LAS OVEJAS DETECTIVES Una simpática intriga bovina

Título original: The Sheep Detectives
Reino Unido-USA 2026 109 min.
Dirección Kyle Balda Guion Craig Mazin, según la novela de Leonie Swann Fotografía George Steel Música Christophe Beck Intérpretes Hugh Jackman, Emma Thompson, Nicholas Braun, Nicholas Galitzine, Molly Gordon, Hong Chau, Tosin Cole, Kobna Holdbrook-Smith, Conleth Hill y las voces de Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Patrick Stewart, Regina Hall, Chris O’Dowd, Bella Ramsey, Brett Goldstein y Rhys Darby Estreno en Reino Unido y España 8 mayo 2026

Lo que pudiera en principio parecer un cruce entre la traviesa Oveja Shaun y el tierno Babe, el cerdito valiente, acaba convirtiéndose en un producto atrevido y singular en el que más bien se mezclan hábilmente las novelas policiacas al más puro estilo de Agatha Christie con las fábulas bovinas con serios problemas de identidad. El resultado en un film en principio infantiloide que atrapa pronto gracias a su encanto puramente británico, una trama ingeniosa y un tratamiento dramático y estético a la altura de lo deseable. Lo mejor es el tratamiento dispensado a los animales, que lejos del disparatado planteamiento inicial, se comportan como auténticos personajes de su especie, con la única salvedad de comunicarse mediante el lenguaje verbal humano exclusivamente entre ellas, pero sin adoptar en ningún momento comportamientos humanos como estamos acostumbrados en manos de otras factorías. Su hábil aportación a la investigación llevada a cabo por un policía local en una de esas encantadoras aldeas de la campiña inglesa, se limita a proporcionarle los elementos y claves necesarios para que sea él quien resuelva el misterio, lográndose la credibilidad, e incluso la complicidad, de un material en origen tan endeble y delicado.

Con Hugh Jackman y Emma Thompson como reclamos publicitarios, es en realidad el menos popular pero con una larga carrera en el cine y la televisión a sus espaldas, Nicholas Braun, quien protagoniza la función, secundado por el cada vez más célebre Nicholas Galitzine (Rojo, blanco y sangre azul, la serie de televisión Mary & George, y la próxima a estrenarse He-Man y los masters del universo). El resto, las entrañables ovejas, sobresaliendo entre las voces originales la de Julia Louise-Dreyfus (Veep, Sobran las palabras) como la inteligente y vispada Lily, evidencian su origen infográfico en exceso, pero se agradece ese tratamiento animalista, dispensado también en el sustrato e intencionalidad de la trama.

Por otro lado, el elenco de sospechosos habituales queda algo desaprovechado, quizás porque su metraje no permite tanto detalle, teniendo en cuenta todo el material dedicado al tratamiento de estos entrañables bovinos. Pero el resultado global es satisfactorio, entretenido y todo lo amable que cabe esperar de un producto de estas características. Tan apropiado para públicos infantiles como maduros hartos de tanta violencia y malos humos, a pesar del asesinato que origina la trama.

MÚSICA EN ESENCIA CON EL BARBERO DE PAISIELLO

Il Barbiere di Siviglia. Ópera cómica con música de Giovanni Paisiello. Libreto de Giuseppe Petrosellini, basado en “Le Barbier de Séville” de Pierre Beaumarchais. Lucas Macías, dirección musical. Orquesta Ciudad de Granada. Con Aitana Sanz, Santiago Ballerini, Pablo Ruiz, Dario Solari, Pietro Spagnoli, Luis Raspaqueso y Andrés Merino. Coproducción de la Orquesta Ciudad de Granada y el Teatro de la Maestranza. Teatro de la Maestranza, domingo 10 de mayo de 2026

