SEFF 2026. EKLIPSE Tediosa crónica del miedo y la amistad

Austria-Italia 2026 91 min.
Dirección Manuel Wetscher Guion Manuel Wetscher y Bernhard Jarosch Fotografía Simon Hart Música Marco Schröder y Johannes Winkler Intérpretes Finley Brown, Moritz Hohlrieder, Joseph Holzknecht, Lenz Moretti, Barbara Romaner, Michael Pascher Estreno en el Festival de Venecia 5 septiembre 2026

Una película posiblemente más valiosa por el entorno en el que se desarrolla la trama, un país tan reaccionario como Austria, propicio a estigmatizar una enfermedad como el sida a finales del pasado siglo y la inclinación sexual que lo provoca, que por sus méritos estrictamente cinematográficos. Siguiendo un estilo y un esquema caprichoso y desfasado, la información se ofrece con cuentagotas, y a veces ni siquiera así, hay que adivinarla, mientras somos sometidos a un ritmo premioso y un estilo pretencioso por su supuesta carga poética.

Dos niños pasan el verano en una granja, encargándose de trabajos tan fatigosos como el cuidado de animales y la limpieza de residuos, mientras los adultos les ocultan la realidad, y el auto descubrimiento provoca una escisión en la aparentemente inquebrantable amistad de los dos jóvenes. Todo ello narrado de manera tediosa, abandonando en el imponente paisaje y la habitual crónica del descubrimiento del sexo por parte de los más jóvenes, las bazas para interesar aunque sea un mínimo.

SEFF 2026. THE IDIOT(S) La pasión de jugar

Reino Unido-Polonia-Alemania 2026 118 min.
Dirección Malgorzata Szumowska y Michal Englert Guion Brid Arnstein, Kasper Bajon, Michal Englert y Malgorzata Szumowska, según el libro de Andrew Kaufman Fotografía Michal Englert Intérpretes Aimee Lou Wood, Johnny Flynn, Christian Friedel, Vicky Krieps, Barbara Marten, Rainer Bock, Philip Lenkowsky, Raphael Roger Levy Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2026

Después de triunfar en varios festivales con Cuerpo, la directora polaca Malgorzata Szumowska recibió varios encargos internacionales, como Ellas con Juliette Binoche o Tormenta infinita con Naomi Watts. Por su parte, su habitual director de fotografía, Michal Englert, codirigió con ella Nunca volverá a nevar y Woman of…, repitiendo ahora hazaña con esta particular revisión de la figura de Fiódor Dostoyvski a través de su esposa, Anna Grigérievna Snítkina y su estancia en la ciudad alemana de Baden Baden a mitad del siglo XIX, mientras se gestaba su novela El idiota, un dato que no es precisamente exacto.

Malgorzata, a partir del libro de Andrew Kaufman, analiza la figura del escritor siguiendo los mismos parámetros que Ken Russell hace más de cincuenta años en The Music Lovers (La pasión de vivir), donde era Chaikóvski el masacrado. Histeria y disparate se dan así la mano, mientras se pone el acento en la ludopatía del autor de Crimen y castigo y Los hermanos Karamazov, burlándose incluso de su epilepsia y echando mano de un disparatado grupo de parásitos de la sociedad comandado por el también escritor ruso Turguenev. Todo y todos sometidos al filtro del sarcasmo y la burla más absoluta. No le vamos a negar que el atrevimiento divierte.

Mientras, el absurdo y el anacronismo se adueñan de la función, con vestuarios puntualmente imposibles o el uso de música fuera de época, como el célebre Take on Me de A-Ha. Desmesura un punto esquizofrénica es lo que impera en esta crónica cómica del genio, que tanto nos recuerda al cine desquiciado de Russell, con Gothic y Los demonios (en este caso los de Huxley, no los de Dostoyevski) acompañando a esa Pasión de vivir aludida.

SEFF 2026. I FIGLI DELLA SCIMMIA Estudio del aislamiento

Título internacional: I figli della scimmia
Italia 2026 110 min.
Guion y dirección Tommaso Landucci Fotografía Guido Michelotti Intérpretes Riccardo Scarmacio, Fausto Russo Alesi, Lidiya Liberman, Cristina Odasso, Luigi Diberti Estreno en el Festival de Venecia 7 septiembre 2026; en Italia 17 septiembre 2026

Premiado en la sección Horizontes del Festival de Venecia, donde también se hizo con el galardón al mejor guion, el veterano actor Riccardo Scarmacio interpreta aquí al padre de un niño con discapacidad múltiple que encuentra en la relación con su sobrino y la pasión compartida por las motos de montaña, la posibilidad de ejercer como padre convencional y aislarse de esa forma de la responsabilidad doméstica. Un film, por lo tanto, que habla de aislamiento, la del hijo cuyos sentidos se encuentran alterados y necesita una atención sistemática y especializada, pero sobre todo la del padre que necesita sentir la paternidad como lo hace la mayoría, aunque para ello tenga que inmiscuirse en la forma que su hermano y su cuñada tienen de educar al hijo que él se ha inventado.

