HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO Deliberadamente pop

Título original: Masters of the Universe
USA-Australia-Canadá-Islandia 2026 132 min.
Dirección Travis Knight Guion Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y David Callaham, según los personajes creados por Roger Sweet Fotografía Fabian Wagner Música Daniel Pemberton y Brian May Intérpretes Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba, Jared Leto, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Jon Xue Zhang, Alison Brie, Sam C. Wilson, Charlotte Riley, James Purefoy, Morena Baccarin y la voz de Kristen Wiig Estreno  en Estados Unidos y España 5 junio 2026

Nacidos como juguetes (de Mattel), los Masters del Universo pronto dieron el salto a la pequeña pantalla en forma de dibujos animados, para convertirse en 1987 en una película más bien cutre, para eso figuraban como responsables Menahem Golan y Yoram Globus. Dolph Lundgren, incondicional de la saga Rocky, que aquí tiene un divertido cameo, prestaba un físico contundente y una melena rubia al héroe protagonista, de nombre tan redundante como He-Man. Recuperar el personaje y darle el empaque de cine espectacular de primera categoría (la serie B ha quedado definitivamente relegada a fórmulas de exhibición secundarias o alternativas), no es sino el primer escalón para una nueva fuente de ingresos en forma de saga cinematográfica.

Lo bueno es que sus nuevos responsables se han tomado la empresa a juerga y diversión, ofreciendo un producto ligero y entretenido, con numerosos golpes de humor que se agradecen después de tantos años de superhéroes traumatizados. No quiere esto decir, ni mucho menos, que nos encontremos ante un producto excepcional más allá de su mera vocación de divertimento alegre y desenfadado, sin que destaque especialmente en ningún apartado, ni siquiera el de efectos visuales, pero que en conjunto resulta refrescante y ameno, aún contando lo mismo de siempre y con idéntica estructura, pero con el desenfado del que ha sido capaz de infundirle su director, Travis Knight, curtido en el cine de animación, con especial acierto en Kubo y las dos cuerdas mágicas.

El sanote Nicholas Galitzine se hace fácilmente con su papel, tras prestarse a personajes homosexuales en Rojo, blanco y sangre azul y la serie histórica Mary & George, mientras el conjunto rezuma cierto aire pop y retro, en la línea de otro súper héroe que pinchó en taquilla a principios de los ochenta del pasado siglo, Flash Gordon, una producción de Dino de Laurentiis con otro rubiales de idéntica planta como protagonista y la música de Queen que también se hace sentir aquí de la mano de Brian May.

LA LUZ Más allá del arrepentimiento

España 2026 118 min.
Guion y dirección Fernando Franco Fotografía Santiago Racaj Música Maite Arroitajauregi Intérpretes Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana, Luis Callejo, Ramón Barea, Pablo Gómez-Pando, Nacho Sánchez, Santiago Mayorga, Antonio Zafra, Itziar Aizpuru Estreno 5 junio 2026

Asistimos estos días estupefactos a las exacerbadas muestras de cariño a un Papa de recorrido todavía muy breve, al que tantos confían sus bebés para que los bendiga, muchos de los cuales, si no se pone remedio definitivamente a esta lacra, podrían acabar siendo víctimas de los abusos sexuales de la Iglesia Católica, sobre la que el pontífice apenas se ha referido de manera tímida y velada, mientras sólo se ha reunido con un par de asociaciones de víctimas, por cierto las más domesticadas por la propia institución, mientras ha despreciado por supuesta falta de tiempo en tan apretada agenda, al resto, muy indignados. Este es el panorama que vivimos en un país presuntamente laico y aconfesional, que sin embargo ha puesto toda la carne en el asador para agasajar al Papa y sus fanáticos feligreses, tan responsables como el que más del dolor y el sufrimiento que millones de niños y niñas han sufrido en manos de aquéllos a los que la institución ha obligado a un absurdo celibato. Observamos que el drama se repite de manera idéntica en todos los países, gracias al bendito cine que tanta mella hace en nuestro ánimo. Basta recordar la estupenda Spotlight para encontrar más puntos en contacto que diferencias con esta nueva película del sevillano Fernando Franco. Pero es que también El club de Pablo Larráin muestra cuestiones que surgen también aquí, y comprobamos así que el modus operandi es calcado en unos y otros países, y que la protección al delincuente ha sido inversamente proporcional a la dispensada a las víctimas, muchas de las cuales han quedado marcadas para toda la vida, si no la han perdido en el intento de sobrevivir al horror y la incomprensión.

