EN EL CAMINO Una sórdida mezcla de sexo, drogas y soledad

México 2025 93 min.
Guion y dirección David Pablos Fotografía Ximena Amann Música Andrea Balency-Béarn Intérpretes Víctor Prieto, Osvaldo Sánchez, Víctor Manuel Aguirre, Mariano López Sosa, Giovanni Ontiveros, Héctor Cárdenas, Obdulia Morales Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2025; en México 4 junio 2026; en España 17 julio 2026

Hace cinco años, David Pablos sorprendió con El baile de los 41, un film que recreaba un escándalo homosexual que salpicó a las altas esferas de la política y la alta sociedad del país a principios del siglo XX. En la misma estela, pero centrándose en época actual, el director estrena ahora, tras alzarse con los premios Horizontes y Queer en el Festival de Venecia, y recién conocerse sus trece nominaciones a los Premios Ariel, esta película en la que retrata de forma tan estéticamente depurada como narrativamente sórdida, la soledad del camionero de largas distancias y la suerte de esa juventud descarriada que cae en manos de la mafia del narcotráfico y su lacerante crueldad que los convierte primero en esclavos y después en cadáveres.

Con una fotografía luminosa y colorista y unos encuadres a menudo preciosistas, la película de Pablos se adentra en esos caminos polvorientos llenos de moteles, cafés y desguaces en los que habitan tanto desheredados como despiadados, formando un universo humano de difícil digestión. Un ambiente en el que se articula con total naturalidad el romance entre un hetero-normativo y un joven chapero perseguido por la mafia a la que previamente ha burlado, que el reconocido realizador rueda con tanto atrevimiento como dureza y sordidez, sexo explícito, desnudos impúdicos y hasta masturbación con final feliz incluidos, que hacen del film un producto diferente y arriesgado.

No es tanto la homosexualidad, plenamente aceptada y asumida, como la crudeza de un sistema que sufre el drama del crimen organizado y la desaparición de cientos de personas casi a diario, lo que parece inspirar y conmover a un director a todas luces valiente y atrevido, que consigue así depurar su estilo y acentuar su denuncia con claros aciertos cinematográficos dignos de toda admiración, por mucho que a veces cueste fijar la mirada en tan radical propuesta. Exhibida en versión original, nos permite disfrutar con la ininteligible y a menudo divertida jerga utilizada por los pobladores de este particular microcosmos.

DREAMS Atracción fatal

México-USA-Reino Unido 2025 100 min.
Guion y dirección Michel Franco Fotografía Yves Cape Intérpretes Jessica Chastain, Isaac Hernández, Rupert Friend, Marshall Bell, Wes Chapman Estreno en el Festival de Berlín 15 febrero 2025; en México 11 septiembre 2025; en España 19 junio 2026

Con una escueta filmografía, especialmente sus cuatro últimas películas y anteriores a ésta, Michel Franco se ha labrado cierto reconocimiento internacional. Siempre con miras cosmopolitas, lo descubrimos con Las hijas de Abril, protagonizada por Emma Suárez, a la que siguieron un devastador golpe de estado narrado en Nuevo orden, la tormentosa relación matrimonial de Tim Roth y Charlotte Gainsbourg en Sundown y el no menos inquietante reencuentro entre Jessica Chastain y Peter Sarsgaard en Memory. Ahora regresa con la actriz estadounidense para ofrecernos otra historia de atracciones fatales y desencuentros amorosos, en esta ocasión con la inmigración ilegal y la soberbia y prepotencia estadounidense como ejes sobre el que articula una historia de manipulación sentimental y profesional de consecuencias inimaginables.

Tras conocerse en México y entablar una relación erótico sentimental en el que el físico imponente del bailarín Isaac Hernández tiene mucho que ver, la más madura Chastain, que interpreta a una dama de la alta sociedad estadounidense, empeñada en las típicas obras filantrópicas con las que sanar su complejo de clase pudiente y acomodada, desprecia a su juguete sexual cuando éste la busca en San Francisco, donde pretende fraguar una carrera en la danza que le lleve a los máximos niveles de exigencia. Franco desglosa este material dramático con más dispersión y falta de interés real de lo deseable, mientras la venerada actriz se entrega a un espectáculo erótico con el habitual recato hollywoodiense, mientras su compañero se permite algo más de exhibicionismo.