Sanz, Solari, Ballerini, Macías, Ruiz, Spagnoli, Merino y Raspaqueso

Foto: Luis Pascual Alcaide

Liberadas de las a menudo caprichosas puestas en escena que tanto despistan y distraen de lo que verdaderamente importa, la música, estas versiones en concierto que de vez en cuando nos brindan los grandes coliseos, se convierten en pura delicia, especialmente si todo, lo estrictamente musical y lo puramente dramático, encaja tan a la perfección como lo hizo en esta excelente coproducción entre la Orquesta Ciudad de Granada y el Teatro de la Maestranza. Una colaboración posible quizás por la doble titularidad de Lucas Macías como director musical de la ROSS y artístico de la orquesta granadina, y que propició una doble función de este título del clasicismo, el pasado viernes en el Auditorio Manuel de Falla de la ciudad de la Alhambra y ayer en el teatro del Paseo Colón.

Hasta la comedia fue más inteligible y fácil de seguir despojada de esas puestas en escena aludidas, cuando son caprichosas, desconcertantes y desacertadas. Nos gustaría pensar que el lleno absoluto experimentado ayer tarde se debió al interés suscitado por esta versión alternativa de la comedia de Beaumarchais puesta en música, y no a que muchos y muchas esperasen escuchar el famoso Largo al factotum de Fígaro. El título de Paisiello triunfó durante años desde su estreno en el Teatro Imperial de la Corte de San Petersburgo en 1782, hasta que en 1816 lo eclipsara la celebrada ópera rossiniana.

Lucas Macías

Su interés rebasa sin embargo lo estrictamente coyuntural, entroncando mejor con Las bodas de Fígaro de Mozart, estrenada sólo cuatro años después. No cabe duda, escuchando esta deliciosa partitura, de lo mucho que debió influir en el genio de Salzburgo. Como prueba, ese Scorsi giá molti paesi de Fígaro que tanto debió influir en el catálogo de conquistas de Don Giovanni que entona Leporello. De hecho, Mozart compuso para El barbero de Paisiello, un aria alternativa de Rosina que parece nunca llegó a usarse.

Con idéntico libreto de Giuseppe Petrosellini, que prácticamente adopta el original de Beaumarchais, se conocen otras cinco óperas de diferentes autores, mientras el de Cesare Sterbini del que se sirve Rossini, reaparece en otros dos, sin contar los innumerables títulos que se basan directa o indirectamente en el popular personaje. Con estos precedentes, el interés por disfrutar de esta ópera, poco divulgada y escasamente grabada, estaba servido. Los resultados rebasaron las expectativas, y todo terminó siendo sensacional y exquisito.

Comedia y música perfectamente combinadas

La excelencia de la propuesta se dejó entrever ya desde la obertura, que Macías dirigió con especial atención al detalle y perfecto estilo clasicista, a lo que la orquesta se adaptó con un sonido terso y contenido, sin estridencias ni formas aristadas, haciendo acopio de una sutil musicalidad, pura elegancia, sin asperezas y unas dinámicas suaves y elegantes. Una constante que se mantuvo durante toda la representación, atendiendo con cuidado e inteligencia a las necesidades de las voces, y dejando clara la magnífica preparación y oportuna veteranía de la orquesta. Por cierto, todo un acierto que otra de las grandes orquestas andaluzas se hiciera eco en nuestra ciudad, algo que debería convertirse en costumbre para disfrutar de los otros conjuntos de la comunidad.

Dario Solari y Aitana Sanz

A esta delicia puramente instrumental se unió el excelente elenco vocal convocado, empezando por una Rosina de la valenciana Aitana Sanz que, si bien empezó exhibiendo una voz pequeña y con poca proyección, pronto se desdijo deslumbrando en sus arias, la de la carta, Giusto ciel, con la que culmina el primer acto (en realidad el segundo, aunque esta producción decidió refundir los actos de dos en dos), y la de la lección de canto del segundo (más bien tercero), Giá riede primavera. Ambos, y todas sus partes en duetto, terzetto, quintetto… entonadas con gusto exquisito y enorme sensibilidad, junto a un timbre dulce, diamantino, y un fraseo fluido en el que lucieron también puntuales ornamentaciones defendidas con extrema delicadeza.

