Mostrando entradas con la etiqueta Biopic. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Biopic. Mostrar todas las entradas

jueves, 6 de noviembre de 2025

MONSIEUR AZNAVOUR La chanson del inmigrante

Francia 2024 112 min.
Guion y dirección
Mehdi Idir y Grand Corps Malade Fotografía Brecht Goyvaerts Música Varda Kakow Intérpretes Tahar Rahim, Bastien Bouillon, Marie-Julie Baup, Camille Moutawakil, Narine Grigoryan, Houtanan Avédikian, Ella Pellegrini, Petra Silander, Luc Antoni Estreno en Francia 23 octubre 2024; en España 31 octubre 2025


Una aseada y convencional aproximación a la vida de este icónico cantante francés, desde sus inicios hasta alcanzar la fama mundial, deteniéndose en los setenta del pasado siglo, justo antes de destacar también por su faceta diplomática. Un trabajo de Mehdi Idir y Fabien Marsaud, éste último conocido músico y actor galo más conocido como Grand Corps Malade, debido a un accidente sufrido en la piscina cuando trabajaba como monitor y que le dejó graves secuelas físicas de las que pudo recuperarse paulatinamente contra todo pronóstico; un percance que narró en su primera película, siempre junto a Idir, Patients. Luego realizarían el film de carácter social y educativo Los profesores de Saint-Denis, hasta derivar ahora en esta académica biografía que destaca más por su impecable acabado formal y la esforzada interpretación de Tahar Rahim, justamente nominado al César la pasada edición, que por el análisis que pretende hacer de su homenajeado. 
Más atractivo en la vida real que el propio Aznavour, los responsables de maquillaje y peluquería se han esforzado tanto en afear al actor de origen argelino que acaba por resultar aún menos agraciado que el famoso cantante y compositor, como se pueden comprobar en los últimos fotogramas de archivo.

Resulta difícil sentirse atraído por lo que cuenta sin ser previamente admirador y seguidor de Aznavour; otra cosa sería si el producto fuese suficientemente fascinante como para atraer por igual a gente incondicional y primeriza. El resultado acaba siendo una sucesión cronológica de episodios en los que destacan su infancia, el encuentro y amistad con el también compositor Pierre Roche, con quien formó tándem, y su decisiva colaboración con Edith Piaf, que se convirtió en su principal mentora, para bien en los profesional y mal en lo sentimental. La sucesión de famosos a partir de aquí se hace infinita, de Charles Trenet a Johnny Carson pasando por Gilbert Bécaud, Georges Garvarentz, François Truffaut, en el único e insuficiente apunte sobre su dilatada carrera cinematográfica, Johnny Halliday o Frank Sinatra, pero todos de forma tan episódica que apenas aportan distinción al producto. 

Entre lo mejor, aparte su esmerada ambientación, las singulares transiciones, todo un alarde de montaje, que permiten avanzar en el tiempo bajo la ilustración de canciones memorables como Hier encore, She, Emmenez-moi, For Me Formidable o La bohème. Pero sobre todo, lo que más destaca es su reivindicación como talento de origen extranjero, en este caso armenio, que se convierte en icono fundamental de la cultura de otro país, Francia, todo un alegato en favor de la inmigración, aunque en este caso sea de segunda generación, y la indiscutible riqueza en todos los campos que puede aportar al país de acogida. Puede que haber incidido más en esta cuestión, así como indagar más sobre la compleja personalidad del protagonista, le habría reportado al film un mayor rédito.

domingo, 2 de marzo de 2025

A COMPLETE UNKNOWN Convencional retrato de un músico legendario

USA 2024 141 min.
Dirección
James Mangold Guion James Mangold y Jay Cocks, según el libro de Elijah Wald Fotografía Phedon Papamichael Música Bob Dylan Intérpretes Timothée Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro, Joe Tippett, Eriko Hatsune, Scoot McNairy, Dan Fogler, Boyd Holbrook, Will Harrison Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2024; en España 28 febrero 2025

James Mangold
propició a Angelina Jolie su único Oscar hasta el momento, con Inocencia interrumpida, fue artífice de un buen remake, el de El tren de las 3:10, puso a Tom Cruise y Cameron Diaz a recorrer al trote las calles de Sevilla en Noche y día, potenció la presencia de Hugh Jackman en el universo Marvel con Logan y Lobezno inmortal, y tomó el relevo de Spielberg en la saga Indiana Jones con El dial del destino. Pero la película con la que más relación tiene este biopic de Bob Dylan, cuyo título deriva de la letra de la famosa canción Like a Rolling Stone, es En la cuerda floja, un exitoso biopic del cantante folk y country Johnny Cash, un personaje que aquí también tiene una presencia relevante.

A Complete Unknown es la lujosa adaptación de la biografía que de Bob Dylan escribió Elijah Wald, Dylan Goes Electric!, publicada en 2015. Nada que reprochar a su ambiciosa producción, excelente ambientación en el Nueva York de la primera mitad de los sesenta del pasado siglo, ni a las estupendas interpretaciones de su elenco protagonista. Todos además cantan con sus propias voces, imaginamos que con ayuda de la tecnología para asemejar sus timbres a los de los originales Dylan (Chalamet), Joan Baez (Barbaro), Peter Seeger (Norton) y Johnny Cash (Holbrook). Pero, dónde está el tema y la sustancia de esta sucesión de buenas canciones y letras del único compositor ganador del Nobel de Literatura. Prácticamente es lo que le falta, un hilo conductor que vaya más allá de sus aventuras amorosas con una joven activista de los derechos civiles llamada Silvia (Fanning) y su supuestamente atormentada relación con Joan Baez.

