TODOS LOS NOMBRES DE DIOS El valor de una sola vida

España 2023 105 min.
Dirección Daniel Calparsoro Guion Gemma Ventura Fotografía Tommie Ferreras Música Carlos Jean Intérpretes Luis Tosar, Inma Cuesta, Nourdin Batan, Patricia Vico, Lucas Nabor, Roberto Enríquez, Fernando Cayo, Abdelatif Hwidar, Fátima-Zohra Mohamed, Intissar El Meskina, Joan Solé, Moussa Echarif Estreno 15 septiembre 2023

Hace mucho que Daniel Calparsoro abandonó su estilo inicial de trabajo, un cine personal y arriesgado con ciertas dosis de acción pero con un lenguaje tan ácido y particular que no logró sintonizar con el público. Fue en los años finales del pasado siglo, cuando junto a su entonces pareja Najwa Nimri como protagonista, dirigió cintas como Salto al vacío, Pasajes o Asfalto. Definitivamente instalado en el cine de gran espectáculo a imagen del norteamericano, y con mayor habilidad para suscitar el interés del público, el director vasco estrenó películas como Invasor, Combustión, El silencio de la ciudad blanca, con resultados desiguales, o la más reciente y estimulante Hasta el cielo. Con tacto y sentido de la oportunidad, echa mano ahora del terrorismo yihadista (de haberlo hecho hace una década lo hubiéramos tildado de oportunista), para conseguir su cinta más depurada a nivel narrativo, dramático y técnico. Lástima que la publicidad haya abusado de su imagen más icónica, lo que en cierto modo se ha convertido en una suerte de spoiler que en nada beneficia a una película que debería haber resultado menos previsible.

Con todo, Calparsoro ha conseguido un film inquietante, muy bien urdido por su guionista, la todavía poco experimentada Gemma Ventura, y mejor montado por Antonio Frutos. Todo para conseguir sumergirnos en una vorágine de inquietud y suspense tras un atentado a gran escala en el Aeropuerto de Madrid que los efectos especiales resuelven a la perfección, decantándose por el realismo en lugar de los fuegos artificiales, y tras lo cual se sucede un drama universal y a la vez humano, cuyo peso fundamental recae en el inmenso talento interpretativo de Luis Tosar, acompañado por la efectiva réplica que le dan Patricia Vico y Lucas Nabor, su esposa e hijo en la ficción. Mientras, el trabajo de Inma Cuesta resulta menos convincente, sin que ello tenga necesariamente que malograr una empresa realmente bien estructurada y resuelta, donde se cuidan todos los detalles, incluso los más sentimentales, no en vano todo gira en torno al valor de una, cualquiera, vida humana.

En este proceso cabe destacar su estructura bipartita, con una primera mitad centrada en el drama del terrorismo, el dolor de ambas partes, víctimas y ejecutores, y sus motivaciones. Mientras, en la segunda asistimos al conflicto que su publicidad tanto se ha encargado de airear, y cuya resolución se convierte en eje de todo el suspense que es capaz de acumular. Calparsoro ha sabido aprovechar una producción holgada para, con la complicidad de un equipo técnico y artístico impecable, al que cabe añadir la desasosegante banda sonora de Carlos Jean, conjugar todos los recursos y lograr una inquietud extrema sin más ambición que la de entretener, a pesar de que por el camino desparrama alguna que otra interesante idea.

VANDALIA TRÍO CON AROMA A TIERRA

Concierto inaugural de la temporada 2023/24 de Juventudes Musicales de Sevilla. Vandalia Trío: Irene Jiménez Lizcano, flauta; Fernando García Calvo, violín y teclados; Pablo Estébanez Blanco, contrabajo; y la colaboración de Ignacio Ampurdanés, batería. Programa: Interludio I – Habanera; Tema en re; Interludio II – Nana; Origen (Asturias); Hiromi, Encuentro; Recovecos; Oblivion - Olvido. Miércoles 20 de septiembre de 2023

Apenas quedaron atrás los conciertos estivales del Alcázar y ya estamos dando la bienvenida a la nueva temporada musical de Sevilla, con Concha Arenal, Arnold Collado y Emilio Puch tomando la iniciativa y ofreciendo en el Teatro Cajasol que tantas veces les ha servido de escenario, el concierto inaugural de su nueva temporada cargada de ilusiones. Afianzaron la ocasión contando con Vandalia Trío, grupo que ellos mismos han apadrinado casi desde su aparición hace escasos años, y de cuyo concierto en el ciclo Alternativas de cámara del Maestranza hace dos años, ya nos hicimos eco en estas mismas páginas. Volvieron ahora con una mayor confianza y una voz más singular que la exhibida entonces, fruto sin duda del esfuerzo y la dedicación que a buen seguro han dedicado a su empresa en este tiempo. Pablo, Irene y Fernando prestan mucha atención a la puesta en escena, de manera que no nos pareció casual su armónico vestuario tintado de tierra, la misma que protagonizó un concierto tan anclado en nuestros orígenes y cultura.

Si en el Maestranza coquetearon con su formación eminentemente clásica, jugando con las formas, melodías y estéticas de Bach, Mozart o Ravel, y sometiendo sus partituras a quiebros y arreglos en consonancia con el estilo desenfadado que han acuñado desde un primer momento, ahora su voz se ha tornado más personal y propia, abrazando ese free jazz fusionado con ritmos flamencos y afrocubanos que tanto gusta a un público desprejuiciado y abierto a nuevas experiencias. De esta forma arrancaron su particular concierto, haciendo sonar sus instrumentos de forma poco ortodoxa, un contrabajo percutido, un violín rasgado, con las dificultades y puntuales imprecisiones que ello conlleva. De la introducción pasaron a una Habanera de cuño propio en la que hicieron ya acopio de ritmos exacerbados, con la flauta de Irene Jiménez asumiendo la línea melódica en solitario o con episodios alternados y dialogados con el virtuosismo de Fernando García al violín. Como otros de los temas programados, éste pertenece a su primer disco, GEN, del que no se cansaron de proclamar que salió a la luz gracias al apoyo de Juventudes Musicales de Sevilla. Tema en re sin embargo pertenece al segundo disco, aún en preparación, por lo que se trata de un work in progress susceptible de tantas transformaciones como sean convenientes hasta adoptar su forma definitiva.

Con una hermosa y relajada Nana, el trío evidenció su buen gusto a la melodía y el acompañamiento, ya con unos toques de flamenco fusión que se harían más evidentes en su recreación de Asturias de Albéniz al más puro estilo rock indie de los años setenta, lo que teniendo en cuenta la edad media del público asistente derivó en el entusiasmo incondicional de éste. Con la colaboración de Ignacio Ampurdanés a la batería, el trío pudo volver a algunos de los temas que ya desgranaron en su intervención del Maestranza, ahora con el añadido de percusión con el que fueron ideados y grabados. Con Encuentro el virtuosismo casi sicodélico del conjunto se tornó algo delirante. Pablo Estébanez mantuvo el ritmo y el empuje, así como imprimió músculo a la pieza, mientras García se atrevió con el teclado al estilo Hammond, reforzando esa estética funk setentera, y Jiménez exhibió un fraseo entre delicado y arrebatado a la flauta, con la exhibición de Ampurdanés reforzando la viveza enérgica de una propuesta que se completó con un homenaje en clave virtuosística, especialmente al piano, a la afamada jazzista Hiromi Uehara, y una nueva transformación, más rítmica, del precioso Oblivion de Astor Piazzolla.