El Conde de Almaviva se benefició también de un tenor en forma, el italo-argentino Santiago Ballerini, de holgada proyección, notable aplomo y sentido de la comicidad, así como tono robusto y aterciopelado. Cantó con exquisita sensibilidad Saper bramate, la cavatina popularizada por Kubrick en Barry Lyndon, arreglo mediante de Leonard Rosenman. Y nos regaló además uno de los momentos cómicos más logrados y sobresalientes, cuando se presenta disfrazado como Don Alonso al más puro estilo Jerry Lewis. Sensacional también el barítono uruguayo Dario Solari, que aunque manifestó algunos roces al inicio, se mostró prodigioso en ese repaso por la geografía española ya apuntado, y por extensión en todas sus intervenciones, haciendo alarde de una voz profunda y perfectamente entonada, legato impecable y fuerza vocal sin reservas.

Santiago Ballerini

Magníficas también las aportaciones del barítono onubense Pablo Ruiz, quizás sobreactuado como el doctor Bartolo pero estupendo a nivel canoro, evidenciando un control absoluto de la respiración y una facilidad absoluta para cambiar de registro y ornamentar a discreción. El romano Pietro Spagnoli dejó clara su veteranía y experiencia con El barbero de Rossini, extendiéndolo también a esta variante menos divulgada. Su aportación a Don Basilio, el profesor de música, quizás no estuvo henchida de matices, pero mantuvo esa dignidad y elegancia que se le presume, con un aria de la calumnia de auténtico lujo.

El resto, Luis Raspaqueso y Andrés Merino dando vida a los criados de Don Bartolo, estuvieron impecables en sus aportaciones, especialmente en sus divertidas recreaciones de bostezos y estornudos. Todo en armonía, fácil de seguir y presto a entretener, divertir y encandilar con una partitura exquisita recreada al máximo nivel de calidad y con la mayor de las satisfacciones posibles tanto para sus artífices como para el encandilado público.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía y en Ópera Actual

YO NO MORIRÉ DE AMOR Afrontar la adversidad cuando se es muy joven

España-Bélgica 2026 94 min.
Guion y dirección Marta Matute Fotografía Sara Gallego Música Simon Fransquet Intérpretes Júlia Mascort, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weissmahr, Guillermo Benet, Marc Domingo, Daniel Guerro, Fran Cantos, Lorea Intxausti, Sonia Ocampo Estreno en el Festival de Málaga 11 marzo 2026; en salas 8 mayo 2026

Gran triunfadora, precisamente junto a Hangar rojo, de la última edición del Festival de Málaga, donde se alzó con la Biznaga de Oro y los premios de interpretación a la joven debutante Júlia Mascort y al veterano Tomás del Estal, el también debut de la directora madrileña Marta Matute parece basarse, al menos parcialmente, en experiencias propias, como suele ocurrir en óperas primas. Supone el ya habitual ejemplo de doble debut femenino, realizadora y actriz, al que nos tiene acostumbrados y acostumbradas el cine español de los últimos años. En esta ocasión, nos acercamos a través de un análisis quirúrgico y certero al día a día de una familia afectada por la enfermedad degenerativa de la madre, una suerte de mezcla entre alzheimer y parkinson que exige cuidados intensivos y vigilancia permanente. Pero lo hacemos desde la experiencia vital de la hija menor, apenas dieciocho años truncados por una conciencia que, percibimos, se debate entre su anhelo de vida y búsqueda de propia identidad, y esa huida desesperada de una realidad que le supera y trunca sus expectativas vitales y emocionales.

Matute nos cuenta todo esto con una madurez impropia de una primera película, sin subrayados ni necesidad de esa incontinencia verbal con la que otros y otras justifican comportamientos y ademanes. Aquí todo es sutil, dejando al espectador o espectadora que experimente su propia conexión con una realidad que, desgraciadamente, no nos es ajena, ya sea real o en potencia. Lo logra por supuesto con la colaboración fundamental de un cuarteto protagonista excepcional, desde la joven protagonista debutante al padre, prodigio de expresividad sólo con miradas y gestos, pasando por la hermana, una adecuadamente autoritaria Laura Weissmahr en su mejor papel desde aquel Salve María que le reportó el Goya a la mejor actriz revelación, y por supuesto una sensacional Sonia Almarcha que hace acopio de tópicos para, sin embargo, regalarnos una interpretación sincera y mimética que nos hace olvidar a la actriz que incorpora al personaje.