Habla también de egoísmo paternal, de cómo para muchos el ejercicio de la paternidad se convierte en un acto de perpetuidad del propio yo, una satisfacción personal por encima de la del propio descendiente. Una película, por lo tanto, intimista y reflexiva, contenida y en cierto modo dolorosa, que su director, Tommaso Landucci, dirige con sentido de la responsabilidad y la mesura, mientras logra transmitir al público la desazón, puntual angustia y esa consecuente frustración que siente el protagonista entre idas y venidas a hospitales y consultas médicas, y de la montaña a la ciudad en busca de una peligrosa e inestable vía de escape.

Puede que el sonido contribuyera a potenciar esa sensación de aislamiento que sufren padre e hijo en la ficción, escuchándose el ruido ambiental a través de la pantalla, mientras otros más directos y los diálogos lo hacen sólo desde un lateral de la sala, salvo que se tratara de un defecto de la copia o la proyección, lo que no quedó claro en su exhibición en el Festival de Cine Europeo de Sevilla.

SEFF 2026. RED CODE BLUE Canción triste letona

Título original: Tumszilais Evangelijs
Letonia 2025 149 min.
Guion y dirección Oskars Rupenheits Fotografía Juris Pilens Música Peteris Vasks y Ugis Praulins Intérpretes Raitis Sturmanis, Viesturs Berkemanis, Elina Avotina, Armands Gulans, Indulis Miglaus, Alvis Vinters Estreno en Letonia 9 octubre 2025

Una de las películas más taquilleras y multipremiadas del cine reciente letón, el segundo film de Oskars Rupenheits ahonda en la sutil línea de separación entre la delincuencia y la protección de la ley, entre mafiosos y policías. Lo hace con sentido de la ambición e inteligente uso de los recursos disponibles, lo que lamentablemente no evita una acción limitada y cierta torpeza formal a la hora de recrear, por ejemplo, peleas callejeras. Raitis Sturmanis interpreta con expresión monocorde a un policía empeñado en desarticular una banda criminal armenia en la ciudad de Riga, para poco a poco ir comprendiendo que su empeño puede resultar tan inútil como inconveniente, e incluso transformar su propio espíritu y condición.

El trabajo acaba resultando algo monótono y estirado, grisáceo e intencionadamente desagradable en aspecto, si bien se reconoce el esfuerzo de producción y su vocación de grandeza, especialmente en el uso de la música, a menudo místico religiosa, con el fin de relacionar la trama con la tradición cristiana no oficial. En este contexto, asistimos a las andanzas del protagonista, respaldado por un amigo excesivamente incondicional, lo que justifica algunas secuencias de acción algo disparatadas y moralmente deplorables, como la violenta irrupción en una escuela de kárate plagada de niños y niñas.

El conjunto acaba, así, siendo algo moroso y rutinario, teniendo en cuenta además que lo que denuncia ya nos lo ha contado el cine muchas veces, a pesar de lo cual reconocemos el mérito de algunos momentos aislados y, sobre todo, de cómo relaciona una anécdota de la infancia con una inconveniente condición del presente imposible de disimular.

WILD HORSE NINE McDonagh se modera y Malkovich reflexiona

Reino Unido-Chile-USA 2026 118 min.
Guion y dirección Martin McDonagh Fotografía Ben Davis Música Carter Burwell Intérpretes John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Mariana Di Girolamo, Ailin Salas, Parker Posey, Tom Waits Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2026; en Reino Unido 4 noviembre 2026; en España 13 noviembre 2026

No acabamos de sintonizar con el cine de Martin McDonagh. La violencia desquiciada que subyace en películas como Perdidos en Brujas o Tres anuncios en las afueras, así como su particular trabajo con la comedia, plagado de sarcasmo y chulería, no acaba de convencernos. El colmo fue Almas en pena en Inisherin, donde a todo lo anterior se sumaba un argumento tan absurdo como irritante. Sin embargo, ha contado siempre con el beneplácito de crítica e industria, que no ha dudado en premiar sus trabajos de manera más o menos incondicional. Nos ha sorprendido, entonces, de manera muy grata, su nueva película, donde ha cambiado el paisaje frío isleño de la ficticia isla irlandesa, por el más cálido y colorista de la de Pascua, donde se desarrolla el noventa y cinco por ciento de la inquietante trama de esta película. Inquietante porque se atreve a fabular abiertamente sobre la inequívoca participación de los servicios de inteligencia estadounidenses en el golpe de estado que derrocó a Salvador Allende y propició los casi veinte años de terror que protagonizó la dictadura de Pinochet, en lo que podemos considerar un nuevo, inútil e hipócrita ejercicio de asunción del mea culpa americano.

