DENTRO DEL CAMPO Duros y sensibles

Título original: In from the Side
Reino Unido 2022 134 min.
Fotografía, música y dirección Matt Carter Guion Matt Carter y Adam Silver Intérpretes Alex Lincoln, Alexander King, William Hearle, Peter McPherson, Alex Hammond, Pearse Egan, Christopher Sherwood, Chris Garner, Ivan Comisso Estreno en Irlanda 16 septiembre 2022; en España (internet) 16 diciembre 2022

Matt Carver sólo había dirigido antes de esta película, en 2014, un mediometraje con una especie de James Bond gay como protagonista, Jeyson Bend: Queen and Country. Por increíble que parezca en Dentro del campo se encarga no sólo de la realización sino también del guion, en colaboración con Adam Silver, la esmerada fotografía, la evocadora música, el montaje, el sonido, el vestuario y la canción que le pone fin, incluso la lograda animación que acompaña los títulos de crédito finales. Lo suyo sin duda es afán de control absoluto, pero demuestra también una pasión desmedida por el cine y todos sus oficios, logrando que el film luzca convenientemente en todos sus aspectos.

Aunque su trama es muy endeble, tiene el encanto y el acierto de contarnos una típica historia de romance adúltero en un entorno normalizado y visiblemente gay, en el seno además de un deporte tan masculino como el rugby, lo que nos permite observar unos aguerridos protagonistas con un carácter enormemente sensible y sentimental. Y aunque su largo metraje ahonda en tópicos, como esa pareja protagonista enormemente atractiva y masculina, frente al gordito de turno divertido y con pluma, e incluso el mariquita malo, consigue entretener a pesar de unas premisas particularmente ridículas, para al final lograr emocionarnos con su trama amorosa y el deporte en equipo, así como aprender a valorar sus virtudes y su inequívoco sentido de la camaradería. Tampoco hace falta pedirle más.

NOTAS SOBRE UN VERANO Sexo cerebral

España 2023 83 min.
Guion y dirección Diego Llorente Fotografía Adrián Hernández Intérpretes Katia Borlado, Antonio Araque, Álvaro Quintana, Rocío Suárez, Elena Palomo, Carmen Gloria García, Diego Ross, Cristian Cres, Ana Santos Estreno en el Festival de Rotterdam 31 enero 2023; en España 1 septiembre 2023

El debut en la dirección de largometrajes de Diego Llorente parece ser el resultado de sus trabajos anteriores, especialmente el mediometraje Estos días, que analizaba una crisis de pareja joven, el corto Desaparecer, en el que el trabajo condicionaba la continuidad de una relación sentimental, y el documental Hotel Asturias, a través del cual y en compañía de otros y otras cineastas jóvenes, se planteaba la existencia de un cine asturiano. En Gijón se desarrolla en gran parte esta historia de mujer en pleno desarrollo profesional que durante unas vacaciones en su tierra natal, resucita una relación romántica con intenciones meramente sexuales, que el director rueda con cierto atrevimiento, y que le hará preguntarse sobre su futuro laboral y sentimental.

Realizada con un naturalismo atroz, libre de toda impostura, con incesantes diálogos en su mayoría carentes de verdadero interés, la película se centra en su joven protagonista, quien en aras de reivindicar la fuerza y la personalidad de una mujer de hoy, libre e independiente, no hace sino imitar las formas que durante tanto han caracterizado para mal al género masculino. En este sentido nos parece poco acertado el jugueteo que la joven se marca con sus dos compañeros de viaje, el actual, urbano y liberal, y el antiguo, provinciano y poco ambicioso.

Ente idas y venidas, encuentros y desencuentros, el público accede con mayor o menor interés al dilema no tanto moral como más bien práctico que se marca el personaje impecablemente interpretado por Katia Borlado. El conjunto no parece estar destinado a entusiasmar a nadie, pero su escasa duración, la frescura que transmite y el encanto de las tierras asturianas y sus gentes, hace que resulte medianamente aceptable.

EL PEOR VECINO DEL MUNDO Mejora el original

Título original: A Man Called Otto
USA-Suecia 2022 126 min.
Dirección Marc Forster Guion David Magee, según el guion de Hannes Holm basado en la novela de Fredrick Backman Fotografía Matthias Koenigswieser Música Thomas Newman Intérpretes Tom Hanks, Mariana Treviño, Manuel García Rulfo, Rachel Keller, Cameron Britton, Mack Bayda, Truman Hanks, Juanit Jennings, Peter Lawson Jones, Mike Birbiglia Estreno en España 28 diciembre 2022; en Estados Unidos 13 enero 2023

En 2015 triunfaba en medio mundo Un hombre llamado Ove, una película sueca entre la comedia y el drama sobre un anciano huraño que hundía su miseria y desacomodo en una tragedia familiar. A pesar de su carácter híbrido y desequilibrado, la cinta logró el reconocimiento de público y crítica, e incluso se coló en las nominaciones a los Oscar de aquel año. El remake americano no tardó en producirse y la pasada Navidad llegaba a nuestras pantallas con el aval de Tom Hanks como protagonista.

La decepción que nos causó el original provocó que despreciáramos esta versión que hemos recuperado en el cine de verano de la Diputación. Marc Forster es uno de esos directores que consideramos artesanales, que lo mismo se encarga de un drama (Monster’s Ball) que de una comedia amable (Descubriendo Nunca Jamás) o una película de acción (Quantum of Solace, Guerra Mundial Z), y casi siempre con resultados al menos estimables. Es el caso de esta película cuyo original ya anclaba sus raíces en el Gran Torino de Eastwood y que ahora logra con una actuación excelente de Hanks, la comicidad extraordinaria de la actriz mejicana Mariana Treviño y un guion en el que se opta por dar mayor relieve al carácter cómico de la empresa, un film más que estimable y reconfortante, que se deja ver sin más pretensión que la de pasar un rato agradable no exento de reconfortante sentimentalismo.

En su resultado final caben muchas cuestiones, tratadas con ligereza pero acierto, que incluyen la diversidad, la inmigración, la religión, la especulación inmobiliaria y el respeto a la tercera edad, todo ello tratado con mucho tacto y sin olvidar en ningún momento que se trata de una comedia amable y distendida.