Matute dirige con contención, sin atisbo de sensacionalismo, aunque alguna reiteración dramática se va apoderando de una función que, dentro de su excepcionalidad, no llega a marcar tanto como pretende, si bien deja la huella suficiente como para preocuparnos y concienciarnos sobre una realidad de la que es difícil escapar, pero que con un soplo de esperanza y la ayuda especializada necesaria, irrenunciable y conveniente, se puede llegar a conciliar y superar, con amor, voluntad y, sobre todo, responsabilidad.

HANGAR ROJO En caída libre

Chile-Alemania-Italia 2026 81 min.
Dirección Juan Pablo Sallato Guion Luis Emilio Guzmán Fotografía Diego Pequeño Música Alberto Micheli y Matteo Marrella Intérpretes Nicolás Zarate, Boris Quercia, Marcial Tagle, Catalina Stuardo, Aron Herenández, Renzo Fioretti, Taiu Braver Iosovich Estreno en el Festival de Berlín 13 febrero 2026; en España 8 mayo 2026

Nuestro país es el primero que saluda la vida comercial de una película que supone el debut en el largometraje de su director, Juan Pablo Sallato, con dos documentales y una serie de televisión a sus espaldas, y que ya fue reconocida en el Festival de Málaga con cuatro importantes premios, a su protagonista y al montaje, así como los del público y la crítica, tras estrenarse oficialmente un mes antes en el de Berlín. Hangar rojo ofrece una disección precisa y dura de aquel infame 11 de septiembre de 1973, cuando un golpe de estado militar acabó con el gobierno democrático de Salvador Allende. Una cinta que llega en el momento justo, cuando precisamente la democracia vive sus momentos más perversos y pervertidos, convirtiéndose paradójicamente en trampolín para el regreso de estos regímenes represores, negadores de derechos y realidades diversas, populistas y macarras. Se deja ver en su escueto y calculado desarrollo la injerencia estadounidense en unos episodios con los que avanzaron la cruzada anticomunista emprendida por el país de las supuestas libertades tras esa Segunda Guerra Mundial que tanto poder y popularidad les reportó, y que ojalá hubieran aprovechado en otra dirección mucho más moderada y humanista. Y se deja ver ahora también esa perversión democrática, perpetrada ahora a través del aparato publicitario que supone el cine, la televisión y los modos de vida imitados por un mundo en el que cada vez más se deja entrever la estulticia generalizada.

Con estos parámetros, Hangar rojo se revela como otro ejemplo necesario de advertencia y concienciación que, lamentablemente, sólo llega a quienes ya estamos advertidos y concienciados, pues poca utilidad tiene si no alcanza a ese público mayoritario emborregado y palomitero. Su discreta distribución lo demuestra, a pesar de los galardones y parabienes recibidos. Nuestro protagonista es un aviador militar que confiesa sentir una libertad absoluta cuando experimenta la caída libre que le proporciona el paracaidismo, pero que en el infernal día que le toca vivir, sólo puede experimentar otro tipo de caída libre, la de haber sido un día salvador del presidente chileno de un atentado, y sentirse obligado ahora a colaborar a regañadientes con un golpe que no comparte, y que tendrá sus consecuencias, relatadas en los títulos de crédito finales.

Un blanco y negro austero, una cámara pegada al protagonista y una puesta en escena precisa y contundente, potencian la escalada de asfixiante tensión que se va apoderando del público, al que por otro lado se le ahorran los horrores insoportables que se denotan del uso del sonido y el fondo desenfocado. Sólo cabe reprocharle algún desliz en el relato, fundamentalmente en detalles que bien podrían haberse pasado por alto. No podemos dejar de lado el excelente trabajo expresivo y gestual del pragmático e hierático protagonista, incluso del más caricaturesco pero necesario superior jerárquico, esa permanente amenaza para quienes disienten de su diabólica misión.