Fotos: Óscar Romero
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

MISTERIO EN VENECIA Noche transfigurada

Título original: A Haunting in Venice
Reino Unido-USA-Italia 2023 103 min.
Dirección Kenneth Branagh Guion Michael Green, según la novela “Hallowe’en Party” de Agatha Christie Fotografía Haris Zambarloukos Música Hildur Gudnadóttir Intérpretes Kenneth Branagh, Tina Fey, Michelle Yeoh, Jamie Dornan, Kelly Reilly, Jude Hill, Camille Cottin, Kyle Allen, Riccardo Scamarcio, Emma Laird, Ali Khan Estreno en Reino Unido y España 15 septiembre 2023

Se agradece que en su tercera adaptación de una novela de Agatha Christie protagonizada por Hercules Poirot, Kenneth Branagh haya optado por una que no ha sido llevada a la gran pantalla con anterioridad. Tras hacer nuevas versiones de Asesinato en el Orient Express y Muerte en el Nilo, hubiera sido lógico pensar que el director de Mucho ruido y pocas nueces se decantase ahora por Muerte bajo el sol o Cita con la muerte, que también fueron objeto de adaptación cinematográfica el pasado siglo. Ahora, sin embargo, echa mano de Las manzanas, que es como aquí se tradujo el original Hallowe’en Party, para transfigurarla por completo y convertirla en un thriller radicalmente distinto al propuesto por la escritora inglesa a finales de su carrera, y que no le reportó en vida reseñas elogiosas.

Para empezar todo transcurre prácticamente en una sola noche, traslada la acción del Reino Unido en época contemporánea, a una improbable Venecia agitada por el temporal y la hambruna poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Improbable porque dudamos de la efectividad que una fiesta de Halloween pudiera tener en la ciudad del carnaval en época tan temprana, sin haberse consolidado todavía la invasión cultural norteamericana. Reduce además el plantel de personajes, cambiando incluso sus identidades y hasta nombres, y de forma muy considerable la trama, en la que introduce elementos parasicológicos de mayor enjundia que los que aparecen en el libro original, y que la expresionista banda sonora de Hildur Gudnadóttir no hace sino potenciar.

Con un excelente trabajo artístico y una fotografía intencionadamente lúgubre, Branagh aprovecha el material para entregarse sin prejuicios a los sustos y efectos propios de un tren de la bruja, mientras su guionista, Michael Green, se ve incapaz de convencer con una resolución tan convencional que parece sacada de la chistera de un mago. En el elenco se echan en falta más estrellas, aunque Tina Fey, Michelle Yeoh y Jamie Dornan cumplen con su cometido, mientras el niño Jude Hill, que descubrimos en Belfast también como hijo de Dornan, esta vez da vida a un personaje harto repelente. De cualquier forma estos whodunit siguen siendo tan atractivos que no nos cansamos si se estrenan más.

EL SOL DEL FUTURO Donde hubo pasado, queda esperanza

Título original: Il sol dell’avvenire
Italia-Francia 2023 95 min.
Dirección Nanni Moretti Guion Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli y Valia Santella Fotografía Michele D’Attanasio Música Franco Piersanti Intérpretes Nanni Moretti, Margherita Buy, Mathieu Amalric, Silvio Orlando, Barbora Bobulova, Jerzy Stuhr, Valentina Romani, Flavio Furno, Zsolt Anger, Teco Cellio Estreno en Italia 20 abril 2023; en España 15 septiembre 2023

Como ya hiciera hace ocho años en Mi madre, Moretti vuelve al mundo del cine que tan bien conoce, y se recrea como director maniático y caprichoso cuya visión del arte y, por extensión, la vida, tiende a manifestarse tan pesimista como falta de esperanza. A través de tres películas en rodaje, la que dirige él mismo, la que produce su esposa, una vez más la extraordinaria Margherita Buy, y la que maneja en su mente como próximo trabajo, Moretti sienta las bases de su ideología política, a la vez que arremete contra las invasiones rusas, expresamente la soviética contra la revolución húngara y de forma soterrada contra la actual de Ucrania, así como contra el giro a la extrema derecha que ha sufrido su país.

Pero ya desde el propio título del film, el director italiano apuesta por un cambio de actitud y un abrazo a la esperanza como único fármaco de supervivencia, traducido en un espíritu cómico que hace de este su último film uno de los más divertidos de su filmografía. Por otro lado, el trabajo de su esposa en un film violento le hace reflexionar sobre la educación emocional que está recibiendo nuestra juventud, mientras el trabajo romántico musical que ambiciona dirigir a partir del referente francés de Jacques Demy, Lola, le abre una ventana a la nostalgia y los errores del pasado, siempre con la posibilidad de enmendarlos y abrazar ese rumbo de futuro que parece tan perdido.

Todo esto lo resuelve Moretti metiéndose en la piel de este director, incluido un fraseo extremadamente preciso y paladeado, y haciendo mención y homenaje a sus referentes, incluyendo esa Passarella dell Addio de Fellini o la música de sus queridos y desaparecidos Franco Battiato y Aretha Franklin. El film se desliza como una sucesión de secuencias, algunas de ellas realmente brillantes, como su lección de cómo resolver una escena violenta de forma elegante, mientras su tendencia a la comedia en clave algo woody alleniana, va cediendo paso al drama, como suele ser habitual en el cine actual. De esta forma el conjunto puede resultar algo deslavazado, perdiendo fuelle e interés paulatinamente, a pesar de lo cual se puede disfrutar con tanto agrado como melancólica amabilidad.

UNA ESPLÉNDIDA NOVIA VENDIDA EN PRAGA

Asistimos a una representación en el Teatro Nacional de Praga de la ópera de Bedrich Smetana, considerada quintaesencia del espíritu popular checo. Hay que ser muy afortunado para programar un viaje a Praga con el pretexto de asistir a un concierto de la icónica Björk, evitando así otra visita a Madrid, donde actuó hace un par de semanas, y recuperando de paso un viaje abortado hace dos años con motivo del covid, y coincidir con una representación en el Teatro Nacional de la ópera de Smetana La novia vendida. Seguramente éste no sea el título más logrado de la lírica checa, ahí están Dvorák y su Rusalka, que podremos ver esta temporada en Les Arts de Valencia, o cualquiera de las imprescindibles óperas de Janacék para demostrarlo; pero sí es desde luego la que mejor representa el espíritu decididamente desenfadado y alegre del pueblo checo, además de un título poco o nada representado en nuestras latitudes, por lo que la ocasión ha sido única y muy celebrada, ya que la producción, a pesar de su sencillez, ha merecido además nuestro más encendido entusiasmo. En el recuerdo queda la grabación en alemán que protagonizó Pilar Lorengar y dirigió Rudolf Kempe en 1962, o la muy colorista que para la televisión grabó la Filarmónica Checa en 1982.

He podido comprobar en sucesivos viajes a países del entorno que sus teatros de ópera conservan sus propias compañías, con las que alternan la temporada con la recuperación de producciones de repertorio, más o menos antiguas, que permiten un fluido continuo de espectáculos, además de la posibilidad para propios y turistas de disfrutar de la ópera en países especialmente relacionados con el género. Así asistimos hace años a una Bohéme en Budapest ciertamente vetusta pero muy efectiva, resuelta con mucha profesionalidad por cantantes y técnicos del propio teatro, o de un Barbero de Sevilla en Viena cuya celebrada producción en una suerte de patio de vecinos se remontaba nada más y nada menos que a los años sesenta del pasado siglo. Del mismo modo, esta La novia vendida (Prodaná nevesta) de Smetana es una producción del propio Teatro Nacional de Praga estrenada en mayo del año pasado, cuya intermitente recuperación se alterna con una programación más a tono con la costumbre en otros escenarios reputados de la geografía europea. Su directora escénica, Alice Nellis, curtida en este emblemático teatro, propone una adaptación muy inteligente e ingeniosa de su rancia trama, de forma que ésta queda algo velada por el argumento adicional que se añade con tanta inventiva como oportunidad. Así, el tema de los matrimonios de conveniencia y el triunfo del verdadero amor pero con connotaciones machistas, queda relegado a un segundo lugar, mientras Nellis centra su atención en el proceso de creación de un espectáculo operístico, aprovechando de este modo para cuestionar el empeño de muchos directores escénicos por modernizar la ambientación de sus óperas, a menudo de forma harto inoportuna.