Rockwell y Malkovich interpretan a dos agentes de la CIA de turismo por la isla poblada de moáis, las famosas estatuas monolíticas y gigantescas, con el fin de evitar que el segundo, enfermo terminal, se vaya de la lengua sobre las inmediatas intenciones del gobierno de Estados Unidos respecto a tan luctuoso acontecimiento, apenas unas semanas antes del fatídico 11 de septiembre de 1973. En este contexto, ambos se prestan a una serie de aparentemente triviales conversaciones que, en realidad, dejan entrever la personalidad de sus personajes, sus miedos y paranoias, en un trabajo que acaba por parecer una anécdota estirada pero no por ello menos efectiva. Malkovich hace un trabajo excelente, menos ambiguo e irritante de lo habitual, increíblemente comedido a pesar de un perfil excéntrico, y divertido en sus líneas de diálogo y expresiones. Fue reconocido en Venecia con la Copa Volpi. El resto se amolda a la perfección, con especial mención a Steve Buscemi, un particular directivo de la CIA con inclinación drogadicta.

Nada se sabe sobre la intención del título. Mientras los caballos salvajes deambulan por el paisaje como si protegieran al protagonista y se solidarizaran con su particular drama, el número nueve parece ser un capricho del director, según sus propias declaraciones. A este respecto, me gustaría aprovechar para contar una anécdota personal, cuando hace años corría en bicicleta por un paraje próximo al verdadero cauce del río Guadalquivir, y fui perseguido por unos perros rabiosos, entrando lógicamente en pavor y pedaleando sin control. Repentinamente, unos caballos que pastaban por el entorno, acudieron en galope a ahuyentarlos, permitiendo que continuara mi travesía ya sin peligro alguno. Me protegieron como a ese Malkovich perdido en la Isla de Pascua, pero a mí salvaron la vida, no me ayudaron a consumarla. No sé si vino a cuento o no, pero a mí tanto esto como el corto de Almodóvar Extraña forma de vida, por la música, la amistad de los protagonistas, el ritmo y, sobre todo, los caballos, me vinieron a la cabeza mientras veía la que considero la mejor película de McDonagh hasta el momento.

PURA EMOCIÓN CON UN PROGRAMA POPULAR PERO EXIGENTE

Ciclo Sinfónico 4 de la temporada 26/27 de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Lucas Macías, dirección. Programa: Sinfonía nº 40 en sol menor K.550, de Mozart; Sinfonía nº 7 en Mi mayor Wab. 107, de Bruckner. Teatro de la Maestranza, jueves 12 de noviembre de 2026

El regreso al podio del director musical de la ROSS, Lucas Macías, se saldó con muy buenos resultados. Colocar en un mismo programa dos sinfonías tan icónicas y distantes en el tiempo, puede tener todo su sentido si entendemos la de Mozart como antecedente inmediato del romanticismo, sus formas y anhelos en pleno clasicismo, y la de Bruckner todo lo contrario, en el crepúsculo del movimiento artístico que imperó a lo largo del siglo XIX.

La mano exigente de Macías, seguro y preciso en sus intenciones y cometidos, logró que ambas partituras brillaran a muy alto nivel, siempre con la complicidad de una orquesta exigente y altamente cualificada, en la que encontramos muchos rostros nuevos, jóvenes, no sólo en la inflada plantilla de Bruckner, sino también en la mucho más reducida de corte clásico que resolvió un muy idiomático Mozart.

Ritmo y color para honrar a Mozart

De tan popular y querida que es, el arranque de la Sinfonía nº 40 de Mozart puede llegar a ruborizarnos, en cuanto percibimos las sonrisas de complacencia del público a nuestro alrededor. Macías entendió que no sólo se trata de una obra hermosa y cualificada, sino que también encierra cierto aire neurótico y una complejidad intelectual considerable, y así nos lo comunicó en una interpretación esmerada y ciertamente meditada.

Maderas y, sobre todo, metales contribuyeron a dar al conjunto el tono moderadamente agresivo que demanda, sin por ello sucumbir en exageraciones vacuas o faltas de sentido. Se abrió elegante y moderada, sin vibrato pero sin atisbo de sequedad o impostada austeridad, melodiosa y serena. Todo ello sin sacrificar un gramo de la intensidad emocional que expide una pieza concebida en un momento muy delicado para la salud financiera y personal del autor.