LA ROSS A LOS PIES DE UN PRODIGIOSO DANIEL LOZAKOVICH

Sinfónico 13. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Daniel Lozakovich, violín. Marc Albrecht, dirección. Programa: Concierto para violín y orquesta en Re mayor Op. 61, de Beethoven; Sinfonía nº 1 en do menor Op. 68, de Brahms. Teatro de la Maestranza, jueves 7 de mayo de 2026

Muchas veces nos preguntamos si el director de turno se pliega a las condiciones del solista, convirtiéndose éste en verdadero instructor de la interpretación, al que adaptarse la batuta y con ella la totalidad de la plantilla orquestal. En ocasiones como la de ayer se puede constatar esta particularidad, sobre todo cuando la forma de abordar una pieza y otra del programa es tan distinta, según haya o no participación del solista invitado.

Éste era en esta ocasión una estrella en su género, Daniel Lozakovich, un joven violinista de carrera fulgurante y características extraordinarias desde muy temprana edad, lo que le ha convertido en uno de los más solicitados por las más prestigiosas batutas y conjuntos. Nos complace tanto que la Sinfónica pueda contar con un nombre así en su temporada, que nos planteamos una y otra vez si la poca entusiasta reacción que provocó en nosotros responde a factores ajenos a una atenta escucha, la que sin duda brindamos a su particular comparecencia junto a la ROSS.

En el programa, dos partituras muy frecuentadas por ésta y otras orquestas en nuestra ciudad en los últimos quince años. El concierto de Beethoven lo interpretó Michael Barenboim junto a la West-Eastern Divan y su padre en 2019, mientras la OJA tuvo al alcalareño Javier Comesaña como solista en abril de 2024, sólo dos meses después de que Sergei Dogadin lo interpretara junto a la ROSS y Marc Soustrot.

Por su parte, la primera de Brahms ha sido interpretada hasta cuatro veces por la ROSS en este periplo, con Rodrigo Tomillo en febrero de 2021, Soustrot en 2022, John Axelrod en 2017 y un memorable Pedro Halffter en 2011. Además, la escuchamos con Oksana Lyniv y la Orquesta de la Fundación Barenboim-Saïd hace apenas año y medio, en un concierto en el que curiosamente el hijo de Daniel Barenboim interpretó el concierto de Mendelssohn.

Se trata sin embargo de dos piezas tan perfectas, magistrales, que no nos cansamos de disfrutarlas en casa o en compañía, con la estimulante sensación del directo, y esta vez el aliciente añadido de un comportamiento prácticamente ejemplar del público.

Una ambiciosa lectura del Concierto de Beethoven

Habitualmente considerado un soplo de felicidad y un poema amoroso, el de Beethoven sigue siendo hoy el más admirado de cuantos conciertos se han escrito para el violín, exigiendo altas dosis de virtuosismo y expresividad. Ambas condiciones las reúne de sobra el joven violinista sueco Daniel Lozakovich (el apellido le viene por su padre bielorruso), pero utilizadas acaso con ciertos aires caprichosos y un gusto estético que a nosotros nos ha parecido discutible.

Es cierto que nunca como en esta pieza la orquesta ha de plegarse ampliamente al discurso del solista, pero en esta ocasión encontramos incluso excesiva esa sumisión que acabó provocando nuestro desinterés en los dos amplios primeros movimientos, generándonos más dispersión que concentración. Ejemplares fueron las aportaciones de clarinetes y fagotes en el allegro inicial. Sin embargo, la aportación del violín miró más a su propio ensimismamiento que a potenciar la belleza melódica.

No podemos negar que el sonido se mantuvo siempre hermoso y homogéneo, marcando mucho las dinámicas y jugando continuamente con cambios impactantes de registro, además de manifestar un legato sin fisuras, aunque sin lograr transmitir ese sentimiento profundo y espiritual de los dos primeros movimientos. Las cadencias derrocharon energía de resortes zíngaros, frente al tono lánguido, demasiado delicado y ensimismado que imperó en el desarrollo de la pieza.

