HEARTSTOPPER PARA SIEMPRE Endeble final para una serie imprescindible

Título original: Heartstopper Forever
Reino Unido 2026 114 min.
Dirección Wash Westmoreland Guion Alice Oseman, según su novela gráfica Fotografía James Rhodes Música Adiescar Chase Intérpretes Kit Connor, Joe Locke, William Gao, Yasmin Finney, Corinna Brown, Kizzy Edgell, Tobie Donovan, Jenny Walser, Rhea Norwood, Jack Barton, Anna Maxwell Martin, Eddie Marsan, Derek Jacobi, Richard Clifford Estreno en Netflix 17 julio 2026

Con precedente en un par de novelas cortas que escribió en 2017 bajo el título de Nick y Charlie, Alice Oseman inició con tan sólo veintitrés años su novela gráfica Heartstopper, que conoció hasta seis volúmenes antes de adaptarse a la televisión, con ella misma como guionista, en 2022. Tres temporadas protagonizadas por esta entrañable pareja de adolescentes gais confluyen ahora en un largometraje concebido directamente para la misma plataforma digital que lanzó con éxito la serie. Un trabajo que viene a ser algo así como el epílogo a un culebrón romántico que ha inspirado a nuevas generaciones de jóvenes todavía cohibidos por la homofobia reinante, y que ahora se convierte en más necesaria aún debido a la invasión reaccionaria que nos acucia. De hecho, uno de los momentos más inspirados de esta, por otro lado, algo insípida película, lo protagoniza Elle, el personaje trans de la historia, cuando manifiesta su temor porque la ola política reaccionaria acabe con los derechos adquiridos tras tantos años de lucha y reivindicación. En cuanto al resto, Kit Connor y Joe Locke, ya más creciditos, continúan su relación, ahora tensionada por sus respectivas responsabilidades escolares y extraescolares, mientras mirar al horizonte y desconfiar de esa regla no escrita de que los primeros amores rara vez se extienden a perpetuidad, se convierte en leit motiv de esta despedida que parece definitiva.

Todos los méritos de una serie absolutamente necesaria, que tanto ha ayudado a nuevas generaciones y tanto ha hecho por normalizar una situación inevitable e irrenunciable, se perpetúan quizás de forma reiterativa y superficial en este largometraje dirigido por Wash Westmoreland, realizador junto a Richard Glatzer de Quinceañera, La última aventura de Robin Hood, con Kevin Kline y Susan Sarandon, y Siempre Alice, con Julianne Moore, y que ya en solitario presentó cintas como Colette, con Keira Knightley, y La música del terremoto, con Alicia Vikander. No se esmera demasiado en dar continuidad al excelente trabajo desplegado por Euros Lyn y Andy Newbery durante las tres temporadas de la serie, aunque no renuncia a momentos tiernos que provocan una sincera, fresca y natural reacción emocional, gracias en gran parte a la pareja protagonista y a un elenco, que, salvo contadas excepciones, como la de Olivia Coleman, ahora reemplazada por Anna Maxwell Martin, repite en su integridad.

Especial mención merece la tierna participación de Derek Jacobi y Richard Clifford como ejemplo de ese amor eterno, profundo y crepuscular por el que la cinta parece abogar contra toda corriente. No obstante, el conjunto adolece de consistencia, resulta reiterativo y no parece conseguir un rumbo adecuado, no al menos cuando la serie precedente tanto hizo por la inclusión de la diversidad en edades tan tempranas, algo así como la serie Algo más que rivales hizo en el encorsetado mundo del deporte.

MARIELLE LO SABE TODO Disección emocional burguesa

Título original: Was Marielle weiss
Alemania 2025 86 min.
Guion y dirección Frédéric Hambalek Fotografía Alexander Griesser Intérpretes Julia Jentsch, Felix Kramer, Laeni Geiseler, Mehmet Atesci, Moritz von Treuenfels, Sissy Höfferer Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2025; en Alemania 17 abril 2025; en España 10 julio 2026

Con su primera película como director, el alemán Frédéric Hambalek parece aspirar a perpetuar esa mala leche que impera en muchas de las películas alemanas y austriacas que tratan de diseccionar el comportamiento familiar, y que a su vez parecen inspirarse en el cine escandinavo. El resultado pretende ser incómodo y sórdido altratar de analizar la hipocresía con la que una pareja madura afronta su algo marchita relación matrimonial. Una mascarada que se pone de manifiesto cuando, echando mano de una peripecia de corte fantástico, la hija adolescente recibe un don para conocer lo que hacen sus padres las veinticuatro horas del día, tras ser abofeteada por una compañera de clase a la que previamente ha insultado.

Un comportamiento violento por parte de ambas niñas, que deriva en una suerte de chantaje de la abofeteada contra sus padres, obligados a dejar de mentirse y mostrarse con la máxima sinceridad posible, sin reparar en el daño irreversible que podría provocar en la convivencia y los buenos modales. Una premisa sin duda inquietante que, sin embargo, no encuentra eco en un desarrollo a menudo confuso y poco atractivo, con un metraje reducido que, encima, se alarga con primeros planos ralentizados de la joven protagonista, lo que deja clara la escasez de ideas, más allá del poderoso punto de partida, con que se sustenta la empresa.

Para dar algo más de relieve, solemnidad y sofisticación al conjunto, se echa mano en su banda sonora de celebradas piezas de cámara a cargo de las grandes glorias del clasicismo y el romanticismo alemán, de Beethoven a Brahms, pasando por Schubert. Con un punto de comedia negra y unas trazas de psicología doméstica, la película no pasa sin embargo de un mero entretenimiento cuyas teorías apenas logran cuajar.

LA PLAGA Aprendices de manada

Título original: The Plague
Australia-Emiratos Árabes-USA-Rumanía 2025 95 min.
Guion y dirección Charlie Polinger Fotografía Steven Breckon Música Johan Lenox Intérpretes Everett Blunck, Kenny Rasmussen, Kayo Martin, Joel Edgerton, Elliott Heffernan, Lucas Adler, Caden Burris, Lennox Espy, Kolton Lee Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2025; en Estados Unidos 24 diciembre 2025; en España 30 abril 2026

Ambicioso debut en la dirección de largometrajes del joven director Charlie Polinger, con una historia parcialmente basada en experiencias propias vividas cuando era adolescente. Se trata de una singular y original visión del comportamiento humano en esa compleja etapa de la vida, centrándose en un campamento de verano para deportistas de agua. En concreto, analiza el devenir de un equipo de wáter polo convertido en microcomunidad con líder carismático y cierto presagio de futura manada en el peor sentido de la palabra. Intentar encajar en dicho grupo, mal considerado de ganadores, se convierte en reto del protagonista, algo más sensible que el resto. Mientras, marginar a quien no encaja, por supuesta rareza o, en este caso, enfermedad cutánea (la plaga o peste del título), se convierte en objeto del grupo.

En definitiva, volvemos a un tema muy candente como es el desprecio a la diferencia, sin tener en cuenta que en general todos y todas tenemos nuestra singularidad. La tendencia del protagonista a ayudar al marginado, irá haciendo mella en su propia posición en el grupo, mientras intenta salvar a quien no parece encajar con propuestas cercanas a la tan cacareada como errática normalidad. Todo esto, Polinger lo trata con un sentido estético bastante original, como si el envoltorio también fuera un referente de esa diferencia, esa singularidad que haga al producto único y revelador. Las evocadoras secuencias subacuáticas, su desconcertante narrativa entre el cine social y el más genuino de terror, y el sugerente, a menudo asfixiante, uso del sonido, incluida una extravagante banda sonora con la voz humana como instrumento predominante, logran ese efecto hipnótico y extraño que persigue, y logra, la película.