En este contexto de amargura se mueve la nueva película del director de La herida, La consagración de la primavera y Subsuelo. Decidido a escarbar en algunas de las miserias más absolutas del ser humano, le toca el turno a esta vergüenza que no merecería más que el desprecio absoluto y la desconfianza total frente a quienes se erigen en líderes de nuestra espiritualidad. Y para eso fija su atención en un sacerdote abusador que, en vísperas de soltar el hábito y rehacer su vida junto a un joven amante inmigrante, descubre que sus crímenes del pasado le van a pasar cuenta ahora que la Iglesia se ve obligada a hacer el paripé de turno.

Le presta rostro un Alberto San Juan en posición algo impostada, seguramente por la convicción de que está interpretando a alguien que interpreta, por lo que de continuo muestra gesto de estupefacción frente a denuncias y reproches. Hay quien ve en su peregrinaje por instancias eclesiásticas y víctimas denunciantes, un particular vía crucis, pero nosotros preferimos ver una estructura narrativa precisa y muy bien articulada, en torno a un guion modélico y unas interpretaciones muy logradas. Lástima que su carácter obligadamente didáctico y su diatriba esperanzadora, esa luz que el propio título promete, se extinga y malogre debido a un final tan poco adecuado, tan equivocado, aunque en él se haga hincapié en esa feligresía tan responsable como la propia institución que para tantos ha sido un verdadero infierno. Claro que se trata de una luz, como tantas otras, que se extingue antes de tiempo, dando paso a quienes representan lo peor de la especie humana, a la espera de que vuelvan, en su vocación cíclica, a convertirse sólo en un mal recuerdo.

BACKROOMS Perdidos en un espacio liminal

USA-Canadá 2026 105 min.
Dirección Kane Parsons Guion William Bromell y Kane Parsons Fotografía Jeremy Cox Música Edo Van Breemen y Kane Parsons Intérpretes Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Mark Duplass, Krista Kosonen, Robert Bobroczkyi Estreno en Estados Unidos 29 mayo 2026; en España 5 junio 2026

La ya mítica productora A24 sigue desafiando al género en el que más cómoda parece sentirse, el terror, y lo hace manteniendo su principal estrategia de mercado, la sorpresa. Para eso tira de un jovencísimo creador, que sin haber alcanzado aún la madurez, ya concibió todo un universo paralelo y escalofriante, propio del subconsciente humano, en el corto Backrooms (Found Footage), y se animó con otro, The Oldest View, al que ya le ha dedicado varias entregas en forma de cortometraje. Del primero surge esta fascinante y desconcertante película que a nadie deja indiferente, tantas son las formas de explicar y entender su enigmático argumento y aún más misterioso escenario. Bien es verdad que en su forma y contenido sintoniza seguramente mejor con públicos jóvenes, ávidos de experiencias nuevas y abiertos a propuestas rupturistas, sobre todo si derivan de esos fenómenos que habitan en redes y de las que tantos y tantas jóvenes son bien conocedoras.