VASIL Una comedia discretamente ácida

España-Bulgaria 2022 93 min.
Guion y dirección Avelina Prat Fotografía Santiago Racaj Música Vincent Barrière Intérpretes Ivan Barnev, Karra Elejalde, Alexandra Jiménez, Sue Flack, Susi Sánchez, Lorena López, Pepo Blasco, Pepa Juan, Amparo Fernández, César Tormo Estreno en el Festival de Valladolid 25 octubre 2022; en salas 4 noviembre 2022; en internet 2 marzo 2023

Aunque sea su primer largometraje como directora, la valenciana Avelina Prat se ha curtido en el cine de la mano de directores como Fernando Trueba, Martín Cuenca o Cesc Gay, como script y otros oficios cinematográficos. Después de ver infinidad de veces el tráiler de esta simpática película, los exhibidores sevillanos nos impidieron verla en su día en pantalla grande, por lo que hemos tenido que esperar a su aterrizaje en plataformas digitales para poder disfrutar de sus virtudes, entre las que se encuentra la interpretación de su pareja protagonista, galardonada en el Festival de Valladolid. Karra Elejalde no necesita presentación, pero sorprende lo contenido que está en esta ocasión, a juego con el espíritu que impera en la cinta. A Ivan Barnev pudimos conocerlo en la primera década de este siglo, cuando estrenó como protagonista la comedia histórica Yo serví al rey de Inglaterra. Juntos expiden la suficiente química como para llevar a buen puerto esta comedia amable y sentimental sobre la inmigración y la postura de la clase media aburguesada al respecto.

Vasil es un hombre menudo pero grande en talento y aptitudes, campeón de bridge y ajedrez, excelente cocinero, manitas y cultureta capaz de distinguir la música de Monteverdi. Pero malvive en nuestro país sin casa ni trabajo, hasta que la caritativa voluntad de las señoras adineradas de la buena sociedad le da una oportunidad, lo que le lleva a convivir con un arquitecto viudo con problemas de comunicación con su hija. Vasil funciona mejor como retrato de personajes y situaciones que como análisis certero y concienzudo sobre una realidad alarmante, la acogida que dispensamos a los inmigrantes, el rechazo al diferente y el desperdicio de talento, unido a la mediocridad de quienes triunfan.

La película se mueve en espacios agradables y elegantes, obligados por la intención y su temática, y aprovecha los exteriores valencianos sin caer en el tópico y prestando especial atención a los incomparables jardines del Turia. Todos, principales y secundarios, están espléndidos, como muestra otro estimulante trabajo de Susi Sánchez, o el descubrimiento de la actriz británica afincada en nuestro país Sue Flack. Falta sin embargo ese desarrollo que dé mayor sentido a una comedia elegante, discreta y contenida que no obstante se disfruta aunque solo sea por los elementos apuntados.

MI POLICÍA Aseada crónica de una realidad aberrante

Título original: My Policeman
Reino Unido-USA 2022 113 min.
Dirección Michael Grandage Guion Ron Nyswaner, según la novela de Bethan Roberts Fotografía Ben Davis Música Steven Price Intérpretes Harry Styles, Emma Corrin, David Dawson, Linus Roache, Gina McKee, Rupert Everett, Freya Mavor Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2022; en Amazon Prime 4 noviembre 2022

El director británico Michael Grandage parece tener especial predilección por las adaptaciones literarias. Después de las estimables Genius (aquí El editor de libros) sobre el famoso editor Max Perkins, y Red sobre el artista Rothko, basada en una obra de John Logan, autor del guion de la anterior, ahora adapta una novela de Bethan Roberts que indaga sobre los daños colaterales que provocaba la moral judeocristiana imperante en los países de nuestro entorno no hace mucho tiempo, cuando de saltarse las normas se trataba.

Nos referimos al matrimonio con el que muchos encubrían la homosexualidad, y las motivaciones que uno y otra integrantes de la pareja tenían para mantener una relación ficticia al menos en lo que a atracción física y sexual se refiere. De paso se tratan temas también como la redención y la expiación de la católica culpa. El problema es que Grandage echa mano de una escritura muy aséptica y poco emotiva, mientras su atractivo reparto, encabezado por un Harry Styles cada vez más integrado en el cine, tras No te preocupes, querida y desde su lanzamiento como miembro del grupo One Direction, tampoco muestra demasiado entusiasmo en encarar esta rutinaria historia de trío sentimental ambientado en Brighton en dos épocas, los años cincuenta de la juventud y el más próximo a nuestro tiempo de una madurez casi senectud.

Todo queda sí en una bonita postal, que hace bien en divulgar un problema que todavía arrastran muchas parejas, sobre todo de clase acomodada y moral católica, pero que podría haberse abordado desde una óptica más apasionada y emocionante. Cuarenta años después de Su otro amor (Making Love), esta película sabe ciertamente a poco.

TRES DOCUMENTALES EN BUSCA DEL ÓSCAR

ALL THAT BREATHES

Reino Unido-India-USA 2022 97 min.
Dirección Shaunak Sen Fotografía Ben Bernhard, Riju Das y Saumyananda Sahi Música Roger Goula Sarda Estreno en el Festival de Sundance 21 enero 2022

En una turbulenta Nueva Delhi, cuando en febrero de 2020 los duros enfrentamientos entre hindúes y musulmanes se saldaron con una treintena de fallecidos, tres hombres mantienen un cometido muy especial, salvar milanos negros, rapaces que pueblan los cielos del país y el continente y simbolizan la libertad y la grandeza de las aves frente a la sinrazón de una humanidad cada vez más ensimismada consigo mismo, que da la espalda a la naturaleza que le vio nacer y con la que ya hace mucho debería haber aprendido a convivir.

Con un estilo absolutamente minimalista y tan ajeno al típicamente documental que a veces casi parece un film de ficción con una narrativa considerablemente convencional, su debutante director deja libertad a sus protagonistas, Salik Rehman, Mohammad Saud y Nadeem Shehzad para que expresen lo que escuetamente necesitan, mientras asistimos a una rutina en la que recoger, curar y salvar estas especies se convierte en el objetivo fundamental. No en vano la cinta comienza con ratas invadiendo la superficie con nocturnidad, clara metáfora de los que habitamos la tierra frente a quienes pueblan con su majestuosidad los cielos. Logró el Premio del Jurado en Sundance y de momento aquí solo se ha podido ver en la Seminci.

FIRE OF LOVE

USA 2022 93 min.
Dirección Sara Dosa Guion Shane Boris, Erin Casper, Jocelyne Chaput y Sara Dosa Fotografía Pablo Álvarez-Mesa Música Nicolas Godin Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2022; en España 26 agosto 2022

Imposible viendo este documental de National Geographic no pensar qué hubieran hecho Katia y Maurice Kraft, los protagonistas de esta cinta de Sara Dosa, si viviesen todavía y hubiesen conocido la erupción del Cumbre Vieja en La Palma, de la que tanto, trágico y buen material de archivo se ha conseguido. Quizás se hubiesen congratulado de que seguramente muchos de sus descubrimientos y hallazgos se pusieron en práctica para evitar la oleada de víctimas que de no haberse procedido a tan efectivas campañas de desalojo y prevención se habrían producido. La pareja de vulcanólogos a los que está dedicado este trabajo asumieron su pasión por este fenómeno de la naturaleza tras su desencanto manifiesto con el mundo que les tocó vivir, con la Guerra de Vietnam en pleno apogeo y núcleo de protestas en todo el mundo. De nuevo el desencanto con la humanidad acerca a la sabia y majestuosa naturaleza.

