DE MENOS A MÁS EN LA MÚSICA DE CINE ESPAÑOLA

Felling ROSS: España es… ¡de cine!. Ana de Caro, cantaora. Ramiro García Martín, acordeón. Esteban Sánchez Gisbert, guitarra. Tatiana Postnikova, piano y clave. Alexa Farré, violín. Asociación Musical CÓDICE (Esther Sanzo, directora). Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Lucas Macías, dirección. Programa: Temas y suites de Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España, Anillos de oro, Fortunata y Jacinta, El hombre y la tierra, Monsignor Quixote (Antón García Abril), Nueve cartas a Berta, Verano azul (Carmelo Bernaola), Ocho apellidos vascos, Lo imposible, Lope (Fernando Velázquez), Nodo, Los últimos de Filipinas (Manuel Parada), Bienvenido, Mr. Marshall (Jesús García Leoz y Juan Solano) y La piel que habito (Alberto Iglesias). Cartuja Center Cite, sábado 15 de noviembre de 2025

Puede que clausurar el Festival (de Cine Europeo) de Sevilla con tres actos bien diferentes, repartidos a lo largo del día, no sea la fórmula más conveniente, especialmente si dos de ellos coinciden en la hora, restándose público mutuamente. El primero se produjo al mediodía, cuando en el Pabellón Tres Culturas se leyó el Palmarés y se entregaron los veintisiete premios entre sección oficial y paralelas. Ya por la noche, la proyección de la película de clausura, una excelente Chopin, Chopin!, previo breve concierto de piano en el Cine Cervantes, coincidió con este concierto de la ROSS interpretando música de cine español en el Cartuja Center, al que asistieron el director del festival, Manuel Cristóbal, y el jurado oficial al completo.

Este factor, unido al hecho de que el público fanático de las bandas sonoras se concentra fundamentalmente alrededor de los grandes compositores internacionales y el cine de Hollywood, propició que el aforo luciera algo desangelado. Una sensación que se extendió también al modus operandi de Lucas Macías y los maestros y maestras de la orquesta, que en la primera parte no lograron estar a la altura acostumbrada, especialmente cuando se trata de un género en el que la Sinfónica brilló tanto en épocas pretéritas, cuando se celebraban los añorados Encuentros de Música de Cine.

Sin programa de mano físico, se hubiera agradecido que en las pantallas repartidas por toda la sala se apuntaran los títulos interpretados, como guía a un público algo desnortado cuyo desinterés, en algunos casos, se tradujo en continuas y fastidiosas consultas al móvil, no precisamente para seguir el programa. Grabar videos, hacer fotografías y charlar sin compasión fueron otras de las lindezas repartidas por la platea, sin que el personal de sala hiciera nada por impedirlo.

Primera parte: Un popurrí variado

Quizás la desacostumbrada acústica de la sala provocara que en la primera parte del concierto se detectaran deficiencias de diverso calado. Unas impresiones que tuvieron que ver con el aire afligido que pareció predominar en el catálogo de partituras seleccionadas. Las de Antón García Abril, tan reconocido en el ámbito de la música de concierto de vanguardia, y tan popular cuando de música de cine o televisión se trataba (Sor Citroén), sonaron un poco desvaídas.

Tras la música que suena cada año en los Goya, que sigue la tradición habitual en las fanfarrias, acompañadas de fragmentos más relajados que conforman una suerte de suite, y que la ROSS interpretó de manera aseada, sonaron dos de sus composiciones para la televisión más afamadas. Ambas siguen el patrón de melodía pegadiza y romántica repetida hasta la saciedad. Se trata de Anillos de oro y Fortunata y Jacinta, aunque en esta última el piano de Tatiana Postnikova quedó sepultado bajo la efusiva cuerda.