Lozakovich afrontó con acierto los arabescos entrecortados y los elocuentes silencios que salpican el larghetto, marcando sólo parcialmente su carácter de romanza. No atisbamos, sin embargo, esa atmósfera de felicidad e intensa poesía que demanda la partitura. En el rondó final apareció por fin el solista que no pretende sino sólo ejecuta, mostrando un contundente pulso atlético y mayor nivel de sinceridad, limitándose a cantar libre y desenfadadamente su agitada gramática.

A todo ello se plegó Albrecht con sumisa disposición, manteniendo un diálogo cómplice con el personal violinista que, a pesar de la entusiasta respuesta del público, se hizo de rogar para afrontar en la propina a Bach, con largas y muy meditadas frases.

Una Sinfonía de Brahms sólida y robusta

Nada que ver, a nuestro juicio, la manera de afrontar Beethoven con la de Brahms por parte del director alemán, que ya en 2019 nos deslumbró con su entusiasta forma de dirigir. Con la Sinfonía nº 1 de Brahms demostró tener muy claras las ideas, sin salirse del guion ni dejarse en los atriles ni una pizca de la exaltación y la robustez que acompaña esta sensacional partitura.

Sentimos especial debilidad por su tercer movimiento, un poco allegretto e grazioso, por motivos estrictamente personales. Si lo encontramos en su punto justo de luminosidad, con esa fragancia a aire fresco que lo caracteriza, quedamos completamente satisfechos. Y fue así como lo resolvió Albrecht. El resto, todo bien construido y asegurado, aunque la de ayer fue una de esas ocasiones en las que los metales no respondieron al máximo nivel, algo chillones y agresivos en el allegro inicial, con puntuales desajustes en el movimiento final.

El director optó por tempi rápidos, especialmente apreciable en el andante sostenuto, tan opuesto a la fórmula desplegada antes en Beethoven. No por ello sacrificó calidez  y refinamiento en este hermoso movimiento. El resultado global fue satisfactorio, sin grandes sorpresas ni alardes añadidos, con franqueza, sinceridad y ninguna intención de epatar. La solemnidad y la brillantez se hicieron paso en un allegro non troppo coronado con un intenso y efervescente final.

Fotos: Marina Casanova
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

LA ZARZUELA MÁS PRIMIGENIA BRILLA CON DE FRUTOS Y RINCÓN

Rocío de Frutos, soprano. Miguel Rincón, cuerda pulsada. Programa: Entre mitos y afectos, un viaje por la Zarzuela Barroca (obras de Juan Hidalgo, Gaspar Sanz, Juan de Navas, Jean-Baptiste Lully, Sebastián Durón, Antonio Líteres y José de Nebra). Teatro Cajasol, miércoles 6 de mayo de 2026

Sólo la zarzuela generada a partir de la mitad del siglo XIX ha trascendido hasta nosotros, con los consabidos períodos de ostracismo que nos hicieron perder el contacto con ella. Pero el género se extiende más allá en el tiempo. Muchos han sido los intentos de reivindicar su trayectoria barroca, porque en este país, en materia de cultura, siempre andamos reivindicando, a falta de un saludable mantenimiento. Pero sólo hemos indagado en un barroco ya tardío, fundamentalmente del siglo XVIII, con José de Nebra como máximo exponente, a quien se han unido otros compositores como Antonio Rodríguez de Hita o Vicente Martín y Soler. Entre nuestras sopranos más reconocidas, María Bayo ha prestado especial atención a este repertorio, con grabaciones acompañadas de suntuosas orquestaciones en manos de conjuntos tan especializados como Al Ayre Español o Les Talens Lyriques.