Imagen publicitaria de la ópera

Dividida en tres actos, asistimos en el primero a la lectura y adjudicación de personajes, con el principal, Marenka, en manos de dos candidatas y una sustituta, hasta que el director de escena ficticio se decanta por la voz rutilante, fluida, colorida y magníficamente fraseada de Jana Sibera. Como un auténtico divo algo hortera aparece Peter Berger como Jenik, el enamorado de la protagonista, de voz algo apagada y un pelín rugosa, aunque poseedor de un agradable timbre y una inmejorable vis cómica. El espíritu mozartiano se adueña rápidamente de la función, casi un siglo después de las óperas bufas del genio de Salzburgo, evocando esa alegría que rezuma el título y para la que Smetana echó mano del folclore checo, sin por ello tener que introducir melodías populares en la partitura. Así este primer acto deriva al final en una furianta, danza típica checa que el espléndido cuerpo de baile defiende como si se tratara de un baile urbano contemporáneo, ropa deportiva incluida, anticipando así la primera intención del director de escena en la ficción. La combinación de la música de Smetana y el baile urbano resulta sencillamente deliciosa y hasta emocionante.

Ya en el segundo acto, Jenik aparece como un joven bohemio de la actualidad que trabaja descargando cajas en un bar, mientras Kecal, el intrigante casamentero al que da vida con considerable solvencia el bajo Zdenek Plech, potencia el ambiente periférico de la función vistiendo un chándal. La responsable de vestuario que figura entre un elenco que incluye al disciplinado perro de la coreógrafa, proporciona a Kecal un complemento de vestuario al final del acto que preconiza el cambio de opinión del director de escena, que finalmente decide ambientar la ópera en su época y ambiente originales, acorde al costumbrismo imperante, aunque alterado con un sentido minimalista de la escena y el luminoso blanco del vestuario. Llegamos así a un sorprendente acto tercero que arranca con una virtuosa exhibición de espectáculo circense a cargo de acróbatas de la propia compañía, mientras un accidente sufrido en el segundo acto por la diva que interpreta a Marenka, propicia que entre de nuevo en escena su sustituta, Markéta Klaudová, alternándose en el rol de forma tan original como atrevida.

Foto: Luis Pascual

Con su pierna escayolada, Sibera no renuncia a ser la estrella de la función, y como su estado físico se lo impide, se opta por doblar a Klaudová como si del final de Cantando bajo la lluvia se tratara. Todo así resulta feliz y divertido, decididamente estimulante, destacando también la divertida intervención de Ondrej Koplík como el atolondrado Vasék, prometido de Marenka, especialmente en su aria tartamuda de presentación. Concluimos así felices de haber asistido a una ópera clave del nacionalismo checo, imbuida de alegría y ganas de vivir, y no exenta de ironía y cinismo, como muy bien supieron captar la directora de escena y la vitalista y aguerrida dirección musical de David Svec al frente de una espléndida y precisa Orquesta del Teatro Nacional de Praga. Una interpretación orquestal en perfecta compenetración con las voces, haciéndose eco de una lúcida comprensión del sentido cómico de la trama y una música exquisita que no sufre en manos de su director musical la vulgarización a la que muchos otros la condenarían.

EL PORVENIR, UNA NOVELA MUY RECOMENDABLE

Fiel enamorado de nuestra tierra, el madrileño Ignacio Sainz de Medrano disfrutó los veranos de su infancia y juventud en las playas malagueñas, concretamente en Torre del Mar, en la comarca de la Axarquía. Desde que decidió dedicar la mayor parte de su tiempo a la literatura, hace apenas unos años y después de una fructífera carrera profesional en el campo de las finanzas y los seguros tras haberse licenciado como economista en la Autónoma de Madrid, ha escrito dos libros ambientados en ese trozo de Andalucía, con escalas en Sevilla y Málaga. Ahora se encuentra inmerso en la que será su tercera novela, cerrando una trilogía ambientada en Torre Pedrera, seudónimo tras el que se encuentra la turística localidad malagueña, con la que pretende trazar cierto paralelismo entre nuestra sociedad y, de momento, la que nos dejó la transición a finales de los años setenta del pasado siglo y la que sufrimos hace dos siglos, cuando el mundo que nos rodeaba se enfrentaba al progreso que prometía la revolución industrial.

Si La fragua de Vulcano, su primera novela tras un volumen dedicado a relatos cortos, mostraba la triste herencia de cuarenta años de dictadura cuya herida aún no se ha cerrado, a través de los ojos de tres amigos que vivieron aquella época durante sus años más jóvenes, y que en tiempos contemporáneos sufren las consecuencias de una educación política y sentimental que tanto deja que desear, El Porvenir fija su mirada más atrás, estremeciéndonos al comprobar que no hemos cambiado tanto como creíamos, y que en esencia seguimos purgando los mismos defectos de antaño. Conviene por lo tanto descubrir la fuerza dramática y emocional que encierra este imponente trabajo fruto de una exhaustiva investigación que ha llevado a su autor a encerrarse durante un dilatado periplo en bibliotecas e instituciones donde encontrar toda la riqueza que atesora su flamante libro.

Basándose ligeramente en un personaje tan singular y carismático como Ramón de la Sagra, un empresario e industrial gallego que intentó sentar las bases de una prometedora industria azucarera en la comarca, y que se encontró con tantos obstáculos de distinta índole como para hacerle desistir de sus pretensiones, Sainz de Medrano acierta al configurar un país, y especialmente una tierra, la nuestra, reticente hacia la modernidad, anclado en la tradición y las costumbres, sobre todo cuando a través de ellas se puede perpetuar la pirámide de clases y privilegios que caracterizaba a nuestra sociedad y que todavía hoy podemos llegar a apreciar en ciertos ambientes conservadores a los que las leyes progresistas que pretenden gobernarnos no parecen hacer suficiente sombra. Ese inmovilismo que caracteriza a las ideologías más conservadoras y excluyentes, que sólo abrazan el progreso y la progresía cuando vienen impuestas desde la oposición y descubren que también favorece a su convivencia, se ve perfectamente reflejado en una novela que procura acercarse a la época que describe con el máximo rigor histórico y detallismo posible.

No cabe duda de que el trabajo del autor ha debido ser agotador a la hora de cumplir dos premisas fundamentales, por un lado adaptarse al estilo literario de la época sin por ello resultar complicado ni anticuado para el lector, y por otro describir procesos y técnicas de producción tan ajenos a su pasado profesional, con la exactitud y el detalle de quien se pretende un especialista. Sainz de Medrano cumple con nota alta esas dos premisas fundamentales, de manera que por momentos parece que estuviésemos leyendo a alguno de nuestros grandes clásicos de la época, tipo Pérez Galdós o Blasco Ibáñez. Del mismo modo, y siempre que prestemos a nuestra lectura una atención muy precisa, seremos capaces de aprender técnicas y procedimientos industriales del momento con una exactitud sorprendente. Todo ello enmarcado en una absorbente trama de intriga, crimen y hasta pasión que deja en evidencia la lacra provocada por la práctica de una iglesia trasnochada y una gravísima falta de formación en educación, asignatura todavía pendiente en nuestro país, con la facilidad que ello entraña para mantener el control de las clases altas y políticas sobre un pueblo anestesiado tras la creencia de disfrutar de un régimen democrático.

Resulta muy significativo en todo este contexto que Vélez Málaga, que en la novela se esconde tras el nombre de Castillar, lleve décadas negando a Torre del Mar su constitución como municipio independiente con un consistorio propio. La capital de la Axarquía no prescinde así se su particular gallina de los huevos de oro, abandonándose como lo hace el resto de nuestra comunidad, al turismo como principal fuente de ingresos, y relajando la cada vez más acuciante necesidad de implantar un tejido industrial poderoso que nos permita competir con el resto de países de nuestro entorno y no conformarnos con ser el paraíso final de sus jubilados. Sainz de Medrano ha dado en la diana, seguimos siendo un país mediocre y mezquino, que apenas ha escapado de esa imagen en los dos siglos transcurridos entre la triste historia de Ramón de la Sagra y las de muchos que sufren condiciones parecidas aún en la actualidad. Dejarse seducir por su fluida narrativa y sorprender por las verdades que esconde, se convierte en manos del lector en una experiencia fascinante, sobre todo por el dominio que su autor exhibe en todos los sentidos, gramático, literario y narrativo. El Porvenir, editado por Libros Indie, se puede adquirir fácilmente en plataformas digitales de comercio cultural.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

VERANO EN ROJO Un thriller sólido y bienintencionado

España 2023 101 min.
Dirección Belén Macías Guion Belén Macías y Helio Mira, según la novela de Berna González Harbour Fotografía Gabriel Guerra Música Paula Olaz Intérpretes Marta Nieto, José Coronado, Luis Callejo, Francisco Carril, Richard Sahagún, Marc Martínez, Tomás del Estal, Zoe Arnao, Ramón Agirre, Javier Godino Estreno 8 septiembre 2023 

Típica producción de Gerardo Herrero, supone el cuarto largometraje de Belén Macías tras El patio de mi casa, Marsella y Juegos de familia, cintas que evidencian la capacidad de la realizadora para adaptarse a las exigencias del cine académico y comercial que caracterizan a su productor. A partir de una novela de intriga y denuncia, plantea una trama de crímenes que derivan hacia una diatriba que preocupa y mucho a nuestra sociedad, desde aquellos primeros años del nuevo siglo en los que se ambienta.

La solidez de la dirección y el buen trabajo de la totalidad de su elenco interpretativo, dan como resultado un trabajo serio y bien medido, aunque se evidencie en su desarrollo la querencia de sus artífices por el cliché y el tópico. Entre éstos sobresale las innecesarias relaciones de la investigadora protagonista con un compañero de trabajo y con su hija, que nada aportan al material dramático central y sólo sirven para distraer nuestra atención.

Por lo demás, la cinta ofrece lo que promete, entretenimiento y un añorado juego de intriga, si bien en el apartado de denuncia sobre una cuestión que no vamos a desvelar para mantener su capacidad de sorpresa, no provoca todo el interés que merece. En general se trata de un trabajo bien urdido, muy bien interpretado y realizado con un inusitado nivel de responsabilidad y seriedad palpable incluso en sus localizaciones y su banda sonora, atmosférica y siempre en el lugar idóneo.

GUZMÁN Y ORDEN DESLUCEN EN EL ALCÁZAR

XXIV Noches en los Jardines del Alcázar. María Esther Guzmán, guitarra; Luis Orden, flauta. Programa: Tres piezas para flauta y guitarra, de Tárrega; Valses poéticos, de Granados; Après un rêve y Pavane, de Fauré; Tres piezas para flauta y guitarra op. 62, de Respighi; Claire de lune y Golliwog’s Cakewalk, de Debussy; El Albaicín, de Albéniz.

Sábado 9 de septiembre de 2023

Huelga destacar aquí, a estas alturas, el magisterio que Luis Orden a la flauta y María Esther Guzmán a la guitarra imprimen a sus interpretaciones. Juntos llevan mucho tiempo ofreciendo recitales marcados imperiosamente por el arreglo o la transcripción. Las adaptaciones del concierto de ayer recayeron en la excelente guitarrista, sin embargo no lograron captar el espíritu que informaba el evento, evocar la atmósfera imperante durante la vida del pintor Joaquín Sorolla, a quien estas Noches del Alcázar brindan un sentido homenaje por el centenario de su muerte. Faltó el color y el espíritu propios de aquella encrucijada de siglos, un palpable ambiente modernista al que tanto se prestaron el impresionismo y el nacionalismo presentes en las partituras (Fauré, Debussy, Albéniz, Granados…) pero no sus particulares resoluciones. Por el contrario tuvimos la sensación de encontrarnos ante una suerte de easy listening, libre de cualquier complicación y falto de la emoción subyacente en las piezas elegidas.

Las suyas fueron por lo tanto unas interpretaciones impecables, sutiles, pulcras y puras. Orden mantuvo en todo momento un proverbial control de la respiración, un fraseo fluido y un trabajo esmerado en la exposición melódica, mientras Guzmán abrazó la guitarra como siempre suele hacerlo, con mimo y exquisitez, resaltando cada acorde con una claridad extraordinaria. Juntos además fueron capaces una vez más de exhibir una perfecta compenetración y capacidad de diálogo. Pero los arreglos no hicieron justicia al programa, y eso se notó enseguida con tres emblemáticas piezas de Francisco Tárrega, Capricho árabe, Recuerdos de la Alhambra y Gran Vals, de las que apenas logramos disfrutar con la última, siempre bajo el protagonismo líquido de la flauta, quedando la guitarra empobrecida y apenas responsable de algunas, pocas, líneas melódicas. Muy desfigurados quedaron los Valses poéticos de Granados, que al piano evidencian el espíritu europeísta del compositor, y que el tándem resolvió vulgarizando sus postulados, de forma apresurada, convirtiéndolos en apenas unas piezas coyunturales y faltas de interés. Obligados por la organización a ilustrar el programa, Orden sólo lo hizo con dos de las piezas elegidas, las tripartitas de Tárrega y Respighi, de nuevo tan insustancial en su versión para flauta y guitarra a partir del original para violín y piano, que no logramos sintonizar con la propuesta. Después ya no hubo más explicación.

Algo mejor resultó Après de rêve de Fauré, apoyado en su carácter eminentemente romántico y melódico, aunque con su famosa Pavana, víctima de todo tipo de arreglos y adaptaciones, el dúo volvió a exhibir su tendencia a lo meramente convencional. También el Claro de luna debussyano resultó anodino e insustancial, más que Golliwog’s Cakewalk, que quizás por su carácter animado y juguetón permite disfrutarlo con menos prejuicios. Guzmán y Orden se empeñaron a fondo, al final del recital, con El Albaicín de la Suite Iberia de Albéniz atacada con sentido idiomático, aunque siempre por debajo de las magníficas prestaciones de las que es capaz la pieza en manos del piano o la guitarra. La famosa Danza de La vida breve de Falla sirvió como propina afín a provocar el aplauso enfervorecido del público.

Foto: Actidea
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

LAS DOS CARAS DE LA JUSTICIA Difícil restauración y redención

Título original: Je verrai toujours vos visages
Francia 2023 118 min.
Guion y dirección Jeanne Herry Fotografía Nicolas Loir Música Pascal Sangla Intérpretes Adèle Exarchopoulos, Gilles Lellouche, Dali Benssalah, Elodie Bouchez, Miou-Miou, Leïla Bekhti, Birane Ba, Jean-Pierre Darroussin, Denis Podalydès, Raphaël Querard, Suliane Brahim, Fred Testot Estreno en Francia 29 marzo 2023; en España 8 septiembre 2023

Tras debutar con Elle l'adore, una comedia meramente romántica, la joven Jeanne Herry se pasó al cine de contenido social analizando con En buenas manos el trabajo colectivo de quienes ponen en contacto a madres que desean dar sus hijos en adopción con quienes quieren adoptarlos. Ahora, en su tercer largometraje como directora hace lo mismo pero con los grupos enmarcados en la denominada Justicia restauradora, en práctica desde hace casi una década en el país vecino, para confrontar delincuentes con quienes han sufrido delitos similares a los perpetrados por ellos. Víctimas contra verdugos que aquí conoció una versión muy específica, centrada en un caso muy sensible y particular, el del terrorismo, en Maixabel, de la mano también de una directora, Iciar Bollaín. También el cine americano ha abordado el tema con la excelente Mass, donde los padres de un estudiante que mató a varios de sus compañeros y compañeras en el campus universitario en el que estudiaba, afrontaban un dolorosísimo cara a cara con los de una de sus víctimas.