Apoyándose en el prodigioso material de archivo atesorado por la pareja, fallecida por acercarse demasiado al abismo infernal en junio de 1991 en Luzón (Filipinas), el film cuenta con un vibrante, complejo y trepidante montaje, premiado en Sundance, la voz como narradora de Miranda July y el doblaje de las voces de los protagonistas allí donde el metraje en súper 8 no contiene sonido. Elaboradísima y a veces fascinante, casi hipnótica, gracias a las imágenes ahora expuestas, el film fluye a lo largo de la vida de estos dos enamorados desde que se conocieron hasta su muerte, con paradas en algunas de las más vistosas erupciones de volcán de las décadas de los setenta y ochenta del pasado siglo. Fracasa sin embargo como testimonio didáctico capaz de arrojar algo más de luz sobre el fenómeno, quedándose en la epidermis de una sucesión de imágenes deslumbrantes. Una variada e imaginativa banda sonora de Nicolas Godin, integrante del grupo Air, potencia la belleza de las imágenes.

NAVALNY

USA 2022 98 min.
Dirección Daniel Roher Fotografía Feliz Angermaier, Nikita Pavlov y Niki Waltl Música Marius De Vries y Matt Robertson Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2022; en España (HBO max) 26 mayo 2022

El nuevo trabajo del responsable de Once Were Brothers, documental que contaba la historia del mítico grupo The Band, se centra ahora en un tema de candente actualidad, la historia del activismo político del principal opositor al régimen ruso de Putin, su presunto envenenamiento con Novichok, una sustancia que afecta al sistema nervioso y provoca la muerte sin dejar rastro, su recuperación y su valiente gesta al regresar al país a pesar del peligro evidente para él y su familia, hasta desembocar en la prisión en la que se mantiene encerrado hasta nuestros días. Todo ocurrió hace apenas tres años, y la cámara sigue vigilante y sigilosa los testimonios frontales del protagonista, echando mano de archivo para mostrar su carrera como activista anticorrupción, y de material genuino para narrar todos los acontecimientos mencionados así como el proceso que él, su familia, sobre todo su esposa Yulia, y su equipo en Alemania, especialmente la abogada Mariya Pevchikh, productora también del film, y el periodista búlgaro Christo Grozev, llevaron a cabo para preparar su triunfal regreso a Moscú, inspirado a la vez por los entusiastas vítores duramente represaliados de sus numerosos y numerosas incondicionales.

Dividirá al público como lo hace la criminal invasión de Ucrania, entre quienes ven el fruto de la provocación yanqui y quienes no ven legitimación alguna y solo motivación sádica y criminal en los tejemanejes del Kremlin. Y paradójicamente provocará en más de uno y una la sensación de incomodidad ante un personaje que parece diseñado al gusto, atractivo físico incluido y familia ideal, y podría acabar por ello pareciendo un monigote del imperialismo americano para erigirse en un arma más de desprestigio del régimen moscovita. Preferimos pensar que no es así y seguir maldiciendo a quien con su sed de guerra está generando tanto y disparatado dolor. Contiene secuencias de mucha tensión, brillantemente ilustradas con la efectiva banda sonora de Marius De Vries y Matt Robertson. Bafta al mejor documental, logro en Sundance el premio del público al mejor documental norteamericano.

EL MONSTRUO MARINO Un paso adelante de gigantes proporciones

Título original: The Sea Beast
USA 2022 115 min.
Dirección Chris Williams Guion Chris Williams y Nell Benjamin Música Mark Mancina Voces (en versión original) Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Jim Carter, Doon Mackichan, Dan Stevens Estreno en Netflix 8 julio 2022

Curtido en cintas de animación como Bolt, Vaiana y Big Hero 6, Chris Williams ha logrado con El monstruo marino su obra maestra. Disponible en plataformas digitales desde hace más de medio año, solo hemos reparado en ella gracias a la nominación al Oscar, para comprobar de que se trata de una película tan gozosa como generosa en hallazgos técnicos y narrativos, todo tipo de conveniente mensaje educativo incluido. Es una lástima que obras tan vistosas en todos los sentidos como ésta se limiten al consumo doméstico, cuando su lugar de exhibición natural son las grandes salas cinematográficas dotadas con los mejores equipos de sonido e imagen disponibles.

Williams rescata las antiguas películas de corsarios y batallas marítimas que tanto triunfaron en el Hollywood clásico de la mano de estrellas como Errol Flynn. A la vez echa mano de aquellas supersticiones primitivas que hacían de los mares lugares poblados por increíbles y temibles monstruos, tal como aparecían reflejados en muchos de los mapas con los que por aquel entonces se surcaban los océanos. Con todo el ingenio imaginable, los autores de esta excepcional película construyen un cuento moderno sobre la manipulación a través del miedo, la desinformación o la información deformada como arma de control, y la provocación como medio a través del cual se organizan guerras y conflictos de poder. Todo un entramado incómodo para el país de origen, pero tan bien urdido y estructurado que hace sencillo lo complicado, y asumible lo ininteligible.

En el apartado visual, El monstruo marino llega hasta donde nunca había llegado antes un trabajo de este género, logrando a estas alturas despertar nuestra capacidad de asombro y admiración, con diseños extremadamente cuidadosos, mares de un realismo absoluto, movimientos de cámara vertiginosos, un ritmo más que trepidante, un esmerado diseño de personajes con acertada tendencia a la multidiversidad racial y de género, y un minucioso trabajo analítico sobre el miedo a lo desconocido y a lo diferente. Todo lo cual converge en casi dos horas de disfrute absoluto que merece el Oscar por encima de cualquier otro trabajo nominado o no este año.

CAUSEWAY Otro regreso traumático del infierno

USA 2022 92 min.
Dirección Lila Neugebauer Guion Elizabeth Sanders, Luke Goebel y Ottessa Moshfegh Fotografía Diego García Música Alex Somers Intérpretes Jennifer Lawrence, Brian Tyree Henry, Linda Emond, Jayne Houdyshell, Stephen McKinley Henderson, Will Pullen Estreno en el Festival de Toronto 10 septiembre 2022; en España y Estados Unidos (Apple TV+) 4 noviembre 2022

No cabe dudar de las buenas intenciones de todo el equipo técnico y artístico de esta película, que cuenta el proceso de superación de una joven militar que ha sufrido un ataque en Afganistán que le ha provocado un severo daño cerebral. Un proceso en el que encontrará un alma gemela que como ella intenta superar también un fuerte trauma emocional.

Pausada y relejada, su realizadora, hasta ahora formada solo en el ámbito televisivo, procura no cargar las tintas en ningún momento, contando para ello con una Jennifer Lawrence excesivamente contenida y el buen trabajo de Brian Tyree Henry, encumbrado por ello en todas las nominaciones a premios de la temporada, Oscar incluido. Sin embargo la empresa se antoja demasiado tímida y sin embargo suficientemente artificiosa como para costar empatizar con el drama de sus protagonistas, algo a lo que ni siquiera ayuda la viciada atmósfera familiar que rodea a su protagonista.