La de Macías no fue una versión especialmente turbulenta, pero tampoco fue complaciente, y ni siquiera buscó el tono agónico con el que muchos la afrontan. Por el contrario, resultó rítmica y colorista, enérgica y puntualmente ardiente, con un hermoso andante defendido por una cuerda tersa y aterciopelada, un minueto solemne y un punto autoritario, y un final rico y estimulante, defendido con tanta seriedad como vitalidad.

Una Séptima de Bruckner opulenta, majestuosa

Hace apenas un par de meses tuvimos oportunidad de asistir, en un viaje turístico a Nápoles, a una interpretación de esta misma obra de la mano de la orquesta del mítico Teatro de San Carlo, bajo la batuta del reconocido director alemán Marc Albrecht. La que se esperaba una interpretación satisfactoria, acabó resultando pesante, en utilización de un término típico italiano, y tediosa, casi sin relieve. Esperábamos, por lo tanto, resarcirnos con la interpretación de la ROSS de anoche, pero lo cierto es que el resultado superó nuestras expectativas de manera considerable.

La más popular de las sinfonías de Bruckner se benefició de un allegro inicial henchido de nobleza y estimulante elegancia, desgranando su riqueza melódica con fluidez y personalidad, con Macías prescindiendo de partitura, dejando claro así su dominio y control de la pieza, patente por supuesto en una dirección ágil, de ideas claras. La presencia del tan admirado Wagner se dejó sentir ya entonces, pero destacó especialmente en el adagio, concebido a su mayor gloria como una elegía al autor del anillo. Defendida con sentido del color, el ritmo y el contraste, todo esto se hizo presente también en un enérgico y danzarín scherzo, que gozó además de un equilibrio extremo entre los acordes más agitados y los más pausados con los que se alterna.

El clímax encendido y triunfante de la sinfonía, coronado por los platillos y esos refulgentes metales tan presentes en la obra, vio cómo se desvanecía de manera tan oportuna como inteligente en el contenido pesar de la coda. La orquesta potenció en todo momento las ricas texturas de la pieza y esa disciplina férrea tan evidente en una plantilla cada vez más motivada, rutilante y sin duda satisfecha con los estimulantes resultados que lleva disfrutando estas últimas temporadas.

Fotos: Luis Prieto Fernández
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

SEFF 2026. 3 WEEKS AFTER Una recurrente y discutible mirada a la juventud

Título original: 3 nedelje posle
Serbia-Luxemburgo-Bulgaria-Croacia 2026 94 min.
Dirección Miroslav Terzic Guion Vladimir Arsenijevic, Miroslav Terzic y Bojan Vuletic Fotografía Damjan Radovanovic Intérpretes Jovan Ginic, Klara Hirvonovic, Andjela Alavirevic, Tihana Lazovic, Branislav Trifunovic, Karauliç Klara, Andrija Markovic Estreno en el Festival de Karlovy Vary 7 julio 2026

Existe cierta tendencia a retratar la juventud actual como falta de esperanza, deshumanizada y dispuesta a mostrar su rabia, disconformidad y crueldad con toda su fuerza y contundencia. Nos preguntamos si esta crítica feroz y encarnizada no sería más útil en sus postulados e intenciones si en lugar de observar esta sinrazón nos fijásemos en quienes se esfuerzan día a día y muestran la mejor cara de esa misma juventud, superando incluso a otras generaciones anteriores, mucho menos estimuladas, responsables y comprometidas que la actual. Se culpa a la tecnología, las redes y los bulos, no sin razón, pero se margina a aquellos y aquellas que son capaces de acampar durante meses en condiciones incómodas para reivindicar derechos y justicia en beneficio de todos y todas, o exhiben una disciplina férrea cuando de afrontar cometidos culturales, como podemos observar, por ejemplo, en las innumerables plantillas de orquestas jóvenes que cada vez más abundan en nuestro entorno.

Por el contrario, el director serbio Miroslav Terzic, como otros, prefiere poner el acento en una terrorífica cotidianidad que da por hecho que los institutos de enseñanza son casas del terror donde los y las más vulnerables sufren el acoso y la crueldad sistemática de una masa fascinada por el típico líder macarra y despiadado que, para más desatino resulta que actúa impulsado por la femme fatale de turno, criminalizando una vez más a la mujer como instigadora del crimen y el pecado.

Parece mentira que toda esta violencia provenga de un pueblo tan castigado por la guerra y el fratricidio, si bien en gran parte instigado por ellos mismos. Pero lo cierto es que eso es lo que cuenta esta desasosegante película que exagera los hechos y le da un sentido casi pornográfico al relato. Así las cosas, el estimulante y creativo trabajo de sonido y montaje que exhibe la película, así como sus sofisticados encuadres, pasan a un segundo plano frente al despiadado y radicalmente morboso retrato que propone de una juventud aparente y caprichosamente sin remedio ni esperanza.