El trabajo de los niños es extraordinario, especialmente el desconcertado y vulnerable protagonista, el líder de la manada y el bizarro marginado Por otro lado, los escasos papales maduros, con Joel Edgerton a la cabeza como entrenador, además de ejercer como productor de la película, parecen no hacerse eco de la problemática de unos jóvenes cuya identidad está por forjar, y que posiblemente acaben pasando de chulos irredentos a fracasados sociales. En este sentido, resulta especialmente estremecedora la reacción de la madre del protagonista en una secuencia puntual y reveladora de la cinta.

EL CHICO DE LOS PANTALONES ROSAS Mejor en el fondo que en la forma

Título original: Il ragazzo dai pantaloni rosa
Italia 2024 114 min.
Dirección Margherita Ferri Guion Roberto Proia Fotografía Martina Cocco Música Francesco Cerasi Intérpretes Claudia Pandolfi, Samuele Carrino, Sara Ciocca, Andrea Arru, Corrado Fortuna, Pietro Serpi Estreno en Italia 10 octubre 2024; en España 17 abril 2026

El caso de Andrea Spezzacatena conmocionó a Italia en 2012 de la misma forma que otros similares lo hicieron en nuestro país y tantos otros del mundo. Se trata del bullying, esa práctica perversa que practican niños y adolescentes que se sienten fuertes y superiores, sobre otros de vulnerabilidad manifiesta. Un tema que a su directora, Margherita Ferri, parece interesarle bastante, habiéndolo ya tratado en su anterior y primer film, Zen sul ghaccio sotile, de 2018. No es sino un síntoma más de la falta de formación y educación que todavía se acusa a esa edad, lo que pone de manifiesto que más que tratar el problema desde la sensibilización del maltratador, conviene someterlo al análisis y el tratamiento de personas especializadas en las víctimas. Sólo mediante el proceso educativo seremos capaces de comprobar quiénes han asimilado esa formación que nos hace más sensibles, solidarios y maduros, y quiénes mantendrán esa perversidad que se hace patente en todos los ámbitos de nuestra vida y entorno.

Ahora que las redes sociales facilitan aún más esa perversión y ese escarnio al que se somete públicamente a jóvenes vulnerables, los casos se han disparado, y las consecuencias son en muchos casos tan trágicas como la que sufrió el joven Spezzacatena, de la que esta película estrenada en Italia hace casi dos años, se hace eco. Se trata de un film aseado y sencillo, de dramática fácil e intencionadamente edulcorada. Afortunadamtne su gramática se muestra sutil y delicada, sin evidenciar con toda su crudeza y contundencia el sufrimiento padecido por su protagonista, de quien muestra una adolescencia por una parte agradecida por su inteligencia y expediente académico, pero lastrada por la situación familiar e indicios de una sexualidad diversa que le hace padecer un primer choque con el amor no correspondido. Sus ansias de integración en el entorno y una sensibilidad extrema, se convierten en caldo de cultivo para sufrir el bullying aludido, pero en el camino se aprecia ilusión y esperanza.

Sus jóvenes protagonistas aciertan en la caracterización de sus personajes, pero junto al angelizado protagonista y su amiga confidente, destaca la ambigüedad impecablemente plasmada del centro de atracción del joven acosado, su compañero de clase al que da vida Andrea Arru, cuyo trabajo le ha reportado algún que otro premio de interpretación. El film se ve con interés y atención, echando de menos quizás un tratamiento cinematográfico más riguroso y creativo, pero agradeciendo su claridad y su vocación de denuncia, tan necesaria para acabar con un lastre imperdonable que afecta sobre todo a nuestro sistema educativo y los protocolos de prevención y actuación.

LA BUENA HIJA Una difícil decisión de futuro

España-USA-Bélgica 2025 101 min.
Dirección Júlia de Paz Solvas Guion Júlia de Paz Solvas y Nuria Dunjó Fotografía Sandra Roca Música Natasha Pirard Intérpretes Kiara Arancibia, Janet Novás, Julián Villagrán, Petra Martínez, Anna Cerveró, Tamara Casellas Estreno en el Festival de Málaga 12 marzo 2026; en salas 10 abril 2026

Sorprende que esta dura e irrespirable película no lograra ningún reconocimiento en el recién celebrado Festival de Málaga. La joven cineasta Júlia de Paz Solvas realizó en 2021 Ama, un interesante largometraje sobre la maternidad en solitario cuando apenas se tienen medios para mantenerse, a cuya protagonista, Tamara Casellas, siempre con niña o niño en brazos, hace un guiño en este nuevo trabajo. Ese mismo año realizó el cortometraje Harta, del que La buena hija es ahora su versión alargada y enriquecida. Entre tanto ha colaborado con Alauda Ruiz de Azúa en la creación de la magnífica serie Querer, y ha dirigido junto a Clara Roquet la serie Las largas sombras. No cabe duda de que pertenece, tanto por nacimiento como por círculo de amistades, a la nueva generación de cineastas españolas que tanto están haciendo por visibilizar los problemas que acucian a la mujer, especialmente en relación al machismo imperante.

Una difícil separación conyugal, manchada por una supuesta violencia machista de la que la cinta nunca se hace eco explícito, se erige en telón de fondo de la difícil situación anímica y psicológica que atraviesa su protagonista, una adolescente con problemas de afectividad e identidad frente a la compleja relación de sus padres, aparentemente distanciados por una orden de alejamiento. Su comportamiento en el ámbito educativo, junto a sus amigas y los primeros y tímidos escarceos sexuales, y frente al entorno familiar, es tratado con tanto acierto como delicadeza, mientras cierta sensación de desasosiego se va adueñando no sólo de la joven protagonista, una excelente Kiara Arancibia, sino del público, al que se hace difícil digerir el sufrimiento existencial de la adolescente, por muy discreta y delicadamente que éste sea tratado.

Todo acaba así convirtiéndose en una sucesiópn, bien estructurada y sometida a una ardua reflexión, de sensaciones e impresiones que acaban dejando tan mal cuerpo como dolor e incomprensión sufre su vulnerable protagonista, víctima del terror más nauseabundo y a la postre racional imaginable. Con esta cinta, la realizadora catalana se confirma como una de las voces más elocuentes y convincentes del actual panorama social español, una autoridad en temas de igualdad y educación, que tanta falta nos hace. A la vez, somete a su protagonista a una dura pregunta que no sabe contestar, ¿y tú qué es lo que quieres?

MANAS Desafiando un entorno de otra época

Brasil-Portugal 2025 101 min.
Dirección Marianna Brennard Fortes Guion Felipe Sholl, Marcelo Grabowsky, Marianna Brennard Fortes, Antônia Pellegrino, Camila Agustini y Carolina Benevides Fotografía Pierre de Kerchove Intérpretes Jamili Correa, Fátima Macedo, Rômulo Braga, Dira Paes, Emily Pantoja, Samira Eloá, Enzo Maia, Gabriel Rodrigues Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2024; en Brasil 15 mayo 2025; en España 27 febrero 2026

Hay películas que cuesta trabajo comentar, desde el momento en que no conviene referirse al tema que trata para no impedir la magia de ir descubriéndolo poco a poco. En su debut cinematográfico, la directora brasileña Marianna Brennard Fortes, con el padrinazgo de Walter Salles (Diarios de motocicleta, Aún estoy aquí), ilustra un tema trágico y escabroso con una sutileza y una delicadeza que prácticamente deja a cada uno y una que vaya asumiendo, a través de gestos y detalles, la terrible realidad que acecha a la joven protagonista.

Ambientada en una zona casi salvaje del Amazonas profundo, y con el río como fiel aliado, las manas de la película, traducible como hermanas en el sentido de sororidad, pero también en el más literal, despiertan a la madurez de forma no muy amable, mientras en el horizonte descansa la posibilidad de traicionar tradiciones y costumbres y afrontar el futuro de una forma más libre, con mayor ilusión. El patriarcado, fomentado por un apego a la religión y al proyecto de Dios, centrado en la familia como elemento indispensable como pilar absoluto de ese conjunto que llamamos sociedad, se erige así como castrador en su dominio y señorío absoluto.