Los backrooms o habitaciones traseras del título se refiere a espacios liminales, más propios de una sensación o un estado de ánimo que de una estancia física, real o convencional. Ahí se encuentran, bajo la mirada curiosamente científica de unos analistas muy especiales, dos personas con un pasado traumático, paciente y psicoanalista, que fusionan miedos y recuerdos de la misma forma confusa y alterada con la que la mayoría recreamos nuestras vivencias y las personas que nos han acompañado. Se crea así uno de esos queridos universos paralelos, si se quiere cuarta dimensión, en los que se exorcizan nuestros miedos y se buscan soluciones, distorsionando la realidad pero dotándola de una fuerza que la hace igualmente válida. Pero es también donde habitan nuestros monstruos, que pueden devorarnos o educarnos, según la diatriba que siga cada uno y una.

Kane Parsons es el prematuro director que acometió esta compleja y profundamente intelectual empresa sin haber cumplido aún los veinte, y que exhibe la capacidad suficiente para sorprendernos y desconcertarnos, proponernos tantas preguntas como respuestas y arrojarnos a la siempre incómoda ciénaga de la madurez intelectual para sentirnos capaces o no de descifrar tanto y rotundo enigma. A ello se prestan Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve con toda su fuerza emocional, convicción y entrega espiritual, sin lo cual el resultado no sería tan convincente y rotundo. Mientras, la fascinante dirección artística se erige en uno de los alicientes más radicales y definitivos de un espectáculo que Parsons maneja con tanta habilidad como profesionalidad, mezclando imagen puramente cinematográfica, y panorámica, con grabaciones caseras, entre las que se cuelan los supuestos metrajes encontrados.

REBUILDING Resurgir de las cenizas

USA 2025 95 min.
Guion y dirección Max Walker-Silverman Fotografía Alfonso Herrera Salcedo Música James Elkington y Jake Xerxes Fussell Intérpretes Josh O’Connor, Lily LaTorre, Meghann Fahy, Kali Reis, Amy Madigan, Sam Engbring, Dwight Mondragon Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 14 noviembre 2025; en España 5 junio 2026

Los efectos devastadores de un incendio forestal son el punto de partida de una película introspectiva y morosa a conciencia, cuyo tema principal sería la reconstrucción personal a partir de la pérdida absoluta de la propia identidad. Josh O’Connor presta su versátil habilidad al protagonista, convenciéndonos de que después de interpretar memorables papeles de gay (Tierra de Dios, The History of Sound) y cabalgar como un experto cowboy, se nos antoja el heredero natural de Brokeback Mountain. Aquí interpreta a un padre separado de la madre de su pequeña hija, a quien la pérdida de su granja y la venta acelerada del ganado que le queda, le obliga a habitar una caravana habilitada por el gobierno temporalmente para los y las damnificadas.

La comunidad que forma, que tanto nos recuerda a la oscarizada Nomadland, con este desgraciado grupo conminado a comenzar de nuevo, y su aproximación a la familia que perdió, nunca sabemos la razón, se convierte en núcleo de una narración tan sencilla como tierna y acertada. Sin aspavientos ni grandes alardes interpretativos, el elenco se presta a dar credibilidad a estas víctimas de una realidad que dilapida no ya el sueño americano sino el de cualquier sociedad creada a su imagen y semejanza.

Por fin una niña estadounidense, estupenda Lily LaTorre, se comporta en pantalla como alguien de su edad, mientras Amy Madigan sigue disfrutando de este regreso al cine que la ha recompensado con el reciente Oscar a la mejor actriz secundaria por Weapons. Los sentimientos, la pérdida de los objetos sentimentales, y la revalorización del amor y el cariño como única meta y razón para sobreponerse y mantener una esperanza viva, quedan perfectamente reflejados por un director cuya juventud poco hacía suponer tanta madurez de ideas y resoluciones.