El derecho penal ha luchado durante muchísimo tiempo, y lo sigue haciendo, por encontrar la forma más justa, equilibrada y sobre todo eficaz para luchar contra el crimen y afrontar la consecuencia para el delincuente. Medidas retributivas, generalmente vengativas, y educadoras y rehabilitadoras, en demasiados casos ineficaces, han ido quedando atrás. Por eso no se entiende que una ley como la del Sí es sí haya generado tanta polémica, sino es por el ruido egoísta e irresponsable generado desde los intereses políticos y mediáticos de la derecha.

Herry analiza sin juzgar estos trabajos de grupo dividiendo su trama en dos historias. En una, una joven pretende convenir con su hermano agresor sexual la manera de no coincidir con él ahora que ha cumplido su condena y ha vuelto al barrio. En la otra, una terapia grupal pretende confrontar las visiones de los delincuentes con quienes han sufrido crímenes similares a los suyos, en concreto robos con violencia. Las marcas de unos frente a las condiciones de los otros son analizadas en un proceso que se va revelando tan repetitivo y mecánico a nivel cinematográfico que nos hace extrañar lo que hubiera podido ser un film mucho más intenso y fascinante, y que ni siquiera un reparto all-star galo consigue remontar, muy a pesar de sus más que loables e interesantes intenciones.

CREATURA El sexo robado

España 2023 112 min.
Dirección Elena Martín Gimeno Guion Elena Martín y Clara Roquet Fotografía Alana Mejía González Música Clara Aguilar Intérpretes Elena Martín, Oriol Pla, Álex Brendemühl, Clara Segura, Clàudia Dalmau, Mila Borrás, Marc Cartanyà, Carla Linares, Teresa Vallicrosa Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2023; en España 8 septiembre 2023

Tras varios trabajos como actriz y/o realizadora en cortometrajes, películas y series de televisión, Elena Martín saltó a la dirección de largometrajes hace cinco años con Júlia ist, un trabajo impreciso y rudimentario pero con cierta personalidad, en el que la actriz y directora analizaba el proceso de cambio de una joven algo tímida y reservada tras su paso por el programa Erasmus en un Berlín no tan fascinante ni creativo como cabía esperar. Con una notable madurez a sus espaldas, ahora presenta un film mucho mejor acabado y con una intención más afilada, la de mostrar el grado de insatisfacción sexual al que una mujer ha sido condenada a lo largo de tantos siglos de represión y mala educación, todavía perceptible en determinados ambientes burgueses como el que retrata en su segundo film, casa familiar rural con encanto incluida.

Mila, la protagonista de su película, sufre a lo largo de su todavía corta vida, representada en tres momentos significativos de ella, la niñez, la adolescencia y la madurez profesional y sentimental, las coacciones y convenciones a las que la sociedad le ha condenado. Incapaz como niña de comprender cuáles son los límites a la exploración de una sexualidad cuyo descubrimiento podría ser mucho más saludable y reconfortante a tan temprana edad, Mila sufre después los ataques machistas y misóginos de propios y extraños cuando apenas coge impulso para satisfacer los mismos deseos a los que los hombres siempre hemos tenido derecho. Ya se sabe, hombre que folla mucho, machote; mujer, puta. Así, con el mismo descaro y sordidez con que lo defino, lo sufre ella. Y para dejar constancia simbólica de todo este proceso de íntima frustración, la joven sufre una urticaria fruto quizás del estrés, o más bien de esa frustración que deriva de la incomprensión.

Martín logra un trabajo depurado, muy trabajado a todos los niveles, como consta en el sofisticado uso del sonido, ya apreciable en su anterior trabajo, sobre todo cuando hacía aparición la música electrónica en clubes y garitos. Pero es en el metraje donde se le va la mano, exhibiendo cierta reiteración innecesaria que se podría haber ahorrado con un discurso más preciso y simplificado, y media hora menos de duración. Con todo, la cinta le ha valido el Premio a la mejor película europea en la Quincena de realizadores del pasado Festival de Cannes.

COGATO Y LA FLAUTA CANTANTE DE MORELLÓ

XXIV Noches en los Jardines del Alcázar. Vicent Morelló, flauta; Tommaso Cogato, piano. Programa: Selección de Canciones sin palabras, de Mendelssohn; Sonata para clarinete y piano Op. 120 nº 2, de Brahms; Vocalise, de Rachmaninov; Selección de lieder de Schubert. Viernes 8 de septiembre de 2023

Ni Tommaso Cogato ni Vicent Morelló, ni la excelencia que les caracteriza, necesitan presentación alguna, al menos en esta ciudad que tan encantada y acostumbrada está de disfrutar de sus aptitudes. Juntos defendieron anoche un recital que cambió radicalmente de forma, conjugación y hasta significado después de que el acompañante original del pianista, el violinista Joaquín Torre, diera positivo en covid. Con Morelló a la flauta, y dando un protagonismo especial a la relativamente insólita flauta en sol, el programa se centró en obras de distinto calado, quintaesencia del romanticismo, con el instrumento solista dando voz a otras, muy especialmente la humana. El instrumento, una variante de la flauta travesera de mayor longitud, también denominada flauta alto, está afinado una cuarta por debajo de lo normal, un registro inferior que añade expresividad a su sonido, una mayor calidez y un color muy particular, ideal para sustituir la voz humana y llegar a transmitir la fuerza y la intención que ésta posee. La que Morelló utilizó para la ocasión es de cabeza recta, frente a la curva que al estar más cerca del oído del intérprete, permite una afinación más fácil y precisa. Con ella el flautista de la ROSS acometió la tarea de poner una voz distinta de la habitual a los Lieder ohne Worte (Canciones sin palabras) de Mendelssohn, originales para piano solo y jamás ideadas para ser cantadas, ni siquiera cuando se le propuso al autor años después de su estreno.

Hay que reconocer que la aportación del instrumento añadido fue de escaso relieve, aunque Morelló, que evidenció cierta dificultad en el control de la respiración, potenciada por la amplificación, mantuvo un fraseo elegante y exquisito y una cantabilidad notable en cada una de las tres piezas elegidas, desde la muy evocadora nº 1 del opus 19, a la más animada nº 1 del 38, y especialmente la nº 4 del 67, también conocida como La hilandera, donde a las ornamentaciones agitadas de Morelló se unió la fuerza arrebatadora de Cogato en esa suerte de imitación del zumbido de las abejas que tan fatigoso puede llegar a resultar. Una impecable reinterpretación a la flauta de la Sonata nº 2 para clarinete de Brahms, ocupó la parte central del recital y la más valiosa en su conjunto. Es cierto que el instrumento fue incapaz de recrear el color y la intensidad original de la pieza, que efectivamente nunca experimentó en sus múltiples adaptaciones para otros instrumentos, especialmente la viola, la gracia y la riqueza que mantiene el original. Pero Morelló salvó con nota alta sus dificultades y logró en conjunto una interpretación sobresaliente, ya con la respiración más controlada y siempre con la complicidad de Cogato, que en las cadencias del allegro central evidenció su elegante majestuosidad aunque fuera en detrimento de la flauta, esta vez convencional, que quedó algo apagada en ese momento. Ambos mantuvieron intactos los planteamientos virtuosísiticos y poéticos de la obra, sobre todo en las variaciones que integran su andante final, destacando la fuerza exuberante de los últimos compases.