De todo esto se hace eco esta delicada y a la vez terrible película, una invitación a esa zona de naturaleza generosa y salvaje de la mano de una joven cuya inocencia va germinando poco a poco hacia una realidad incómoda de la que resulta difícil, pero no imposible, salir. La joven Jamili Correa presta su hermoso y cándido semblante a esta heroína de nuestro tiempo que lo parece de otro. Nominada al Goya a mejor película iberoamericana.

LA PIEL DEL AGUA Hechuras de principiante

Costa Rica-Chile 2024 79 min.
Guion y dirección Patricia Velásquez Fotografía Óscar Herrera Música Juan Carlos Díjeres, Fernando Fonseca y Óscar Herrera Intérpretes Ariana Chaves Gavilán, César Maurel, Juan Luis Araya, Lucía Sauma, Ana Beatriz Fernández Estreno en el Festival de Locarno 16 agosto 2024; en España (Filmin) 16 mayo 2025; en Costa Rica 17 julio 2025

Sorprendido (y encantado) debe haber quedado todo el equipo técnico y artístico de esta película al haber alcanzado una nominación al Goya a la mejor película iberoamericana. Muy mala ha tenido que ser la cosecha de este año en Sudamérica para que una cinta como ésta haya merecido la atención siquiera de la Academia. Aunque se trata del tercer largometraje de ficción de Patricia Velásquez, tras Dos aguas y Apego, parece enteramente un trabajo de principiantes, en todos sus aspectos, especialmente de dirección, guion e interpretación, los tres pilares básicos de una película que se precie.

Intenta contarnos las vicisitudes de una adolescente mientras se enfrenta a cuestiones presuntamente tan trascendentales como el primer amor, la relación con un padre hasta entonces ausente y ahora omnipresente, o la hospitalización de la madre por un accidente que en cierto modo ha provocado el lógico apetito de la joven protagonista por la diversión nocturna. Una serie de despropósitos que se van desgranando con cierta coherencia pero falta absoluta de ritmo y tensión, una puesta en escena primigenia y unos factores paupérrimos que hacen que su escasa hora y cuarto de duración parezca interminable.

SEFF 2025. ENZO Acéptame por ese nombre

Francia-Bélgica-Italia 2025 102 min.
Dirección Robin Campillo Guion Robin Campillo y Laurent Cantet Fotografía Jeanne Lapoirie Intérpretes Eloy Pohu, Maksym Slivinskyi, Pierfrancesco Favino, Elodie Bouchez, Malou Khebizi, Nathan Japy, Vladislav Holyk Estreno en el Festival de Cannes 14 mayo 2025; en Francia 18 junio 2025

Con esta película, Robin Campillo, especialmente sensible al tema homosexual (Chicos del este, 120 pulsaciones por minuto) y coescritor junto a Laurent Cantet del guion de varias de sus películas, entre ellas las memorables La clase y El taller de escritura, rinde homenaje a su mentor, fallecido antes de poder llevar a buen puerto este personal proyecto. Enzo es el joven protagonista de la película, un chico rebelde frente al sistema establecido, a la manera en que parecen hacerlo hoy muchos y muchas de su generación, rodeados de comodidades, inmersos en una atmósfera intelectual y de libertad que ya hubiesen querido las generaciones pasadas, y que sin embargo desprecian y malgastan esa herencia para construir a su alrededor una realidad caótica y regresiva.

En su caso, abandona estudios y un futuro acorde a su clase, para entregarse al trabajo obrero sin capacidades ciertas para su desempeño. En ese ambiente descubre el primer, tormentoso y desafortunado primer amor, en un proceso deudor en cierto modo al que disfrutábamos en un registro opuesto en Call Me by Your Name. Pero el libreto tarda mucho en presentar el verdadero drama, mientras se pierde en exceso en miradas y ambigüedades por parte de los dos principales personajes, el Enzo del título y el apuesto obrero ucraniano del que se siente atraído.

Una sucesión de clichés que no desvelaremos para evitar spoilers, lagunos excesivos, acaban por malograr definitivamente lo que podría haber sido un trabajo más depurado y sutil sobre los diversos problemas que plantea, demasiados quizás para caber en hora y media, y desarrollarse en apenas treinta minutos, desde la lucha de clases al contraste entre el despreocupado mundo del bienestar y el que sufre la guerra, o el narcisismo operado por quienes buscan en el halago y el deseo la solución a sus problemas de aceptación. Y nos preguntamos, ¿qué hace en la sección oficial de un festival una cinta estrenada en su país hace ya cinco meses?

STEVE Tensión forzada para una última oportunidad

Irlanda-Reino Unido 2025 93 min.
Dirección Tim Mielants Guion Max Porter, según su libro Fotografía Robrecht Heyvaert Música Ben Salisbury y Geoff Barrow Intérpretes Cillian Murphy, Jay Lycurgo, Tracey Ullman, Emily Watson, Little Simz, Luke Ayres, Marcus Garvey, Joshua Barry, Joshua J. Parker Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2025; en Irlanda 19 septiembre 2025; en España (Netflix) 3 octubre 2025

Hace apenas dos semanas que Tim Mielants como director y Cillian Murphy como protagonista, estrenaron en salas Small Things Like These, sobre el drama de los bebés robados a sus madres pobres y solteras por instituciones religiosas, y ya aterrizan de nuevo en nuestra cartelera, aunque sea en plataformas digitales, con un nuevo trabajo conjunto. Se trata de la enésima revisión de la dificultad que tiene el profesorado para conciliar su vida personal y la profesional cuando de educar a jóvenes especialmente problemáticos se trata. Pero aquí se trata de ir más allá, por cuanto el centro objeto de análisis y reflexión está concebido como paso previo a un evitable reformatorio, para jóvenes realmente difíciles, con una apatía social extremadamente pronunciada.

Son los noventa del siglo pasado y una cadena de televisión decide grabar un reportaje para ser emitido en las noticias. Todo es histeria y caos a su alrededor. Lejos quedan aquellos famoso films como Rebelión en las aulas con Sidney Poitier en los sesenta, o Mentes peligrosas con Michelle Pfeiffer en los noventa. Parece que todo tenga que resultar siempre más violento y menos inocente, para presentarnos trabajos así, potenciados por una histeria insoportable, ya desde una cámara inquieta que persigue a los personajes y de paso marea al público.

Otra vez nos exigen paciencia para concienciarnos con temas tan serios y delicados. Pero en el fondo no se consigue, y menos cuando los cambios de registro son frecuentes, los planos caprichosos y las consecuencias blandas y convencionales. Con todo, Murphy consigue, dentro de los tópicos a los que es sometido su personaje, salir airoso gracias a su habitual contención y dominio del medio.

EXTRAÑO RÍO Efebos en aguas curativas

Título original: Estrany riu
España-Alemania 2025 106 min.
Dirección Jaume Claret Muxart Guion Jaume Claret Muxart y Maritxell Colell Fotografía Pablo Paloma Música Nika Son Intérpretes Jan Monter, Nausicaa Bonnín, Jordi Oriol, Bernat Solé, Francesco Wenz, Roc Colell Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2025; en salas 3 octubre 2025

Para su debut en la dirección de largometrajes, el joven Jaume Claret centra su atención en el río Danubio, que ya fue objeto de su inquietud en el corto Los Danubios, a partir de un relato de Claudio Magris, y donde un joven se le aparecía a un escritor como origen del mismísimo río. De viaje con la familia en bicicleta por las riberas alemanas del famoso río, un joven de dieciséis años se deja llevar por la experiencia sensorial de todo cuanto le rodea, para exorcizar sus propios miedos y traumas frente a la madurez intelectual y sexual que se le aproxima. Esta prometedora y poética ópera prima se adentra en esa etapa que para muchos y muchas dicen resultar bastante traumática, donde los radicales cambios que experimentamos acaban convirtiéndose en una a menudo amarga experiencia. Algunos, afortunadamente, necesitamos hablar en tercera persona cuando de este tema se trata, al no haber experimentado esos difíciles cambios de forma tan radical y problemática. Claret Muxart demuestra una madurez expresiva impresionante proponiendo esta experiencia inmersiva, una sabia combinación de realidad y ensueño, capaz del naturalismo más extremo y a la vez de recrear una experiencia onírica tan estimulante y, a todas luces, relajante.