El resultado es una película anodina sobre ese proceso al que alude su título, un Causeway que podríamos traducir como puente o transición, que se deja ver por el encanto de la galardonada actriz y el trabajo de su compañero de reparto, sin que lleguen a cuajar ni sus dramas personales ni alguna posible crítica a la situación bélica y el fracaso del sueño que siempre parece acompañar a la sociedad norteamericana.

LA NOCHE DEL 12 Un conflicto entre hombres contra mujeres

Título original: La nuit du 12
Francia 2022 114 min.
Dirección Dominik Moll Guion Gilles Marchand y Dominik Moll, según la novela de Pauline Guéna Fotografía Patrick Ghiringhelli Música Olivier Marguerit Intérpretes Bastien Bouillon, Bouli Lanners, Théo Cholbi, Johann Dionnet, Thibaud Evrard, Julien Frison, Paul Jeanson, Mouna Soulaem, Pauline Serieys, Lula Cotton-Frapier, Charline Paul, Matthieu Rozé, Baptiste Perais, Jules Porier, Nathanäel Beausivoir, Benjamin Blanchy, Pierre Lottin, Camille Rutherford Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2022; en Francia 13 julio 2022; en España (internet) 2 diciembre 2022

Flamante e inesperada ganadora de seis César, incluido el de mejor película, la última película del director de Solo las bestias, El monje y Harry, un amigo que os quiere, se estrenó en nuestro país directamente en plataformas digitales a finales del pasado año, y es ahora cuando debido al palmarés galo la recuperamos para constatar que, siguiendo la estela de su cine, se trata de un intenso thriller tan inquietante como incómodo.

Aunque ya desde el inicio se nos advierte de cierto particular, eso no será obstáculo para inquietarnos y sumergirnos en su sólida y calculada trama, gracias a un guion preciso y una dirección ejemplar de actores y actrices. Moll consigue combinar una serie de temas de candente actualidad, para una vez mezclados y bien dosificados, mostrarnos la malicia subyacente en una sociedad malsana, centrada en una pequeña comunidad donde un crimen que nos recuerda al mítico de Laura Palmer en el universo de David Lynch, desata una minuciosa investigación policial que pondrá a prueba el factor de resistencia del joven agente al mando de la operación.

Surgen entonces varias películas, una centrada en el documentado procedimiento, otro atañe al thriller en sí mismo, otro a definir y analizar los diversos personajes, especialmente los sospechosos, y sobre todo hay una que analiza con tanta sutileza como acierto los factores que acertada o equivocadamente dan carta de naturaleza a la violencia de género, el maltrato y el abuso sexual, finalmente para poner en boca de una responsable y disciplinada jueza de instrucción la cuestión que define y lo resume inteligentemente todo, se trata de un irresoluble conflicto entre hombres y mujeres. Seguramente no era la mejor película que concurría este año a los premios de la Academia francesa, pero se trata de un thriller sólido, inteligente y perfectamente disfrutable.

EL SOSTRE GROC (EL TECHO AMARILLO) Justicia mediática

España 2022 94 min.
Dirección Isabel Coixet Guion Isabel Coixet y Laura Ferrero Fotografía Nadia Zafra Música Chop Suey Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2022; en salas 16 diciembre 2022

Desde sus inicios Isabel Coixet ha demostrado también un interés muy especial por el formato documental, como vehículo de denuncia (Viaje al corazón de la tortura, Hay motivo e Invisibles en colaboración con otros y otras cineastas, o Marea blanca) o mera plataforma de expresión artística (El espíritu de la pintura, Spain in a Day). El sostre groc se inscribe en la primera corriente, en pleno debate sobre la conveniencia o no de la ley del consentimiento incluso en sus postulados más polémicos y menos comprendidos por una sociedad alienada y confundida por los berridos de la oposición y los medios de información.

Como si se tratara de la versión española de ese Me Too promovido fundamentalmente por las víctimas del gran depredador Harvey Weinstein, varias mujeres y algún hombre denuncian en este trabajo el abuso enmascarado y cobarde que sufrieron veinte años atrás cuando estudiaban en una escuela de interpretación de Lleida. La estructura es bien simple, combinando los testimonios de las agraviadas con secuencias de documental archivadas, entre intervenciones en televisiones locales que aplaudían el proyecto de esta Escuela de Teatro y la repercusión que estaba teniendo especialmente entre los y las jóvenes, y material videográfico de algunas de las sesiones de trabajo en la escuela y representaciones ante el público. Las víctimas muestran ante la pantalla la misma calma y calidez que debieron llevarles a no acabar de entender lo que les estaba pasando, entre una perplejidad y un desconcierto que provocó una reacción tan tardía que cuando decidieron denunciar, los presuntos delitos ya habían prescrito.

Ahí es donde radica el valor y la trascendencia de este trabajo en apariencia monótono y rutinario, en el diseño minucioso del perfil de un monstruo pérfido y meticuloso, sutil y embaucador, capaz de conseguir de sus víctimas sus más abyectos propósitos sin que ellas apenas lograsen identificar lo que les estaba pasando. Si no hubo en su momento justicia oficial, al menos este trabajo premiado en San Sebastián y en los Gaudí y nominado al Goya, consigue hacer justicia poética y mediática. Actualmente se puede ver en TVE Play.

LOS CRÍMENES DE LA ACADEMIA Poe no la habría aprobado

Título original: The Pale Blue Eye
USA 2022 128 min.
Guion y dirección Scott Cooper, según la novela de Louis Bayard Fotografía Masanobu Takayanagi Música Howard Shore Intérpretes Christian Bale, Harry Melling, Toby Jones, Gillian Anderson, Timothy Spall, Robert Duvall, Charlotte Gainsbourg, Lucy Boynton, Harry Lawtey, Simon McBurney, Fred Hechinger, Joey Brooks Estreno en Estados Unidos y España 23 diciembre 2022; en Internet (Netflix) 6 enero 2023

Christian Bale vuelve a ponerse a las órdenes de Chris Cooper, tras La ley del más fuerte y el western Hostiles. El director además de Corazón rebelde y Black Mass adapta con poca fortuna una novela del especialista en thrillers históricos Louis Bayard. Bale interpreta a un traumatizado investigador, con un reconocido bagaje a sus espaldas, que es contratado en la célebre academia militar de West Point para resolver un macabro crimen que no será sino el primero de una serie de lo que parecen asesinatos rituales.

El punto de partida es muy interesante, más si consideramos que le da réplica un estupendo Harry Melling dando vida con aspecto de Nosferatu a un joven Edgar Allan Poe que efectivamente pasó por dicha institución durante un breve período de su vida. Pero su fuerte premisa se va diluyendo poco a poco, conforme avanza una historia que se va haciendo cada vez más rocambolesca sin lograr mantener el interés que la trama demanda. Toca superficialmente cuestiones muy interesantes, algunas directamente conectadas con la realidad actual, mientras su ambiente castrense apenas cobra relevancia y su lujoso reparto no se plasma en logros interpretativos y mínimamente carismáticos.