LAS CATADORAS DE HITLER La herida en carne propia (II)

Título original: Le assaggiatrici
Italia-Bélgica-Suiza 2025 123 min.
Dirección Silvio Soldini Guion Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia y Lucio Ricca, según la novela de Rosella Postorino Fotografía Renato Berta Música Mauro Pagani Intérpretes Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun, Emma Falck, Olga von Luckwald, Thea Rasche, Kriemhild Hamann, Berit Vander, Esther Gemsch, Jürgen Wink, Nicolo Pasetti Estreno en Italia 27 marzo 2025; en España (no en Sevilla) 22 mayo 2026

La barbarie nazi es fuente inagotable del horror más inimaginable y nauseabundo, además de espejo doliente de las salvajadas que hoy cometen los líderes modernos del fascismo, parapetados como siempre en la aprobación de un pueblo amnésico y egoísta, además de iliterato. De nuevo son los propios alemanes quienes sufren las consecuencias de la devastación a la que fueron sometidos, merced a ese monstruo innombrable y la multitud de infames duendecillos que ejecutaron sus lamentables designios. Otro episodio poco conocido de esta locura generalizada la protagonizaron un grupo de mujeres, alemanas, sanas, jóvenes y vecinas de la Guarida del Lobo, que es como se conocía el cuartel general de Hitler, obligadas a comer los alimentos cocinados para el führer con carácter previo a su degustación, con el fin de evitar su envenenamiento en caso de atentado mediante ese procedimiento.

Un programa diabólico que el director Silvio Soldini, con una sólida carrera a sus espaldas (Acuarela, Giorni e nuvole), maneja con dureza y sobriedad, logrando una atmósfera malsana de terror casi permanente, visible tanto en los rostros de estas mujeres, algunas viudas de guerra, como en el hostil ambiente que les rodea. Mérito muy especial de estos logros lo tienen sus protagonistas, desde Elisa Schlott, que se erige en rostro y cuerpo sobre el que se suceden los terribles episodios que marcaron esta terrible experiencia, al resto de mujeres sometidas a una tortura psicológica constante, la mansa conformidad de la suegra frente al desconcierto y escándalo que suscita en el suegro, hasta el oficial incapaz de asumir la barbarie a la que ha sido obligado y mantener una postura personal y libre frente a ella.

El film resulta duro y terriblemente doloroso, con una puesta en escena académica y clásica y una fluidez narrativa siempre presta a la sorpresa y, sobre todo, a la incredulidad, aún todavía, frente a la posibilidad de que el hombre pueda ser tan cruel consigo mismo. Basada en hechos reales, novelados y llevados ahora al cine por seis guionistas, quizás demasiadas para condensar tan precisos y específicos acontecimientos, si bien el objetivo se ha conseguido, pese a tantas manos involucradas.

EL CASO HÜBENER La herida en carne propia (I)

Título original: Truth & Treason
USA-Lituania 2025 120 min.
Dirección Matt Whitaker Guion Ethan Vincent y Matt Whitaker Fotografía Bianca Cline Música Aaron Zigman Intérpretes Ewan Horrocks, Rupert Evans, Ferdinand McKay, Daf Thomas, Nye Occomore, Joanna Christie, Sean Mahon, Sylvie Varcoe, Ben Dilloway, Daniel Betts, Celinde Schoenmaker, Dominic Mafham Estreno en Estados Unidos 17 octubre 2025; en España 29 mayo 2026

Son varias las películas con el nazismo como tema que se están estrenando estos días. A La isla de Amrum se unió hace unos días Las catadoras de Hitler, y ahora esta película de título original Verdad y traición. Todas con la particularidad de centrar las consecuencias del fascismo y la guerra en el propio pueblo alemán. El caso Hübener es el debut en la dirección de Matt Whitaker, curtido en televisión y películas de serie B en diferentes cometidos. Con una caligrafía pulcra y una narrativa tradicional y convencional, pone en pie otra historia de resistencia en el propio seno de la sociedad alemana del momento, ¿o es que creíamos que no hubo disidencia y mirada crítica entre los propios alemanes que vieron cómo su convivencia y su propia existencia como país se ponía en peligro por otro loco con aires de grandeza?