Del agua, que es la vida, surgen las respuestas que el joven protagonista, un efebo heredero de Tadzio que podría iniciar así una interesante carrera como actor, si es esa su intención, encuentra para exorcizar las heridas de la edad, que tantos a esa edad consideran incurables. Una familia unida, comprensiva, consciente de los nuevos cánones románticos y sentimentales, en la que la única con experiencia en el cine es Nausicaa Bonnín, acompaña al joven protagonista en este viaje de feliz descubrimiento, una aventura iniciática que abre puertas y propone soluciones, siempre bajo el techo del idílico verano, bañado por las cristalinas aguas del río europeo más famoso, e ilustrado por un catálogo de sensibles partituras, desde Dafnis y Cloe de Ravel al adagio de Marcello arreglado por Bach, pasando por el bellísimo nocturno de la Suite Lírica de Grieg. Un derroche de sensibilidad sin maniqueísmos al que Claret añade otra de las que parecen ser sus inquietudes, la arquitectura moderna, que da pie a una lección del padre a los pies de una escuela al borde del río.

Un ser mágico y fascinante se encargará de ayudar a nuestro joven y todavía confuso protagonista a encontrar su camino, mientras seducidos por su fascinante apariencia, olvidamos si lo que vemos y oímos pertenece al mismo tratamiento naturalista y realista destinado a la familia y su fluido viaje salpicado de episodios y anécdotas, como el encuentro entre actrices que protagoniza la madre y una joven alemana, y que contribuye a esa palpable sensualidad que inunda esta acuática, refrescante y relajante experiencia. Estaremos atentos y atentas a la carrera de este prometedor director, deseando que este milagro no sea fruto de la casualidad.

SEPTIEMBRE DICE Las hermanas tóxicas

Título original: September Says
Irlanda-Reino Unido-Alemania-Francia-USA 2024 100 min.
Guion y dirección Ariane Labed, según la novela de Daisy Johnson Fotografía Batlhazar Lab Música Johnnie Burn y Molly Nilsson Intérpretes Mia Tharia, Pascale Kann, Rakhee Thakrar, Shane Connellan, Barry John Kinsella, Cal O’Driscoll Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2024; en Irlanda 21 febrero 2025; en España 30 abril 2025

Con muchas películas a sus espaldas como actriz protagonista o secundaria, Ariane Labed debuta como directora de largometrajes con esta curiosa película que aspira a ser perturbadora para simplemente quedarse en algo distinto y entretenido. Se nota la influencia de su marido, Yorgos Lanthimos, que junto a Athina Rachel Tsanbin, bajo cuyas órdenes debutó en 2020 con Attenberg y ganó el premio a la mejor actriz en Venecia, se han erigido en principales artífices de su carrera cinematográfica, que se completa con otros y otras directoras inscritas también en este cine que podríamos denominar bizarro, y con los que ha recorrido media Europa, siendo ella mitad griega mitad francesa.

En Septiembre dice adapta una novela de Daisy Johnson sobre la compleja relación entre dos hermanas influidas por una madre diferente, mujer artista e independiente con una forma muy particular de ver la vida y el mundo en el que vivimos. Pero incluso a ella se escapa esa relación tan deforme y particular que informa a las dos jóvenes, de dominación no exenta de sadomasoquismo, pero también de protección y una férrea colaboración que va tejiendo poco a poco un especial trastorno en la supuestamente más débil.

El acoso escolar o el despertar a la sexualidad se van constituyendo en episodios más o menos sólidos que en su conjunto conforman una película que se deja ver como experiencia diferente y entretenida. Una cinta que acaba en su discruso y su narrativa siendo más convencional de lo que en principio podría parecer, pero que a la larga no aporta gran cosa ni parece tener claro su horizonte, aunque en el camino algún que otro giro pueda hacer las delicias de quienes buscan lo inesperado en las historias de alguna forma extraordinarias.

SEFF 21 (2024) YOUNG HEARTS Un pequeño romance gay

Bélgica-Países Bajos (Holanda) 2024 97 min.
Guion y dirección Anthony Schatteman Fotografía Pieter Van Campe Música Ruben Depheselle Intérpretes Lou Goossens, Marius De Saeger, Geer Van Rampelberg, Emilie De Roo, Dirk van Dijck, Saar Rogiers Estreno en el festival de Berlín 17 febrero 2024; en Bélgica 18 diciembre 2024

Militante gay desde sus primeros cortos, Anthony Schatteman parece beber del universo que Lukas Dhont recreó para su película Close en esta crónica de un romance homosexual a muy temprana edad, algo así como aquel Un pequeño romance de George Roy Hill, pero en clave gay. No en vano se adjudica a Dhont, director también de la exitosa Girl, la responsabilidad del guion de esta película, aunque esto no está reconocido oficialmente. Esos veranos nórdicos luminosos y coloristas que tanto proliferan en los telefilms de sobremesa, y las largas carreras en bicicleta por rupestres caminos rodeados de verdes prados, además de sus jovencísimos protagonistas, parecen remitirnos a esa autoría no confirmada. Schatteman lo que nos cuenta, sin embargo, es menos cruel y despiadado, centrándose en la psicología de un todavía niño tan confundido como avergonzado por la atracción que siente hacia otro chico de su edad y condición. Sin embargo su entorno ni lo va a juzgar ni a someter a reproche alguno, salvo algún aislado episodio de bullying de escasa entidad. Puede que así podamos celebrar más que aquel Close que tanto nos irritó, esta peliculita rosa y amable, seguramente ideal para espectadores jóvenes que aún no hayan experimentado el gozo y la libertad del desprejuicio y la ausencia de mezquindad. Pero para eso ya tenemos la estupenda serie británica Heartstoppers, mucho más natural y menos sustentada en el tópico que esta convencional cinta. Destacamos sin embargo el simpático personaje del padre del protagonista, tan ensimismado en sus canciones horteras y su carrera como cantante de alcance local, como comprensivo y amable a pesar de mantenerse frecuentemente ajeno al episodio central del drama, al que presta atención el habitualmente entreñable abuelo, un dechado de humanidad y franqueza.

EL PARAÍSO Entre el afecto y la libertad

Título original: Le paradis
Francia-Bélgica 2023 88 min.
Dirección Zeno Graton Guion Clara Bourreau y Zeno Graton Fotografía Olivier Boonjing Música Bachar Mar-Khalifé Intérpretes Khalil Gharbia, Julien de Saint Jean, Eye Haidara, Jonathan Couzinié, Matéo Bastien, Samuel Di Napoli Estreno en el Festival de Berlín 19 febrero 2023; en Francia 3 mayo 2023; en España (Filmin) 26 enero 2024

Conocida internacionalmente como The Lost Boys, El paraíso nos adentra en un centro correccional para adolescentes un tanto organizado y modélico. Su joven y debutante director belga, Zento Graton, pretende que lleguemos a conocer a sus personajes a fuerza de silencios, paseos y miradas, pues el guion poco o casi nada nos alumbra sobre sus pasados y condiciones.