La cuidada fotografía y la música de Shore, seguramente fichado para añadir a la función el morbo y la atmósfera malsana que caracterizaron trabajos ya añejos como Seven o El silencio de los corderos, no logran levantar un trabajo que se queda en mero entretenimiento con un envoltorio sofisticado.

TRES NOMINADAS A LOS GOYA

OSWALD: EL FALSIFICADOR ¿Quién es este hombre?

España 2022 100 min.
Dirección Kike Maíllo Guion Marta Castillo Fotografía Rubén Collado Música Marc Timón Documental Estreno en internet (Filmin) 30 septiembre 2022

Probó suerte con la ciencia-ficción (Eva) y el drama de acción (Toro), después con la televisión y ahora con el documental. Kike Maíllo nos acerca a un controvertido y excéntrico personaje, Oswald Aulestia, pero aunque se presenta como el más importante falsificador de arte de todos los tiempos, no encontramos información alguna sobre sus hazañas salvo a partir del estreno de la película y la relativa atención mediática que ha recibido desde entonces. Eso y el estilo narrativo de la cinta, con testimonios que más bien parecen impostados, si no directamente fruto de la interpretación de actores y actrices, hace que no nos fiemos demasiado de la autenticidad de lo que se cuenta. Sin embargo una lectura detallada de sus créditos finales aseguran que se trata de un documental en toda regla, con apenas modificaciones por razones puramente narrativas, y así ha debido entenderlo nuestra Academia de Cine, que lo ha nominado al mejor documental del año.

Maíllo y su protagonista han trabajado a fondo en su particular thriller sobre estafas y aventuras en medio mundo, con unos recursos holgados y continuas idas y venidas entre Barcelona, Miami y Florencia, además de un sinfín de colaboradores entre los que se cuelan sospechosos policías nacionales, psicólogos, marchantes de arte y hasta el hijo de Eduardo Chillida. Nada de esto sería un inconveniente si lograra atrapar al espectador, que se pierde entre anécdotas intrascendentes y un perfil del personaje tan difuminado como el que apenas logran dibujar sus presuntos allegados.

El aspecto de documental forzado ya lo encontrábamos en otros trabajos más lúcidos como En busca del Óscar, donde se analizaba la figura de un crítico de cine que no veía las películas, y El agente topo, donde un infiltrado protagonizaba una comedia en el seno de una residencia de ancianos. La de Maíllo no acaba de cuajar, apenas interesa y no logra perfilar una trama consistente que justifique la dedicación de un público en potencia. Al menos hay que reconocer que se trata de un trabajo elegante y organizado.

UNICORN WARS Bestias de peluche

España-Francia 2022 91 min.
Guion y dirección Alberto Vázquez Música Joseba Beristain Animación Estreno 21 octubre 2022

Ganador del Goya en 2016 a la mejor película de animación por Psiconautas, Alberto Vázquez echa mano ahora de su cortometraje Sangre de unicornio, nominado así mismo al Goya en 2014, para recrear una cruenta batalla entre ositos de peluche y unicornios en una indigesta propuesta que combina mensajes ecologistas, antifascistas, antibélicos y antirreligiosos con una tremenda dosis de violencia gore, crímenes de lo más execrables y unas premisas que no son aptas no ya para niños y niñas sino para nadie en general.

El proceso recuerda a la muy reconocida e igualmente deleznable La famosa invasión de los osos en Sicilia, que como ésta era una coproducción francesa aunque en ese caso con Italia. En el aspecto estético Vázquez articula una combinación entre Disney tradicional y Manga que sucumbe al vicio de recrear animales y objetos como si fuesen humanos (los ositos tienen incluso genitales de nuestra especie), al objeto de criticar el miedo como arma invencible para dominar y pretexto para ofrecer momentos terriblemente violentos y desagradables.

En el lado bueno, a ese cuidado aspecto visual y conseguido tratamiento del color hay que sumar la acertada banda sonora de Joseba Beristain, Orfeón Donostiarra incluido, si bien no justifica la nominación al Goya a la mejor canción, además del correspondiente a película de animación, por mucho Ave Satani de Goldsmith para La profecía que le sirva de referencia y precedente.

UTAMA La épica del desarraigo

Bolivia-Uruguay-Francia 2022 87 min.
Guion y dirección Alejandro Loayza Grisi Fotografía Bárbara Álvarez Música Cergio Prudencio Intérpretes Luisa Quispe, José Calcina, Santos Choque, Jorge Yucra Nogales, Félix Ticona Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2022; en Bolivia 29 septiembre 2022; en España 28 octubre 2022

Se nota en su primer trabajo como director que Alejandro Loayza Grisi ha sido hasta ahora fotógrafo, aunque en el film haya confiado esta labor a Bárbara Álvarez. De ella, de la mano naturalmente del debutante realizador y su particular visión y planificación, es el mérito de esta cinta que con pocos recursos y una narrativa muy sencilla, consigue sin embargo traspasar el umbral de lo épico y situarse al nivel de grandes superproducciones en lo que a tratamiento de la imagen se refiere.

Así, la región boliviana de Potosí aparece esplendorosa ante nuestros ojos, a pesar de una terrible, y casi insólita, sequía que nos lleva inmediatamente a pensar en el cambio climático, y que condiciona la supervivencia de quienes habitan la zona y se dedican fundamentalmente a la ganadería, como los protagonistas, dos abuelos a quienes la visita de su nieto urbanita les va provocar un revulsivo en sus vidas.

Loayza trata con mucho mimo y más ternura a sus personajes, que se comunican en castellano y quechua, dejan entrever sus filias y diferencias y comulgan con una naturaleza viva, entre llamas y espléndidas montañas, mientras comparten con los halcones el devenir futuro del ciclo vital. Un film precioso que logró en Sundance el Premio del Jurado en la sección World Cinema, y los de mejor película, dirección y música en la sección iberoamericana del Festival de Málaga, optando ahora al Goya en esa categoría.

BARDO, FALSA CRÓNICA DE UNAS CUANTAS VERDADES Onírica y pretenciosa

México 2022 159 min.
Dirección Alejandro González Iñárritu Guion Alejandro González Iñárritu y Nicolás Giacobone Fotografía Darius Khondji Música Bryce Dessner y Alejandro González Iñárritu Intérpretes Daniel Giménez Cacho, Griselda Siciliani, Íker Sánchez Solano, Ximena Lamadrid, Louis Couturier, Luz Jiménez, Andrés Almeida, Clementine Guadarrama, Jay O. Sanders, Francisco Rubio, Noé Hernández, Fabiola Guajardo, Iván Massagué Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2022; en México 27 octubre 2022; en España 4 noviembre 2022; en internet (Netflix) 16 diciembre 2022

Daniel Giménez Cacho interpreta en esta interminable película a un cineasta documentalista mexicano que regresa a su país tras largos años viviendo y triunfando en Los Angeles, para recibir un homenaje de sus compañeros y compañeras periodistas. Le da la réplica, dando vida a su esposa, Griselda Siciliani, a quien vimos en Sentimental de Cesc Gay. La más acertada crítica que pueda hacérsele a esta película ya la pone Iñárritu en los labios de uno de los colegas, y declarado enemigo, del protagonista cuando se refiere a su último documental, al que define de onírico y pretencioso. Desmesurado y por momentos incluso irritante añadiríamos nosotros, además de repleto de referencias a otros cineastas, desde Fellini a Fosse pasando por Sorrentino y Buñuel, sin llegar en ningún caso a la grandeza ni el acierto de ninguno de ellos.