Sólo al final se vislumbra algo de intención en este recorrido por la vida profesional y emocional del autor de Blowin’ in the Wind, cuando en el Festival de música folk de Newport, decide dar un cambio radical a su estilo, más eléctrico, de la mano de su amigo y colaborador Bobby Neuwirth. De la controvertida personalidad del artista, que tampoco fue capaz de diseccionar Todd Haynes en la extravagante I’m Not There, poco llegamos a conocer en esta convencional película, a pesar del esfuerzo de Chalamet en dar carácter y personalidad al homenajeado. Rendirse a un buen puñado de canciones, sean o no de nuestro gusto, es prácticaemtne lo único a lo que asirse, gracias al acierto de dejarlas escuchar casi todas enteras, una práctica muy abandonada en el cine musical de las últimas décadas.

lunes, 20 de enero de 2025

THE APPRENTICE. LA HISTORIA DE TRUMP Un retrato ambiguo

Título original: The Apprentice
Canadá- Dinamarca-Irlanda-USA 2024 120 min.
Dirección
Ali Abbasi Guion Gabriel Sherman Fotografía Kasper Tuxem Música Martin Dirkov Intérpretes Sebastian Stan, Jeremy Strong, Maria Bakalova, Martin Donovan, Catherine McNally, Charlie Carrick, Ben Sullivan, Mark Rendall Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2024; en Estados Unidos 11 octubre 2024; en España 18 octubre 2024


Aprovechando la toma de posesión hoy del más infame de cuantos presidentes ha tenido Estados Unidos, Donald Trump, recuperamos este biopic que se estrenó de forma bastante discreta en octubre pasado. Entre las credenciales de su director, el iraní Ali Abbasi, figuran Border bajo bandera sueca y Holy Spider, bajo la danesa, mientras el autor del guion, Gabriel Sherman, se acredita como una de las voces que más y mejor conoce el universo del magnate inmobiliario y empresarial y dos veces presidente de la que conocemos como nación más poderosa del mundo. Este cruce de talentos debía producir una más que estimable película y así podemos confirmarlo.

Bajo una espléndida puesta en escena que reproduce con absoluta fidelidad, incluso en las texturas, las décadas de los setenta y ochenta del siglo pasado en las que se ambienta su trama, Sherman y Abbasi se centran en el proceso de perversión que sufre el icónico personaje cuando su destino, influido por la inflexible y persistente figura paterna, se cruza con el de Roy Cohn, importante abogado de la época capaz de combinar ambición, poder y perversión para lograr, incluso valiéndose de procedimientos deliberadamente corruptos, los más importantes cambios económicos y políticos en el país. Así, pasamos de un joven empresario ambicioso pero con atisbos de sensibilidad, a un tiburón de los negocios falto de escrúpulos y anticipo de los crímenes que le han llevado en los últimos años a frecuentar unos tribunales que no han podido frenar su regreso inexplicable a la Casa Blanca y con ello el temor de todo el planeta a un revulsivo que nos haga volver atrás unas cuantas décadas.

El ascenso de uno y la caída del otro, fundamentalmente por contraer el sida y sufrir con eso el insensible desprecio de su aprendiz, protagonizan un film en el que destaca la mimética interpretación, unida a una excelente caracterización, de Sebastian Stan, quien con este trabajo y el Globo de Oro obtenido por A Different Man, rubrica su año más glorioso. Cabe destacar también el trabajo de Jeremy Strong como Cohn y de Maria Bakalova como Ivana Trump. Quizás se eche en falta un mayor énfasis en el desarrollo de los episodios narrados, y menos ambigüedad en el retrato del personaje, que no termina de salir del todo mal parado, pero constituye en general un trabajo de buen cine, que mira a clásicos de la época que recrea, como Brian De Palma o Francis Coppola.

viernes, 3 de enero de 2025

BETTER MAN El deslumbrante último mono

USA-Reino Unido-Francia-Australia-China 2024 131 min.
Dirección
Michael Gracey Guion Oliver Cole, Simon Gleeson y Michael Gracey Fotografía Erik Wilson Música Batu Sener Intérpretes Robbie Williams, Jonno Davies, Damon Herriman, Alison Steadman, Kate Mulvany, Steve Pemberton, Frazer Hadfield, Raechelle Banno, Jake Simmance Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2024; en Reino Unido 26 diciembre 2024; en España 1 enero 2025

El director australiano Michael Gracey combina su particular mirada estética, cultivada en su anterior largometraje de ficción, El gran showman, con su experiencia en la música pop, centrada en videoclips y documentales como el que dedicó a Pink, para ponerse a las órdenes del artista Robbie Williams y articular un biopic más personal en lo estético que en lo estrictamente narrativo. Aunque todo su entramado dramático parece fruto del talento del propio homenajeado, y éste no disimula el narcisismo que le ha hecho célebre, procura reírse de sí mismo a la vez que echa mano de todos los tópicos y lugares comunes en este tipo de producciones.

Así, encontramos al pobre artista rico abusado por managers y casas discográficas, y menospreciado por conjuntos musicales, Take That en su caso. También al joven traumatizado y marcado por el abandono familiar del padre, con quien mantendrá una relación autodestructiva, difícil e igualmente traumática. Y a quien se siente incapaz de amar en su justa medida, malogrando las posibilidades de una vida sentimental y familiar satisfactoria, mientras su rabia le llevará también a enemistarse con quienes le acompañaron desde la infancia, aunque siempre manteniendo un estrecho vínculo con una abuela visionaria y cariñosa. Muchos lugares habituales en este tipo de producciones redentoras, si bien en este caso cabe reconocer considerables logros en diferentes aspectos. Williams en ningún momento muestra su verdadero físico, sino que se parapeta tras la imagen de un mono generado por ordenador, que mimetiza sus gestos y los del actor Jonno Davies, con quien comparte protagonismo, en un alarde de originalidad que parece justificarse en el carácter primitivo de quien intenta denostadamente convertirse en ese hombre mejor del título. Gracey, por su parte, demuestra su talento y pericia en unos números musicales espectaculares, en especial el que protagonizan los dobles de la famosa boys band y un numeroso cuerpo de baile en la londinense Regent Street al son de Rock DJ, o su baile a dos en la borda de un yate de lujo donde las piruetas y torbellinos se nos antojan excesivos.