La melancólica belleza del célebre Vocalise de Rachmaninov, que sirvió además para conmemorar el ciento cincuenta cumpleaños del compositor, con la flauta sustituyendo la habitual voz de soprano con la que se interpreta, y añadiendo algunas y muy atinadas ornamentaciones de cosecha propia, precedió al último bloque de la velada, una selección de tres de los lieder de Schubert recopilados a modo de cajón de sastre en el ciclo inconfeso Schwanengesang (Canto del cisne, por tratarse de una colección póstuma), ampliados a cinco merced a las propinas. Morelló mantuvo el pulso amable de Das Fischermädchen (La pescadora), el lirismo y al sensualidad de Ständchen (Serenata) y la inusitada alegría de Abschied (Despedida), en unos arreglos propios que acentuaron el carácter desenfadado de una pieza a la que Morelló añadió magia y mucha fantasía, como también sucedería en Liebesbotschaft (Mensaje de amor) y Taubenpost (Correo de palomas, ideal para sustituir al electrónico cuando como sucede ahora somos víctimas de un monstruoso ciberataque), que ambos intérpretes añadieron al programa e hicieron las delicias de un público rendido a la belleza romántica de la feliz propuesta.

Foto: Actidea
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

¡SALTA! y créetela

España 2023 85 min.
Dirección Olga Osorio Guion Olga Osorio y Araceli Gonda Fotografía Elías M. Félix Música Manuel Riveiro Intérpretes Tamar Novas, Marta Nieto, Mário Santos, Rubén Fulgencio, Mabel Rivera, Irene Jiménez, Saúl Esgueva, Manuel Manquiña, Machi Salgado Estreno 1 septiembre 2023

Otro debut español en la dirección de largometrajes, esta vez basado en el propio corto de la realizadora Olga Osorio, Einstein-Rosen, una especie de cuento moderno sobre el amor fraternal con ínfulas de ciencia ficción. Lástima que Osorio no logre captar la esencia de lo que quiere contar, quizás por un exceso de ambición unido a cierta falta de atención por los detalles, lo que se traduce en un trabajo con los tiempos poco convincente, una resolución atropellada de los fenómenos que expone, los agujeros de gusano que permiten viajar en el tiempo, y unas interpretaciones poco comprometidas, especialmente de su pareja protagonista y el niño Rubén Fulgencio, que ya participó en un trabajo de corte similar, El universo de Óliver.

Y es que la ópera prima de Olga Osorio pretende mezclar la cultura ibérica, en este caso gallega, con las películas de ciencia ficción americanas protagonizadas por jóvenes y adolescentes de los años ochenta, pero el conjunto no cuaja ni convence. Por fallar lo hacen hasta unas premisas científicas y lógicas que hagan mínimamente plausible su desarrollo y resolución. El exceso de música, a menudo descoordinada con lo que apreciamos en pantalla, tampoco favorece a un film que se ve con cierta vergüenza ajena, a pesar del encanto algo redicho de su joven y avispado protagonista, Mário Santos. No cabe duda de que prima la buena voluntad y los mejores sentimientos, pero mal engarzados y peor dosificados en un conjunto del que lo mejor que se puede decir es que dura poco.

NOTAS SOBRE UN VERANO Sexo cerebral

España 2023 83 min.
Guion y dirección Diego Llorente Fotografía Adrián Hernández Intérpretes Katia Borlado, Antonio Araque, Álvaro Quintana, Rocío Suárez, Elena Palomo, Carmen Gloria García, Diego Ross, Cristian Cres, Ana Santos Estreno en el Festival de Rotterdam 31 enero 2023; en España 1 septiembre 2023

El debut en la dirección de largometrajes de Diego Llorente parece ser el resultado de sus trabajos anteriores, especialmente el mediometraje Estos días, que analizaba una crisis de pareja joven, el corto Desaparecer, en el que el trabajo condicionaba la continuidad de una relación sentimental, y el documental Hotel Asturias, a través del cual y en compañía de otros y otras cineastas jóvenes, se planteaba la existencia de un cine asturiano. En Gijón se desarrolla en gran parte esta historia de mujer en pleno desarrollo profesional que durante unas vacaciones en su tierra natal, resucita una relación romántica con intenciones meramente sexuales, que el director rueda con cierto atrevimiento, y que le hará preguntarse sobre su futuro laboral y sentimental.

Realizada con un naturalismo atroz, libre de toda impostura, con incesantes diálogos en su mayoría carentes de verdadero interés, la película se centra en su joven protagonista, quien en aras de reivindicar la fuerza y la personalidad de una mujer de hoy, libre e independiente, no hace sino imitar las formas que durante tanto han caracterizado para mal al género masculino. En este sentido nos parece poco acertado el jugueteo que la joven se marca con sus dos compañeros de viaje, el actual, urbano y liberal, y el antiguo, provinciano y poco ambicioso.

Ente idas y venidas, encuentros y desencuentros, el público accede con mayor o menor interés al dilema no tanto moral como más bien práctico que se marca el personaje impecablemente interpretado por Katia Borlado. El conjunto no parece estar destinado a entusiasmar a nadie, pero su escasa duración, la frescura que transmite y el encanto de las tierras asturianas y sus gentes, hace que resulte medianamente aceptable.

PASSAGES Educación sexual

Francia-Alemania 2023 91 min.
Dirección Ira Sachs Guion Ira Sachs y Mauricio Zacharias Fotografía Josée Deshaies Intérpretes Franz Rogowski, Ben Whishaw, Adèle Exarchopoulos, Erwan Kepoa Falé, Caroline Chaniolleau, Arcadi Radeff, Léa Boublil, William Nadylam Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2023; en Francia 28 junio 2023; en España 1 septiembre 2023

Seguimos la carrera del director estadounidense Ira Sachs con interés, a pesar de que no siempre ha logrado convencernos. Lo hizo con su anterior propuesta y primera incursión en el cine galo, aquella Frankie a mayor gloria de Isabelle Huppert que estrenó en plena pandemia. Y lo consiguió también con esa tierna semblanza de la infancia que tejió en Little Men, aquí torpemente bautizada como Verano en Brooklyn. También su mirada a las dificultades económicas de una pareja madura homosexual en El amor es extraño logró conmovernos. Pero ni Keep the Lights On ni ahora este ensayo sobre las dificultades de una pareja unilateralmente abierta consiguen rayar nuestra inquietud.

Con un estilismo imposible y un defecto en el fraseo considerablemente fastidioso, Franz Rogowski, a quien vimos en el drama homosexual carcelario Gran libertad, es el caprichoso protagonista del film, artista por supuesto, como muy bien queda reflejado en su minucioso trabajo como director de cine nada más arrancar la película. Su concepto de la libertad sexual suprema y el control de su propia personalidad le lleva a manipular los sentimientos de quienes le rodean, su esposo y la joven de quien se enamora. Asistimos pues a un ritual de destrucción y autodestrucción salpicada de supuestas atrevidas escenas eróticas que pretenden subir la temperatura de un espectáculo que en realidad se nos antoja caduco casi desde su premisa, por mucho que pretenda reflejar la actual tendencia al poliamor y las relaciones abiertas que parece imponerse en ciertas esferas de la estructura social más contemporánea.

No falta por lo tanto interés en este sentido, aunque un tratamiento más práctico e incluso escolástico no le habría venido mal a una cinta cuyo principal objetivo debería haber sido denunciar las carencias en la educación sexual que todavía sufrimos gran parte de la sociedad moderna, y que nos lleva a un sufrimiento irremediable y seguramente inútil. Poco de esto hay en una cinta que prefiere anclarse en los clichés habituales de formas de vida atractivas, en ciudades cosmopolitas, con profesiones creativas y cierto atractivo físico y decididamente masculino, con apenas unos tics de amaneramiento para disimular, que tanto estandariza al colectivo homosexual aquí, allí y en todas partes.