Más de una hora de idas y venidas, que no aprovecha si quiera las posibilidades dancísticas del protagonista y su obligado progreso dentro del Ballet de San Francisco, algunos y algunas de cuyos miembros se prestan como figurantes. Sólo al final se atisba una mayor carga dramática, si bien tan excesiva y definitivamente cruenta que no alcanza a captar toda nuestra credibilidad y convicción, siempre a merced de una denuncia que queda así definitivamente expuesta, con toda la carne en el asador y sin ningún tipo de discreción ni pudor.

TÓTEM Ensayo coral sobre la madurez

México-Dinamarca-Francia 2023 95 min.
Guion y dirección Lila Avilés Fotografía Diego Tenorio Música Thomas Becka Intérpretes Naíma Sentíes, Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Teresa Sánchez, Iazua Larios, Mateo García, Saori Gurza, Alberto Amador, Juan Francisco Maldonado, Marisela Villarruel Estreno en el Festival de Berlín 20 febrero 2023; en México 30 noviembre 2023; en España 1 marzo 2024

La segunda película dirigida por la realizadora mejicana Lila Avilés ha tenido un largo recorrido por festivales, desde que se estrenara hace más de un año en el de Berlín, hasta alzarse hace poco con dos importantes nominaciones a los Premios Platino, los de mejor película y dirección, razón por la que la hemos recuperado en estas páginas tras pasar para nosotros desapercibida cuando se estrenó a principios de marzo. Avilés fija su atención en una niña que observa y de paso madura en un entorno familiar como se dice ahora, bastante disfuncional.

La niña deambula por una literal casa de locos, durante los preparativos para la fiesta de cumpleaños de su padre aparentemente moribundo, de cuyo cuidado se encargan una sus hermanas, tías de la niña, tan inmaduras en sus ademanes y manías como lo pudiera estar la niña protagonista. Ha también una paciente trabajadora doméstica a cargo de dicho menester. Todo se desarrolla en un ambiente abiertamente bohemio y alternativo, culminando en una fiesta multitudinaria en la casa a la que previamente una espiritista de nombre Lúdica ha liberado de malas presencias a iniciativa de una de las tías, mientras la otra demora su presencia en la fiesta con el pretexto de decorar la tarta de cumpleaños. 

Todo esto que parece tan atractivo sobre el papel y que obliga a su principal artífice a integrarse y zambullirse en este coro de almas perdidas casi en pena, resulta en la práctica bastante decepcionante, por no decir falto de interés. No alcanzamos a identificarnos con la mirada entre perpleja y llena de preguntas de la niña, mientras todo el conjunto se nos antoja extremo y quebradizo, tan lejos de la realidad cotidiana y tan descarado en su afán de feminizarlo todo a su manera, que realmente apenas logramos empatizar con sus propuestas.

RADICAL La receta del conocimiento

México 2023 127 min.
Guion y dirección Christopher Zalla, según un artículo de Joshua Davis Fotografía Mateo Londono Música Pascual Reyes y Juan Pablo Villa Intérpretes Eugenio Derbez, Daniel Haddard, Jennifer Trejo, Mia Fernanda Solís, Danilo Guardiola, Enoc Leaño, Gilberto Barraza Estreno en el Festival de Sundance 19 enero 2023; en México 20 octubre 2023; en España 15 marzo 2024

Posiblemente México sea uno de los países más peligrosos donde vivir, especialmente si se hace en zonas marginales, olvidadas y desprotegidas. Pero es verdad que sitios así hay en todas partes y que las principales víctimas de ese clima enrarecido y poco recomendable son los niños y las niñas. También es cierto que la lacra de la educación existe en todos los rincones del mundo, si bien en unos más que otros. Para nosotros resulta fácil identificarnos con este problema estructural y de clases en el que se ha convertido la educación oficial, más bien encaminada a adocenar, encorsetar y evitar el libre pensamiento, siempre tan amenazante para los poderes reinantes. En ese contexto, el director mexicano Christopher Zalla, nacido en Kenia y cultivado en Estados Unidos, donde ha dirigido subproductos como Padre Nuestro (Sangre de mi sangre) y Sensualidad letal, con Rob Lowe, Paz Vega y Candice Bergen, ha encontrado en un artículo periodístico aparecido en 2012 el vehículo perfecto para recrear con mimo, delicadeza y extrema amabilidad la peripecia vital de un profesor de primaria que recién llegado a una escuela deprimida, experimenta con métodos revolucionarios basados en la práctica, el juego y la reflexión, para poner patas arribas el colegio, el sistema y la esperanza de los y las más jóvenes.