Como excesiva es una puesta en escena y una planificación visual que a menudo impide disfrutar de las esmeradas coreografías, quizás una mala influencia del universo del paisano Baz Luhrman. Con todo, Better Man se puede considerar un espectáculo entretenido y, como tantas veces se repite en el guion, deslumbrante, a pesar de lo muy en serio que a la postre se toma a sí mismo el icónico artista, por mucho que quiera disimularlo con su particular humor primate.

domingo, 2 de junio de 2024

BACK TO BLACK Retrato imperfecto de una artista revolucionaria

Reino Unido-USA-Francia 2024 122 min.
Dirección
Sam Taylor-Johnson Guion Matt Greenhalgh Fotografía Polly Morgan Música Nick Cave y Warren Ellis Intérpretes Marisa Abela, Eddie Marsan, Jack O’Connell, Lesley Manville, Juliet Cowan, Sam Buchanan, Ryan O’Doherty Estreno en Reino Unido 12 abril 2024; en España 31 mayo 2024


Se ha convertido en recurrente la moda de llevar a la ficción las biografías que antes han tenido un considerable éxito en formato documental. Sucedió con Harvey Milk, Whitney Houston y ahora con Amy Winehouse, por poner algunos ejemplos. El documental que firmó Asif Kapadia llegó a estar tan bien urdido y resultar con desgarrador y emocionante que logró el Oscar de 2015 en su categoría. Lo que la directora de 50 sombras de Grey ha hecho ahora es convertir la vida de la última diva del jazz y el soul en un melodrama dulzón en el que se liman las miserias del personaje y su controvertida personalidad, lo que no estaría mal si fuera para ensalzar su figura artística y creativa, pero no es el caso. Taylor-Johnson, que en 2009 dirigió a su esposo, Aaron Taylor-Johnson (Bullet Train, El especialista) en otro aseado biopic, esta vez el de un joven John Lennon previo al fenómeno Beatles, Nowhere Boy, se ha centrado en la tumultuosa relación sentimental con quien fuera esposo de la diva, Blake Fielder-Civil, convirtiendo su complicada y desordenada vida en un melodrama romántico con drogas, alcohol y diabólica prensa de por medio.

Define a su padre como devoto consejero, mientras la realidad habla de un progenitor ausente durante la infancia de Amy y más preocupado por administrar su dinero que por redimirse como verdadero padre, y convierte a la artista en otra mujer cuya desdicha proviene del enganche a un hombre, inseguro ante la creciente popularidad de su esposa y el daño recíproco que pudieran hacerse como adictos a los estupefacientes. Poco o nada hay de escabroso en esta película, para bien y para mal, aunque el resultado acabe siendo suavón y poco convincente, al menos no tanto como la esmerada y esforzada interpretación de la hasta ahora desconocida Marisa Abela. Nosotros seguimos quedándonos con la prodigiosa caracterización que hizo Carolina Yuste como doble de Winehouse en la estupenda El cover, pero no cabe duda de que al margen del parecido más o menos razonable, Abela se deja la piel en el personaje, yendo más allá de vestuario, maquillaje y peluquería, para componer un personaje sólido al que incluso presta su voz en la mayoría de las canciones, entonando miméticamente en perfecto estilo.

Es una película que se deja ver, que recorre con respeto la vida sentimental y artística de la cantante, con especial peaje también en la relación con su abuela, según el film verdadera artífice de la pasión de la biografiada por el jazz y el soul y su idolatría por grandes iconos del género como Thelonius Monk, Sarah Vaughan,, Billie Holiday o Tony Bennett. Pero echamos en falta, como en tantos otros biopics similares, más hincapié en sus logros como artista y como creativa, por mucho que el guion se empeñe en reflejar que la inspiración para compner le venía de sus amargos episodios personales, y que así fuera.

martes, 21 de mayo de 2024

DISCO IBIZA LOCOMÍA Empieza la fiesta

España-México 2024 104 min.
Dirección
Kike Maíllo Guion Marta Libertad y Kike Maíllo Fotografía Marc Miró Música Camilla Uboldi Intérpretes Jaime Lorente, Alberto Ammann, Blanca Suárez, Alejandro Speitzer, Iván Pellicer, Albert Baró, Pol Granch, Javier Morgade, Gonzalo Ramírez, Eva Llorach, Llum Barrera Estreno en el Festival de Málaga 8 marzo 2024; en salas 17 mayo 2024

Planteada desde el acto de conciliación entre Xavi Font, creador del grupo Locomía, y el productor José Luis Gil, por hacerse con el control artístico del conjunto, todo en esta festiva película del director Kike Maíllo, curtido en géneros tan dispares como la ciencia ficción contemplativa (Eva) y el cine de acción puro y duro (Toro), sirve de pretexto para poner en pie un espectáculo alegre y desenfadado sin mayores complicaciones. 
De esta forma, quedarán decepcionados quienes busquen morbo o excesos en la historia de Locomía, el grupo de los grandes abanicos y mayores hombreras que revolucionó especialmente la escena latinoamericana, mientras ayudó a visibilizar el universo queer que tanto daño sufría desde mediados de los noventa a causa del sida.

No se trata por lo tanto de subrayar conductas aceleradas e insalubres ni choques morales y culturales con la sociedad del momento, sino de erigir una gran fiesta de color, música y coreografías en la que cabe percibir cierta influencia del Bohemian Rhapsody sobre Queen, no sólo porque Freddy Mercury tenga una aparición estelar en las fiestas ibicencas recreadas en la película, sino por el hilo narrativo de la película y la recreación de grandes y multitudinarios conciertos en estadios de México y Argentina.

