escisión de la religión protestante que promovía la igualdad absoluta entre hombres y mujeres, la vida sencilla y en comunidad, la música y el baile como medio de acercarse a un Dios mitad hombre mitad mujer, y hasta algo tan nórdico como el diseño de mobiliario práctico, funcional y decididamente sencillo. Pero promovía también el celibato, y esa podría ser una de las claves fundamentales para su paulatina desaparición, como se constata en sus elaborados títulos finales.

Los shakers defendían también el carácter profético de su líder y su concepción como nuevo y femenino Jesucristo, de forma que su denominación oficial era Sociedad unida de creyentes en la segunda aparición de Cristo. Fastvold y Corbet, con la colaboración inestimable de Daniel Blumberg, que tiene también un papel como intérprete en la película y fue muy laureado por la banda sonora de The Brutalist, y además compuso la de El mundo que viene, han convertido esta epopeya ambientada a finales del siglo XVIII en un musical, con la licencia del modus operandi de la secta, que al fin y al cabo es lo que era, y la herencia de un buen puñado de canciones y bailes convenientemente remozados para los gustos actuales. Su suntuosa puesta en escena, deudora del imaginario nórdico, con peajes en Dreyer y Haneke, salvando las distancias especialmente con el primero, no se corresponde con su dramaturgia histérica, caótica y falta de inspiración y profundidad.

El resultado es como una tesis religiosa a lo Dreyer pero carente de sustancia, cuyo largo metraje se digiere con la esperanza de descubrir algo en el horizonte, que se diluye conforme entendemos que se trata de un camino a ninguna parte, nada revelador y, desde luego, poco atractivo. Ni la esforzada interpretación de su protagonista, Amanda Seyfried como Madre Ann, que llegó a estar nominada al Globo de Oro, ni su elaboradísima banda sonora, y mucho menos su espasmódica coreografía, logran elevar la cinta más allá de una nadería que incluye las persecuciones a las que la secta fue sometida, primero en Reino Unido y después en Estados Unidos, sin que nada llegue a emocionar ni motivar. Una lástima, porque material había para lograr un film fascinante, fiel reflejo de la preocupante sociedad en la que vivimos actualmente. Cuesta trabajo seguirla en su política de exceso y ambición.

viernes, 6 de marzo de 2026

CLEANER: RESCATE VERTICAL La jungla femenina de cristal

Título original: Cleaner
Reino Unido 2025 95 min.
Dirección
Martin Campbell Guion Simon Uttley, Matthew Orton y Paul Andrew Williams Fotografía Eigil Hansen Música Tom Hodge Intérpretes Daisy Ridley, Taz Skylar, Matthew Tuck, Ruth Gemmell, Clive Owen, Ray Fearon, Rufus Jones, Richard Hope, Stella Stocker, Lee Boardman, Melissa Humler Estreno en Estados Unidos 21 febrero 2025; en Reino Unido 2 mayo 2025; en España 6 marzo 2026


Pretender sólo ser una película entretenida es poner el nivel muy bajo. Afortunadamente aquí parece que el artesano Martin Campbell, que en otra época tuvo a su alcance presupuestos y equipos más holgados y ambiciosos, para dirigir películas como Casino Royale, Goldeneye o La máscara del Zorro, añade algún otro ingrediente para sobrepasar al menos un poquito esa intención inicial.

Hay en esta cinta de acción y débil denuncia política, alguna que otra voluntad de pronunciarse sobre el daño que la humanidad le está haciendo al planeta, con especial énfasis en las empresas energéticas y los políticos corruptos. Sirve este loable empeño a una cinta en la que Daisy Ridley, Rey en los tres últimos episodios de Star Wars, se mete en la piel de Bruce Willis para salvar a los y las rehenes de un grupo de activistas ecológicos devenidos por voluntad del loco de turno en grupo terrorista.

Pero ni la acción, encerrada en un rascacielos a lo Jungla de cristal, es tan trepidante ni la tensión sobrecoge. Todo queda en un plano poco exigente y liviano en el que ni la presencia fugaz de Clive Owen, tanto tiempo ausente de la pantalla, logra estimular algo más de lo mínimamente exigible. Entetenida, y poco más.