Está claro que el director de Amores perros y la insufrible Birdman se analiza a sí mismo, su país y su relación con el mismo, desde todo punto de vista, histórico, político, económico y social, en esta crónica saturada de momentos surrealistas y pistas diversas, a la que no obstante cabe reconocer su tremendo esfuerzo de producción, con un abultadísimo equipo internacional a su mando, y el concienzudo trabajo de su protagonista. No falta el collage musical en el que cumbias, cha cha chás, marchas, rancheras y música pop conviven con la partitura original de un Bryce Dessner que a menudo pretende emular a Morricone.

Entre sus numerosas secuencias y episodios caben destacar la de los desaparecidos, la conversación con Hernán Cortés sobre una montaña de indígenas cadáveres, y sobre todo el baile multitudinario en el que la cámara se mueve milagrosamente por todos los rincones y entre todos y todas las invitadas, mientras Cacho baila extasiadamente al son del Let’s Dance de Bowie a capella. Pero a pesar de toda su espectacularidad, efectos visuales y una fotografía enfática excesivamente resuelta con gran angular y sin apenas primeros planos, además de continuos planos secuencia, todo resulta banal e intrascendente, frío y distante, convirtiéndose quizás en el trabajo menos logrado del director y su mayor fracaso hasta el momento. No hay en su película la poesía sincera e inspirada que profesa un auténtico bardo.

TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES Caótica e insufrible

Título original: Everything Everywhere All at Once
USA 2022 139 min.
Guion y dirección Daniels (Dan Kwan y Daniel Scheinert) Fotografía Larkin Seiple Música Son Lux Intérpretes Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum jr., Bill Wiff, Sumita Mai, Aaron Lazar, Brian Le, Anthony Molinari Estreno en Estados Unidos  25 marzo 2022; en España 3 junio 2022

Recuperamos esta película estrenada el pasado mes de junio, y que despreciamos entonces por la escasa confianza que nos merecía, tras la avalancha de premios a la que ha sido expuesta, dos Globos de Oro y seguras nominaciones al Oscar incluidas. Si poca gracia nos hizo l anterior película de los Daniels, Swiss Army Man, con un náufrago que se hacía amigo de un cadáver flatulento, menos aún ha conseguido hacernos esta cinta de la productora de moda, A24, donde una mujer china de avanzada edad, inmigrante en Estados Unidos, se enfrenta a la salvación del mundo, y de paso de su propia familia, amenazada por un divorcio y la homofobia hacia su única hija, a través de ese socorrido multiverso, donde todo vale.

Un espasmo en el cuello sirve para que sus sufridos protagonistas cambien de realidad, siempre alternativa, y se enfrenten una y otra vez a personajes cuyos registros cambian según el universo en el que se encuentren, conformando en suma un caos total y absoluto donde reina la confusión y la desidia. Ni la recuperación de Jamie Lee Curtis, afeada considerablemente, en un registro cómico consigue insuflar interés a la empresa. El resultado convierte el multiverso de Spiderman en un ejercicio de filigrana intelectual, mientras aquí se revela en un sinfín de ocurrencias, algunas de muy mal gusto, que apenas logran suscitar nuestro esforzado interés.

Si lo que esta pareja de realizadores y guionistas querían era epatar y resultar atrevidos, ¿por qué pixelan las partes de los luchadores que con su culo pretenden atrapar trofeos puntiagudos? Al final no hay más que mucha violencia, muchas artes marciales y un caos absoluto, suponemos que controlado aunque apenas lo parezca, que pretende ser original, atrevido y diferente, y aunque pueda serlo, resulta sobre todo intranscendente e insufrible.

MATILDA, DE ROALD DAHL: EL MUSICAL Tan aparatoso como insustancial

Título original: Roald Dahl’s Matilda: The Musical
Reino Unido-USA 2022 117 min.
Dirección Matthew Warchus Guion Dennis Kelly, según la novela de Roald Dahl Fotografía Tat Radcliffe Música Tim Minchin Intérpretes Alisha Weir, Emma Thompson, Lashana Lynch, Stephen Graham, Andrea Riseborough, Sindhu Vee, Carl Spencer, Lauren Alexandra, Winter Jarrett-Glasspool, Andrei Shen Estreno en Reino Unido 25 noviembre 2022; en Netflix 25 diciembre 2022

La adaptación que del cuento de Roald Dahl Matilda hizo y protagonizó Danny DeVito en 1996 no fue precisamente un éxito de taquilla, pero sus indiscutibles virtudes la convirtieron ipso facto en una película de culto. En 2011 saltó a los teatros del West End londinense en forma de musical de la mano del compositor y letrista Tim Minchin, y en dos años ya encabezaba los estrenos de Broadway. También ha llegado a Madrid, donde se representa actualmente con considerable éxito.

Su responsable en Londres lo es también de su adaptación cinematográfica. El currículo de Matthew Warchus incluye Círculo de engaños, un drama de intriga con reparto estelar (Sharon Stone, Nick Nolte, Jeff Bridges y Albert Finney) y Pride, una tragicomedia a mayor gloria del orgullo gay. Matilda es su tercera y, a nuestro juicio, fallida película. Lo es porque simplifica mucho el diseño de personajes, especialmente una protagonista cuyo intelecto y genialidad la convierten en niña redicha y repelente, cuando en la película de Danny De Vito era toda ternura y amabilidad. Tampoco el resto del elenco disfruta de una definición acertada, desde los nefastos y egoístas padres, reducidos a mera caricatura, a la repugnante maestra, una Emma Thompson irreconocible bajo tanto látex y maquillaje.

La sombra de Harry Potter y Tim Burton resulta más que evidente durante todo el metraje, mientras las canciones no despiertan especial entusiasmo, evocando una suerte de High School Musical con enérgicas coreografías protagonizadas por niños y niñas sacadas de un talent show para pequeños de infancia robada. Hay mucho ruido y poca sustancia en este aparatoso musical, lo que resulta inexplicable a la vista del reconocimiento que su versión teatral ha cosechado en Tonys y Oliviers.

MAÑANA ES HOY Cuéntame cómo pasará

España 2022 108 min.
Dirección Nacho G. Velilla Guion Oriol Capel, David S. Olivas y Nacho G. Velilla Fotografía Ángel Amorós Música Juanjo Javierre Intérpretes Javier Gutiérrez, Carmen Machi, Asier Rikarte, Carla Díaz, Silvia Abril, Antonia San Juan, Pepón Nieto, Marta Fernández-Muro, Antonio Pagudo, Gabriel Guevara, Toni Garrido, Aixa Villagrán, Mina El Hammani Estreno en Amazon Prime 2 diciembre 2022

A estas alturas podemos considerar a Nacho G. Velilla un veterano en el medio. Creador de series de éxito como Siete vidas y Aída, y realizador de comedias descerebradas como Fuera de carta, Que se mueran los feos, Perdiendo el norte o la más reciente Por los pelos, su cine no parece sin embargo evolucionar demasiado, por no decir nada.

No deja de tener ingenio y cierta gracia el punto de partida de esta comedia estrenada directamente en internet, un improbable viaje en el tiempo impulsado por una tormenta eléctrica en el mar cuando una familia de principios de los noventa intenta enjuagar sus miserables vidas a bordo de un bote de pedales en el litoral levantino. Un viaje de ida y vuelta y volver a empezar que hunde sus raíces en las aventuras de Marty McFly al más puro estilo Regreso al futuro. Sin embargo, aceptadas sus premisas, más difícil resulta paradójicamente aceptar la falta de continuidad y lógica de los episodios que se suceden, el escaso cuidado en los detalles y sus malogrados giros de guion que dudan entre posicionarse en la comedia o el drama.

Una incerteza que ancla su estilo visual y narrativo en la teleserie al estilo Cuéntame, y que se traduce en una continua aceptación de situaciones y personajes, dejándonos llevar por sus ocurrencias y su espíritu desenfadado, a pesar de la sobreactuación de Gutiérrez, con Machi salvando la función, y el encanto atolondrado del joven Asier Rikarte entre sus escasos aciertos, contando también un surtido de viejas y nuevas versiones de éxitos musicales patrios de los ochenta y noventa.

AL DESCUBIERTO La importancia del periodismo de investigación

Título original: She Said
USA 2022 129 min.
Dirección Maria Schrader Guion Rebecca Lenkiewicz, según el libro de Jodi Kantor y Megan Twohey Fotografía Natasha Braier Música Nicholas Britell Intérpretes Zoe Kazan, Carey Mulligan, Patricia Clarkson, André Braugher, Jennifer Ehle, Ashley Judd, Samantha Morton, Peter Friedman, Zach Grenier, Tom Pelphrey, Adam Shapiro, Angela Yeoh, Edward Astor Chin, Roxanna Hope Radja Estreno en Estados Unidos 18 noviembre 2022; en España 28 diciembre 2022

Inmediatamente después de estrenar la comedia feminista El hombre perfecto, la alemana Maria Schrader (Stefan Zweig: Adiós a Europa) ha sido fichada por el cine americano para poner en pie esta ambiciosa reconstrucción de uno de los casos más mediáticos de los últimos tiempos, punto de arranque además para todo un movimiento de liberación de la mujer frente al acoso sexual en el trabajo, el denominado Me Too. Aquí la película aterriza en plena polémica por la ley del Sí es sí, y con un espeluznante caso de machismo en el seno de una presuntamente prestigiosa empresa de cásting para azafatas de vuelo. Queda mucha mugre por limpiar en este y en muchísimos otros aspectos de la sociedad a nivel mundial, tanta que es imposible dejar el planeta mínimamente aseado.

El cine americano es experto en honrar el trabajo de los grandes profesionales, y en el marco del periodismo se maneja con cátedra, dando frutos tan estupendos como Todos los hombres del presidente en relación al caso Watergate, Spotlight sobre el abuso sexual en el obispado de Chicago, o Los archivos del Pentágono sobre el destape del Washington Post de décadas de mentiras e intrigas en el seno del gobierno. Schrader recupera el estilo sobrio, elegante y bien documentado de Alan J. Pakula y Sidney Lumet en esta apasionante película que, como suele ocurrir en este tipo de productos, se excede en la exhibición de personajes y situaciones, tanto como para perderse en ella, pero manteniendo la caligrafía tan correcta y pulcra como para entender el conjunto, que en esta ocasión se centra en los abusos que Harvey Weinstein, el famoso productor de Miramax, ejerció sobre muchas de las actrices y aspirantes a serlo, y otras profesionales que trabajaron con él. Un caso que en la versión de Ronan Farrow, hijo de Woody Allen y Mira Farrow, ya conocimos en forma de documental hace un par de años. No importa cuánto talento tuviera el depredador, la calidad que tuvo su trabajo, especialmente en la década de los noventa del pasado siglo, se trata de un monstruo en toda regla, capaz de malograr por siempre la vida de muchas mujeres, estigmatizarlas y en el peor de los casos, enterrarlas en vida. Weinstein cumple años de cárcel, lo que no se puede decir de otros idolatrados monstruos más cercanos cuyo trabajo parece seguir por encima de cuántas vidas hayan podido destruir. Pero She Said (Ella dijo en su título original) va más allá y nos presenta dos aguerridas hormiguitas, dos periodistas vocacionales, apasionadas de su trabajo, responsables y esforzadas, Jodi Kantor y Megan Twohey, que destaparon el crimen con la ayuda del director del New York Times, sensacional André Braugher, y su editora, siempre estupenda Patricia Clarkson, pero también de sus parejas, que de tan asumida que tienen la vocación de sus esposas y madres de sus hijos, no dudan en aparcar susceptibilidades y echar toda la mano que haga falta para que a ellas no le falten tiempo ni recursos.

Es el típico producto que tiene mucho que enseñar y mucho en qué mirarse, que nos ayuda a reflexionar y a mejorar en nuestro día a día y nuestra relación con los demás. No importa si sobre la materia se han hecho otras películas interesantes, como El escándalo, en torno a los abusos del director de la cadena Fox de noticias, siempre será bienvenido un trabajo tan sobrio y riguroso como éste, con tantas aristas y talentos, como el de Carey Mulligan, cuyo magnetismo hace que deseemos disfrutarla más tiempo en pantalla, y con aportaciones tan estimulantes como las de Ashley Judd interpretándose a sí misma, como una de las impulsoras, junto a Rose McGowan, de la campaña de desacreditación del productor, o las voces de Judith Godrèche o la mismísima Gwyneth Paltrow, víctimas también de su voraz apetito sexual.

R.M.N. Las siglas de la exclusión

Rumanía-Francia-Bélgica-Suecia 2022 125 min.
Guion y dirección Cristian Mungiu Fotografía Tudor Vladimir Panduru Intérpretes Marin Grigore, Judith State, Macrina Barladeanu, Orsolya Moldován, Rácz Endre, József Bíró, Ovidiu Crisan, Zoltán Deák, Cerasela Iosifescu, Andrei Finti Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2022; en Rumanía 3 junio 2022; en España 28 diciembre 2022

Con éxitos incontestables a sus espaldas como Los exámenes y Cuatro meses, tres semanas dos días, el director rumano Cristian Mungiu dejó algo frío al jurado y el público de Cannes con esta nueva película, otra denuncia certera y punzante a la sociedad en la que vivimos que sin embargo malogra sus posibilidades debido a una narración dispersa y confusa, y sobre todo a un arranque moroso. Y es que cuando por fin llega el anhelado conflicto ha transcurrido más de la mitad de su largo metraje, concentrando en apenas tres cuartos de hora toda la atención y el interés de su mediático discurso.

Nos encontramos en una región de Rumanía, la popular Transilvania, como paradigma de esa Europa multicultural y diversa en la que los más reaccionarios tanto les cuesta reflejarse. El miedo a lo desconocido se aposenta en una pequeña localidad habitada fundamentalmente por gente húngara, antiguos inmigrantes que sin embargo hacen lo imposible por expulsar a los nuevos trabajadores extranjeros, de Sri Lanka, aduciendo razones fundamentalmente de religión, salud e higiene. Ese ejercicio de hipocresía e intransigencia que a la postre se mantiene practicando en nuestro mundo civilizado, y del que no escapan ni quienes defienden la igualdad y la confraternización para sus propios intereses, generalmente fundamentados en mano de obra barata y conformista, se refleja en esta comunidad bautizada en su título con siglas como lo hacen las naciones que nos circundan, desde la Unión Europea a los Estados Unidos de América.

En ese contexto, Mungiu utiliza como eje fundamental a un gitano húngaro que huye de Alemania tras un desafortunado incidente para regresar a esta localidad o ecosistema donde su pequeño hijo intenta sobrevivir con los miedos que le reportan una educación aparentemente débil y frágil, espejo de toda la furia que se desata alrededor en un final poderoso que tarda tanto en surgir como desordenado y confuso resulta todo lo anteriormente narrado en un film que podría haber resultado mucho más efectivo y apasionante.

AFTERSUN Fantasma de amor paterno

Reino Unido-USA 2022 98 min.
Guion y dirección Charlotte Wells Fotografía Gregory Oke Música Oliver Coates Intérpretes Paul Mescal, Francesca Corio, Celia Rowlson-Hall, Brooklyn Toulson, Spike Fearn, Frank Corio, Ruby Thompson Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2022; en Reino Unido 18 noviembre 2022; en España 16 diciembre 2022

Triunfó en Cannes y también en Sevilla, donde obtuvo el Premio a la mejor película en la sección Nuevas Olas del Festival de Cine Europeo, y está triunfando también en la taquilla del cine más introspectivo y menos popular. No se le puede discutir sin embargo contar con una gramática muy singular a la hora de contar una típica historia de descubrimiento y reconciliación entre un padre joven y su hija fruto de una relación fracasada.

Hay en este sentido cierta tendencia entre la crítica a comparar esta con aquel Somewhere que Sofia Coppola dirigió hace más de una década. Sin embargo, tanto en las formas como en el contenido de esta relación paternofilial que en la película de la directora de Lost in Translation protagonizaban Stephen Dorff y Elle Fanning habían tantas diferencias como similitudes con la que ha diseñado la joven británica Charlotte Wells. Se trata de un verano compartido en el litoral turco por un joven y su casi desconocida hija de once años, lo que para ella supondrá un revulsivo y un autodescubrimiento que todavía le marcará veinte años después.

La gramática aparentemente vacua de su directora, así como esa a menudo impertinente alternancia entre ficción y realidad, entre formatos estéticos que van de la videocámara de los noventa al formato digital de la narración, hacen que resulte difícil entrar en la dinámica de esta película, que sin embargo, y poniendo algo de nuestra parte, acabará enganchando e involucrándonos en lo que no parece sino una tragedia anunciada, con una conversación del padre de ficción con el padre natural de la actriz protagonista quizás como punto clave. Todo ello como línea de partida para una personalidad para siempre influida por la figura de un padre ausente que una vez se apareció como un fantasma.

EL GATO CON BOTAS: EL ÚLTIMO DESEO Sin miedo a morir

Título original: Puss in Boots: The Last Wish
USA 2022 100 min.
Dirección Joel Crawford y Januel Mercado Guion Paul Fisher y Tommy Swerdlow Música Heitor Pereira Voces (en versión original) Antonio Banderas, Salma Hayek, Harvey Guillén, Florence Pugh, Olivia Colman, John Mulaney, Ray Winstone, Samson Kayo, Wagner Moura, Da’Vine Joy Randolph, Kevin McCann, Anthony Mendez, Bernardo De Paula Estreno en Estados Unidos y España 21 diciembre 2022

Charles Perrault escribió en 1697 El gato con botas, dentro de su recopilatorio Cuentos de mamá oca. Disney, tan proclive a apoderarse de la iconografía literaria infantil, se ha resistido siempre a adaptar este singular cuento sobre el valor y la fidelidad, que nunca ha contado con un largometraje animado que narre la verdadera historia de este felino, mascota del Marqués de Carabás. Finalmente fue Dreamworks a principios de este siglo la productora que introdujo el personaje entre las muchas perversiones que jalonan su saga Shrek, hasta que en 2011 se convirtió en un spin-off y protagonizó su primera aventura cinematográfica con la voz de Antonio Banderas. Desde entonces solo ha aparecido en un cortometraje y una serie de televisión, hasta que once años después a alguien se le ha ocurrido rescatarlo y convertirlo en protagonista de una nueva aventura.

En este tiempo se ha pasado de la animación digital tradicional, que ya podemos denominarla así visto que han transcurrido casi treinta años desde el estreno de Toy Story, a otra más sofisticada, combinación de infografía, anime y otras técnicas que la hacen más próxima a ese prodigio que fue Spider-Man: Un nuevo universo. A partir de aquí lo que encontramos en esta cinta en la que el gato está a punto de agotar sus nueve vidas (hay quien pensará con buen juicio que son siete) y debe encontrar la magia que le devuelva a su estado original, es esa violencia desatada que tanto daño está haciendo a una sociedad en la que cada vez más vemos episodios tan desagradables y poco estimulantes en nuestros jóvenes y los que no lo son tanto y la ejercen justificándose en su supuesta superioridad.

Aquí el gato, Ricitos de Oro y sus tres ositos, Pepito Grillo, el lobo feroz y otros personajes míticos cuya mescolanza es marca de la casa, se dedican a perseguirse y destruir todo lo que se les pone por delante en una vorágine de acción y energía de marcado ritmo y diseño creativo, pero que al fin lo que provoca es hastío frente a tanta barbarie. En el apartado cómico, los chistes están por debajo de las expectativas, a pesar del divertido personaje de Perrito, y en el de las voces, el trabajo de Banderas vuelve a brillar como al parecer lo hizo en su predecesora. Vivir sin miedo acaba convirtiéndose en la moraleja de esta desmadrada versión del gato más famoso de la literatura infantil.