Maíllo utiliza para ello un estilo muy ochentero, valíendose incluso de divertidas y muy dinámicas animaciones, todo al servicio de un espectáculo vitalista carente de prejuicios y orientado a la mera diversión. Cuenta además con las estimables interpretaciones de su trío protagonista, un comedido Lorente como Font, un irreconocible Ammann como Gil y una entregadísma Blanca Suárez, de quienes se denota una notable implicación en el proyecto. Cuenta tamboién con una suntuosa y ágil puesta en escena que da al conjunto un aire fresco y divertido.

viernes, 23 de febrero de 2024

PRISCILLA La princesa de Graceland

USA 2023 112 min.
Guion y dirección
Sofia Coppola, según el libro de Sandra Harmon y Priscilla Presley “Elvis and Me” Fotografía Philippe Le Sourd Música Phoenix Intérpretes Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Ari Cohen, Dagmara Dominczyk, Tim Post, Lynne Griffin, Dan Beirne Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2023; en Estados Unidos 3 noviembre 2023; en España 14 febrero 2024

Larry Pearce, que en los setenta conoció algún que otro éxito con títulos como Miércoles de ceniza, El incidente o Pánico en el estadio, ya llevó a la televisión, en forma de miniserie, las memorias de Priscilla Presley, seguramente con menos aires desmitificadores y sólo tres años después de publicarse. Sofia Coppola ha debido encontrar en ellas otro vehículo perfecto para su particular estilo lánguido y pretendidamente intimista, que tanto reconocimiento le reportó en cintas como Las vírgenes suicidas, Lost in Translation y La seducción. Nosotros sin embargo preferimos a esa directora que sólo muy de vez en cuando asoma con su cara más enérgica y jovial, como sucedió en su último trabajo de ficción, On the Rocks, pues lo de Maria Antonieta fue directamente un desparrame.

No cabe duda de que como tantos otros ídolos, y éste lo fue de masas, Elvis debió ejercer tal poder sobre la joven que acabaría casi anulando a quien tras un largo noviazgo se convertiría en su esposa, arrebatándole de paso su adolescencia y juventud, ya que la conoció siendo ella muy joven. Estamos por lo tanto ante una nueva entrega de la pobre niña rica, encerrada en su mansión jaula de cristal cual princesa cautiva, a merced de los caprichos, en este caso muy influidos por su mística religiosa, del rey del rock, aquí interpretado por Jacob Elordi, recientemente visto en Saltburn.

Pero como el conjunto no tiene verdadera enjundia, sólo cabe entretenerse con los variopintos vestuarios y cardados, el atractivo de sus protagonistas y el tono lánguido marca de la casa, mientras nos preguntamos quiénes integran ese séquito masculino que acompaña al cantante a todos sitios, y si se quiere con ello potenciar aún más el marcado carácter controlador y machista del personaje, así como si una joven con tan poco carácter y un perfil tan neutro podría haber conquistado a la estrella, por muy candorosa que pueda resultar, y si da para que su protagonista, Cailee Spaeny, se hiciese con la Copa Volpi en el pasado Festival de Venecia.

lunes, 19 de febrero de 2024

FERRARI La cara trágica del éxito

USA-Italia-Reino Unido 2023 130 min.
Dirección
Michael Mann Guion Troy Kennedy-Martin, según el libro de Brock Yates Fotografía Erik Messerschmidt Música Daniel Pemberton Intérpretes Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Gabriel Leone, Jack O’Connell, Patrick Dempsey, Erik Haugen, Giuseppe Fertinese, Giuseppe Bomfati Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2023; en Italia 14 diciembre 2023; en Estados Unidos 25 diciembre 2023; en España 9 febrero 2024

Tras varios años inactivo, con apenas algún trabajo para la televisión, el director de Heat, El último mohicano, Colateral y El dilema, vuelve a la primera línea con un aseado biopic del magnate del automovilismo Enzo Ferrari, siguiendo para ello un estilo influido por el de Coppola para sus personajes italianos. Para ello se ha fijado en el libro de Brock Yates que apenas indaga en sus años de crisis y declive, cuando para emerger y reforzar su protagonismo en la materia, tuvo que empeñarse en la que acabaría siendo la última carrera de las Mil Millas que atravesaba Italia recorriendo peligrosamente carreteras comarcales y recibiendo los vítores de la población circundante. Eso mezclado con su crisis matrimonial y su vida en familia con amante en paralelo, problemas de descendencia y cuidado para no malograr la relación administrativa y empresarial que mantenía con su esposa, una Laura Ferrari a la que Penélope Cruz da vida con convicción y temperamento, y que a punto ha estado de suponerle una nueva nominación al Oscar.

Pero es precisamente ahí, a pesar de contar en el guion con el veterano Troy Kennedy-Martin (Un trabajo en Italia, Los violentos de Kelly o las series 24 horas al día y Reilly, As de espías), donde la película flojea, pues seguramente hubiera resultado más interesante fijarse en tan emblemático personaje en otra época de su vida, conocer su ascenso, sus éxitos y su evolución, en lugar de enfrascarse en un episodio marcado por la tragedia y la desesperación.

No es sin embargo la mala película que muchos le han tildado; está trabajada con ahínco desde todos sus elementos, con una buena puesta en escena y unos trabajos interpretativos de primer orden. Sobresalen personajes tan interesantes como el del piloto español, y también marqués, Alfonso de Portago, mientras algunas secuencias están recreadas con un realismo que hiere. Sin embargo fracasa en un montaje errático, desmenuzando en exceso situaciones que van y vienen, combinándose sin acierto ni sentido entre sí y distrayendo en definitiva nuestra atención. Constituye a pesar de todo un espectáculo notable, sencillo y suficientemente bien urdido como para resultar entretenido.

domingo, 7 de enero de 2024

RUSTIN Semblanza ru(s)tinaria

USA 2023 99 min.
Dirección
George C. Wolfe Guion Dustin Lance Black y Julian Breece Fotografía Tobias A. Schliessler Música Branford Marsalis Intérpretes Colman Domingo, Johnny Ramey, Aml Ameen, Gus Halper, Chris Rock, Glynn Turman, CCH Pounder, Michael Potts, Audra McDonald, Jeffrey Wright, Lilli Kay, Ayna Workman Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2023; en Estados Unidos 3 noviembre 2023; en España (Netflix) 17 noviembre 2023


Aunque su cine se remonta a hace más de una década, cuando dirigió a Richard Gere y Diane Lane en el folletín romántico Noches de tormenta, George C. Wolfe cobró mayor notoriedad hace un par de años con La madre del blues, y ahora regresa con un aseado y rutinario, a la vez que algo confuso y alborotado biopic sobre Bayard Rustin. Quiere la película ser una semblanza y homenaje al agitador político, hoy prácticamente desconocido, que fue principal artífice y estratega de la relevante marcha hacia Washington de Martin Luther King y miles de personas mayoritariamente de raza negra para clamar por los derechos civiles y la igualdad entre razas en el convulso 1963.

Cuenta para ello con una depurada y muy esforzada interpretación de Colman Domingo, prácticamente un desconocido hasta ahora que entra de lleno en todas las quinielas de premios, incluido un pasaporte casi seguro a los Oscars, como también lo es la canción que Lenny Kravitz ha escrito para la ocasión. El complejo perfil de Rustin, que tuvo que luchar no sólo por sus derechos como persona de color sino también como homosexual reprimido incluso por los de su clase y raza, es abordado por Domingo con todas sus virtudes y defectos hasta convertirlo a menudo en un personaje no especialmente simpático, sobre todo en lo que concierne a sus caprichosas relaciones sexuales y sentimentales, tan proclives a jugar con los sentimientos ajenos.

La ingente cantidad de personajes relevantes de la época, sus cargos y una gramática excesivamente discursiva, apoyada siempre en diálogos colmados de información, hace que cueste disfrutar del conjunto, antojándose a menudo irrelevante o falto de suficiente enjundia e interés. Como aparición especial cabe citar a la protagonista de Los que se quedan, Da’Vine Joy Randolph dando vida en apenas unos segundos a Mahalia Jackson.

domingo, 10 de diciembre de 2023

MAESTRO Retrato difuso de un genio

USA 2023 129 min.
Dirección
Bradley Cooper Guion Bradley Cooper y Josh Singer Fotografía Matthew Libatique Música Leonard Bernstein adaptada por Yannick Nézet-Séguin Intérpretes Bradley Cooper, Carey Mulligan, Matt Bomer, Maya Hawke, Sarah Silverman, Gideon Glick Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2023; en Estados Unidos 22 noviembre 2023; en España 6 diciembre 2023; en Internet (Netflix) 20 diciembre 2023 

Como director, Bradley Cooper ha demostrado más ser un buen melómano que un realizador competente. Si con la cuarta revisión de Ha nacido una estrella mostraba un trabajo convencional, sin sorpresas a nivel dramático ni estilístico, con Maestro es tanta la ambición que se ha apoderado de él, que apenas consigue plasmar con un mínimo de emoción el devenir artístico y emocional de uno de los más grandes directores de orquesta del pasado siglo. Coinciden en cartelera dos biopics centrados más en la anécdota romántica de sus protagonistas que en su valía como artistas. Pero si en Saben aquell, David Trueba acierta en combinar esa relación matrimonial que le inspira con el progreso artístico del humorista Eugenio, Cooper en Maestro apenas logra hacer justicia al trabajo del genio como músico y creador, pretendiendo eso sí que todo su universo inquieto y creativo, así como su compleja personalidad, confluyan en el drama para dar idea de su talento como artista. Pero no lo consigue; la película se queda en una sucesión de ideas estéticas y un continuo ir y venir en la vida doméstica del homenajeado.

Afortunadamente ya no se hacen biopics para destrozar la imagen pública del retratado o la retratada, tampoco para enaltecerlos incondicionalmente borrando todo aquello que pueda estigmatizarles. Pero la actual corriente pretenciosa de llegar al alma del artista a través de emociones de carácter más onírico que realista, todavía no ha llegado a cuajar lo suficiente; prueba de ello es el que Blonde ofreció el año pasado con respecto a Marilyn Monroe. Una cascada de nombres ilustres de la cultura americana del pasado siglo, de Aaron Copland a Betty Comden, Jerome Robbins o Adolph Green y Claudio Arrau no logran estimular el placer de acercarse al insigne pianista, compositor y director de orquesta, mucho menos si el público no está familiarizado con sus personajes. La supuesta bisexualidad de Bernstein, ya que la homosexualidad estuvo siempre más cerca de la balanza, no resulta lo suficientemente atractiva a nivel dramático como para despertar nuestra emoción, ni tampoco lo hace su relación matrimonial con la actriz de origen chileno Felicia Montealegre.

Se echa de menos al Bernstein que compone en la intimidad, que viaja y triunfa por todo el mundo a la vez que lo hacía por ejemplo Karajan, o el que justificaba sus desavenencias con otros artistas contemporáneos como Glenn Gould. Un par de anécdotas sobre su forma de dirigir, más cerca de lo convencional que del análisis estricto, aunque con el acierto de ofrecer de la mano de Nézet-Séguin un adagietto de Mahler muy lento y paladeado, o reconstrucciones monumentales de la Segunda del compositor austriaco en la Catedral de Ely en el Reino Unido, no justifican plenamente el carácter musical de la propuesta. El mayor acierto del film acaba resultando la excelente caracterización de Cooper, un trabajo de peluquería y maquillaje realmente asombroso. Merece también destacarse la exquisita ambientación y las texturas fotográficas que la realzan, así como las muy esforzadas interpretaciones de la pareja protagonista. Pero en conjunto la cinta decepciona, pasa de puntillas por lo realmente importante en la vida de un artista de su talla, y se pierde en exceso en postales domésticas en las que abundan los diálogos superfluos o faltos de contenido. Paradigma de la época, como en Saben aquell aquí también se fuma mucho, pero ni Cooper ni sus prestigiosos productores Spielberg y Scorsese, tienen el detalle de avisarnos, como sí hace Trueba en su preciosa película.

lunes, 6 de noviembre de 2023

SABEN AQUELL Una mirada sensible a un triste pasado

España 2023 109 min.
Dirección
David Trueba Guion David Trueba y Albert Espinosa, según la novela de Gerard Jofra Fotografía Sergi Vilanova Claudín Música Andrea Motis Intérpretes David Verdaguer, Carolina Yuste, Pedro Casablanc, Ramón Fontseré, Marina Salas, Matilde Muñiz, Quimet Pla, Cristina Hoyos, Ferrán Rañé, Márius Vila i Ametller, Jacob Llopis Estreno 1 noviembre 2023

Siempre activo en el documental, David Trueba no se ha prodigado sin embargo demasiado en la ficción. Desde su debut en 1996 con La buena vida, apenas ha dirigido ocho largometrajes antes de esta biografía del humorista Eugenio. Con escalas fundamentales en Soldados de Salamina y Vivir es fácil con los ojos cerrados, y tres años después de estrenar casi de tapadillo A este lado del mundo, su particular incursión en el trágico mundo de la inmigración, Saben aquell podría ser una de sus mejores películas. No hemos leído el libro del hijo de Eugenio en que se basa, pero acertamos a comprender que debe estar escrito con el mismo cariño con el que Trueba ha confeccionado su triste y a la vez divertido homenaje al humorista catalán. Una combinación que refleja a la perfección el carisma de este personaje, capaz de hacernos reír hasta la médula a pesar de no mudar jamás un rictus triste y extremadamente serio, el mismo que según la información previa que tengamos puede hacernos reír o compartir su misma soledad y tristeza.

A diferencia de otras biografías similares, no se trata aquí ni mucho menos de desmitificar al homenajeado ni mostrarlo como un ser atormentado y agobiado por los vicios, aunque fume lo indecible, previo aviso de que sea inevitable para reflejar la época y la personalidad del retratado. Surge así ante nuestros ojos como una persona muy cariñosa y delicada, capaz de protagonizar una historia de amor tan sensible y emotiva como la que vivió junto a su esposa de origen andaluz, Conchita. En este sentido, la interpretación de Verdaguer y Yuste resulta fundamental para llevar a buen puerto esta empresa, y por supuesto que cumplen con nota alta su cometido, él como perfecto recreador del estilo de Eugenio, además de resultar convincente y carismático en sus intervenciones domésticas, y ella perfecta una vez más, en esta ocasión como fiel compañera y humilde cómplice de su éxito. El paso del tiempo, especialmente en un país que atravesó del gris del franquismo a la esperanza de la democracia, y que hoy sufre de nuevo la bipolarización por un anticatalanismo absurdo e incomprensible, convierte la sensibilidad con la que Trueba ha dirigido su película en una de las aportaciones más inteligentes y emocionantes al encuentro entre culturas, sobre todo centrándose en la figura de Conchita, andaluza catalanoparlante perfectamente integrada en un ambiente que hoy tantos se empeñan en considerar hostil.

Una perfecta ambientación y la referencia a grandes iconos del momento, igualmente trágicos, como Cecilia o Nino Bravo, siempre tratado desde el respeto y la sensibilidad más absoluta, completan un film tan disfrutable como éste. Especial atención merecen las intervenciones de los directores Paco Plaza dando vida a Chicho Ibáñez Serrador, Félix Viscarret a un concursante del Un, dos, tres, y Sigfrid Monleón a un sacerdote, así como Miriam Díaz Aroca haciéndose cargo del personaje de Mayra Gómez Kemp. Pedro Ruiz y Mónica Randall interpretándose a sí mismos, o Lara Dibildos a su propia madre, Laura Valenzuela. Una mirada a un pasado a la vez tan triste y entrañable como el propio devenir de Eugenio Jofra y su encantadora familia.

martes, 4 de octubre de 2022

BLONDE Tan poco convencional como la retratada

USA 2022 166 min.
Guion y dirección
Andrew Dominik, según la novela de Joyce Carol Oates Fotografía Chayse Irvin Música Nick Cave y Warren Ellis Intérpretes Ana de Armas, Adrien brody, Bobby Cannavale, Xavier Samuel, Evan Williams, Julianne Nicholson, Garret Dillahunt, Lily Fisher, Dan Butler, Ned Bellamy Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2022; en Estados Unidos (limitado) 16 septiembre 2022; en España (internet) 28 septiembre 2022

Poco cabía esperar del director de la extravagante El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, por mucho que nos convenciera Mátalos suavemente, ambas protagonizadas por Brad Pitt, aquí productor de la película, a pesar de la buena acogida crítica dispensada a sus documentales musicales This Much I Know to Be True y One More Time with Feelling, ambos centrados en sus adorados Nick Cave y Warren Ellis, compositores también de la banda sonora de Blonde. La atmósfera enrarecida que estos dos idolatrados músicos saben impregnar a sus películas tampoco hacía presagiar nada convencional de esta biografía velada de la mítica Marilyn Monroe, y sin embargo, aunque no se puede negar que se trata de una cinta poco ortodoxa y con un estilo muy onírico, no es tan excéntrica ni caprichosa como esperábamos.

Se trata de trazar un retrato psicológico de quien siempre hemos asociado a la desdicha, por muy cómicos que fueran sus papeles en pantalla, a partir de una ficción creada por la eterna candidata al Pulitzer Joyce Carol Oates, pero en la que tienen cabida todos los episodios relevantes de la actriz y mito sexual, así como los personajes que protagonizaron su vida. La recreación de episodios y ambientes es magnífica, siempre dentro de ese clima algo enrarecido y víctima de continuos cambios de formato y color, con reproducciones de fotografías y fotogramas realmente espectaculares, lo que además de haber supuesto una tortura para Ana de Armas, habrá sin duda significado un trampolín definitivo y de ensueño para su carrera internacional. Ella es el principal atractivo de la película, ya que todo lo demás, dispuesto para definir ese juguete roto que hoy sería causa de denuncia del mundo machista en el que se desenvolvió, era de sobras conocido.