PILLION Aceptar la sumisión

Reino Unido 2025 106 min.
Guion y dirección
Harry Lighton, según la novela “Box Hill” de Adam Mars-Jones Fotografía Nick Morris Música Oliver Coates Intérpretes Harry Melling, Alexander Skarsgard, Douglas Hodge, Lesley Sharp, Jake Shears, Matt Hill, Nick Figgis, Zoe Engerer, Jake Sharp Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2025; en Reino Unido 28 noviembre 2025; en España 6 marzo 2026

En España suele denominarse paquete al pasajero que viaja en la parte de atrás de una moto. Pillion significa sillín de moto, pero se utiliza también para denominar a dicho pasajero. Teniendo en cuenta el tema que trata esta película, en la que los genitales masculinos tienen una gran importancia e incluso cierta presencia explícita, haber titulado en nuestro país esta película como Paquete habría sido muy oportuno. Tras un par de cortometrajes, Pillion es el prometedor debut en el largometraje del joven Harry Lighton, coronado en la sección Un certain regard con el premio al mejor guion, mientras en los Bafta ha conseguido tres nominaciones, como mejor película británica, mejor debut y mejor guion. Por su parte, el joven pero ya veterano Harry Melling, a quien hemos visto en la saga Harry Potter y en Los crímenes de la academia, obtuvo en la Seminci el premio al mejor actor. Él es el alma de la película, el reservado e introvertido homosexual, funcionario y cantante que conoce por casualidad a un imponente motero con el que descubre un mundo completamente nuevo e ilusionante para él, el de las relaciones sadomasoquistas, que en jerga erótica se denomina BSDM.

Lighton describe así una relación que debería entrar en el concepto de tóxica pero a la que el consentimiento otorga legitimidad, descubriendo al público otra forma de disfrutar de la sexualidad, el sometimiento como base del placer y el disfrute, un estigma más que debe desaparecer, y que encuentra en el personaje de la madre del protagonista el clásico ejemplo de dificultad para aceptar lo nuevo y desconocido, siendo por otro lado mujer muy concienciada con la homosexualidad de un hijo al que busca incansablemente un novio.

Lighton consigue con estos ingredientes y un ritmo fluido, además del desfile frecuente de Alexander Skarsgard luciendo físico, un film que se digiere fácil y rápidamente. Contiene secuencias muy atrevidas, rayando, si no alcanzando directamente, la pornografía. Otro aliciente para acabar con prejuicios y prohibiciones y convertir el morbo en herramienta efectiva de normalización de conductas todavía alejadas de la regla imperante. Por si fuera poco, el compositor Oliver Coates ilustra la hazaña con una sensibilidad casi poética y unos hipnóticos arreglos del Gymnopédie nº 1 de Satie.

viernes, 14 de noviembre de 2025

SEFF 2025. STRAIGHT CIRCLE Una sátira coreografiada

Reino Unido 2025 108 min.
Guion y dirección
Oscar Hudson Fotografía Christopher Ripley Música Maxwell Sterling Intérpretes Elliot Tittensor, Luke Tittensor, Neil Maskell, Robert Hobbs, Fiona Ramsay, Matthew Dylan Roberts, Catriona Andrew Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2025


Cuando vemos películas como ésta, que tanto nos descolocan, pensamos en lo mucho que escasean en las salas de cine, mientras las de teatro cada vez abrazan más propuestas de este calibre, tan vanguardista y experimental. El joven director Oscar Hudson debuta en el largometraje con esta cinta inclasificable, después de curtirse en una carrera enfocada al videoclip y el cortometraje de carácter creativo. Se presenta como una sátira antibelicista y un tanto surrealista en la que sus dos casi únicos protagonistas son soldados de países ficticios en guerra, que en época de tregua reciben la misión de salvaguardar una frontera en medio de la nada, un desierto que hace prácticamente imposible distinguir la singularidad de su aristado paisaje.

En ese contexto, y con el legado de lo absurdo y un punto grotesco, tan teatral por otra parte, sus protagonistas irán asumiendo que hay mucho más que los une frente a lo que los separa, lo que potencia la idea del irracional uso de la violencia entre semejantes, derivando en cierto modo en una suerte de Martin Guerre. Pero al margen del tono de comedia que Hudson y sus aguerridos actores han sabido dar al conjunto, en una línea que entronca perfectamente con toda una tradición británica, lo que más nos llama la atención es la precisión de su puesta en escena.

Casi como un trabajo coreográfico, Hudson divide la pantalla de forma harto elocuente, y sin uso de efectos visuales ni efectismos de ningún tipo, logra soluciones estéticas que rozan lo magistral. El extraordinario trabajo físico de los actores complementa un film que no está hecho para disfrutar, sino para reflexionar y, sobre todo, dejarse llevar por su extraordinaria originalidad y sus sorprendentes ideas narrativas y visuales. Logró el Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Venecia.

lunes, 10 de noviembre de 2025

SEFF 2025. DRAGONFLY La buena vecina

Reino Unido 2025 98 min.
Guion y dirección
Paul Andrew Williams Fotografía Vanessa Whyte Música Raffertie Intérpretes Andrea Riseborough, Brenda Blethyn, Jason Watkins Estreno en Reino Unido 7 noviembre 2025


Aunque tiene una nutrida filmografía a sus espaldas, y numerosos trabajos para la televisión, el realizador británico Paul Andrew Williams sigue siendo un desconocido entre nosotros. Quizás esta interesante combinación de cine social y thriller lo saque del anonimato. Se trata de una inteligente y muy interesante reflexión sobre la soledad y la vejez, pero sobre todo la bonhomía, la generosidad y el altruismo que tanta desconfianza generan en una sociedad tan deshumanizada como la que vivimos.