De la agitada y, en esta ocasión, algo caótica sintonía de El hombre y la tierra, pasamos a una breve representación de la hermosa banda sonora para la serie británica Monsignor Quixote, con la guitarra de Estefan Sánchez Gisbert algo deslucida por un trabajo en dinámicas poco matizado. Otro insigne compositor español, Carmelo Bernaola, estuvo representado por un brevísimo tema a clave solo de Nueve cartas a Berta, así como la archiconocida banda sonora de la serie Verano azul, introducida por temas líricos protagonizados por el acordeón de Ramiro García Martín, y seguido del celebrado tema principal, con una percusión machacona, que sirvió al final del concierto como bis acompasado por las palmas del público.

Un bloque dedicado al internacional Fernando Velázquez arrancó con una suite de Ocho apellidos vascos, en el que destacó el trabajo de los percusionistas de la ROSS en la txalaparta. Siguieron el elegíaco tema principal de Lo imposible, con buenas prestaciones de Alejandro Olóriz al chelo y las jóvenes voces de la Asociación Musical CÓDICE, y una generosa suite de Lope, en la que destacó el emocionante crescendo final que la orquesta defendió con fuerza expansiva.

Segunda parte: Calidad e imaginación

Sólo tres títulos integraron la más acertada y de mayor calidad segunda parte, abordada por Macías y la orquesta con gran interés. Las suites empleadas en las piezas de Manuel Parada y Jesús García-Leoz, fueron en su día grabadas por José Nieto y la Sinfónica de Radio Bratislava, así como por la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE bajo la dirección de Adrian Leaper. Suites perfectamente ensambladas para dar una idea bastante completa y precisa de cada película y su ilustración musical.

Foto: Marina Casanova

En Los últimos de Filipinas, Parada siguió los cánones del cine de aventuras hecho en Hollywood, que tanto habían popularizado autores como Korngold o Steiner, echando mano de una sana imaginación y un variado surtido de géneros musicales, desde marchas a valses pasando por una acción excitante, de todo lo cual se hizo perfecto eco la magnífica interpretación del conjunto. En Bienvenido, Mr. Marshall, García-Leoz acierta en ironía y ese toque pastoril tan característico, defendido por Macías con gracia y candidez. El popular Americanos contó con la colaboración al cante de Ana de Caro, toda gracia y desparpajo, y el apoyo del coro.

Para el final se dejó una magnífica suite para violín y orquesta de la película de Almodóvar La piel que habito. Una especie de concierto preparado por el propio Alberto Iglesias, que con Alexa Farré como solista, concertino titular de la ROSS que en esta ocasión dejó esa responsabilidad en manos de Juho Valtonen, sonó sensacional, impecable. Farré demostró una vez más un talento de alto voltaje, que maneja todos los resortes del instrumento con una maestría extraordinaria, y que es capaz de someterse a las dificultades más extremas, y la partitura de Iglesias las contiene, y salir airosa. Macías acompañó con fuerza y un trabajo dinámico sobresaliente, mientras la orquesta, fundamentalmente la cuerda, respondió con sentido de la armonía, misterio y agitación.

Fotos: Lolo Vasco (SEFF)
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

CASO 137 Investigación sobre violencia policial

Título original: Dossier 137
Francia 2025 115 min.
Dirección Dóminik Moll Guion Gilles Marchand y Dóminik Moll Fotografía Patrick Ghiringhelli Música Olivier Marguerit Intérpretes Léa Drucker, Jonathan Turnbull, Mathilde Ruehrich, Pascal Sangla, Claire Bodson, Julien Lilti, Florenc Viala, Guslagie Malanda, Solan Machado Graner, Stanislas Merhar, Côme Péronnet, Valentin Campagne, Mathilde Riu, Sandra Colombo, Genevieve Mnich, Christian Sinniger Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2025

Ha pasado mucho tiempo desde aquel Harry, un amigo que os quiere, que tanto impactó. Pero el cine de Dóminik Moll sigue atesorando esa frescura y esa capacidad para generar tensión que han demostrado sus títulos más recientes, Solo las bestias y La noche del 12. Ahora añade denuncia y tensión política con este thriller sobre asuntos internos de la policía, que como la española, suscita más de una sospecha y algún que otro motivo de desarraigo y desconfianza. Sindicalismo y corporativismo parecen las armas fundamentales para encubrir, con ayuda de la conveniencia política, cualquier intento de aclarar cuestiones relacionadas con una evidente violencia policial, más latente cuando de reprimir manifestaciones ciudadanas se trata, siempre con la excusa de la violencia callejera y la alteración del orden público por parte de supuestos sectores descontrolados.