Algo más clara queda la personalidad de cada uno, dos jóvenes que se atraen y protagonizan una relación homosexual en la clandestinidad, basada más en la mirada y la complicidad que en un contacto físico que se resiste. Taciturno uno, duro el otro, no logramos empatizar con sus dramas, apenas esbozados, ni ese dilema que apuntan entre la libertad y el afecto. Lástima que el asunto, a priori interesante por producirse entre adolescentes en un centro de internamiento, apenas consiga levantar un vuelo varias veces anunciado pero nunca culminado.

En el vértice, una educadora bastante estricta provoca los escasos momentos, y bastante impostados, de inflexión que ofrece el anodino libreto. Para cuando su discreto metraje alcanza el final, ya nos hemos aburrido, desinteresado y desencantado bastante, por muy poética que pueda parecer la empresa a quienes desde Berlín o Cinema Jove la sublimaron.

1ª JORNADA SEFF 2023

FELIPE Adolescencia acorralada

Argentina-España-Guatemala-México 2023 83 min.
Guion y dirección Federico Schmukler Fotografía Elke Reisinger Intérpretes Felipe Szumik, Andrea del Carmen Charras, Pablo Limarzi, Analía Juan, Catalina Oliva Sección oficial. Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 24 noviembre 2023

Sin fecha de estreno ni siquiera en su país, Felipe tuvo su puesta de largo definitiva en el Festival de Sevilla, donde comprobamos su inclusión con calzador en una sección oficial absurda, toda vez que no cuenta ni con jurado ni por supuesto palmarés, algo insólito en cualquier certamen cinematográfico que se precie.

Coincide el visionado de esta película algo insustancial con la victoria de la ultraderecha populista argentina como única balsa de salvación que algunos consideran posible para salir de la eterna crisis económica que asola el país. Y lo hace hablándonos del famoso corralito de 2001, imagen de fondo de las vivencias de un adolescente perdido y desorientado ante los problemas de índole sentimental de su edad, empezando por la clásica familia desestructurada en la que debatirse por vivir con el padre siempre ausente por motivos laborales en una presuntamente tumultuosa Buenos Aires, o con la madre ajetreada con sus vaivenes legales en defensa de los más desfavorecidos en la provinciana Córdoba.

Ante semejante indecisión surge también el primer amor, torpe e impreciso, y una serie de escapadas y episodios que van tejiendo su hora y media escasa de duración ante la perplejidad de quien se pregunta qué es realmente lo que nos quiere contar su director, o si acaso está tan perdido y desorientado como su joven y taciturno protagonista.

SALA DE PROFESORES La vida es dura desde que se nace

Título original: Der Lehrerzimmer
Alemania 2023 94 min.
Dirección Ilker Çatak Guion Johannes Duncker e Ilker Çatak Fotografía Judith Kaufmann Música Marvin Miller Intérpretes Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Rafael Stacxhowiak, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Uygar Tamer, Ózgur Karadeniz Selección EFA. Estreno en el Festival de Berlín 18 febrero 2023; en Alemania 4 mayo; en España prevista en febrero de 2024

Galardonada con varios premios Lola del cine alemán y nominada a tres de los Premios Europeos del Cine, la película del director de origen turco Ilker Çataz pretende ser una disección más o menos acertada de la dificultad que tienen los profesores de colegios o institutos para resolver hasta el más nimio problema cuando todo se les echa encima, desde los padres del alumnado a la administración o la justicia, cuando no hay recursos disponibles para resolver lo más evidente. Es un problema con el que lidian millones de personas que se dedican al profesorado en todo el mundo, cuando el enorme esfuerzo reglamentario se ha volcado en defender a quien se considera más débil o vulnerable en una ecuación de difícil resolución.

La profesora protagonista de este calculado film de tesis, es partidaria de resolver cualquier problema paso a paso, siguiendo una metodología muy casuística y determinada. Pero su particular cubo de Rubik se viene abajo cuando forzada por las circunstancias, y tras una serie de acontecimientos que es incapaz de manejar y evitar, falla en sus propios postulados y se salta algunos de los pasos de su propia metodología. A partir de ahí deviene un particular calvario en el que todo se le pone en contra, hasta límites solo aceptables cuando de una ficción destinada a revolver conciencias se trata. Çatak acierta al generar una tensión en progreso irrespirable y dejarnos con muy mal cuerpo al comprobar cómo lo más sencillo puede complicarse tanto. Pero fracasa al encomendar casi todo el peso dramático de la función a un guion demasiado medido y orientado hacia un único camino, al que su bravísima protagonista se dedica en cuerpo y alma, logrando así que esa tensión dramática aludida funcione en todo su esplendor.

Otra cosa es colocar a adultos e infantes a un mismo nivel, especialmente visible en una improbable revista del colegio al que sus redactores y redactoras se dedican como si les fuera la vida en ello y, sin necesidad de pasar por la Universidad, ejercer el oficio periodístico con una profesionalidad increíble. Pero si hay algo que de verdad llama la atención en esta desigual película es su capacidad para mostrar lo dura que es la vida, incluso en los ambientes más acomodados, ya desde la misma infancia; cuánto se sufre y a menudo por tan poco desde que nacemos, expuestos y expuestas a situaciones que nos llevan al límite y que tan difícil nos resulta resolver. Y en este sentido es el personaje del muy inteligente Oskar, a quien Mendelssohn acompaña en las últimas escenas de la película, el que más nos atrae y conmueve.

BREAK NATION El insólito ritmo andaluz de los noventa

España 2023 90 min.
Dirección David Pareja Guion David Pareja y Antonio García Jiménez Fotografía Alberto Pareja Documental. Panorama Andaluz. Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 24 noviembre 2023

Si sigue así, David Pareja se convertirá en todo un especialista en documentales musicales. Debutó en 2017 con Indestructible: El alma de la salsa, donde realizaba un recorrido espacial y sentimental por la América de la salsa de la mano de Diego El Cigala, y presenta ahora todo un sorprendente y revelador homenaje al fenómeno del Breakbeat andaluz de la década de los noventa del siglo pasado. Quizás porque me cogió un poco mayor, o más bien seguramente porque asumía responsabilidades que me hicieron quedar fuera de estos ámbitos, viví ese ambiente completamente ajeno, creyendo que la única movida interesante en ese momento era la ruta del bacalao valenciana. De esta forma el trabajo de Pareja nos descubre un fenómeno de masas que nació en Marbella al hilo de las influencias que llegaban de Inglaterra, y con la oposición firme, abusiva y hasta dictatorial del infame Jesús Gil. De ahí pasó a Málaga y Sevilla para acabar recorriendo toda la geografía andaluza, capitales y pueblos, llenando las pistas de música electrónica de tiempos rotos, como así se define, con la que organizar rabiosas raves.

Lástima que aunque cuenta con muchos testimonios de promotores y disc jockeys que trabajaron la escena, y con una ingente cantidad de material gráfico en su mayoría proveniente de videos domésticos de gente aficionada, el conjunto resulta demasiado disperso como para comprender en su totalidad la cronología y la amplitud de su influencia, de forma que sólo nos queda una idea ligera aunque sorprendente de lo que llegó a ser, y de cómo acabó fagocitando ideas y costumbres de Florida, así como funcionando solo en este hemisferio de la península ibérica, sin apenas repercusión a partir de Despeñaperros, con la sorpresa generalizada del resto de una Europa donde sus tentáculos no llegaron a alcanzar.

Hitos como el éxito de The Prodigy, o el final de la aventura a causa de su corrupción cani y, sobre todo, del desastre a nivel de organización y estupefacientes, resultado de muerte incluida, que supuso la celebración del séptimo aniversario del programa de Canal Sur Radio Mundo Evassion. Esto provocó la destitución de su principal artífice, Daniel Moreno, lo que quizás también pudo provocar su suicido unos años después, hechos que se convierten en inflexiones interesantes de este desigual pero muy trabajado documental. Después vino el reguetón, y a esto insólitamente no hay quien lo pare.