La fluida dramaturgia, sus continuos guiños escabrosos, incluida la escena junto al presidente Kennedy, y el siempre fascinante retrato del Hollywood clásico, tan lleno de glamour e ilusión como de miseria y cochambre, hace que sus casi tres horas de duración se digieran con facilidad. Hay que verla preparados, conscientes por ejemplo de que no está probado que ni el hijo de Edward G. Robinson ni el de Chaplin tuvieran un romance con ella, y mucho menos un trío, aunque aquí podrían aparecer como combinación de sus primeros tropiezos, junto al fotógrafo que inmortalizó sus primeros desnudos. Por otro lado, ver a Ana de Armas interactuar con Tony Curtis o George Sanders no tiene precio, como tampoco lo tiene descubrir a Chris Lemmon dar vida a su padre entre las señoritas de la orquesta de Con faldas y a lo loco.

martes, 28 de junio de 2022

ELVIS El rey del exceso

Australia-USA 2022 159 min.
Dirección
Baz Luhrmann Guion Jeremy Doner, Sam Bromell, Baz Luhrmann y Craig Pearce Fotografía Mandy Walker Música Elliott Wheeler Intérpretes Austin Butler, Tom Hanks, Olivia DeJonge, Richard Roxburgh, Helen Thomson, David Wenham, Kelvin Harrison jr., Kodi Smit-McPhee, Dacre Montgomery, Luke Bracey Estreno en el Festival de Cannes 25 mayo 2022; en Estados Unidos y España 24 junio 2022

Nadie parece más adecuado que Baz Luhrmann para llevar a la gran pantalla la vida de Elvis Presley. Su pasión por el exceso, el brillo, el ritmo y la lentejuela así lo demuestran. La figura del legendario cantante, actor y entertainer ha sido llevada a la pantalla en muchas ocasiones. Solo un par de años después de fallecer, John Carpenter acometió la empresa para la televisión, con Kurt Russell como protagonista y Pat Hingle como el coronel Tom Parker, figura que emerge imprescindible en cada nueva adaptación de su biografía. Shelley Winters y el propio padre del protagonista, Bing Russell, asumieron los roles de sus progenitores. Más recientemente, en 2005, Jonathan Rhys Meyers se puso en la piel del homenajeado de nuevo para el medio doméstico, mientras Randy Quaid asumió el de su vampírico manager. En ambos casos y el que nos ocupa, sus responsables necesitaron más de dos horas y media para contarnos su historia. 
Pero ese no es el único exceso en la cinta del director de Moulin Rouge, que adopta su particular estilo visual y estético de un barroquismo extenuante para adentrarse fundamentalmente en esa relación que mantienen el divo y su mentor, cual Fausto y Mefistófeles que le impide al primero desarrollar su carrera como parece ser le hubiera gustado, y le arrastra a esa vorágine de excesos que malogran gran parte de sus posibilidades artísticas y sentimentales, y eso a pesar de que estamos hablando de una de las figuras más influyentes de la música y el espectáculo del pasado siglo.

Ausente de la gran pantalla desde 2013, cuando dirigió su particular versión de El gran Gatsby, Luhrmann adopta de nuevo su característico ritmo desenfrenado y una gran cantidad de recursos estéticos, con importante intervención de creativos gráficos, que se convierten así en el principal reclamo de una obra artística que prefiere distinguirse por sus logros estéticos más que los puramente dramáticos. La cinta se convierte así en un festín para los sentidos, en el que el habitual anacronismo musical característico de su autor adquiere también una relevancia importante, y donde los imposibles trajes del artista solo encuentran paragón en aquella extravagancia musical que dio a conocer al director, El amor está en el aire (Strictly Ballroom)De esta forma el conjunto pierde la posibilidad de indagar con más ahínco y un mayor interés en esa relación diabólica y esa caída a los infiernos a la que parece abocada, aunque por otro lado se agradece que no ponga el acento en las miserias de la estrella, por otro lado bien interpretada, aunque algo frío, por el joven Austin Butler, que después de un sinfín de secundarios desde niño, por fin salta al primer plano. Junto a él, Tom Hanks demuestra su grandeza poniéndose en la piel de un personaje malvado, tan insólito en él, y permitiendo que el mayor protagonismo publicitario recaiga en Butler, así como saturándose de maquillaje y postizos para encarnar al rollizo coronel.

Hubiésemos preferido un relato más comprometido y con mayores dosis de interés de lo acontecido durante el reinado de este emblemático personaje tan influido por quienes le circundaron, madre, manager y esposa principalmente, así como por los acontecimientos que sucedieron y que tanto tuvieron que ver con esa llamada pérdida de inocencia de la población norteamericana, incluidos los asesinatos de Kennedy, su hermano y, sobre todo, Martin Luther King, con cuya comunidad la película deja claro estuvo muy identificado el origen de Elvis Presley. Pero nos conformamos con esta excesiva y estéticamente creativa recreación de sus episodios biográficos más relevantes.

martes, 4 de enero de 2022

SER LOS RICARDO Radiografía de un sistema enfermo

Título original: Being the Ricardos
USA 2021 132 min.
Guion y dirección
Aaron Sorkin Fotografía Jeff Cronenweth Música Daniel Pemberton Intérpretes Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat, Jake Lacy, Clark Gregg, Linda Lavin, Ronny Cox, John Rubinstein Estreno en Estados Unidos 10 diciembre 2021; en internet (Amazon Prime) 21 diciembre 2021


Tras el éxito el año pasado de El juicio de los 7 de Chicago, el director y guionista Aaron Sorkin (La red social, El ala oeste de la Casa Blanca) vuelve a radiografiar la política y sociedad norteamericana para poner en evidencia sus orígenes enfermizos a través de un fenómeno concreto, el show de televisión de los años cincuenta I Love Lucy. Nos cuenta así una historia de frustración, prejuicios y caza de brujas en una época crucial para la definición de la cultura que ha imperado en este mundo desde hace ya prácticamente un siglo. Partiendo del matrimonio formado por Lucille Ball y Desi Arnaz, la película de Sorkin se centra sobre todo en el personaje de ella, una mujer despierta e inteligente, sensual y aparentemente ecléctica a la que el sistema sin embargo marginó en papeles siempre cómicos con un punto mamarracho.