Tres de ellos y ellas, además del director del centro, se convierten en los principales aliados de la cruzada del idealista profesor, y con ello de nuestra propia ilusión y emoción, logrando hacernos reír y llorar a la vez, de forma muy hábil y meditada, sin que parezca caer en el sentimentalismo barato, aunque en el fondo sus costuras estén tan aprendidas como las lecciones que pretenden inculcar a los desmotivados estudiantes. Con todo, se trata de un film estimulante, que se ve más que con agrado, con entusiasmo y la esperanza de que otro mundo y otra sociedad son posibles, y que podemos evitar la máxima de Einstein con la que se cierre al film, que lo único que interfiere en nuestro aprendizaje es nuestra educación.

Como protagonista, el veterano Eugenio Derbez (Coda) pone toda la carne en el asador, para eso es también el productor de la cinta. Le sigue con idéntico entusiasmo Daniel Haddard, componiendo juntos una oda a la camaradería y la amistad, y el resto del joven elenco, tan fresco y natural aunque a veces el guion se revele demasiado profundo en sus gargantas. Galardonada con el Favorite Award del Festival en Sundance, así como el premio a la Mejor Película Iberoamericana en Málaga, opta por un Platino a la mejor banda sonora, a pesar de que su optimista soniquete se inspira muy a propósito en el mismo Gassenhauer de Carl Orff que motivó el reconocido You’re So Cool de Hans Zimmer para la película Amor a quemarropa.

BARDO, FALSA CRÓNICA DE UNAS CUANTAS VERDADES Onírica y pretenciosa

México 2022 159 min.
Dirección Alejandro González Iñárritu Guion Alejandro González Iñárritu y Nicolás Giacobone Fotografía Darius Khondji Música Bryce Dessner y Alejandro González Iñárritu Intérpretes Daniel Giménez Cacho, Griselda Siciliani, Íker Sánchez Solano, Ximena Lamadrid, Louis Couturier, Luz Jiménez, Andrés Almeida, Clementine Guadarrama, Jay O. Sanders, Francisco Rubio, Noé Hernández, Fabiola Guajardo, Iván Massagué Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2022; en México 27 octubre 2022; en España 4 noviembre 2022; en internet (Netflix) 16 diciembre 2022

Daniel Giménez Cacho interpreta en esta interminable película a un cineasta documentalista mexicano que regresa a su país tras largos años viviendo y triunfando en Los Angeles, para recibir un homenaje de sus compañeros y compañeras periodistas. Le da la réplica, dando vida a su esposa, Griselda Siciliani, a quien vimos en Sentimental de Cesc Gay. La más acertada crítica que pueda hacérsele a esta película ya la pone Iñárritu en los labios de uno de los colegas, y declarado enemigo, del protagonista cuando se refiere a su último documental, al que define de onírico y pretencioso. Desmesurado y por momentos incluso irritante añadiríamos nosotros, además de repleto de referencias a otros cineastas, desde Fellini a Fosse pasando por Sorrentino y Buñuel, sin llegar en ningún caso a la grandeza ni el acierto de ninguno de ellos.

Está claro que el director de Amores perros y la insufrible Birdman se analiza a sí mismo, su país y su relación con el mismo, desde todo punto de vista, histórico, político, económico y social, en esta crónica saturada de momentos surrealistas y pistas diversas, a la que no obstante cabe reconocer su tremendo esfuerzo de producción, con un abultadísimo equipo internacional a su mando, y el concienzudo trabajo de su protagonista. No falta el collage musical en el que cumbias, cha cha chás, marchas, rancheras y música pop conviven con la partitura original de un Bryce Dessner que a menudo pretende emular a Morricone.