Estas historias, siempre necesarias como salvaguarda de nuestra memoria, nos llegan en un momento aún más necesario, imprescindible, cuando se ciernen sobre nosotros y nosotras un triple peligro que hace zozobrar los cimientos de nuestra civilización, obligándonos a dar pasos atrás de gigante en la consecución de derechos, libertades y una mejor convivencia entre razas y creencias. Aún así, no creemos que esta película tan aseada como correcta en sus cometidos, recursos y puesta en escena, persiga ese objetivo, sino más bien hacer justicia a la memoria de quienes, como los jóvenes de esta historia, hicieron frente al régimen asesino y descarnado, asumiendo las trágicas consecuencias que esa osadía debía suponerles.

Tan bien interpretada como hábilmente dirigida, la cinta discurre por los parámetros habituales en este tipo de producciones, creando ciertas similitudes con la noventera Rebeldes del swing, y dejando claro que siempre habrá quienes se resistan a la injusticia, empleando como en este caso la cultura, la literatura y la memoria para denunciar la barbarie y la sinrazón a la que, precisamente ahora, nos conducen quienes desde las redes sociales tanta propaganda hacen de lo peor de nuestra especie, hasta hacernos desear que acabe la civilización para comenzar de nuevo, regenerada.

LA SILLA Un thriller asfixiante pero imperfecto

España 2026 76 min.
Guion y dirección Ángel de la Cruz Fotografía Christos Voudouris Música Tomás Barreiro y Jesús Martín Fernández Intérpretes Jaime Lorente, Christina Ochoa, Eva Rufo, Rodrigo Poisón, Alba de la Fuente, Estíbaliz Veiga, Santiago Molero, Marcelo Carvajal, Marta Fuenar, Pedro Martell, Gabriel Álvarez, Iñaki y Daniel Urriza Estreno 29 mayo 2026

La filmografía de Antonio de la Cruz es curiosa y variopinta. Tras escribir el guion de tres conocidas películas de animación, El bosque animado (también codirigida por él), Arrugas y Memorias de un hombre en pijama, debutó en la dirección en solitario con un melodrama de corte social, O home e o can, y ahora prueba suerte en el thriller con estilo, sin disimular para nada su admiración por Hitchcock, patente ya desde los títulos de crédito, con un doble volumen literario dedicado al maestro del suspense sobre la mesa del escritor protagonista. Jaime Lorente, con su proverbial versatilidad y un físico tan apropiado para personajes de hombre duro y machacado por su condición de clase, así como para deportistas y aventureros, es ese escritor con ínfulas de Stephen King, cuyos libros atesoran éxitos y poseen la capacidad de influir sobre los lectores más jóvenes y emocionables.

De la Cruz en la dirección y Lorente en la interpretación, tan física como intelectual, ponen toda la carne en el asador para lograr un film de ambiente irrespirable y tensión in crescendo, aunque para ello se tomen su tiempo en un comienzo dilatado y moderado a pesar de su corto metraje. Sin embargo, pronto se atisba su artificiosidad cuando para progresar en una trama de inspirado arranque, se suceden episodios tan casuales como atropellados para que el conjunto disfrute de los giros habituales del género, aunque argumentalmente poco o nada aporten a su sustancia. En este sentido, la tragedia del principio o la habitual infidelidad apenas proporcionan fuelle a la empresa, si no es para generar cierto sentido de cuento moralizante con castigo incluido.

Bien la recreación de ambiente y espacio, y muy bien la atención a los detalles, especialmente los escatológicos que tanto se obvian y que aquí colaboran en dar naturalidad y credibilidad a la trama. Pero mal el uso a veces indiscriminado y fuera de lugar de la banda sonora. Lorente se esfuerza con un trabajo agotador, y triunfa, mientras el director demuestra pericia, pero el conjunto exhibe una diatriba a menudo forzada que, dada su escasa duración, genera dudas sobre la habilidad de un producto que acaba así revelándose imperfecto, algo que Hitchcock nunca se hubiera pedonado.