LA MATERNAL Docudrama poco revelador

España 2022 122 min.
Guion y dirección Pilar Palomero Fotografía Julián Elizalde Intérpretes Carla Quílez, Ángela Cervantes, Jordan Dumes, Pepe Lorente, Olga Hueso, Rubén Martínez, Gal-la Sabaté, Neus Pàmies Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2022; en salas 18 noviembre 2022

Puede que muchos esperasen con impaciencia el nuevo trabajo de la directora de Las niñas, y puede que hayan celebrado este su segundo trabajo como demostración de que el buen sabor que les dejó aquella galardonada película no era fruto de la casualidad. Puede que Pilar Palomero haya aprendido muy bien el oficio y sea capaz de mantener el interés y la tensión de su película durante las dos horas que dura, y que nos sorprenda cambiando el estilo y la forma, ampliando el horizonte de su protagonista, ahora más descarada y desinhibida, reflejado en el paso del formato estrecho 1.37:1 de su ópera prima al cinemascope en que nos presenta esta nueva historia. Todo eso es cierto, y sin embargo hay algo en este film que no nos acaba de convencer, bien sea porque ha diseñado su personaje central de manera que nos resulta antipática, o porque se ve anclada en una mirada que no avanza lo suficiente y nos deja siempre con demasiadas dudas e incógnitas.

En el reparto se combinan actores y actrices profesionales, entre ellas una de las chicas del film Chavalas, que ahora hace de madre de la protagonista, con otras que parecen estar interpretándose a sí mismas en esta suerte de documental sobre las residencias para madres niñas o adolescentes. Cierto que hay detrás un drama importante, educacional sobre todo, pero también consecuencia de una sociedad machista, con maltratos y violaciones allí donde las oportunidades parecen ser más esquivas. Y de todo ello se hace eco la cinta de Palomero; sin embargo en ese contexto no encaja la historia de esta niña malhumorada y rebelde, salvo que no cuente lo que sospechamos y acabamos por no constatar frente a la resistencia de uno de esos guiones que prefiere dejarlo todo a la interpretación y no cerrar ninguna consecuencia.

Así las cosas, la película muestra poco o nada sobre esta tragedia que sufren las mujeres, y lejos de no juzgar parece estigmatizar a quienes rehúyen de su responsabilidad simplemente por dar rienda suelta a su deseo de feminidad, como siempre han hecho los hombres sin que nadie les juzgue. Cabe destacar por supuesto el trabajo de la debutante Carla Quílez, niña de catorce que parecen menos y que mucho nos tememos apenas se interpreta a sí misma, dejando en evidencia a quienes prefieren premiarla a ella por su frescura y naturalidad que a quienes se esfuerzan y agotan día a día desempeñando el difícil trabajo de actriz.

ARMAGEDDON TIME Ahogados por el sistema

USA-Brasil 2022 114 min.
Guion y dirección James Gray Fotografía Darius Khondji Música Chris Spelman Intérpretes Banks Repeta, Anne Hathaway, Jeremy Strong, Anthony Hopkins, Jaylin Webb, Tovah Feldshuh, Andrew Polk, Marcia Haufrecht, John Diehl, Jessica Chastain Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2022; en Estados Unidos 4 noviembre 2022; en España 18 noviembre 2022

No es fácil traducir el título de la última película de James Gray, uno de los mejores cineastas norteamericanos de la actualidad, tan poco reconocido en su país como celebrado fuera de sus fronteras, especialmente en esa Francia que a menudo acusamos de chauvinista y que sin embargo no duda en encumbrar el talento de los artistas nacidos fuera, y si no que se lo digan a Almodóvar. Tiempo de destrucción, Tiempo de cambio o de apocalipsis serían los símiles a este Armageddon Time que trata precisamente de esa época crucial en la que se perfila y perfecciona gran parte de nuestra personalidad, la adolescencia. El director de La noche es nuestra, Dos amantes y Z, la ciudad perdida, parece inspirarse en sus propias vivencias al contarnos esta melancólica y nostálgica historia que nos traslada al Nueva York de 1980, cuando su protagonista tenía apenas doce o trece años.

Fijando su atención en dos entornos decisivos, la familia y la escuela, tan normativos como impostados en una sociedad que todo lo tiene medido y calculado para que no nos salgamos del camino trazado por quienes realmente mueven nuestros hilos, Gray cuenta una historia emotiva y llena de ternura así como de pesimismo y hondura psicológica. La escuela pública reservada para quienes si no aprovechan sus escasos recursos y se salen de la norma acabarán ocupando los estratos más ínfimos de la sociedad, frente a la privada, seno y origen de las castas que regirán el mundo, se perfilan como dos universos que abrirán los ojos al pequeño protagonista, un excelente Banks Repeta de mirada entre perdida y sorprendida, a quien habíamos visto en papeles muy secundarios en cintas como Black Phone o Mi tío Frank. Resultan en este sentido muy significativas las apariciones de Fred y Maryanne Trump, hermanos del infame ex presidente de Estados Unidos, inspirando a los jóvenes estudiantes para que se conviertan en los regidores del futuro. Una no acreditada Jessica Chastain interpreta a la segunda. Por otro lado una familia tan normativa como la escuela, sirve para reprimir y limitar aun más la mente abierta, ingenua y creativa del joven protagonista.

Ahí brilla una Anne Hathaway madura y nada glamourosa como madre abnegada y responsable a su manera, frente a un hostigador y decepcionado Jeremy Strong como padre, además de esa siempre alentadora figura del abuelo al que da vida magistralmente un Anthony Hopkins tierno y entrañable en las antípodas del papel que le dio su último Oscar. Y en el vértice de estos escenarios, la amistad sincera y desprejuiciada con un paria de la sociedad, el joven negro al que se le niega el futuro, las riendas y la esperanza, y que servirá igualmente, en una manera tan lúcida como funesta, para abrirle los ojos y la mente a este niño adolescente al que poco le falta para tomar las decisiones quizás más importantes de su vida. Una exquisita selección de música clásica y melódica acompaña a la sobria partitura que Chris Spelman ha confeccionado con momentos de lirismo wagneriano. Con un sobrecogedor final que quedará como uno de los más hermosos momentos cinematográficos que podamos conservar en nuestra memoria, esta es una película de cinco estrellas.

SEFF 2022 6ª Jornada

21 PARAÍSO El delicado concepto de intimidad

España 2022 97 min.
Dirección Néstor Ruiz Medina Guion Néstor Ruiz Medina, María Lázaro y Fernando Barona Fotografía Marino Pardo Música Marcos Cruz Intérpretes María Lázaro y Fernando Barona Estreno en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2022

Todavía a estas alturas no parece que tengamos claro lo que entendemos verdaderamente por intimidad y lo que no lo es. Néstor Ruiz Medina al menos parece entenderlo mejor, y después de quince cortometrajes se atreve con estas veintiuna secuencias en plano único con las que nos narra, siguiendo un formato harto original pero una dramaturgia tan natural como convincente y convencional, el día a día de una joven pareja que parece vivir ciertamente en el paraíso.

Sus ingresos los obtienen mayoritariamente a través de una plataforma digital a la que suben sus videos sexuales. Tres secuencias sirven para marcar su tan inteligente como oportuna intención; son aquellas en las que la pareja aparece rodeada de amigos, y que muestran el arcaico concepto que todavía mantenemos del pudor y la moral, grave tratándose de gente joven que no duda en practicar el poliamor y drogarse mientras juzgan el acto sexual a disposición de todos.