Una cinta que se toma su tiempo para mostrarnos la relación que se entabla entre una anciana y su vecina, que el director trata con una atmósfera malsana y las suficientes dosis de intriga como para generar cierta inquietud y la certeza de que algo va a salir mal. Lástima que ese tiempo se dilate en exceso, de forma que tengamos cierta sensación de rutina y falta de giros necesarios, hasta que se instala por fin aquello que andábamos esperando, aunque sea de forma distinta a las expectativas, lo que celebramos en aras a esa sorpresa indispensable que merece el género.

Sus dos protagonistas absolutas se entregan en cuerpo y alma para incorporar a la vulnerable anciana, Brenda Blethyn, Oscar en 1989 por Mi pie izquierdo y más tarde extraordinaria protagonista de Secretos y mentiras, y su improvisada cuidadora, espléndida Andrea Riseborough en un registro muy diferente al que nos tenía acostumbrados. Cabe sin embargo plantearse dudas acerca de la oportunidad de su inesperado final, por cuánto de castigo ofrece para sus sufridos personajes, incluido un tercero en discordia.

lunes, 13 de octubre de 2025

DOWNTON ABBEY: EL GRAN FINAL La fuerza y la distinción del lenguaje

Título original: Downton Abbey: The Grand Finale
Reino Unido-USA 2025 123 min.
Dirección
Simon Curtis Guion Julian Fellowes Fotografía Ben Smithard Música John Lunn Intérpretes Michelle Dockery, Elizabeth McGovern, Hugh Bonneville, Jim Carter, Laura Carmichael, Paul Giamatti, Penelope Wilton, Joanne Froggatt, Dominic West, Allen Leech, Brendan Coyle, Lesley Nicol, Harry Hadden-Paton, Robert James-Collier, Arty Froushan, Michael Fox, Joely Richardson Estreno en Reino Unido y Estados Unidos 12 septiembre 2025; en España 10 octubre 2025

Downton Abbey
triunfó en televisión durante cinco años. Cincuenta y dos capítulos repartidos entre seis temporadas, fruto de la creatividad de Simon Fellowes, quien podría decirse había esbozado la operación en la aclamada película de Robert Altman Gosford Park. En cualquier caso, ambas producciones se basaban sin lugar a dudas en la mítica serie de los setenta Arriba y abajo, pero con una producción más holgada y lujosa. Simon Curtis ha sido de nuevo el elegido para dirigir esta tercera parte de lo que se supone una trilogía cinematográfica a partir de los personajes y vicisitudes de la serie, y que por lo tanto culminaría con este título. Un film que se ambienta en 1930, y que tiene al personaje interpretado por la atractiva Michelle Dockery como figura central, heredera del legado de la familia Crawley. Los prejuicios sociales y la crisis económica devenida como consecuencia del crack, y que sirve para dar relieve a la participación estadounidense en la producción, centran el episodio central de una película que, como las precedentes y la propia serie, cuenta tantas historias cruzadas como infinidad de personajes se pasean por la pantalla.

Un trabajo dinámico del artesano director Simon Curtis, cuyos trabajos más destacados son Adiós Christopher Robin, La dama de oro y Mi semana con Marilyn. Sin embargo, tal amalgama puede resultar indigesta e incomprensible, dada la cantidad de personajes y nombres, para quien no esté familiarizado con el conjunto. No obstante, su lujosa factura, el encanto de las localizaciones y el buen rollo y discutible amabilidad que destila, logran que el film se deguste con agrado. En este punto, destacamos lo que a nuestro juicio más nos ha cautivado, que es el exquisito y acertado uso del lenguaje, paradigma de los buenos modales y acierto como vehículo indiscutible que tenemos para expresarnos y hacernos entender, algo así como arma infalible para resolver problemas de toda índole, y que si nuestros políticos dominaran como debieran, evitarían mucha violencia.

En cierto momento, Lady Edith, como todos los demás excelentemente interpretado por Laura Carmichael, le lee la cartilla en plenas carreras de Ascot, magistralmente recreadas, a un presunto estafador de la familia. Todo un ejemplo de oratoria impecable, exquisita dicción (imprescindible la versión original) y lección interpretativa, que se repite a lo largo de la película en otras circunstancias y personajes. Sólo por eso, ya cabe dejarse seducir por la supuesta última entrega de la saga. Entre las curiosidades, destacar la presencia como personaje de Noel Coward, interpretado en esta ocasión por Arty Froushan como en Gosford Park lo hizo Jeremy Northam. Una constante en el imaginario de Julian Fellowes, que aporta calidad y encanto al conjunto, con sus canciones y citas literarias, llegando incluso a incluir como chiste su inspiración en el servicio del castillo para la comedia Vidas privadas. Por supuesto, hay homenaje y dedicatoria para la inimitable Maggie Smith.