ADORNO Y TRANSICIÓN CON NÚÑEZ Y ALQHAI

XXIV Noches en los Jardines del Alcázar. Rami Alqhai, viola da gamba; Javier Núñez, clave. Programa: Danzas y melodías de la Spagna Antigua (piezas de Diego Ortiz, Gaspar Sanz, Antonio de Cabezón, Antonio Martín y Coll, Salomone Rossi, Alfonso Mudarra, Andrea Falconieri, y Bernard Storace). Miércoles 30 de agosto de 2023

Juntos o por separado, compartiendo conjunto o colaborando en pareja, son muchas las veces que hemos podido disfrutar en Sevilla del talento al clave de Javier Núñez y el más que competente trabajo de Rami Alqhai a la viola da gamba. La de anoche fue la última oportunidad hasta ahora de verlos y escucharlos juntos, y aunque el nivel no estuvo en todo momento a la altura de las expectativas, hubo razones para disfrutar del evento y mantener la buena opinión que nos merecen estos atribulados y responsables músicos que han crecido y evolucionado ante nuestros ojos y, sobre todo, oídos.

El programa con el que acudieron en cita única a esta edición de las Noches del Alcázar estuvo integrado por obras de compositores españoles e italianos ligados al último Renacimiento y el Barroco incipiente, en muchos casos justo en la transición entre uno y otro período artístico, en una época en que la relación y la influencia entre ambas penínsulas era notoria y muy enriquecedora. En los atriles un buen puñado de compositores imprescindibles, un objetivo común, lucirse en los adornos y ornamentaciones con un espíritu eminentemente virtuoso, y el trabajo serio y disciplinado de Alqhai en las adaptaciones de algunas de las piezas elegidas al instrumento que domina y que se erigió en protagonista de la velada, la viola da gamba. Con ella en solitario arrancó el recital, una selección de recercadas de Diego Ortiz, ejemplo de español que desarrolló gran parte de su carrera en Nápoles y publicó un tratado de glosas referente aún hoy para acometer el noble arte de la improvisación y la ornamentación en ambos instrumentos. Primero Alqhai en solitario, luego con el acompañamiento no siempre bien acompasado de Núñez luchando por adaptarse al fraseo emborronado de la cuerda, ambos dejaron entrever su control sobre la materia que se vería reforzado con los arreglos del violagambista sobre Marizápalos del guitarrista barroco Gaspar Sanz, con una agilidad animada y vitalista que se mantendría en la muy dancística Gagliarda Milanesa de Antonio de Cabezón, completando ese viaje de ida y vuelta entre el Renacimiento y el Barroco que inspiró el primer bloque del programa, y que culminó con los célebres Canarios en versión del tarraconense Martín y Coll, de los que Alqhai ofreció una interpretación fluida y competente.

Una envolvente sonata inspirada en otra danza, la bergamasca, de Salomone Rossi, perfecto ejemplo de esa transición aludida, abrió un segundo bloque en el que pudimos apreciar un preocupante batiburrillo en La dama le demanda de Cabezón, con la que Javier Núñez hizo todo lo posible para disimular y adaptarse a la pérdida de control momentánea de su compañero, solventada en unas Romanescas con claras influencias italianas de Alfonso Mudarra, dechado de virtuosismo y energía contagiosa. Lo mejor sin embargo se reservó para el final, con La suave melodía de Andrea Falconieri, defendida con una notoria melancolía y un impecable fraseo perfectamente acompañado al clave con impoluta técnica, y que encontró el perfecto contrapunto en frescura y agilidad con su corrente, especialidad del autor. Le siguió una pieza de Bernardo Storace, Monica, defendida por el clavecinista haciendo honor al magisterio del autor en cuestión de diferencias y variaciones. Una folías de Martín y Coll de impecable resolución culminó la exhibición antes de que los intérpretes recuperasen como propina obligada un Guárdame las vacas que antes se había caído del programa y ambos defendieron con idéntico ahínco y profusa vitalidad.

Foto: Actidea
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

EL VIAJE DE HAROLD Ligero de equipaje

Título original: The Unlikely Pilgrimage of Harold Fry
Reino Unido 2023 108 min.
Dirección Hettie Macdonald Guion Rachel Joyce, según su propia novela Fotografía Kate McCullough Música Ilan Eshkeri Intérpretes Jim Broadbent, Penelope Wilton, Monika Gossmann, Joseph Mydell, Earl Cave, Linda Bassett, Daniel Frogson, Claire Rushbrook Estreno en Reino Unido 28 abril 2023; en España 25 agosto 2023

Esta pequeña y delicada película es como los buenos vinos, hay que degustarla detenidamente para enfrentarse a las emociones que inspira. En principio se trata de un argumento algo disparatado, toda vez que lo es la peregrinación de un señor casi octogenario atravesando más de ochocientos kilómetros a lo largo del Reino Unido ¡a pie! Reside en el talento y la pericia de su directora convencernos de que es posible y subyugarnos con su particular aventura, de forma que sea finalmente lo que nos quiere contar y no cómo lo haga lo que verdaderamente nos importe y conmueva.

La carrera cinematográfica de la realizadora Hettie Macdonald es tan insólita como el viaje de Harold; sólo dos películas en un cuarto de siglo, y un sinfín de series de televisión, algunas de ellas dedicadas a Agatha Christie, por medio. Su primera película, Beautiful Thing, se convirtió a mediados de la última década del pasado siglo en todo un fenómeno a pequeña escala sobre el despertar a la homosexualidad juvenil, con el mismo cariño y tono amable con el que ahora, veinticinco años después, encara esta entrañable película basada en la exitosa novela de Rachel Joyce, responsable también del guion. A ciertas edades comprendemos mejor determinados episodios de nuestro pasado que o bien nos avergüenzan o provocan cierto remordimiento del que queremos desprendernos. La oportunidad de hacerlo le llega a Harold, un espléndido como no podía ser menos Jim Broadbent, en forma de carta, ese medio de comunicación tan olvidado aunque emotivo. Retrasar un desenlace esperado a través de un reto se convierte en leit motiv del protagonista y su historia. Mientras la gesta mantiene un tono intimista que sirve al protagonista para conocer a determinadas personas que van iluminando su vital camino, todo funciona muy bien. Cuando esta gesta se convierte en pública y notoria, el interés decae aunque no del todo.

Lo cierto es que a lo largo del metraje observamos cómo Harold no sólo aligera su equipaje, sólo lo sucinto, sino también la mochila que arrastra su pasado. Mientras, Penelope Wilton, también magistral, sirve como contrapunto sensato a la aventura de su esposo, evidenciando un dolor recogido al más puro estilo británico, que también saldrá a relucir en su justo momento. Todo esto lo cuentan Macdonald y Joyce con mucho tacto y cariño, esa gramática limpia y correcta que caracteriza el cine inglés, la ayuda inestimable de un elenco en estado de gracia, y una considerable dosis de tristeza y melancolía a la que no son ajenas las conmovedoras canciones de Sam Lee, ideal para que la empresa deje una huella indeleble en el espectador o espectadora que logre ser cómplice de su historia.

LAS CHICAS ESTÁN BIEN Actrices en el campo

España 2023 85 min.
Guion y dirección Itsaso Arana Fotografía Sara Gallego Intérpretes Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itsaso Arana, Itziar Manero, Helena Ezquerra, Gonzalo Herrero Estreno en el Festival de Karlovy Vary 1 julio 2023; en salas 25 agosto 2023

No cabe duda de que Itsaso Arana ha puesto cariño en su debut como directora, y también que fija su mirada en su maestro Jonás Trueba, a cuyas órdenes trabajó en La reconquista, La virgen de agosto y Tenéis que venir a verla, y que aquí ejerce de productor. De esta forma el estilo narrativo de esta celebración de la amistad y el verano intenta resultar lo más amable y realista posible, casi como una improvisación en la que sus protagonistas van dando rienda suelta a sus inquietudes y esperanzas al ritmo de Bach y su Clave bien temperado en versión de Nelson Freire al piano.