Entre sus numerosas secuencias y episodios caben destacar la de los desaparecidos, la conversación con Hernán Cortés sobre una montaña de indígenas cadáveres, y sobre todo el baile multitudinario en el que la cámara se mueve milagrosamente por todos los rincones y entre todos y todas las invitadas, mientras Cacho baila extasiadamente al son del Let’s Dance de Bowie a capella. Pero a pesar de toda su espectacularidad, efectos visuales y una fotografía enfática excesivamente resuelta con gran angular y sin apenas primeros planos, además de continuos planos secuencia, todo resulta banal e intrascendente, frío y distante, convirtiéndose quizás en el trabajo menos logrado del director y su mayor fracaso hasta el momento. No hay en su película la poesía sincera e inspirada que profesa un auténtico bardo.

CON LOS AÑOS QUE ME QUEDAN Una road movie descafeinada

España-México 2022 115 min.
Guion y dirección Frank Ariza Fotografía Javier Salmones Música Maria Vertiz Intérpretes Regina Blandón, Manuel Vega, Estefanía de los Santos, Paco Tous, Aislinn Derbez, Michelle Rodríguez, Enrique Villén, Antonia San Juan, Ken Appledorn Estreno en el Festival de Almería 26 noviembre 2022; en salas 9 diciembre 2022

Para su segundo largometraje, después de la comedia negra ¡Ay mi madre!, el director gaditano (y guionista en la inefable Sin ti no puedo) Frank Ariza ha tirado la casa por la ventana. Se ha aliado con una productora mexicana y convertido los paisajes andaluces, madrileños y mexicanos en escenarios californianos, con el objetivo de poner en pie una genuina road movie protagonizada por una mujer enfrentada a una serie de problemas económicos e identitarios que acepta una peligrosa misión de contrabando mientras afronta sus miedos familiares y sentimentales. Todo en un cóctel que puede resultar algo indigesto ante la cantidad de situaciones y personajes que propone.

Con expresión permanentemente disgustada, la joven mexicana Regina Blandón comparte coche con un fresco y desenfadado buscavidas al que da vida el joven madrileño Manuel Vega, mientras un sinfín de secundarios procuran amenizar el viaje y sus múltiples vicisitudes. La función empieza con narradora en off, una Estefanía de los Santos que reincide en su vocación histriónica; pero conforme avanza la trama la narración se va antojando confusa, a lo que no es ajeno un montaje desordenado y caótico, todo lo cual va paulatinamente conduciendo al desinterés y la desidia.

Una lástima, porque cuenta con medios holgados, tiene momentos con chispa, algunos incluso divertidos, y más o menos funciona como entretenimiento. Pero en general se pierde en sus diversas y variopintas propuestas y sus claros referentes tarantinianos, dejando una incómoda sensación de vacuidad generalizada.

LOS LOBOS No hace falta Disney

México 2019 95 min.
Dirección Samuel Kishi Guion Samuel Kishi, Luis Briones y Sofía Gómez-Córdova Fotografía Octavio Arauz Música Kenji Kishi Intérpretes Martha Lorena Reyes, Maximiliano Nájar Márquez, Leonardo Nájar Márquez, Cici Lau, Johnson T. Lau, Kevin Medina Estreno en el Festival de Berlín 24 febrero 2020; en España (Barcelona) 19 junio 2020; en México 10 junio 2021

Esta hermosa, pequeña y tierna película mira haca el drama de la inmigración con los ojos inocentes, vivos y abiertos de par en par de dos niños. Recién llegados desde México a Albuquerque en Nuevo México junto a su joven madre, tendrán que apañárselas solos en un básico y desaliñado apartamento mientras ella trabaja y busca esa oportunidad de supervivencia.

El ir y venir de los dos maravillosos niños entre juegos, obligaciones y dibujos que cobran vida y dan título a la película, centra buena parte del metraje de una película que de vez en cuando se detiene en el paisaje humano que integran una serie de personajes retratados a cámara fija y que representan no ya esa América profunda mil veces plasmada en pantalla, sino la de los desheredados, quienes apenas encuentran una pizca de esperanza en su día a día. Pero la ternura de los niños, la tenacidad de la madre y la feliz idea de que los sueños se pueden hacer realidad si rebajamos las expectativas y encontramos magia también allí donde no nos la venden, o no tanto, abren una generosa ventana a un futuro posible y prometedor.

Sensacionales son los hermanos en la ficción y la realidad que llenan con su gracia y su mirada virgen e ingenua la pantalla, así como la relación que se puede entablar con una abuela imprevista o con un fantasmita con buenos sentimientos. Samuel Kishi dirige con acierto, mucho cariño y las ideas muy claras esta sencilla pero muy emotiva película que deja mucho espacio a la esperanza y la felicidad, incluso cuando la vida se pone tan difícil y hace derramar tantas lágrimas. Que no hace falta llegar a Disney, más cerca brilla también el Arco Iris.

NOCHE DE FUEGO Hermosa amistad en estado de larga espera

México-Alemania-Brasil-Argentina-Suiza 2021 110 min.
Guion y dirección Tatiana Huezo, según la novela “Prayers for the Stolen” de Jennifer Clement Fotografía Dariela Ludlow Música Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman Intérpretes Mayra Batalla, Marya Membriño, Giselle Barrera Sánchez, Alejandra Camacho, Ana Cristina Ordóñez González, Blanca Itzel Pérez, Camila Gaal, Memo Villegas, Eileen Yáñez, Norma Pablo, Julián Guzmán Girón, José Estrada, Teresa Sánchez Estreno en el Festival de Cannes 15 julio 2021; en México 16 septiembre 2021

Hay películas que solo después de verlas van cobrando poco a poco mayor interés y valor, como le sucede a esta cinta de la mexicana Tatiana Huezo. Curtida en el documental de temática social, fundamentalmente relacionada con la mujer, la realizadora se adentra ahora en la ficción adaptando con mucho tacto y delicadeza la novela de la escritora norteamericana de origen también mexicano Jennifer Clement. En ella se narra una preciosa historia de amistad entre tres niñas, más tarde adolescentes, que viven su inocencia, juegos y experiencias, con la mirada más en los afectos y el día a día que en el drama que se les aviene y del que son mucho más conscientes sus madres.

Se trata del feminicidio continuo al que están expuestas miles de familias de campesinos en el México más profundo, el de las aldeas de montaña. La inquebrantable amistad de las protagonistas contrasta de forma tan elegante como discreta con el terror que experimenta la madre de una de ellas, que le impide tener una relación más afectuosa con su hija. Un terror que se adueñará también de la joven protagonista conforme vaya haciéndose mayor y tomando conciencia de su potencial como esclava sexual. Un solo retoque en la cara para mejorar el aspecto se convierte en arma homicida, mientras un corte de pelo quizás pueda suponer la salvación. Todo ello en esta crónica hermosa y a la vez terrible en la que cada fotograma está rodado con un primor y una atención al detalle asombrosa, incluyendo paisajes rodados con una fotografía tan luminosa como colorista.

Mención especial merecen sus jóvenes protagonistas, tanto las tres niñas como las tres adolescentes, con sus miradas entre cándidas e ilusionadas, en un film que se mantiene entre las posibles candidatas a una nominación al Oscar a la mejor película internacional, después de haber ganado en Cannes una mención especial del jurado, y en San Sebastián y los Premios Forqué el galardón a la mejor película latinoamericana.

LUCIÉRNAGAS Pistas para afrontar un futuro incierto

México-USA-Grecia-Rep.Dominicana 2018 88 min.
Guion y dirección Bani Khoshnoudi Fotografía Benjamin Echazarreta Música Sohrab Karimi Intérpretes Arash Marandi, Flor Eduarda Gurrola, Luis Alberti, Eligio Meléndez, Eduardo Mendizábal, Uriel Ledesma, Ishbel Bautista Estreno en México 6 diciembre 2019; en España 13 marzo 2020 (aplazado)

El coronavirus está afectando también al cine, pero de todas las películas que se han caído de cartel debido al cierre forzoso y conveniente de todas las salas de exhibición cinematográfica, algunas podemos rescatarlas en internet. Luciérnagas tenía previsto su estreno el viernes 13 de marzo aunque solo en algunas ciudades seleccionadas; queda como tantas otras aplazada para cuando pase esta pandemia. Su realizador, el iraní Bani Khoshmoudi, desembarca en México después de un documental y un largo de ficción rodado en clandestinidad, Ziba, centrada en la opresión que asola la vida cotidiana en su país de origen. Ahora parece que nos quiera contar una historia muy personal, algo con lo que sentirse muy identificado a través de la peripecia de un joven homosexual que ha huido de su país perseguido y castigado por su condición, dejando un amor en el camino.

Perdido en Veracruz, donde le ha traído el primer barco que ha encontrado disponible, y en transición a otras tierras en mente como Grecia o Turquía, su estancia forzosa en la localidad portuaria mexicana le ayudará a conocerse mejor, encontrar su propia identidad y apreciar lo mucho y bueno que otras culturas le pueden proporcionar, sin por ello quedar exento de sufrir diversos traumas y vaivenes. Khoshnoudi controla perfectamente los tiempos cinematográficos, consigue transmitir esa sensación de desarraigo y desolación que sufre el protagonista, y mima sus personajes para extraer de ellos todo el potencial que interesa a su historia de crecimiento y madurez a través del entorno. Especialmente significativos son los interpretados por Flor Eduarda Gurrola, cuya trama paralela ayuda a comprender también ese viaje a la independencia emocional y la fortaleza espiritual que ha de experimentar el protagonista, y por Luis Alberti, paradigma de represión sexual y machismo reconcentrado que con sus ambiguos y execrables comportamientos abrirá también al joven Ramin nuevas puertas de crecimiento y revelación.

Con tiempos pausados pero sin caer nunca en el aburrimiento, el director parece mostrar un especial interés por la modernidad, patente en su estilo narrativo y en una banda sonora atmosférica e inquietante, todo lo cual contribuye a germinar esta crónica sobre la esperanza y la capacidad para abrirse a nuevos horizontes con los que se invita al protagonista y nosotros y nosotras mismas a afrontar ese futuro siempre incierto.

ESTO NO ES BERLÍN Mirando hacía atrás sin ira

México 2019 115 min.

Dirección Hari Sama Guion Rodrigo Ordóñez, Hari Sama y Max Zunino Fotografía Alfredo Altamirano Música Dalí Lantzeta Intérpretes Xabiani Ponce de León, José Antonio Toledano, Ximena Romo, Mauro Sánchez Navarro, Klaudia García, Marina de Tavira, Hari Sama, Lumi Cavazos, Américo Hollander, Fernando Álvarez Rebeil Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2019; en España 21 junio 2019

 

Con amplia experiencia bajo el brazo, el director mexicano Hari Sama deposita su atención en una época que debió conocer, los sintomáticos años ochenta del siglo pasado, culturalmente revolucionarios no solo para un país de joven democracia como el nuestro, sino para todos los países de nuestro entorno, aquí o en el continente americano. De considerable parecido físico con Iñárritu, Sama se reserva en la función el papel de tío y mentor del protagonista, un joven de clase media alta que transita de la adolescencia a la juventud de forma tan reveladora como transformadora, igual que muchos y muchas tuvimos la oportunidad de observar en aquella época en la que proliferaban los locales alternativos y en cierto modo transgresores, donde la cultura punk y la diversidad sexual encontró su paraíso particular.

Unos paisajes muy familiares a la contracultura de esa mítica ciudad alemana que por entonces vivía los estertores del muro de la separación y la ignominia. Pero también unos espacios que podíamos encontrar en otros lugares del mundo quizás menos controvertidos o caracterizados por transgredir la norma o la impostura. Sama ejerce sobre todo esto una mirada no tan nostálgica ni complaciente como la que nos tienen acostumbrados las televisiones echando mano de hemerotecas y videotecas; pero tampoco juzga ni censura, se limita a plasmar ese momento específico y cómo pudo cambiar la forma de vida de muchos jóvenes del momento.

Lástima que tan suculento viaje acabe por no llegar a ningún lugar determinado, y caiga en eso tan frecuente de repetirse y mantener un discurso plano y sin consecuencia. Difícil de entender la jerga de los jóvenes protagonistas, ni siquiera con los subtítulos, dentro de un conjunto en el que destaca Xabiani Ponce de León, posiblemente la cabellera más atractiva que hemos visto en el cine en mucho tiempo. Presentada en Sundance, obtuvo en Málaga la Biznaga de Plata que otorga el jurado, y los premios a mejor fotografía y actor de reparto (Mauro Sánchez Navarro), además del Especial del Jurado de la Crítica.