Mientras, el público somos invitados a observar como voyeurs los momentos que los protagonistas viven en su rutina diaria, tanto o más íntimos que verlos mientras disfrutan del sexo. Tan claro lo tienen el director y sus guionistas/protagonistas, que cuando el sexo natural se convierte en pornografía, surge la crisis. Y todo eso rodado con técnicas tradicionales, celuloide y banda sonora musical incluidos, además de contar con excelentes interpretaciones por parte de sus dos atribulado y atribulada protagonistas.

CLOSE Bullying indirecto

Bélgica-Francia-Países Bajos 2022 105 min.
Dirección Lukas Dhont Guion Angelo Tijssen y Lukas Dhont Fotografía Frank van den Eeden Música Valentin Hadjadj Intérpretes Eden Dambrine, Gustav De Waede, Émilie Dequenne, Léa Drucker, Léon Bataille, Igor van Dessel, Kevin Janssens, Marc Weiss Estreno en el Festival de Cannes 26 mayo 2022; en Bélgica 2 noviembre 2022

Después de Girl, Lukas Dhont insiste en retratar en sus películas personas marginadas por una sociedad que apenas evoluciona, lo hace a pasos de tortuga o simplemente retrocede. Esta vez le toca el turno a dos niños cuya intensa amistad les ocasiona la burla de sus compañeros y compañeras de colegio, con consecuencias para los dos jóvenes y su relación que podrían ser irreversibles.

Quiere Dhont que su film sea sensible, como los niños a los que sigue en incesantes carreras a pie o en bici por verdes y floridos prados. Y quiere que sea delicado, sin estridencias y luminoso; ya se sabe, el eterno verano suave del norte europeo al que tan acostumbrados nos tienen los telefilms de sobremesa del fin de semana. Y sin embargo atisbamos una falta de sinceridad y rigor en tan espinoso tema, una querencia por la impostación y un análisis tan superficial de la situación, que no nos convence.

Y eso nos irrita, porque el tema daba para un tratamiento más vigoroso y profundo, con mayor eficacia como arma educativa, que buena falta hace en una sociedad que retrocede al ritmo que progresan las políticas más derechistas europeas y los comportamientos más excluyentes y machistas… Un peligro que hay que atajar urgentemente, pero no con colores pastel y lágrimas de colirio.

HOLY SPIDER Malas calles

Dinamarca-Francia-Alemania-Suecia 2022 117 min.
Dirección Ali Abbasi Guion Ali Abbasi y Afshin Kamran Bahrami Fotografía Nadim Carlsen Música Martin Dirkov Intérpretes Zar Amir-Ebrahimi, Mehdi Bajertani, Arash Ashtani, Forouzan Jamshidnejad, Mestah Taleb Estreno en el Festival de Cannes 22 mayo 2022; en Francia 13 julio 2022

El director iraní Ali Abbasi se dio a conocer internacionalmente hace un par de años con la estupenda y sorprendente cinta de terror Border. Ahora fija su atención en la situación de su país, y retrocediendo veinte años recrea un caso policial en el que el machismo y la idea de la mujer como objeto de provocación y pecado tienen un peso muy especial.

En ese contexto se mueve la protagonista, una intrépida y ávida periodista dispuesta a destapar el misterio que hay detrás de una serie de asesinatos de índole machista y religiosa. En su periplo no serán pocas las ocasiones en las que tendrá que convivir y soportar situaciones de humillación y peligro por su condición de mujer, ya desde su llegada al hotel de la ciudad sagrada de Meshhad en el que se aloja. Abbasi dibuja a partir de ahí una geografía humana que acaba resultando más peligrosa aún que la participación de los propios imanes, al menos en aquella ya lejana época. Destapa así una sociedad fuertemente islamizada, salvaje e incapaz de reflexionar sobre el derecho de las mujeres a la dignidad y el respeto.

Lástima que todo este interesante e inquietante trabajo perezca merced a una investigación y resolución tosca y nada ingeniosa, a pesar de lo cual el realizador consigue momentos de enorme inquietud que remiten a películas como Frenesí de Hitchcock o Zodiac de David Fincher, lo que unido al soberbio trabajo de interpretación premiado en Cannes de quien fue estrella de los culebrones iraníes, Zar Amir-Ebrahimi, y del veterano Mehdi Bajestani, hacen que el film se digiera con interés.

SEFF 2022 3ª Jornada

SONNE Yihad a Go Go

Austria 2022 87 min.
Guion y dirección Kurdwin Ayub Fotografía Enzo Brandner Intérpretes Melina Benli, Law Wallner, Maya Wopienka, Kerim Dogan, Omar Ayub, Awini Barwani, Marlene Hauser, Thomas Momcinovic Estreno en el Festival de Berlín 12 febrero 2022

Poco sol y solo algunos destellos de luz hay en esta película de esta joven realizadora, cuyo único trabajo hasta la fecha, Paradise! Paradise!, data de hace seis años y narraba en clave de documental autobiográfico el regreso a Irak de una joven cineasta austriaca de origen kurdo. La producción ahora de Ulrich Seidl hacía esperar algo más provocador y de corte más certero y austero, sin embargo poco hay aquí de lo primero más que un punto de partida, con el clásico de REM de revelador título Losing my religion como sorprendente objeto central, que hacía presagiar un desarrollo mucho más intenso e inquietante de lo que finalmente es capaz de ofrecer.

No es sino prácticamente una sucesión de ocurrencias vía redes sociales, especialmente tik tok, de una joven austriaca de familia iraquí y sus dos amigas, más las propias del padre de la protagonista, el más evolucionado y divertido de cuantas criaturas habitan en una película que va progresivamente perdiendo fuelle e interés para no quedar reducida sino a la contemplación de sus bellas protagonistas y la energía y alegría propias de su edad.

El camino hacia ninguna parte va así servido, por mucho que se quiera transmitir un mensaje de libertad y autodefinición, con un ligero toque de feminismo y alguna denuncia velada a la religión y la tradición que en su honorable intención de no juzgar ni manipular, no encuentra sin embargo tampoco eco ni trascendencia en un conjunto decididamente fallido.

LE MUR DES MORTS El presente de la memoria

Francia 2022 51 min.
Guion y dirección Eugène Green Fotografía Raphaël O’Byrne Intérpretes Saia Hiriart, Edouard Sulpice, Françoise Lebrun, Lola Le Lann, Alex Terrier-Thiebaux, Eugène Green Estreno en Francia (Canal Arte) 11 septiembre 2022; en Alemania (televisión) 12 septiembre 2022

Estrenada solo en televisión, el nuevo film de Eugène Green (El hijo de Joseph, La sapienza) es un mediometraje que implora por la memoria, el recuerdo de lo ignominioso, de la barbarie y lo injustificable, para que no se repita, quizás con el convencimiento de que ni siquiera la memoria puede evitar caer una y otra vez en la misma desgracia, la guerra en primer plano. Tras una cita de San Agustín que asegura que todos los tiempos, presente, pasado y futuro, son presente, un joven relajado en el verano parisino encuentra el muro de los caídos en la Primera Guerra Mundial y eso le pone directamente en contacto con un fantasma del pasado que le hará revelaciones tan sabias como inquietantes y reflexivas.

Con su habitual habilidad para la condensación, la puesta en escena sencilla pero efectiva y el buen gusto que le lleva a que cada nuevo trabajo podamos considerarlo una exquisitez, Green se reserva en la función uno de los personajes, de hecho el que actúa como bisagra entre sus dos partes simétricas, el del aprendizaje y la escucha y el de la práctica y la acción, mientras el resto desarrolla consecutivos diálogos con el joven inquieto que irán añadiendo pesadumbre al relato de nuestra civilización y el peligro siempre latente al que la sometemos.

Una cuidada caligrafía, excelente literatura y preciosas ilustraciones musicales que van de Bach a Schubert, acaban por redondear cincuenta minutos de exquisita experiencia. Una preciosa Letanía para el Día de los Difuntos de Johan Georg Jacobi, con música de Schubert y la voz de Ian Bostridge, cierra significativamente tan hermoso y necesario film.