Cuatro actrices interpretándose a sí mismas se reúnen con la escritora y guionista que antes también fue actriz para ensayar una obra mientras experimentan una convivencia estival en uno de esos caseríos que tanta publicidad reciben para atraer la atención de la población más aburguesada. Un ejercicio intelectual que peca a menudo de pretencioso y cae en la falsa fascinación de los cuentos infantiles de antaño poblados de príncipes, sapos y princesas. Pero también consigue por momentos esa naturalidad pretendida, y desde luego permite a sus cinco actrices desplegar su carismático atractivo.

En el conjunto emerge también la sombra de Eric Rohmer, sin que nada sin embargo alcance a interesar más allá de lo meramente coyuntural, por mucho que se toquen temas universales como el amor, el sexo, la maternidad o la muerte. Todo acaba resultando demasiado superficial, aunque eso no impide que la propuesta transmita cariño por sus personajes y esa brisa amable de un verano en el campo, a remojo del río y con despertares luminosos.

MI SOLEDAD TIENE ALAS La ley de los quinquis

España 2023 102 min.
Dirección Mario Casas Guion Mario Casas y Déborah François Fotografía Edu Canet Música Zeltia Montes Intérpretes Óscar Casas, Candela González, Farid Bechara, Fran Boira, Adolfo Parra, Ángeles Moreno Estreno 25 agosto 2023

Para su debut en la dirección, Mario Casas no ha hecho otra cosa que fijar su atención en ese cine de delincuentes juveniles y barrios llenos de miseria que tanto parece fascinar a nuestro cine. Poco o más bien nada tiene que añadir el actor a la extensa filmografía sobre un mismo tema que embriaga a realizadores y aburre a espectadores. Gente que desprecia los valores más esenciales de convivencia y el respeto a lo ajeno, una vez más acaparando una atención que no merecen salvo que sea para contar algo nuevo o mínimamente edificante.

Por el contrario nos encontramos con la sempiterna historia del joven con talento menoscabado por una realidad familiar agreste, que encuentra en la delincuencia su modus vivendi en colaboración con una compañera y un compañero de fatigas de los que sólo convence el tercero. Mientras, el joven hermano del director a quien éste da así la alternativa, y su amiga condenada al romance, no encajan en el perfil que demanda la escueta historia.

Más bien parece que se busque a través de su atractivo, pijo en el caso de ella, una empatía con el sufrido espectador que no llega a cuajar, precisamente por esa falta de talento visual y narrativo que puede apreciarse en el debutante director. Un par de virtuosos planos secuencia no nos resultan suficientes para redimir una película en la que ni siquiera la redención de su protagonista llega a convencer.

AGENTE STONE Trama y acción a la deriva

Título original: Heart of Stone
USA 2023 115 min.
Dirección Tom Harper Guion Greg Rucka y Allison Schroeder Fotografía George Steel Música Steven Price Intérpretes Gal Gadot, Jamie Dornan, Sophie Okonedo, Matthias Schweighöfer, Alia Bhatt, Jing Lusi, Paul Ready, Enzo Cilenti, Jon Kortajarena Estreno en Netflix 11 agosto 2023

Con amplia experiencia a sus espaldas, siempre al servicio de la televisión (Guerra y paz, Philip K. Dick’s Electric Dreams) y el cine (Wild Rose, The Aeronauts) británicos, el director Tom Harper salta a la superproducción estadounidense con esta síntesis del más reciente cine de acción estrenada directamente en internet. Seguimos preguntándonos la oportunidad de estrenar este tipo de películas con tan alto porcentaje tecnológico, sonido abrumador e imágenes presuntamente poderosas, en formatos de consumo doméstico, evitándoles la experiencia colectiva y de grandes proporciones que demandan, pero lo cierto es que cada vez son más los productos de este tipo que saltan directamente a la televisión.

Gal Gadot protagoniza una suerte de versión femenina de Ethan Hunt, y nada en el guion parece querer disimularlo. Desde una organización anti criminal secreta y al margen de toda actividad gubernamental, orientada a resolver aquellos casos que ni las agencias oficiales son capaces de librar, a la multitud de artilugios y recursos técnicos con los que cuentan para hacerlo, o el inverosímil adiestramiento y destreza con el que cuentan sus integrantes para enfrentarse a tanto entuerto.

La cinta tira así, y de forma harto indisimulada, de tópicos y clichés para conformar una trama en la que reconocemos la tendencia al escenario con glamour (Cortina, Lisboa, Reikiavik), los traumas y venganzas de sus protagonistas, las luchas mortales interminables, las persecuciones suicidas y las situaciones límite, siempre considerablemente por debajo de su hermana mayor, esa Misión imposible aludida, y con la absoluta y certera sensación de haberlo visto y sufrido todo con antelación y demasiada frecuencia, lo que hace del conjunto algo inútil y estéril, que ni siquiera la siempre estimulante, atractiva y excesivamente seria intervención de Gal Gadot consigue compensar.

CAMPEONEX Diversidad virtual

España 2023 124 min.
Dirección Javier Fesser Guion Javier Fesser, Athenea Mata y David Marqués Fotografía Ángel Amorós Música Rafael Arnau Intérpretes Elisa Hipólito, Sergio Olmos, Brianeitor, Jesús Lago, Juan Margallo, Fran Fuentes, Jelen García, Gloria Ramos, Alberto Nieto, Jesús Vidal, José de Luna, Roberto Chinchilla Estreno 18 agosto 2023

Cinco años después de su película más exitosa, con su remake americano a punto de estrenarse en nuestro país y sólo con Historias lamentables estrenada en internet entremedias, Javier Fesser retoma los personajes que tantas satisfacciones le proporcionaron y los embarca en una nueva aventura salpicada de sketches divertidos y giros de guion sorprendentes. Una vez más destaca la habilidad y el ingenio del director de El milagro de P. Tinto y Camino para exhibir a sus protagonistas con toda la frescura, la hilaridad y la humanidad que les caracteriza, lógicamente ya sin la novedad del trabajo anterior pero con el talento suficiente como para exorcizar una publicidad que no parecía prometer nada nuevo y poco hacía por invitar a la seducción que finalmente el producto y sus personajes destilan.

Con una nueva entrenadora, y gafe, al frente, el equipo original pasará de jugar al baloncesto al atletismo, y de éste a una realidad virtual con avatares incluidos que constituye el verdadero reclamo, atractivo  y fuente de originalidad que el producto exhibe, que no se conforma con ser una secuela convencional orientada a la mera taquilla. No cabía esperar menos de este meticuloso y artesano director, que con la ayuda impagable de su sensacional elenco, ahora con Brianeitor al frente, un fenómeno de los ordenadores confinado en una silla de ruedas computerizada, logra un trabajo solvente y agradecido, dejando algo al margen a quienes protagonizaron la primera entrega a favor de otros que entonces sólo eran secundarios.

Mensajes morales quizás algo infantiles pero igualmente eficaces, junto al siempre entrañable trabajo de su equipo artístico, proponen un entretenimiento que, aunque no renuncia a la broma escatológica y puntualmente de mal gusto, ofrece en general diversión apta y amable. Pero nada de esto sería suficiente para tomar la empresa completamente en serio si no fuera por su sorprendente tercio final, ocupado por un campeonato de atletismo entre virtual y real nunca antes visto en pantalla; todo un alarde de virtuosismo digital, ritmo y modernidad a tope, ilustrado con la trepidante banda sonora electrónica de Rafa Arnau , y con todo el suspense y la inquietud que la secuencia demanda llevados al límite. Quizás otra llamada de atención sobre la diversidad y sus innumerables formas y manifestaciones, y las infinitas posibilidades que ofrecen nuestras diferentes capacidades.