Tres ejes conforman el motor de esta cinta, la acusación de comunista de la protagonista, su embarazo y la salvación de su matrimonio, permanentemente amenazado por la promiscuidad sexual de él, un actor y músico de origen cubano que triunfó en Estados Unidos de la mano de su orquesta, el cine y los shows televisivos que primero protagonizó y luego produjo a través de la compañía fundada por él y su esposa, Desilu, detrás de la cual estuvieron también éxitos como Star Trek o Los intocables, antes de venderse y convertirse en Paramount Television. En este marco asistimos a la trágica crónica de una democracia, aparentemente la más sofisticada y adelantada del mundo por entonces, cuyo comportamiento tanto se asemejaba al de una dictadura que casi funcionaba como referente para gobiernos abiertamente totalitarios como Chile o España, según la época, como modelo en el que mirarse. Solo así se comprenden prejuicios como la diferencia de raza en el matrimonio como elemento ahuyentador de audiencia, el embarazo como fenómeno a ocultar en la televisión por sus connotaciones evidentemente sexuales, la simpatía por ideologías de izquierdas como factor de traición a la patria y el sistema, y otras circunstancias que hacían de la ciudadanía carne de presidio y marginación.

Con una férrea estructura que combina hábilmente episodios del pasado de la pareja y esa semana decisiva para sacar adelante el show, amenazado por las referidas acusaciones y el empeño del matrimonio por hacer valer sus opiniones y criterios por encima de los del productor y guionista de la serie, Jess Oppenheimer, asistimos a momentos relevantes de la vida de ambas estrellas, especialmente de ella, sensacionalmente interpretada con toda riqueza de matices y momentos de lucimiento excepcionales, por Nicole Kidman. Su frustrante carrera cinematográfica viene reflejada por su complejo de sustituta de Rita Hayworth (Su última danza) o Judy Holliday (Los apuros de Sally), a pesar de aglutinar éxitos como La Dubarry era una dama junto a Red Skelton, Un remolque larguísimo con el propio Arnaz, o ya en el último tramo de su carrera Tuyos, míos, nuestros con Henry Fonda, o el musical Mame, siempre explotando su vena cómica sin que se le permitiese abordar otros géneros para los que sin duda estaba dotada. Kidman encuentra en su meticulosa interpretación ese punto vulnerable y frustrado de la estrella, su innata inteligencia y su ingenio creativo, mientras Bardem nos ofrece otra de sus memorables actuaciones, en este caso atreviéndose incluso a cantar con resultados muy estimables. La música de Daniel Pemberton potencia en cada secuencia y situación la intensidad dramática que exige, mientras unos falsos testimonios de los tres guionistas de I Love Lucy imprimen carácter documental al agridulce conjunto.

lunes, 27 de septiembre de 2021

RESPECT Hija, esposa y reina del soul

USA 2021 145 min.
Dirección
Liesl Tommy Guion Tracey Scott Wilson y Callie Khouri Fotografía Kramer Morgenthau Música Kris Bowers Intérpretes Jennifer Hudson, Forest Whitaker, Marlon Wayans, Audra McDonald, Marc Maron, Heather Headley, Kimberly Scott, Albert Jones, Tate Donovan, Skye Dakota Turner, Gilbert Glenn Brown, Mary J. Blige Estreno en Estados Unidos 13 agosto 2021; en España 24 septiembre 2021


Puede que la elección de Liesl Tommy, que se encargó hace unos años de una serie documental para la televisión sobre Dolly Parton, mujer de tanto talento artístico como fuerte carácter, y que del guion se encargara Callie Khouri, que conoció el éxito hace treinta años con Thelma y Louise, augurase buenos resultados para esta biografía de la incomparable Aretha Franklin. Sus hechuras eminentemente televisivas y bastante rutinarias unido al escaso ímpetu que sus creativos y creativas han puesto en la empresa, han dado al traste con esas expectativas. 
El resultado no es que sea despreciable; ahí está la esforzada y tan aseada como el resto del conjunto interpretación de Jennifer Hudson, en el que es su primer papel relevante desde que hace quince años ganara un Oscar por Dreamgirls, y desde luego una impecable colección de grandes temas inmortalizados por la reina del soul entre finales de los sesenta y principios de los setenta, sensacionalmente interpretados por la actriz y cantante, procurando adaptarse al estilo de la homenajeada sin traicionar el suyo propio. Esos dos aspectos hacen que su visionado merezca la pena.

Nos encontramos sin embargo ante una nueva proclama feminista, sin duda necesaria pero ya bastante recurrente en este tipo de retratos de muñecas rotas. El hecho de que la estrella del soul sufriera abusos infantiles, control de un padre obsesivo y autoritario, y violencia doméstica, se convierte en este repaso a su vida en tema preferente sobre su propia carrera artística, sin duda mucho más interesante. Aun así, en este sentido destacan el episodio de arranque, con la casa familiar atestada de grandes estrellas de la música negra a propósito de una fiesta, desde Art Tatum a Ella Fitzgerlad pasando por Duke Ellington, Sam Cooke o Count Basie, enmarcando ya su infancia en un universo eminentemente musical, así como los consejos recibidos de una Dinah Washngton con los rasgos de la también cantante y autora Mary J. Blige, que tanto influyeron para convertirla en estrella, o los de su madre, interpretada por la soprano Audra McDonald, para no dejarse controlar por los hombres.

Sin duda estos son los pilares sobre los que se erige esta película que acaba siendo más un melodrama que un suntuoso musical capaz de recrear con fantasía e imaginación grandes números musicales a propósito de los conciertos de la diva o la gestación de sus éxitos, así como la preparación del legendario documental de Sydney Pollack, Amazing Grace, en torno a su disco de góspel, rescatado hace apenas unos años. La conclusión es un largo film que intenta no dejarse ningún aspecto de la poliédrica cantante, incluido su activismo político propiciado por la amistad de su familia con Martin Luther King, pero sin una profundidad o un análisis lo suficientemente original y atractivo que haga perdonar su discreto compromiso con el gran espectáculo.