domingo, 31 de agosto de 2025

SIN OXÍGENO Salvar una vida

Título original: Last Breath
Reino Unido 2025 93 min.
Dirección
Alex Parkinson Guion Alex Parkinson, Mitchell LaFortune y David Brooks Fotografía Nick Matthews Música Paul Leonard-Morgan Intérpretes Woody Harrelson, Simu Liu, Finn Cole, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring, Josef Altin, Bobby Rainsbury, Connor Reed Estreno en Reino Unido 28 febrero 2025; en España 29 agosto 2025

Para su debut en la dirección de ficciones, el documentalista Alex Parkinson ha retomado una historia que ya trató en su formato habitual hace unos años, la del buzo profesional Chris Lemons, que quedó atrapado a 90 metros de profundidad en las gélidas aguas del Mar del Norte cuando se disponía a realizar labores de mantenimiento en las tuberías que nos abastecen de la calidad de vida que disfrutamos. Una increíble historia real que sólo así consigue demostrarnos que los milagros existen, aunque sea como consecuencia de una serie de factores que ni siquiera los científicos más atribulados son capaces de descifrar.

Está claro que la historia debió impactar tanto a Parkinson que ha convertido aquel documental, también titulado Último aliento (aunque aquí esta versión la hayamos traducido por la más específica Sin oxígeno) en un depurado y sencillo trabajo de ficción que mantiene los mismos parámetros de aquella y sufre idénticos despropósitos, como el de alargar en exceso la trama sin aportar más contenido que el estrictamente necesario, lo que hace que la narración resulte morosa y la tensión quede tan repartida que no logre levantar el vuelo en exceso. Una considerable falta de definición de los personajes lastra también sus posibilidades, mientras la ambientación en tierras escocesas y su vocación eminentemente humanista, dan relieve al conjunto. De hecho, lo que más atrae y llama la atención es el retrato de unos seres humanos empeñados en salvar una vida, desde la cápsula de los buzos y desde el barco que la sostenía, dando buena muestra de hasta qué punto vale una vida y merece preservarla, frente a quienes promulgan la idea de hundir barcos que se dediquen a salvar vidas, y quienes consagran la suya a acabar con las de otras miles mediante guerras e invasiones tan cruentas como absolutamente deleznables.

Por otro lado, la sensación de soledad y pérdida del ser humano frente a una inmensidad tan oscura e imprevisible como son los océanos, como ese universo cuyos viajantes tanto reconocimiento reciben, esa sensación de claustrofobia ante lo inabarcable, es otro de los méritos innegables de esta aventura increíble. Como curiosidad, después de protagonizar un éxito de Marvel, Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, y tras papeles de relleno en películas como Barbie, Simu Liu por fin encuentra otro papel de enjundia. Otra curiosidad reside en que el autor de la banda sonora, Paul-Michael Leonard, también se encargara de la música del documental que le sirve de referencia.

lunes, 23 de junio de 2025

28 AÑOS DESPUÉS Más rabia y más aislamiento

Título original: 28 Years Later
Reino Unido 2025 115 min.
Dirección
Danny Boyle Guion Alex Garland y Danny Boyle Fotografía Anthony Dod Mantle Música Young Fathers Intérpretes Alfie Williams, Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson, Ralph Fiennes, Edvin Ryding, Jack O’Connell, Chi Lewis-Parry, Christopher Fulford, Amy Cameron Estreno en Reino Unido y España 20 junio 2025

Un año después de los atentados del 11S y de que el mundo se lanzara a una vorágine de violencia e injusticia aún mayor del que habíamos vivido hasta entonces en las décadas inmediatamente anteriores, y dieciocho años antes de que una pandemia inédita nos hiciera vivir algunos de los meses más insólitos de nuestra vida, Danny Boyle convirtió un virus originado por la rabia más incontenible en un arma mortífera, de esas que llaman de destrucción masiva. Quienes se contagiaban adoptaban el aspecto y el comportamiento de zombies, pero a diferencia de éstos podían ser destruidos con los mismos métodos expeditivos que los humanos corrientes. El hombre contra el hombre, el instinto más primitivo de supervivencia y la violencia más terrible desatada entre iguales, se convertían así en el tema de una cinta que tuvo su continuidad con 28 semanas después bajo la dirección del español Juan Carlos Fresnadillo.

Todo, incluso el reestreno hace unas semanas de aquella primera entrega de lo que ahora se considera una trilogía, pero pronto se convertirá en saga, apuntaba a que esta nueva cinta del oscarizado director de Trainspotting y Slumdog Millionaire, entroncaba directamente con la primera entrega. Sin embargo, no es así. Se trata de un episodio completamente independiente, con nuevos personajes, que arranca en aquellos primeros días, pero bajo la experiencia de nuevas víctimas, que una vez transcurrido el tiempo anunciado en el título, habrán desarrollado una nueva sociedad aislada del peligro bajo parámetros medievales, mientras el resto del planeta ha logrado vencer al virus, lo que deja el Reino Unido en una situación metafóricamente parecida a la que padece en la actualidad merced al brexit.

Aislamiento político y económico, así como un recrudecimiento generalizado de las hostilidades, que convierten al planeta en un hervidero siempre al borde del apocalipsis, parecen estar detrás del renacimiento de la saga, aunque serán como siempre las motivaciones estrictamente económicas, la taquilla, las que habrán motivado que Boyle vuelva a contar con Alex Garland, cuya novela inspiró La playa y lo convirtió en guionista de 28 días después, para colaborar en una historia en la que un adolescente, arco y flechas en mano, es el protagonista. A pesar de matar presas por doquier a tan corta edad, su generosidad y su instinto de amor filial con la madre enferma, le harán enfrentarse a los monstruos, mientras un extraordinario Ralph Fiennes se convertirá en protagonista de la función nada más aparecer como médico asilvestrado, entregado en cuerpo y alma a recuperar la memoria de las víctimas, infectadas o no. La aparición de Jack O’Connell, prometerá la continuación, siempre latosa, de la franquicia británica. Por el camino, algún episodio interesante, otros ya transitados y cierto desequilibrio en el ritmo, igual que su predecesora, que hace que la cinta no resulte memorable.

domingo, 2 de marzo de 2025

MI ÚNICA FAMILIA Una cuestión de catarsis emocional

Título original: Hard Truths
Reino Unido-España 2024 97 min.
Guion y dirección
Mike Leigh Fotografía Dick Pope Música Gary Yershon Intérpretes Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, David Webber, Ani Nelson, Sophia Brown, Tuwaine Barrett, Jonathan Livingstone Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Reino Unido 31 enero 2025; en España 28 febrero 2025

Hay directores, como Guédiguian, Allen o Loach, que reconcilian a una parte de la población cinéfila, que acude puntualmente a cada uno de sus estrenos buscándose a sí mismos a través de historias sencillas con las que sea fácil identificarse. Mike Leigh pertenece a ese selecto grupo. A sus ochenta años, y con la ayuda en la producción de la española Mediapro, tan atenta a este tipo de cine que no debe desaparecer de nuestra salas y de la experiencia sensorial pública, Leigh vuelve al universo que le hiciera popular en los años noventa del pasado siglo con Secretos y mentiras, y lo hace de la mano de su entonces joven protagonista, una Marianne Jean-Baptiste que borda aquí su cometido de mujer madura, ajada y en permanente disgusto con la vida, que le convierte en persona intratable y antisocial siempre al límite.

La película se debate necesariamente entre la comedia y el drama, pues la acumulación de improperios y exabruptos que lanza la protagonista durante gran parte de su metraje, invitan a la hilaridad, con el beneplácito de un guion lúcido al respecto. Puede parecer sin embargo que la cinta invierte demasiado tiempo en mostrarnos a esa persona cansada y amargada, aunque nada es poco cuando la intención es mostrar una catarsis emocional que cuenta con una antagonista muy concreta y especial, una hermana cuyo ambiente familiar se centra en el respeto, la complicidad y una envidiable tendencia a evitar problemas a quienes les rodea.

La cinta deambula así entre el tono simpático y desenvuelto, más relajado y luminoso que tenso y opresor, a pesar de sus premisas, que permite que el viaje sea placentero, y su reverso áspero y desesperanzado, del que la agria protagonista deberá saber salir casi sin ayuda de quienes observamos cómo es posible sentirse desgraciado a pesar de vivir rodeados de comodidades y cariño. A ese tono distentido contribuye la relajada banda sonora de Gary Yershon, habitual colaborador del director británico, en la mejor tradición del Alex North más intimista y dramáticamente comprometido.

lunes, 24 de febrero de 2025

LA ÚLTIMA REINA Feminismo en la corte de Enrique VIII

Título original: Firebrand
Reino Unido-USA 2023 120 min.
Dirección
Karim Aïnouz Guion Henrietta y Jessica Ashworth, según la novela de Elizabeth Fermantle Fotografía Hélène Louvart Música Dickon Hinchliffe Intérpretes Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Sam Riley, Simon Russell Beale, Ruby Bentall, Erin Doherty, Junia Rees, Bryony Hannah Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2023; en Reino Unido 6 septiembre 2024; en España 21 febrero 2025

En el cine y la televisión nos hemos acostumbrado a saber más de Enrique VIII a través de la historia de cada una de sus seis esposas que de la suya propia. Así ocurría en La vida privada de Enrique VIII en 1933, Ana de los mil días en 1969 o la serie Enrique y sus seis esposas en 1972. Catalina Parr ha aparecido, además de en algunas de las mencionadas, en La reina virgen, interpretada por Deborah Kerr, y en Los Tudor. Ahora es el brasileño Karim Aïnouz quien se encarga de llevar a la pantalla su historia enmarcada en su matrimonio con el cruel rey, según la novela de Elizabeth Fremantle, que se permite varias licencias en el proceso, principalmente dar al conjunto un aire decisivamente feminista, y fabular con el posible final del infame monarca.

Da la sensación, sin embargo, de que debe resultar mucho más interesante lo escrito en la novela que su plasmación cinematográfica, que para el caso se conforma con un híbrido entre lo clásico y convencional y lo más contemporáneo y atrevido, sin llegar ni mucho menos a la estética de Los Tudor ni al universo vanguardista empleado por Justin Kurzel en sus incursiones históricas. Pero es en lo puramente dramático y narrativo donde la función no alcanza a interesar un mínimo admisible, convirtiendo la propuesta en una indigesta y algo aburrida crónica que repasa las simpatías de la reina por el protestantismo, a través de su amistad con la mártir Anne Askew, sus devaneos románticos con Thomas Seymour (Sam Riley) o la persecución a la que fue sometida por presunta herejía por el Obispo de Winchester, Stephen Gardner (Simon Russell Beale), sin que ninguna de estas afrentas le pasara factura, como sí lo hicieron cuestiones de similar calado con sus trágicas predecesoras.

Quizás haber ahondado en esta curiosa facilidad con la que sorteó tantos peligros, hubiese resultado en una película más inquietante y fascinante de lo que finalmente puede considerarse. Destaca sin embargo la esforzada interpretación de Jude Law, a priori improbable candidato a dar vida al orondo rey, y que sin embargo sale bastante airoso del reto, incluidos los dolorosos episodios provocados por la herida en un muslo que arrastró desde 1536, y que pudo provocar, junto a una posible sífilis, su deceso. Alicia Vikander recrea sin embargo una Catalina Parr bastante plana y demasiado comedida, lejos de esa rebeldía o provocación que apunta el título original de la cinta, puede que en consonancia con la visión templada que como referente feminista se pretenda dar de su personaje. Todo lo demás, en la línea de las producciones históricas, con buen vestuario, bellas localizaciones, cuidados encuadres fotográficos y una convincente banda sonora.

domingo, 23 de febrero de 2025

PADDINGTON: AVENTURAS EN LA SELVA Más acción pero menos magia y ternura

Título original: Paddington in Peru
Reino Unido-Francia-USA-Japón 2024 106 min.
Dirección
Dougal Wilson Guion Mark Burton, Jon Foster y James Lamont Fotografía Erik Wilson Música Dario Marianelli Intérpretes Olivia Colman, Antonio Banderas, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Carla Tous, Julie Walters, Madaleine Harris, Sanuel Joslin, Jim Broadbent, Hayley Atwell y las voces de Ben Whishaw e Imelda Staunton Estreno en Reino Unido 8 noviembre 2024; en España 21 febrero 2025


Unos efectos especiales aún más sofisticados y un reparto multiestelar no consiguen mantener la magia y la ternura a la que nos habían acostumbrado las dos anteriores entregas de las aventuras londinenses del osito más querido, con estatua incluida en la estación de ferrocarril que le da nombre. Ahora viaja a Perú en compañía de la familia Brown, en busca de su tía Lucy, perdida en el Amazonas como consecuencia de la infructuosa búsqueda de los tesoros del mítico El Dorado. Un errático guion plagado de causas y efectos de difícil digestión, y la escasa entidad de la trama propuesta, dan al traste con la aventura, que en inglés recibe sencillamente el título de Paddington en Perú, y aquí hemos potenciado su incongruente planteamiento con un inadecuado Aventuras en la selva.

Las localizaciones reales en magníficos parajes de Perú y Colombia, incluido el fascinante Machu Pichu, se pierden entre las intervenciones infográficas que dan al conjunto una apariencia tan diamantina como artificiosa, mientras Dario Marianelli aporta buen oficio con una banda sonora muy al estilo de las grandes superproducciones de aventuras. Por su parte, Antonio Banderas se quita la espinita que a buen seguro le debió reportar su breve participación en la última aventura de Indiana Jones, con un papel a la medida de aquél pero con más enjundia y una divertida multiplicidad de personajes relacionados con sus antepasados, lo más divertido de la función.

Destacamos también el personaje de Olivia Colman, una monja que se permite incluso un simpático número musical coreografiado y con guiño final a Sonrisas y lágrimas. Pero echamos de menos al osito que tanto nos enamoró en las dos entregas anteriores, y es que quizás un director debutante e inexperto y una nueva plantilla de guionistas no le hayan hecho justicia al personaje creado por Michael Bond. El resultado no deja de ser entretenido, pero se nos antoja demasiado infantil para el nivel al que nos habíamos acostumbrado de la mano de este imaginativo y educativo personaje.

domingo, 9 de febrero de 2025

FOLLOWING Primer episodio de un estilo singular

Reino Unido 2024 69 min.
Fotografía, guion y dirección
Christopher Nolan Música David Julyan Intérpretes Jeremy Theobald, Alex Haw, Lucy Russell, John Nolan Estreno en Reino Unido 5 noviembre 1999; en España 7 febrero 2025


Aunque pudo verse hace unos años en un pase especial en Madrid y Barcelona, llega ahora con honores de estreno el primer largometraje de Christopher Nolan, dos años antes de saltar a la fama con Memento. Con este film realizado con esfuerzo y economía de medios, el afamado realizador sienta ya las bases de lo que sería su propio estilo y singularidad, una narrativa distinta, original y personalísima que a menudo exige un considerable esfuerzo por parte del o la espectadora.

En este caso, plantea una clásica historia de intriga al más puro estilo del film noir, fotografía en blanco y negro incluida, a partir del voyerismo que practica su protagonista, un escritor que en busca de inspiración se dedica a perseguir a gente desconocida, hasta que uno provoca una fuerte inflexión en su monótona vida. Mezcla entonces tiempos y realidades para componer un complejo puzzle que se convierte en reto para quien pretenda seguir con precisión y lógica su intrincado argumento.

Acaba siendo entonces un interesante artilugio, esencial para entender el cine de este director que nunca se conforma con lo convencional y lo archivisto, y convierte cada nueva aventura cinematográfica en un prodigio de arquitectura narrativa, con el añadido de una estética fascinante, objeto de admiración para muchos y muchas, pero no exento de indiferencia para quienes no logran entrar en su particular universo.

lunes, 27 de enero de 2025

WALLACE Y GROMIT: LA VENGANZA SE SIRVE CON PLUMAS Celebración del disparate y el todo vale

Título original: Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl
Reino Unido-Francia 2024 78 min.
Dirección
Nick Park y Merlin Crossingham Guion Nick Park y Mark Burton Fotografía Dave Alex Riddett Música Lorne Balfe y Julian Nott Voces (en versión original) Ben Whitehead, Peter Kay, Reece Shearsmith, Lauren Patel, Diane Morgan, Muzz Khan Estreno en Reino Unido 18 diciembre 2024; en España (Netflix) 3 enero 2025


Nick Park
le ha sacado mucho provecho a sus criaturas, La oveja Shaun, los pollos de Chicken Run y sobre todo Wallace y Gromit, tanto en el cine como en la televisión y el juego interactivo. Pero es sin duda esta pareja apasionada del queso la que mayores reconocimientos le ha traído en forma de premios. Hasta tres Oscar al mejor cortometraje y uno al mejor largometraje de animación por La maldición de las verduras hace casi veinte años, ha ganado con los simpáticos personajes.

Precisamente uno de estos galardonados trabajos, Los pantalones equivocados, sirvió de presentación del malvado pingüino Feathers McGraw en 1993. Ahora reaparece en estas disparatadas aventuras del maduro británico y su inteligente perro. Aunque el acento de este nuevo largometraje se pone en la conveniencia de la tecnología, sus peligros y adicciones. Wallace es un incontenible inventor, y uno de sus últimos hallazgos, un revolucionario robot con forma de gnomo, le puede acarrear más problemas que satisfacciones cuando caiga en manos del terrible pingüino.

A partir de ahí todo es un derroche de imaginación, pero al servicio a menudo de un todo vale que a veces resulta molesto. No cabe duda de que en cuanto a técnica, el stop motion marca de la casa alcanza cotas de perfección extraordinarias, y que los personajes invitados al festín logran cierta hilaridad parangonable a la que nos puedan proporcionar los divertidos minions. Por todo ello, celebramos la oportunidad de este cómico y ocasionalmente sarcástico producto, derroche de humor británico pero también de ese todo vale que no llega a convencernos del todo.

jueves, 9 de enero de 2025

VIVIR EL MOMENTO Tontería tras tontería

Título original: We Live in Time
Reino Unido-Francia 2024 107 min.
Dirección
John Crowley Guion Nick Payne Fotografía Stuart Bentley Música Bryce Dessner Intérpretes Florence Pugh, Andrew Garfield, Adam Jones, Lee Braithwaite, Douglas Hodge, Grace Delaney, Aoife Hinds Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2024; en Reino Unido y España 1 enero 2025

El relativo éxito que el director irlandés John Crowley conoció en 2015 con la película Brooklyn, protagonizada por Saoirse Ronan, no se repitió con El jilguero cuatro años después, aún basándose en una novela de tanto éxito como la de Donna Tartt. Tampoco acierta ahora con este meloso y algo destartalado melodrama romántico que nos cuenta, presuntamente con un lenguaje original y novedoso, una historia mil veces vista en pantalla, la de una sólida relación romántica truncada por la enfermedad. El guion de Nick Payne se esfuerza por acompañar tan perentoria narración con episodios insólitos y pretendidamente diferentes, tontería tras tontería diríamos nosotros, que en realidad se nos antojan tan artificiosos como directamente insulsos y anodinos, tales como salir a comprar bolígrafos en albornoz de baño o intentar sacar un Mini de un angosto aparcamiento.

Nada resulta interesante en esta película cuyo título, a pesar de estar bien traducido al castellano, coincide con otro olvidable melodrama romántico protagonizado por John Travolta y Lily Tomlin en 1979. Ni siquiera resulta conmovedor este film en el que al menos sus protagonistas se esfuerzan notoriamente, con Florence Pugh dando vida a una exitosa chef de cocina creativa, y Andrew Garfield repitiendo ese personaje algo despistado pero responsable al que nos tiene acostumbrados fuera de su paseo por el hombre araña.

A pesar de su limitado talento, a Crowley se le han confiado importantes repartos, Colin Farrell en Intermission, Michael Caine en ¿Hay alguien ahí?, Eric Bana en Circuito cerrado o Nicole Kidman en El jilguero. Con Garfield ya trabajó en Boy A. Será ahí donde radica la mayor pericia del director, en extraer buenas interpretaciones de sus protagonistas. Pero en manos de un guion tan arquetípico y plagado de tonterías como éste, a pesar de algún episodio entrañable suelto, como el nacimiento de la hija de ambos en una gasolinera, su trabajo desluce notablemente. Payne ya destacó por su sentimentalismo de manual en El sentido de un final y La última carta de amor, pero por mucho que aquí pretenda dar sentido a la enfermedad terminal con el sempiterno dilema de si afrontarla o ignorarla, su tratamiento narrativo deliberadamente desordenado y su acumulación de tonterías no ayudan a digerir el conjunto.

viernes, 3 de enero de 2025

BETTER MAN El deslumbrante último mono

USA-Reino Unido-Francia-Australia-China 2024 131 min.
Dirección
Michael Gracey Guion Oliver Cole, Simon Gleeson y Michael Gracey Fotografía Erik Wilson Música Batu Sener Intérpretes Robbie Williams, Jonno Davies, Damon Herriman, Alison Steadman, Kate Mulvany, Steve Pemberton, Frazer Hadfield, Raechelle Banno, Jake Simmance Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2024; en Reino Unido 26 diciembre 2024; en España 1 enero 2025

El director australiano Michael Gracey combina su particular mirada estética, cultivada en su anterior largometraje de ficción, El gran showman, con su experiencia en la música pop, centrada en videoclips y documentales como el que dedicó a Pink, para ponerse a las órdenes del artista Robbie Williams y articular un biopic más personal en lo estético que en lo estrictamente narrativo. Aunque todo su entramado dramático parece fruto del talento del propio homenajeado, y éste no disimula el narcisismo que le ha hecho célebre, procura reírse de sí mismo a la vez que echa mano de todos los tópicos y lugares comunes en este tipo de producciones.

Así, encontramos al pobre artista rico abusado por managers y casas discográficas, y menospreciado por conjuntos musicales, Take That en su caso. También al joven traumatizado y marcado por el abandono familiar del padre, con quien mantendrá una relación autodestructiva, difícil e igualmente traumática. Y a quien se siente incapaz de amar en su justa medida, malogrando las posibilidades de una vida sentimental y familiar satisfactoria, mientras su rabia le llevará también a enemistarse con quienes le acompañaron desde la infancia, aunque siempre manteniendo un estrecho vínculo con una abuela visionaria y cariñosa. Muchos lugares habituales en este tipo de producciones redentoras, si bien en este caso cabe reconocer considerables logros en diferentes aspectos. Williams en ningún momento muestra su verdadero físico, sino que se parapeta tras la imagen de un mono generado por ordenador, que mimetiza sus gestos y los del actor Jonno Davies, con quien comparte protagonismo, en un alarde de originalidad que parece justificarse en el carácter primitivo de quien intenta denostadamente convertirse en ese hombre mejor del título. Gracey, por su parte, demuestra su talento y pericia en unos números musicales espectaculares, en especial el que protagonizan los dobles de la famosa boys band y un numeroso cuerpo de baile en la londinense Regent Street al son de Rock DJ, o su baile a dos en la borda de un yate de lujo donde las piruetas y torbellinos se nos antojan excesivos.

Como excesiva es una puesta en escena y una planificación visual que a menudo impide disfrutar de las esmeradas coreografías, quizás una mala influencia del universo del paisano Baz Luhrman. Con todo, Better Man se puede considerar un espectáculo entretenido y, como tantas veces se repite en el guion, deslumbrante, a pesar de lo muy en serio que a la postre se toma a sí mismo el icónico artista, por mucho que quiera disimularlo con su particular humor primate.