Lo que los sevillanos Rocío de Frutos y Miguel Rincón nos trajeron ayer se desplazó más allá en el tiempo, a ese primer barroco apuntado, con especial parada en quien se considera precursor de la ópera en español y de la propia zarzuela, Juan Hidalgo. Lo hicieron de la mano de la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría, en colaboración con la Fundación Cajasol y la Compañía Sevillana de Zarzuela, con su principal responsable, Javier Sánchez-Rivas, y el historiador y crítico musical Andrés Moreno Mengíbar, ambos académicos, ejerciendo como maestros de ceremonias.

El resultado fue una encantadora velada en la que los dos protagonistas parecieron sentirse tan volcados como cómodos, quizás por las tablas que ambos atesoran a sus espaldas y que les convierten en consumados artistas capaces de dar brillo a todo lo que se les ponga por delante. Esos primeros intentos de ópera a la española, música concebida para la escena a partir de textos de los autores más reputados del momento, Calderón de la Barca incluido, encontraron en Rocío de Frutos y Miguel Rincón el medio ideal de divulgación.

Un recorrido cronológico de Hidalgo a Nebra

Juan Hidalgo ocupó gran parte de la propuesta, prácticamente la mitad. El compositor y arpista madrileño fe un prolífico músico teatral, trabajó con Felipe IV, y le debemos un considerable número de obras destinadas a germinar en nuestro género lírico. Su obra, sin embargo, se perdió, como la de otros tantos autores, en el gran incendio del Real Alcázar de Madrid de 1734, por lo que haber podido contar con un suculento ramillete de sus composiciones podríamos considerarlo casi un milagro.

Su estilo fuertemente sincopado, con estribillos cíclicos, se dejó notar en el arranque, con un distendido y alegre Trompicábalas, de Los celos hacen estrellas, que Frutos cantó con esa finura que le caracteriza, un fraseo exquisito y una impecable vocalización, ideal para entender, aunque con dificultad por sus formas antiguas, el texto de Juan Vélez de Guevara. Contó para ello con el acompañamiento de lujo de Miguel Rincón, que sustituyó en el último momento al originalmente anunciado Aníbal Soriano, convaleciente por una dolencia puntual.

A partir de ahí, se sucedieron romanzas, si podemos denominar así a las arias de esta primera zarzuela barroca, que alternaron lo jocoso con lo amoroso y dramático, acuñando formas muy apreciadas e identificables para quienes estén familiarizados con el estilo imperante en la época en nuestro país, como jácaras, canarios y villancicos. Con Ay, amor, ay ausencia, de Contra el amor, desengaño, Rocío de Frutos desgranó todo su potencial dramático y expresivo, siempre bajo la atenta complicidad de su compañero, ahora ya sí felizmente entre nosotros y nosotras tras un largo periplo en el extranjero que le ha llevado a participar en algunos de los conjuntos más reputados europeos.

Precisamente, con Gaspar Sanz, Rincón brilló en solitario, añadiendo ornamentaciones propias, vivas y muy creativas a una deliciosa pavana que desgranó con deleite y mucho gusto, así como esos recurrentes canarios, tañidos a la guitarra barroca con sensacional sentido del ritmo, absoluta precisión en la digitación y un fraseo impecable, con una naturalidad que sin embargo no ocultó las complejas dificultades de ambas obras. En otras piezas, Rincón acompañó a la soprano sevillana con el archilaúd, ideal para mecer y dulcificar la voz sin eclipsarla.

Boccherini y Lully, infiltrados

Otra pieza de Hidalgo, Ay que sí, ay que no, de una de esas zarzuelas mitológicas que abundaban en la época, El templo de Palas, con libreto de Francisco de Avellaneda, y el delicioso Sé que me muero de amor, de El burgués gentilhombre de Lully según Molière, como ejemplo de otras comedias musicales extra ibéricas, encumbraron el género con el buen hacer y la implicación total de ambos artistas, muy compenetrados en todo momento.