Al menos eso es lo que nos venden cuando sabemos que para reprimir tales actuaciones, se echa mano de los cuerpos más violentos y brutales de los cuerpos antidisturbios. En esta ocasión, Léa Drucker interpreta con su proverbial capacidad para convencer y enganchar, a una investigadora de asuntos internos encargada de esclarecer la grave lesión sufrida por un joven por parte de una cuadrilla policial. A su alrededor, el resto del numeroso elenco cumple con credibilidad y una fuerte carga emotiva su correspondiente cometido, convirtiendo la función en una suerte de drama coral.

Moll lleva la investigación a buen puerto, con convicción y fluidez narrativa, a pesar de que algunas soluciones se nos antojan algo pueriles y casuales para resolver el caso de la forma más sencilla y radical posible. Por el camino, los problemas sentimentales de la protagonista, especialmente su entorno familiar, se integran con naturalidad en un relato que no deja impasible y con el que nos resulta fácil conectar desde cualquier nacionalidad del entorno posible. 

CHOPIN, CHOPIN! París era una fiesta

Polonia 2025 133 min.
Dirección Michal Kwiecinski Guion Bartosz Janiszwenski Fotografía Michal Sobocinski Música Robot Koch Intérpretes Eryk Kulm, Joséphine de La Baume, Victor Meutelet, Lambert Wilson, Theo Grundmann Brechet, Przemyslaw Kowalski, Karolina Gruszka, Kamil Szeptycki, Michal Pawlik, Claudia Fortunato, Roxane Le Texier Estreno en Polonia 10 octubre 2025

Excelente elección para clausurar la vigésimo segunda edición del Festival (de Cine Europeo) de Sevilla, una mastodóntica y espectacular recreación del París en el que disfrutó de la dolce vita el compositor romántico Frédéric Chopin. Todo un esfuerzo de producción asumido en solitario por la industria polaca, y una declaración de admiración, respeto y agradecimiento profundo a uno de sus hijos predilectos. Hay mucho academicismo en esta suntuosa producción, también algún atrevimiento aislado, como el grafismo, el guiño final o la música tecno ilustrativa. Si bien respecto a este último particular hemos de considerar que el cine histórico rara vez se ha ilustrado con músicas de su época, basta recordar el cine de romanos y sus bandas sonoras neorrománticas.

Michael Kwiecinski es un realizador muy respetado en Polonia, donde ha sido responsable de numerosas series televisivas, y algo de televisivo hay en esta película, aunque el director ha sabido darle el tratamiento necesario para que trascienda y compita con los más celebrados biopics musicales de la historia. En su anterior película, Al servicio de Reich, Kwiecinski ya contó con Eryk Kulm como protagonista. Ahora, el joven actor encara la difícil tarea de interpretar a un genio al que acecha la enfermedad, en forma de tuberculosis, lo que le hace afrontar el resto de su vida con cierto rigor y una mirada poco complaciente. De hecho, el film dobla su narrativa entre la pasión por la música, su trabajo, las fiestas a las que acudía para seguir en la brecha, y sus complejas relaciones sentimentales, con la condesa polaca Potocka, musa y amante, y la escritora George Sand, de quien posiblemente estuviera enamorado pero procurase mediante el rechazo evitarle el dolor de la muerte. Por cierto, el episodio mallorquín resulta para nosotros bastante frustrante, aunque respecto a la enfermedad parece que, aunque embrutecidos, tuviésemos más razón que los cultivados franceses.

La puesta en escena es extraordinaria, hay belleza en cada encuadre, cada decorado, cada vestido y cada fotograma digitalizado. La narrativa es fluida e interesante, aunque en su afán descriptivo olvide profundizar en los temas que toca, como la proximidad de la muerte o el genio de la creación musical. Por el camino, deambulan la admiración del último rey de Francia, Luis Felipe I (Lambert Wilson), el descubrimiento del joven y malogrado pianista Carl Filtsch o su amistad sincera y productiva con un apuesto Franz Liszt. Precisamente con una exhibición de virtuosismo entre ambos compositores y pianistas en la mítica Sala Pleyel de París, arranca la película. Llaman especialmente la atención las maravillosas recreaciones del proceso compositivo y sus clases magistrales de interpretación. Pero sobre todo destaca su música, no en vano el film acierta en sensibilidad culminando con la Mazurka op. 17 nº 4, imposible sustraerse a la emoción escuchando tan exquisita partitura.

SEFF 2025. DJ AHMET Libres a través de la música

Macedonia del Norte-República Checa-Serbia-Croacia 2025 99 min.
Guion y dirección Giorgi M. Unkovski Fotografía Naum Doksevski Música Alen y Nenad Sinkauz Intérpretes Anf Jakup, Agush Agushev, Dora Akan Zlatanova, Aksel Mehmet, Selpim Kerim, Atila Klince Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025

De lo más profundo de Macedonia del Norte surge este primer trabajo de Giorgi M. Unkovski, un hábil y amable relato sobre la vida rural en aquella tierra anclada en un pasado de corte medieval, dominada por las tradiciones y un fuerte sentimiento religioso. La mayor pasión de un joven pastor y estudiante de secundaria es la música tecno y el hip hop, mientras su hermano pequeño le sigue a todas partes sin articular palabra desde el nacimiento, en lo que se revela como una hermosa y llena de ternura relación fraternal.

Los ritos ancestrales son, de esta manera, exorcizados a través del baile y la música, mientras unos toques de realismo mágico nos transportan a una rave o tiñen a una oveja de rosa. Y con estos ingredientes, el joven director crea un testimonio de vida y una llamada a la libertad, sin dudar en otorgar el papel más fuerte y decidido a una joven de apenas quince años, cn quien el protagonista experimentará el primer amor. La fórmula, seguramente por su carácter ingenioso, fresco y amable, le ha generado el reconocimiento del público y el jurado en el Festival de Sundance.

SEFF 2025. STRAIGHT CIRCLE Una sátira coreografiada

Reino Unido 2025 108 min.
Guion y dirección Oscar Hudson Fotografía Christopher Ripley Música Maxwell Sterling Intérpretes Elliot Tittensor, Luke Tittensor, Neil Maskell, Robert Hobbs, Fiona Ramsay, Matthew Dylan Roberts, Catriona Andrew Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2025

Cuando vemos películas como ésta, que tanto nos descolocan, pensamos en lo mucho que escasean en las salas de cine, mientras las de teatro cada vez abrazan más propuestas de este calibre, tan vanguardista y experimental. El joven director Oscar Hudson debuta en el largometraje con esta cinta inclasificable, después de curtirse en una carrera enfocada al videoclip y el cortometraje de carácter creativo. Se presenta como una sátira antibelicista y un tanto surrealista en la que sus dos casi únicos protagonistas son soldados de países ficticios en guerra, que en época de tregua reciben la misión de salvaguardar una frontera en medio de la nada, un desierto que hace prácticamente imposible distinguir la singularidad de su aristado paisaje.

En ese contexto, y con el legado de lo absurdo y un punto grotesco, tan teatral por otra parte, sus protagonistas irán asumiendo que hay mucho más que los une frente a lo que los separa, lo que potencia la idea del irracional uso de la violencia entre semejantes, derivando en cierto modo en una suerte de Martin Guerre. Pero al margen del tono de comedia que Hudson y sus aguerridos actores han sabido dar al conjunto, en una línea que entronca perfectamente con toda una tradición británica, lo que más nos llama la atención es la precisión de su puesta en escena.

Casi como un trabajo coreográfico, Hudson divide la pantalla de forma harto elocuente, y sin uso de efectos visuales ni efectismos de ningún tipo, logra soluciones estéticas que rozan lo magistral. El extraordinario trabajo físico de los actores complementa un film que no está hecho para disfrutar, sino para reflexionar y, sobre todo, dejarse llevar por su extraordinaria originalidad y sus sorprendentes ideas narrativas y visuales. Logró el Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Venecia.

SEFF 2025. WE BELIEVE YOU La esterilidad del proceso

Título original: On vous croit
Bélgica 2025 78 min.
Guion y dirección Charlotte Devilliers y Arnaud Dufeys Fotografía Pépin Struye Música Lolita Del Pino Intérpretes Myriem Akeddiou, Laurent Capelluto, Natali Broods, Ulysse Goffin, Adèle Pinckaers, Alisa Laub, Marion de Nanteuil, Mounir Ben-Naoum Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2025; en Bélgica 12 noviembre 2025

El debut en el largometraje de esta pareja de cineastas belgas, reconocido en Berlín con el premio a la mejor ópera prima, deviene en una propuesta arriesgada, confiar al primer plano y la palabra precisa y bien expuesta, la intensidad dramática de su potente contenido. Una pareja separada debate ante una juez de familia sobre la conveniencia o no de compartir la custodia del hijo y la hija, tras una serie de situaciones que parecen hacer poco recomendable la relación con el padre.

Asistimos a la pantomima en la que un sistema procesal demasiado garantista y encorsetado ha convertido muchos de los litigios que se plantean, y que desgraciadamente se han convertido en rutina diaria en muchos países, entre ellos el nuestro. Casos flagrantes de injusticia, otros en los que las evidencias apenas existen, se dilucidan ante tribunales y jueces a los que se les solicita una sentencia que está más que desmotrada en su verosimilitud y procedencia.

Aguantando el tipo, Myriem Akkediou afronta su papel con fuerza y dramatismo, soportando con extrema profesionalidad un primer plano casi permanente, mientras el resto acompaña con solvencia, entre ellas dos abogadas y un abogado que resultan serlo en la vida real. Extraña sin embargo que el recinto en el que se desarrolla la trama esté tan vacío, tratándose de unos juzgados, y que el comportamiento del niño sea tan diametralmente opuesto al principio y al final. Celebramos, no obstante, el cine que pantea debate.

SEFF 2025. A MAGNIFICENT LIFE Un retrato preciosista pero difuso

Título original: Marcel et Monsieur Pagnol
Francia-Bélgica-Luxemburgo 2025 90 min.
Guion y dirección Sylvain Chomet, según la novela de Marcel Pagnol Música Stefano Bollani Animación Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Francia 15 octubre 2025

Marcel Pagnol fue un destacado novelista, dramaturgo y cineasta francés que alcanzó la fama entre las décadas de 1920 y 1950, siendo el primer miembro de la Academia del Cine Francés. Algunas de sus obras más aclamadas fueron llevadas al cine con carácter póstumo, como el díptico El manantial de las colinas y La venganza de Manon.

El celebrado director de Bienvenidos a Belleville, Sylvain Chomet, utiliza su particular estilo de animación, visible también en El ilusionista, para recrear la autobiografía de Pagnol a través de la narración que efectúa para la revista Elle, con ayuda de su otro yo infantil y el recuerdo emocionado de familiares que se van quedando en el camino, algunos con carácter muy trágico.

Una pléyade de fantasmas que acompañan a las memorias del homenajeado, con tal profusión de datos y diálogos que hacen difícil su digestión, especialmente cuando se está poco o nada familiarizado con el personaje. Tampoco ayuda su vertiginoso montaje, que apenas permite recrearse en los suntuosos y detallistas dibujos, todo un alarde de animación tradicional, de colores vivos y soluciones estéticas sorprendentes y muy cercanas a las técnicas puramente cinematográficas. Un trabajo, por lo tanto, sensacional desde el punto de vista estético, decepcionante desde el narrativo.