THE ETERNAL DAUGHTER Fantasmas en conflicto

Reino Unido-Irlanda-USA 2022 96 min.
Guion y dirección Joanna Hogg Fotografía Ed Rutherford Intérpretes Tilda Swinton, Joseph Mydell, Carly-Sophia Davies Estreno en el Festival de Venecia 6 septiembre 2022

En la aclamada Souvenir, Joanna Hogg nos contaba en clave autobiográfica sus primeras experiencias como cineasta y un controvertido romance sentimental. La hija de Tilda Swinton, Honor Swinton Byrne, la interpretaba bajo el nombre de Julie Hart. En la segunda parte de Souvenir aparecía el personaje de su madre, Rosalind, encarnado por Tilda, protagonista ahora de esta tercera entrega y posiblemente cierre de la trilogía, que ahora interpreta los dos personajes, Julie y Rosalind.

Hogg se decanta para este suculento cierre por el cine de fantasmas al más puro estilo de Henry James y su célebre Otra vuelta de tuerca. Un caserón inglés perdido en el bosque y sometido a una neblina permanente sirve de escenario ideal para que la ahora madura Julie se enfrente a su propio pasado y el familiar, a los fantasmas que habitan tan tenebroso escenario y a su propia relación materno-filial, al parecer tan llena de secretos como de ternura y compasión.

El experimento, no exento de honda reflexión, se beneficia de una atmósfera propicia, que otorga intriga e inquietud a una trama que podría estar más cerca del puro melodrama que del terror gótico, aunque beba y mucho de él. Julie fue al hotel en busca de respuestas para desarrollar su próximo guion, y puede o no que las encuentre, ahí radica la intriga de un film que no duda en buscar referentes en El resplandor, música de Bartok incluida, y el universo que Jack Clayton planteaba en Suspense o Los inocentes, la mejor adaptación de la novela de james jamás filmada. Frente a la confusión que plantea su complejo entramado, lo único claro es que el servicio hostelero es igual de infame en Inglaterra que aquí en nuestro país.

LOS HIJOS DE OTROS Ante todo, mujer

Título original: Les enfants des autres

Francia 2022 104 min.
Guion y dirección Rebecca Zlotowski Fotografía Georges Lechaptois Música Robin Coudert y Gael Rakotondrabe Intérpretes Virginie Efira, Roschdy Zem, Antonia Buresi, Yamée Couture, Henri-Noël Tabary, Victor Lefebvre, Chiara Mastroianni, Mireille Perrier, Sébastien Pouderoux, Frederick Wiseman, Anne Berest, Michel Zlotowski Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2022; en Francia 21 septiembre 2022; en España 3 febrero 2023

Fenómeno taquillero en Francia y multi reconocida por la crítica y los palmarés, la nueva película de la realizadora de la irregular Grand Central explora la psicología femenina a través del instinto maternal, para llegar a consecuencias diversas, entre las que podría destacar la impostura o la tradición a la que, como en tantas otras facetas, nos hemos acostumbrado o se nos ha impuesto, en este caso a las mujeres.

La protagonista, una luminosa Virginie Efira, quizás lo más relevante del film, ha llegado a una edad peligrosamente madura para lograr sus objetivos de reproducción y cubrir así la tan ansiada cuota a la que parece obligarnos el aceptado ciclo vital, sin conseguir esa complicidad masculina que le permita cumplir su sueño. Mientras tanto ejerce su frustrado instinto con los hijos de otros del título, especialmente la hija de su nueva pareja y el alumnado más desfavorecido del instituto en el que imparte clases, sin sospechar que quizás ahí puede encontrar sentido a sus anhelos, no sin pagar el peaje correspondiente. Zlotowski parece así volcar su propia experiencia en la película y no duda, entre otras cosas, en contar con su propio padre para interpretar al de la protagonista. Sin embargo, sin dejar de reconocer que la suya es una mirada profundamente femenina, que sabe de lo que trata y cómo hacerlo, no podemos pasar por alto que echamos en falta algo más de naturalidad en el conjunto y que no se repitan clichés y postales de comedia típicamente urbana y burguesa.

De este modo acaba chirriándonos el exceso de impostura, la falta de una fluidez natural a la que tampoco ayuda una banda sonora en la que abundan esos grandes éxitos de índole culta, desde el maniqueo Concierto para mandolina de Vivaldi a Doris Day pasando por el Concierto nº 2 para piano de Shostakovich o la versión de Aguas de marzo de Georges Moustaki. Y es que todo en esta película está diseñado para gustar y complacer, lo que también tiene su mérito si se consigue.

BLACK PHONE Violencia con sentido

Título original: The Black Phone
USA 2021 102 min.
Dirección Scott Derrickson Guion C. Robert Cargill, Scott Derrickson y Joe Hill Fotografía Brett Jutkiewicz Música Mark Korven Intérpretes Mason Thames, Madeleine McGraw, Ethan Hawke, Jeremy Davies, E. Roger Mitchell, Troy Rudeseal, James Ransone, Miguel Cazanez Mora, Rebecca Clarke, J. Gaven Wilde, Tristan Pravong, Jacob Moran, Banks Repeta Estreno en Estados Unidos y España 24 junio 2022

Tan perturbador como la película misma es el hecho de que haya tardado tanto en estrenarse desde su puesta de largo en el Festival Fantastic de Estados Unidos en septiembre del año pasado. ¿Será quizás por el hecho de contener tanta violencia protagonizada por adolescentes? Eso nos obliga a reflexionar con responsabilidad sobre si lo que vemos en pantalla es del todo punto reprobable o es precisamente una denuncia ante una sociedad tan violenta como la norteamericana, pródiga a experimentar esa inusitada violencia estudiantil que lleva cada año a tantos niños y niñas a la tumba, víctimas de sus propios compañeros de clase.

Curtido en películas de terror como Sinister, El exorcismo de Emily Rose o Líbranos del mal, sin olvidar su debut en la quinta entrega de Hellraiser, Scott Derrickson saltó definitivamente al cine de gran presupuesto con Dr. Strange, y combina ahora las hechuras de un film importante con los horrores que han jalonado su filmografía. En este caso se trata de un asesino en serie de niños que siembra el terror y el desconcierto en un suburbio de los años setenta del pasado siglo, década que despunta como la pérdida definitiva de la denominada inocencia americana. A pesar de un punto de arranque tan recurrente, no hay apenas nada en el film que podamos tildarlo de tópico, ni se echa mano de los puntos comunes del género. Todo lo contrario, el guion rebosa originalidad desde sus propios planteamientos y a través de un desarrollo ingenioso e inteligente, aunque por el camino pague el peaje de convertir a sus jóvenes protagonistas en depredadores de sí mismos y sujetos activos de una violencia que la nación cultiva como si fuera una enfermedad contagiosa.

El trabajo de los niños es impecable, a pesar del esfuerzo físico y psicológico que se les obliga a realizar, mientras Ethan Hawke personifica a la perfección ese personaje perturbado y siniestro que funciona como motor de una vorágine de sangre y violencia dentro de un conjunto en el que todo cobra sentido, quizás para denunciar ese mal endémico que mantiene al país tan dividido. Derrickson consigue mover la cámara provocando esa inquietud imprescindible en el género, a la vez que demuestra ser un narrador consumado y efectivo. Todo funciona bien, sin efectismos baratos ni necesidad de echar mano de sustos recurrentes, solo los justos pero bien encajados. Cuenta además con un esmerado trabajo del sonido, incluida su banda sonora, con el fin de dar credibilidad a una historia que combina crímenes con fantasmas, sueño y realidad, sin que nada chirríe ni resulte demasiado convencional.