Sebastián Durón y Antonio de Líteres representaron lo mejor en música escénica a finales del siglo XVII. De quien fuera organista de la Catedral de Sevilla, se interpretaron dos piezas, con especial hincapié en un Sosieguen, descansen, de Salir el amor del mundo, el primer libreto de un habitual en el género, José de Cañizares. Frutos lo cantó con extraordinaria fuerza expresiva y unas muy delicadas ornamentaciones, dejando claro cómo Durón introdujo el recitativo italiano en nuestro género. De Líteres cantó con igual ahínco y entusiasmo Confiado jilguerillo, de Acis y Galatea, quizás reconocible para quienes conozcan el arreglo que Felipe Pedrell hizo para voz y piano.

Con José de Nebra, el gran exponente de la zarzuela en la primer mitad del siglo XVIII, con más de veinte títulos en su catálogo, y su tormentosa Tempestad, de Vendado es amor, no ciego, terminó un recorrido que se extendió en la consabida propina con Boccherini y una divertida pieza enriquecida con singulares improperios de la época, como botarate, que hicieron las delicias de un público encantado. A destacar las sutiles transiciones entre pieza y pieza, formando bloques que hoy denominaríamos medleys, y las exquisitas reducciones a las que fueron sometidas algunas de las piezas más avanzadas, pues las primeras, destinadas a la Corte, se hacían acompañar sólo de bajo.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

TODO LO QUE FUIMOS Saga familiar en un escenario de tragedia y desolación

Título original: Ally baqi mink
Palestina-Alemania-Chipre-Jordania-Grecia-Catar-Arabia Saudí 2025 145 min.
Guion y dirección Cherien Dabis Fotografía Christopher Aoun Música Amin Bouhafa Intérpretes Cherien Dabis, Saleh Bakri, Mohammed Bakri, Adam Bakri, Maria Zreik, Muhammed Abed Elrahman Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2025; en Italia 18 septiembre 2025; en España 30 abril 2026

Vista hace poco en Águilas de El Cairo, Cherien Dabis es una actriz y directora palestino-estadounidense con una larga carrera a sus espaldas, que con éste realiza su tercer largometraje, tras Amerrika y El verano de May, ahora por primera vez bajo bandera del castigado país del que es originaria. Se trata de una clásica película río, que roza continuamente el folletín para quedarse sutilmente en el margen, sin renunciar a la tan necesaria denuncia, pero tratando con delicadeza y elegancia los frágiles materiales que le sirven de base. Dabis nos cuenta la tragedia del pueblo palestino, desde finales de los cuarenta, cuando los israelitas se asentaron en su territorio y fueron paulatina e ilegítimamente invadiéndolo, echando y masacrando a sus habitantes, hasta la actualidad, aunque antes de la aniquilación total a la que le ha sometido Netanyahu y Trump.

El relato se centra en una familia de clase media e intelectual que sirve a la directora para añorar aquello en lo que el país, hoy reconocido como tal por algunos de los países más decentes del planeta, podría haberse convertido, lejos de la barbarie y el salvajismo que se le adjudica simplemente por habérsele arrebatado las herramientas con las que construir una nación libre, justa e independiente. En este contexto recorremos setenta años haciendo paradas en las décadas de los cuarenta, setenta y ochenta del siglo pasado, y culminando en la actualidad. Al llanto por la tierra perdida se añade el del familiar asesinado, siempre dentro de un orden, sin cargar las tintas y haciendo especial hincapié en la mirada y la experiencia de los niños, caldo de cultivo para una sensibilidad y un sentimiento que tardará mucho en corregirse y enderezarse.

Lástima que Dabis empeñe demasiado metraje, perdiéndose a menudo en diálogos y situaciones estériles, que poco o nada aportan a la tesis central y argumental de la cinta. Esto hace que su visionado se antoje puntualmente tedioso, si bien se agradece su hábil y estudiada estructura, y sobre todo el buen trabajo de su elenco, en el que destacan tres actores de una misma familia, dos de ellos, padre e hijo, interpretando el mismo papel en diferentes edades, y el tercero dando vida al hijo de dicho personaje, y protagonista junto a la propia Dabis de la función. Cine de denuncia, pero también de sentimientos, rozando el melodrama y contando con un holgado presupuesto gracias a una frondosa coproducción, que le valió a su responsable el premio a la mejor dirección en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla.