VIVA A golpe de ocurrencias

España 2026 112 min.
Dirección Aina Clotet Guion Valentina Viso y Aina Clotet Fotografía Nilo Mur Música Clara Aguilar Intérpretes Aina Clotet, Marc Soler, Naby Dakhli, Llol Beltrán, Guillermo Toledo, Zaira Pérez, Xavi Daura, Josh Zuckerman, Sau-Ching Wong, Laura Conejero Estreno en el Festival de Cannes 14 mayo 2026; en salas 19 junio 2026

Hace un mes la actriz y realizadora Aina Clotet recibió un destacado premio en el Festival de Cannes, el de estrella emergente de la Fundación Louis Roederer, que se entrega en la Semana de la Crítica. Esto ha potenciado nuestra necesidad de enfrentarnos al particular universo de esta inquieta cineasta, curtida sobre todo como actriz, pero que ha hecho sus pinitos como directora de cortos y, en especial, de la serie Esto no es Suecia, estrenada hace dos años y medio en RTVE Play. Ambientada en una distopía que toma como referente un acuciante cambio climático que reduce a una sequía interminable nuestra aventura en la Tierra, a la vez que un equipo científico en el que su personaje milita, investiga sobre la posibilidad de llegar a los ciento veinte años con buena calidad de vida, lo que sin duda constituye toda una contradicción. Pero no tanto como el hecho de que ella se debata entre la vida y la muerte tras haber superado un cáncer de mama y negarse a someterse a nuevas pruebas para dilucidar si el mal ha desaparecido del todo. Ella prefiere afrontar su futuro entregándose a una alegría de vivir sin límites, que en realidad trata de vivir el amor y la sexualidad a sus anchas, entregándose en cuerpo y alma a un seductor joven bailarín, sin ninguna contemplación hacia quienes de verdad la quieren, especialmente una pareja que parece haberlo abandonado todo por su amor incondicional a la madura protagonista.

En este contexto, Clotet se entrega a un experimento de cine libre y desprejuiciado, sin juzgar su personaje pero tampoco enaltecerlo, principal virtud de una cinta que, sin embargo y precisamente por ello, nos presenta un personaje casi sin sustancia, incapaz de empatizar con su entorno sentimental, haciendo y deshaciendo a su antojo. Todo ello siguiendo una ruta impulsada por las innumerables ocurrencias que jalonan su libreto, a medio camino entre el drama y la comedia, con más atención a la segunda, pero sin la gracia ni el desparpajo que se le supone.

Construida en torno a ella como actriz decidida a desnudarse literal y emocionalmente, pero sin que su entrega llegue a calar en profundidad, como parece pretender. Su ambiente decididamente cosmopolita se traduce, entre otras cosas, en el uso de diversas lenguas, castellano, francés, inglés y, sobre todo, catalán, así como una diversidad de espacios entre urbanos (viaje incluido) y rurales, mientras se nos escapa la intención de poblar sus áridas tierras de repelentes insectos, quién sabe si quizás como símbolo de la propia mezquindad de su personaje, aunque ésta sea nuestra conclusión, seguramente no la de su premiada responsable.

LAS CATADORAS DE HITLER La herida en carne propia (II)

Título original: Le assaggiatrici
Italia-Bélgica-Suiza 2025 123 min.
Dirección Silvio Soldini Guion Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia y Lucio Ricca, según la novela de Rosella Postorino Fotografía Renato Berta Música Mauro Pagani Intérpretes Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun, Emma Falck, Olga von Luckwald, Thea Rasche, Kriemhild Hamann, Berit Vander, Esther Gemsch, Jürgen Wink, Nicolo Pasetti Estreno en Italia 27 marzo 2025; en España (no en Sevilla) 22 mayo 2026

La barbarie nazi es fuente inagotable del horror más inimaginable y nauseabundo, además de espejo doliente de las salvajadas que hoy cometen los líderes modernos del fascismo, parapetados como siempre en la aprobación de un pueblo amnésico y egoísta, además de iliterato. De nuevo son los propios alemanes quienes sufren las consecuencias de la devastación a la que fueron sometidos, merced a ese monstruo innombrable y la multitud de infames duendecillos que ejecutaron sus lamentables designios. Otro episodio poco conocido de esta locura generalizada la protagonizaron un grupo de mujeres, alemanas, sanas, jóvenes y vecinas de la Guarida del Lobo, que es como se conocía el cuartel general de Hitler, obligadas a comer los alimentos cocinados para el führer con carácter previo a su degustación, con el fin de evitar su envenenamiento en caso de atentado mediante ese procedimiento.

Un programa diabólico que el director Silvio Soldini, con una sólida carrera a sus espaldas (Acuarela, Giorni e nuvole), maneja con dureza y sobriedad, logrando una atmósfera malsana de terror casi permanente, visible tanto en los rostros de estas mujeres, algunas viudas de guerra, como en el hostil ambiente que les rodea. Mérito muy especial de estos logros lo tienen sus protagonistas, desde Elisa Schlott, que se erige en rostro y cuerpo sobre el que se suceden los terribles episodios que marcaron esta terrible experiencia, al resto de mujeres sometidas a una tortura psicológica constante, la mansa conformidad de la suegra frente al desconcierto y escándalo que suscita en el suegro, hasta el oficial incapaz de asumir la barbarie a la que ha sido obligado y mantener una postura personal y libre frente a ella.

El film resulta duro y terriblemente doloroso, con una puesta en escena académica y clásica y una fluidez narrativa siempre presta a la sorpresa y, sobre todo, a la incredulidad, aún todavía, frente a la posibilidad de que el hombre pueda ser tan cruel consigo mismo. Basada en hechos reales, novelados y llevados ahora al cine por seis guionistas, quizás demasiadas para condensar tan precisos y específicos acontecimientos, si bien el objetivo se ha conseguido, pese a tantas manos involucradas.

EL SONIDO DE LA CAÍDA Evolución de género con su entorno

Título original: In die Sonne schauen
Alemania 2025 149 min.
Dirección Mascha Schlinski Guion Mascha Schlinski y Louise Peter Fotografía Fabian Gamper Música Michael Fiedler y Eike Hosenfeld Intérpretes Hanna Heckt, Lena Urzendowsky, Susanne Wuest, Luise Heyer, Laeni Geiseler, Lea Drinda, Florian Geisselman, Gode Benedix, Bärbel Schwarz, Lucas Prisor, Konstantin Lindhorst, Martin Rother, Filip Schnack Estreno en el Festival de Cannes 14 mayo 2025; en Alemania 28 agosto 2025; en España 24 abril 2026

Partimos de la base de sentirnos incapaces de apreciar las bondades de una película larga y tediosa que abarca un siglo de insulsas experiencias en una misma casa, una granja en el este de Alemania. Allí, cuatro niñas en el primer cuarto del siglo XX, plena Segunda Guerra Mundial, años setenta y la actualidad, viven su particular forma de afrontar la relación del entorno con su género, a veces adoptando una visión subjetiva, otras veces abandonándola, y siempre alternando historias o lo que lo parecen, de manera aparentemente desordenada y algo caótica, no siempre fácil de relacionar, como no lo son los parentescos que en ocasiones parecen existir entre las jóvenes. Todo se abandona a una supuesta poética de la feminidad, en lo que es el segundo largometraje de la directora alemana Mascha Schlinski, ocho años después de su debut.

Cabe apreciar su esmerada puesta en escena, la candidez de algunas de sus protagonistas, y la casuística que acompaña a cada una según su generación, siendo en este sentido la más interesante la historia que sucede en los setenta, con la represión sexual todavía latente y el papel conformista de una mujer por liberar y consolidar su confianza. Una inusitada crueldad domina el primer segmento, mientras el ambientado en los años cuarenta apenas logra definir su entidad, hasta finalmente sugerir en época actual una tenue liberación y la construcción de lazos sentimentales antaño estigmatizados.

Todo ello dentro de una tónica lánguida y misteriosa, que exige una extrema concentración por parte del público, y desde luego mucha paciencia. Con todo, se hizo con el Premio del Jurado en Cannes y el de mejor dirección, exaequo con Joachim Trier por Valor sentimental, en los Premios del Cine Europeo.

CABILDO DE AMY BEACH: EL ENCANTO DE LO SENCILLO

Ópera de cámara en un acto de Amy Beach. Libreto de Nan Nagby Stephens. Carmen Martínez-Pierret e Israel Fausto, dirección artística. Blanca Trabalón, dirección musical y piano. Ainhoa Amestoy, dirección escénica. Macarena Martínez, violín. Israel Fausto, violonchelo; y las voces de Alba Chantar, Aurora Galán, Marcelo Solís, Alonso Cano y Ricardo Llamas. Proyecto de formación de jóvenes cantantes. Programa completado con Trío Op. 150, For My Love Op. 51 nº 4, La belle Layotte y When My Soul Is Joined to Soul Op. 62. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, sábado 7 de marzo de 2026

Aurora Galán, Alonso Cano, Marcelo Solís y Alba Chantar

La seducción que en la literatura romántica ha provocado el mundo de la piratería en mujeres especialmente insatisfechas por ser obligadas a reprimir su sexualidad, estimuló a la compositora estadounidense de finales del XIX y principios del XX a la hora de componer su única ópera. Una seducción de la que también el cine se ha hecho eco en multitud de ocasiones, como la fascinante El pirata y la dama que Mitchell Leisen dirigió en 1944, una de tantas joyas que integran su extensa filmografía, con títulos imprescindibles como Medianoche, Si no amaneciera, Recuerdo de una noche o la inimitable Vida íntima de Julia Norris.

Mujeres que sufrieron no poder vivir su sexualidad en libertad y que encontraron en la literatura de aventuras y romance una vía de escape para soñar y dar rienda suelta a sus frustraciones. En ese campo se basó Beach para componer una ópera de cámara que no se estrenó hasta unos meses después de fallecer la autora, y que ahora recuperan felizmente los artífices del ciclo Rasgando el silencio.

Carmen Martínez-Pierret e Israel Fausto han logrado así poner en pie, aunque sólo sea en versión semi escenificada, esta pieza que nunca antes se había estrenado en Europa, y del que existe un registro discográfico grabado en directo en el ciclo Great Performers at Lincoln Center en mayo de 1995. Han sido cinco años en los que Martínez-Pierret y Fausto han recuperado, con la colaboración inestimable del Teatro de la Maestranza, siempre en su sala Manuel García, la memoria de mujeres compositoras cuyo trabajo ha sido menospreciado y a menudo eclipsado. Cabildo de Amy Beach se ha erigido este viernes y sábado pasados en testimonio indiscutible de la fuerza y voluntad de estas heroínas.

Sencillez de base y resolución

Una fina y elegante sencillez fue la característica común a la obra y su representación, con una base instrumental constituida por piano, violín y violonchelo, tal como dejó escrito su autora, y un elenco vocal joven y entusiasta que puso toda la carne en el asador para llevar a buen puerto tan ilusionante proyecto de marcado acento andaluz.

Alonso Cano como el pirata Pierre Lafitte

Unos turistas visitan a principios del siglo XX el Cabildo, antiguo ayuntamiento colonial español en Nueva Orleáns que después pasó a convertirse en prisión, y allí estuvo encerrado el seductor pirata Pierre Lafitte, con quien una de las turistas tendrá un sueño revelador. Otro romance imposible con una dama de clase alta fue el detonante de su encarcelamiento, acusado de hundir su barco y matar a su amante para ocultar el presunto robo de un brazalete. Pero sus habilidades servirán al general Jackson, después presidente de Estados Unidos, para defender la ciudad en plena Guerra de la Independencia. Esos objetivos servirán al fantasma de su amada dama, en modo Cumbres borrascosas, para que el pirata acepte la libertad y se erija en héroe de guerra.

Con este argumento, Beach articuló una delicada y hermosa partitura, que los responsables de Rasgando el silencio prologaron con una semblanza de la autora, personificada en nuestra querida Aurora Galán, tan vinculada a proyectos imprescindibles como la Escolanía de Los Palacios o la Compañía Sevillana de Zarzuela. Tres canciones íntimamente relacionadas con la música de la ópera, entre ellas la criolla La Belle Layotte, fueron entonados por la soprano con un fuerte halo lírico algo apartado de la ligereza que demandaba la particular estética de estas piezas.

Y tras el Trío op. 150, hábil combinación entre impresionista y neorromántica, con el que Blanca Trabalón, directora musical y pianista en sustitución de Martínez-Pierret, que desafortunadamente para ella sufrió una lesión que le impidió participar en el evento, dejó clara su delicadeza y refinamiento al instrumento. Le acompañaron en iguales condiciones, vuelo lírico y estilo acondicionado, Israel Fausto al violonchelo y una espléndida Macarena Martínez al violín.

Macarena Martínez, Blanca Trabalón e Israel Fausto

Ainhoa Amestoy encaró la producción con ropajes prácticos y una escueta escenografía, apenas un banco donde echarse la siesta, y una dramaturgia sencilla que quedó perfectamente expuesta con la ayuda de subtítulos, lo que hizo que su apasionado argumento se siguiera con facilidad. El elenco vocal aportó frescura y profesionalidad, destacando la voz aterciopelada de la rondeña Alba Chantar en su doble papel de turista soñadora y dama aristocrática, así como el vozarrón del barítono de artístico nombre barroco, Alonso Cano, como el enamorado pirata.

Juntos entonaron un apasionado dúo final en la línea de los primeros musicales estadounidenses, con referencia obligada a Sigmund Romberg, Rudolf Friml o Jerome Kern, después de habernos ofrecido alrededor de media hora de canto mayoritariamente recitado y música frecuentemente atonal, salpicada de recurrentes disonancias. La voz contundente del bajo-barítono Ricardo Llamas y menos autoritaria del también rondeño Marcelo Solís, además de la intervención también como turista de Aurora Galán haciendo acopio de potencia, buena proyección y timbre sedoso, lograron redondear esta feliz cita con el trabajo de otra mujer que abrió caminos. Mujer trabajadora que hoy merece nuestra felicitación, como todas las que lo son.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

SORRY, BABY Introspección traumática

USA 2025 103 min.
Guion y dirección Eva Victor Fotografía Mia Cioffi Henry Música Lia Ouyang Rusli Intérpretes Eva Victor, Naomi Ackie, Lucas Hedges, John Carroll Lynch, Louis Cancelmi, Kelly McCormack, Hettiene Park Estreno en el Festival de Sundance 27 enero 2025; en Estados Unidos 27 junio 2025; en España 27 febrero 2026

No le ha ido mal a Eva Victor con su debut detrás y delante de la cámara, después de varios trabajos sin importancia como actriz en videoclips o cine de animación. Con su interpretación de una profesora en prácticas de la Universidad que sufre una mala experiencia, logró un premio en Valladolid y una nominación al Globo de Oro, y como autora del guion un premio en Sundance, además de varios premios de diversas asociaciones de la crítica estadounidense como directora novel.

Con una estructura algo desordenada, que termina a partir del punto en el que comenzó, pero por el medio narra cuanto acaece antes del arranque y que provoca un particular estado de ánimo y relación con el entorno en la joven y desorientada protagonista, Victor nos sumerge en un trauma muy habitual estos días. Mientras, manifiesta su desconfianza en una justicia poco o nada reparadora, en una excelente secuencia dentro de un conjunto que no puede evitar un carácter algo forzado, que no fluye con naturalidad ni sencillez, sino que exhibe un carácter ambicioso, patente también en sus hechuras indie y su algo pretencioso embalaje, incluida una banda sonora premeditadamente relajante y unas líneas de guion puntualmente maniqueas.

La actriz, aunque no nos resulta tan convincente en su también pretendida naturalidad, se rodea de buenos y buenas secundarias, como Naomi Ackie, que fue Whitney Houston en I Wanna Dance with Somebody, o Lucas Hedges, que interpretó al hijo de Nicole Kidman en Identidad y al de Julia Roberts en El regreso de Ben. John Carroll Lynch completa el elenco de rostros conocidos en esta película que se erige como una denuncia poética, en las antípodas del histerismo reinante, cuando de hablar de vulnerabilidad femenina se trata.

SEFF 2025. IL MIO POSTO É QUI Crónica de la represión

Italia-Alemania 2025 110 min.
Guion y dirección Cristiano Bortone y Daniela Porto, según la novela de la primera Fotografía Emilio Maria Costa Música Santi Pulvirenti Intérpretes Ludovica Martino, Marco Leonardi, Bianca Maria D’Amato, Francesco Biscione, Adele Biotta, Anna Maria De Luca, Francesco Aricó, Antonino Sgró Estreno en Italia 9 mayo 2024

Adaptación de la novela de Daniela Porto, realizada por ella misma y su pareja sentimental, en clave honesta y absolutamente académica. Cuenta la historia de una joven italiana marcada por los estragos de la Segunda Guerra Mundial, que lucha por salir adelante en contra de los designios de una sociedad rural profundamente machista, influida al extremo por la Iglesia, primitiva al fin y al cabo. Narra paralelamente la relación de amistad que entabla con el homosexual oficial del pueblo, dos seres marginados por una época y una moral cruel y excluyente, lo que les exige un mayor esfuerzo y capacidad de decisión para salir del entorno y las limitaciones impuestas.

Con una rica galería de personajes y el protagonismo de una precisa Ludovica Martino y un nostálgico Marco Leonardi (Cinema Paradiso, Como agua para chocolate), la cinta deambula por lugares quizás trillados pero hábilmente combinados, a través de un ritmo narrativo preciso y ajustado y una serie de episodios que enriquecen la trama, a pesar de sus hechuras un tanto televisivas y poco o nada arriesgadas, algo que por otro lado un producto de este género no necesita.

No cabe duda de que está hecha con cariño y las ideas muy claras, algo muy de agradecer. Consigue de esta manera traspasar la pantalla y conquistar nuestro corazón, aunque en el fondo no se trate más que de un producto aseado, bien intencionado y con los siempre bienvenidos buenos sentimientos que exige la propuesta.

SEFF 2025. MOTHER Un carácter duro

Macedonia-Suecia-Bélgica-Dinamarca 2025 104 min.
Dirección Teona Strugar Mitevska Guion Goce Smilevski, Teona Strugar Mitevska y Elma Tataragic Fotografía Virginie Saint-Martin Música Magali Gruselle y Flemming Nordkrog Intérpretes Noomi Rapace, Sylvia Hoeks, Nikola Ristamovski, Iskin Corapci, Marijke Pinoy, Labina Mitevska Estreno en el Festival de Venecia 27 agosto 2025

En su cine, la macedonia Teona Strugar Mitevska parece querer analizar la particular relación de la mujer con la Iglesia Católica, para poner en entredicho las limitaciones y la posición que ésta le reserva. Lo hizo en Dios es mujer y se llama Petrunya, galardonada en Sevilla con el premio a la mejor actriz para Zorica Nusheva, y vuelve a hacerlo en esta película que no supone una biografía de la multirreconocida Madre Teresa de Calcuta, sino más bien un retrato de su miseria moral, y hasta cierto punto crueldad, desde un punto de vista estrictamente feminista, en los siete días que precedieron a su marcha del convento irlandés de Loreto, en pleno Calcuta, para fundar su propia orden volcada en la pobreza más absoluta y la ayuda extrema al más necesitado.

En estos días se le presenta un dilema moral que no es capaz de solventar desde un prisma más sensible y humanitario, sino desde los postulados y dogmas eclesiásticos, chocando incluso con las profundas reflexiones de un sacerdote al que, sin embargo, admira profundamente desde el punto de vista humanitario.

Todo esto lo propone Mitevska con una puesta en escena pretendidamente rompedora, introduciendo la función a ritmo de música heavy y haciendo uso de una gráfica austera y gigantesca. Noomi Rapace, que toma el relevo de Geraldine Chaplin y Olivia Hussey, que interpretaron a la protagonista en cine y televisión respectivamente, en producciones mucho más clásicas y académicas, ofrece un trabajo sólido y hasta cierto punto extenuante, mientras el conjunto se observa con menos interés del que demanda su inquieta responsable.

EL MITO DE DON JUAN DESDE LA INGENUIDAD

Festival de Ópera de Sevilla. Música de Helena Cánovas. Libreto de Alberto Iglesias. Jhoanna Sierralta, dirección musical. Bárbara Lluch, dirección escénica. Blanca Añón, escenografía. Clara Peluffo, vestuario. Urs Schönebaum, iluminación. Sixto Cámara, sonido. Con Sachika Ito, Josep-Ramón Olivé e Iván Sánchez Águila. Royal String Quartet. Proyecto Lorca. Coproducción del Teatro de la Maestranza, el Festival de Peralada, Gran Teatro del Liceu, Teatro Real y Teatros del Canal, en colaboración con el Festival de Ópera de Sevilla (Ayuntamiento de Sevilla). Foro Magallanes de la Real Fábrica de Artillería, martes 7 de octubre de 2025

La figura de Carmen Díaz de Mendoza Aguado, Condesa de San Luis, debe haber fascinado por igual a los compositores Alberto Iglesias y Helena Cánovas. Insospechadamente, el autor de bandas sonoras tan estimulantes como Hable con ella, Lucía y el sexo o El jardinero fiel, se encarga en esta ocasión del libreto, mientras la muy joven compositora catalana Helena Cánovas Parés pone música a un drama inspirado en un ensayo que la condesa llegó a estrenar durante la Dictadura de Primo de Rivera, de la que era muy afín, sobre el mito de Don Juan en clave feminista.

Estructurada en tres partes, en la primera la condesa asiste en compañía de dos amigos a una representación de Don Giovanni en París. Una ocasión que le hace reflexionar sobre cómo la mujer ha estado siempre supeditada al hombre, sus caprichos e instintos de seducción. En un segundo capítulo, años después, intenta llevar sus reflexiones al arte, descubriendo cómo a lo largo de la historia la mujer ha sido desplazada de la cultura y relegada a funciones domésticas, de lo que apenas se salvan algunas privilegiadas de rango noble. Finalmente, en la actualidad, alguien decide terminar el trabajo de Díaz de Mendoza, estrenado pero perdido, en clave operística.

Lástima que tan prometedor proyecto termine convirtiéndose en recipiente de proclamas que se nos antojan más ingenuas de lo deseable, apoyadas en frases que no hacen sino subrayar lo evidente, forjando reflexiones tan frecuentadas y recurrentes que apenas aportan nada nuevo. Iglesias se esfuerza, Cánovas también, pero los resultados son bastante pobres. Decididamente preferimos al Iglesias compositor, ganador de doce Goyas y cuatro veces nominado al Oscar, que al dramaturgo.

Tampoco la música de Cánovas suscita gran interés, cautiva de estilos y recursos más fruto del aprendizaje académico bien aprendido que de una genuina inspiración. Puede que el tiempo ayude y todos esos conocimientos acaben ofreciéndonos lo mejor de ella, a pesar de los reconocimientos obtenidos en su todavía corta trayectoria. De hecho, esta obra surge de la obtención del Premio Carmen Mateu para jóvenes artistas europeos, y logró que varias entidades teatrales se interesaran por ella.

Aunque hay hasta cuatro teatros y dos festivales implicados en su producción, Don Juan no existe no disimula su vocación humilde e intimista. La experimentada Bárbara Lluch propone, a través de la escueta escenografía de Blanca Añón, en la que sobresale un tobogán por el que se desliza la tinta derrochada por el talento prohibido de tantas y tantas mujeres, un continuo paseo por un espacio rectangular, en el que los personajes se abandonan a un continuo y fluido diálogo.

Con citas continuas al Don Giovanni mozartiano, la música de Cánovas se vale de un cuarteto de cuerdas, el muy experimentado en música contemporánea Royal String, y un conjunto de percusión y saxo, nuestro querido utrerano Manu Brazo, todos y todas excelentes, para dibujar líneas frecuentemente agresivas y agitadas, en un lenguaje típicamente atonal. El uso de la electrónica por parte de la propia compositora, echando a menudo mano de grabaciones que multiplican el efecto de las palabras, y la discreta amplificación de todos los agentes, provoca la estética moderadamente vanguardista que la pieza anhela.

Sachika Ito vuelve a demostrar lo cómoda que se siente en este tipo de repertorios, prestando su potente y perfectamente modulada voz a la condesa protagonista y la artista actual que repara en su valía, un doble papel que en el estreno en Peralada hace un año encaró Natalia Labourdette. Josep-Ramón Olivé, que también intervino en el estreno del Real hace unos meses, encarna a la pareja de la protagonista, y se desdobla en blanca estatua de Don Juan, muy en estilo Comendador.

El barítono se esfuerza en convencer a la mujer de lo estéril de su propuesta, especialmente en un tercio final, quizás el más interesante, en el que despreciando la memoria histórica, le repite que hoy las cosas ya no son como ayer y no merece la pena revolver el pasado, lo que supondría reponer a cada una en su merecido sitio. El igualmente joven tenor Iván Sánchez representa al contrapunto machista, el hombre que pretende mostrarse condescendiente pero se siente orgulloso de su mal entendida superioridad.

Una lista de mujeres que lucharon por su visibilidad cultural y política, con un muy elocuente efecto eco, casi a capela, potenció ese carácter didáctico que tiene la obra, siempre desde esa óptica ingenua que caracterizó a la función. Ingredientes sin duda atractivos, bien sazonados, pero que en conjunto evidencian más intención que buenos resultados, sin llegar a incentivar con la fuerza que el contenido merece, y quedan finalmente en aguas pantanosas, en este caso entintadas.

Porque tampoco podía faltar que ella acabe ensuciada hasta lo inaguantable, y por supuesto arrastrada por el fango negro, aunque la disposición de filas y gradas poco ayudase a participar de esas licencias dramáticas. Agradecemos que las pantallas donde se emitían los subtítulos estuviesen en alto, aunque en este caso poca falta hacía, dada la perfecta dicción de los intérpretes, especialmente de Sachika Ito.

Fotos: Agustín Pacheco (Archivo fotográfico del Festival de Ópera de Sevilla)
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

MISS CARBÓN Mujer y minera, doble triunfo

España-Argentina 2025 93 min.
Dirección Agustina Macri Guion Erika Halvorsen Fotografía Luciano Badaracco Música Maite Arroitajauregi Intérpretes Lux Pascal, Paco León, Laura Grandinetti, Romina Escobar, Federico Marzullo, Simone Mercado, Gabriela Pastor Estreno en salas 12 junio 2025

La hermana transexual de Pedro Pascal da vida a una heroína de nuestro tiempo, la primera mujer que pudo trabajar en la mina en una región de Argentina especializada en esta industria. La suya fue una conquista paulatina, primero como hombre travestido, después operado y, finalmente, mujer gracias a la aprobación de una legislación acorde a una mayor sensibilidad, igualdad y reconocimiento de derechos al más amplio abanico de seres humanos posible. Un doble triunfo, el reconocimiento de su capacidad para trabajar en la mina y el de su condición de mujer.

La realizadora argentina Agustina Macri alcanzó cierto reconocimiento hace siete años por su película Soledad, donde reivindicaba la figura de otra mujer singular, la activista anarquista María Soledad Rosas, que acabó suicidándose en una cárcel italiana cuando fue acusada al parecer injustamente de sabotear las obras de un tren de alta velocidad. Regresa ahora al formato del largometraje para contarnos esta historia de resistencia y perseverancia en un entorno hostil, donde sin embargo son las mujeres quienes ofrecen más batalla a la transexualidad, como de hecho ocurre en ciertos núcleos feministas esgrimiendo argumentos que rozan lo ridículo. Menos acosada de lo que podría parecer por sus compañeros de trabajo, y muy acogida por quienes como ella reivindican otro género y vivirlo en libertad, el recorrido de Carla pasa por experimentar también el amor, siempre desde la clandestinidad y con más prejuicios de lo esperable.

Con todo, en su recorrido la cinta exhibe cierta sensibilidad y delicadeza a la hora de exponer personajes y situaciones, sin cargar jamás las tintas y ofreciendo un mural de reacciones y reflexiones variopinto y aceptable. Lux Pascal logra con una interpretación matizada generar la calidez y la complicidad necesarias para dejarse llevar por el particular testimonio de su personaje, mientras Paco León demuestra una vez más manejarse tan bien en papeles serios y drmáticos como lo ha hecho siempre en los cómicos.

LA MUJER MASOQUISTA A SOLAS CON MARILYN

A solas con Marilyn. Ópera de cámara. David del Puerto, música, guitarra eléctrica y dirección musical. Alfonso Zurro, texto. Ricardo Campelo Parabavides, dirección escénica y videocreación. Rhina, vestuario. Luiggi Falcone, iluminación. Ruth González, soprano. Blanca Valido, mezzosoprano. Ana María Alonso, viola. Coproducción de Teatro Xtremo y Ópera de Tenerife, con el apoyo del Festival de Ópera de Cámara de la Comunidad de Madrid, Ópera en Minúscula y Proyecto Verdi. Teatro de la Maestranza, miércoles 30 de abril de 2025

No podemos sino manifestar nuestra perplejidad, una vez más, ante un espectáculo perpetrado por quienes se sienten modernos y progresistas y no hacen sino errar conceptos echando mano, quizás inconscientemente, de viejos y devaluados clichés que no hacen sino perpetuar situaciones indeseables. Le ocurre a esta ópera de cámara, en cierto modo ambiciosa porque son muchas las entidades implicadas en su realización, cuenta con unos recursos técnicos holgados, el texto de un autor de la fama y el reconocimiento que acuña Alfonso Zurro, y la música detallista y combinada del Premio Nacional David del Puerto.

Llama la atención que en su puesta en escena sean tres las mujeres que la hacen realidad, dos voces y una viola, más la guitarra eléctrica de la que se hace cargo el propio compositor, pues se trata de una obra conceptual que pretende jugar más al psicoanálisis que a la dramaturgia, y para que quede claro ahí están esas manchas freudianas que de vez en cuando aparecen en la pantalla digital que sirve de telón escénico, en la que precisamente tres son los estereotipos de mujer que entran en juego, y ninguno positivo. Lo que demuestra que sin ser conscientes, seguimos anclados en muchos aspectos en ideologías vetustas, rancias y descoloridas, como cuando la mujer era sistemáticamente sacrificada por amor en tantos títulos operísticos decimonónicos. En dicha pantalla podemos seguir a través de la archiexperimentada técnica de la grabación en directo, los detalles de la puesta en escena. 

Una de las mujeres está atormentada y se siente profundamente desgraciada por el abandono de su marido. Despechada hasta el punto de recrear el mito de Medea, como si no supiéramos que tanto la brujería como la violencia vicaria ni muchísimo menos es patrimonio de la mujer, que incluso es el hombre quien más la ejerce y la ha ejercido. Otra se permite disfrutar del sexo de las formas más variadas, aunque ella las considera una y otra vez perversiones. Y la otra, una Marilyn Monroe que aparece en multitud de poses tanto en pantalla como en un libro que es radicalmente destrozado en escena, parece representar a esa otra mujer también desdichada, rol que ya parece imposible sustraerle a la pobre Norma Jean, pero a la vez femme fatale y roba maridos, más por su apariencia frívola que por su histórica conducta sentimental.

Como puede observarse, tres estereotipos machistas de la mujer en pleno siglo XXI. Pero qué se puede esperar cuando llevamos tantos días pendientes mediáticamente del fallecimiento de un Papa, por mucho que se pretenda fuera tan bueno y progresista. Estas tres mujeres, dos en escena, la otra como presencia testimonial, se mueven por un escenario vejatorio, una especie de cámara de tortura para que quede aún más clara su via crucis,  en el que exhiben su físico hasta límites pudorosos, y cantan o declaman embadurnadas en leche, agua, tinta y sangre falsa, tal es la pretensión estérilmente provocadora de su director de escena. Aunque a algunos lo único que nos provoca y repugna es que un hermoso libro de fotografías de Marilyn se destroce cada vez que se pone en escena le función.

A la soprano canaria Ruth González la hemos visto en Sevilla en papeles secundarios en La tabernera del puerto de Sorozábal, Alcina de Haendel y Jenufa de Janácek. Mantiene el tipo valientemente durante toda la función, a pesar de las circunstancias y de portar en la primera mitad una espantosa peluca lejos del tinte natural que exhibe en estas fotografías de archivo. Pero denota un timbre discretamente impostado, que en algunos pasajes, cantados de forma sobria y homogénea, nos traslada a una estética lírica de carácter veladamente zarzuelero. Con una voz rotunda y autoritaria, la mezzo también canaria Blanca Valido, que tanto nos gustó cuando participó junto a la Film Symphony Orchestra en el espectáculo Fénix de 2021, incorporó a una compañera de trabajo de la desdichada protagonista, cajera de supermercado, como voz de la conciencia y supuesta animadora sexual de la misma.

La música de David del Puerto fue quizás, sin grandes aspavientos, lo mejor de la propuesta, con esa combinación de técnicas tradicionales, complejas armonías y estéticas tonales y melódicas junto a sonoridades inquietantes pregrabadas y distorsiones de los dos únicos instrumentos en escena, logrando si no una partitura audaz y atrevida, sí al menos cierta creatividad en un trabajo ecléctico y puntualmente matizado. Lástima que estuviera al servicio de otro de esos textos mal enfocados de un autor demasiado mimado para la cantidad de veces que cae en visiones trasnochadas y rancias de realidades que seguramente pretende ilustrar de forma más acorde a nuestro tiempo, sin conseguirlo.

Estreno en salas de LA CHICA DE LA AGUJA

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 11 de noviembre de 2024

LEE MILLER La cámara de los horrores

Título original: Lee
Reino Unido-USA-Australia 2023 116 min.
Dirección Ellen Kuras Guion Liz Hannah, John Collee y Marion Hume, según el libro "Las vidas de Lee Miller" de Antony Penrose Fotografía Pawel Edelman Música Alexandre Desplat Intérpretes Kate Winslet, Josh O’Connor, Andrea Riseborough, Andy Samberg, Alexander Sjarsgard, Marion Cotillard, Noémie Merlant, James Murray, Samuel Barnett, Enrique Arce, Zita Hanrot Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2024; en Reino Unido 13 septiembre 2024; en España 7 marzo 2025

Convencional y aseada biografía de la fotógrafa y ex modelo Lee Miller, contada desde la perspectiva del hijo, a través de su trabajo y de una hipotética entrevista realizada en 1977 en su casa, el mismo año de su fallecimiento. Supone la ópera prima como realizadora de Ellen Kuras, desde hace décadas curtida en el cine como directora de fotografía a las órdenes de directores de la talla de Martin Scorsese, Spike Lee, Jonathan Demme o Michel Gondry, y ocasional documentalista. El oficio lo ha digerido bien y como resultado ofrece una película bien construida, narrativamente sencilla y correctamente estructurada, pero nada atrevida, como merecía su aguerrida protagonista.

Tras un breve prólogo que presenta al personaje como mujer fuerte y decidida pero atrapada en un entorno de frivolidad en el que no parece sentirse muy a gusto, el desencadenamiento de la Segunda Guerra Mundial hace aflorar en ella la necesidad de aportar su mirada del conflicto, ofrecer sus ojos para que el mundo vea la barbarie y sinrazón de la guerra. Pero no es hasta que se introduce en el dolor y la crueldad de los campos de concentración, una vez terminada la guerra en Europa, y especialmente cuando lo hace en el apartamento privado de Hitler y Eva Braun, que la cinta adopta un interés especial y un carácter propio y relevante.

Mientras, las cuotas de feminismo y los episodios seudorrománticos se nos antojan endebles, y ni siquiera el empeño de Winslet parece potenciar el interés general de una cinta correctamente ambientada y con el aliciente de contar entre sus intérpretes, en un papel muy secundario, con Marion Cotillard, y entre sus personajes al carismático Cecil Beaton, la otra cara de Vogue en el mundo de la fotografía, la del glamour. Como siempre, la música de Desplat cumple holgadamente su cometido y añade su elegante e inquietante impronta al acabado final.

LA SEMILLA DE LA HIGUERA SAGRADA Libertad encerrada

Título original: Dane-ye anjir-e ma’abed
Alemania-Irán-Francia 2024 168 min.
Guion y dirección Mohammad Rasoulof Fotografía Pouyan Aghababayi Música Karzan Mahmood Intérpretes Mahsa Rostami, Setareh Maleki, Niousha Akhshi, Missagh Zareh, Sohelia Golestani, Reza Akhlaghirad, Shiva Ordooie Estreno en el Festival de Cannes 24 mayo 2024; en Alemania 26 diciembre 2024; en España 17 enero 2025

Tras una decena de títulos rodados en su país, el director iraní Mohammad Rasoulof saltó a la fama internacional con La vida de los demás, un alegato contra la pena de muerte que le situó en la estela de Asghar Farhadi. Tras escribir el guion de otra película iraní pero bajo bandera alemana, vuelve a contar con producción europea para su última y muy admirada película. Las formas nerviosas y agitadas de Farhadi se difuminan en el cine de Rasoulof para concentrarse en los ritmos pausados que exige su particular narrativa, lo que le lleva a contar en tres horas lo que fácilmente podría haberse reducido en un tercio. La muerte en manos de la Policía de la Moral de Teherán en septiembre de 2022 de la joven Mahsa Amini por no llevar el hiyab bien colocado, provocó una oleada de protestas en todo el país, especialmente entre los y las más jóvenes, que se convirtió en auténtica riada de sangre y que aún hoy no ha logrado los objetivos marcados.

En este contexto, Rasoulof nos cuenta la malsana atmósfera que esta situación genera en una familia que se debate entre el cumplimiento del deber por parte del padre y las revolucionarias ideas de sus hijas, mientras la madre se erige en moderadora de una situación cada vez más insostenible. Así, lo que en una dilatada primera parte se trabaja como thriller psicológico con tensión progresiva, deriva en una segunda algo más breve en la que asoma la acción al más puro estilo de género de terror, lo que provoca cierto desequilibrio en el conjunto. No obstante, cabe admirar la dificultad de llevar a buen puerto un trabajo realizado sin duda en la clandestinidad, marcado por las buenas interpretaciones de las protagonistas, fundamentalmente femeninas. Pero sobre todo cabe destacar su lucidez a la hora de plantear la gravísima situación que sufren las mujeres en países del entorno islámico, sufriendo una doble vida, la que las permite sentirse más libres paradójicamente entre los muros del hogar que fuera al aire libre, donde conducir o asistir a la Universidad no exime de someterse a la voluntad de los hombres.

En el apartado de las curiosidades, nos preguntamos qué significado tienen las figuras de cartón que recorren los pasillos de los juzgados, ellos en actitud de oración y ellas de sumisión. El tema y su tratamiento le han valido varios premios en Cannes, incluidos el Especial del Jurado y el de la Crítica Internacional, el del público a la mejor película europea en San Sebastián y optar al Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, de momento.

LA LUZ QUE IMAGINAMOS Vidas soñadas de mujer

Título original: All We Imagine as Light
India-Francia-Países Bajos-Luxemburgo-Suiza-USA 2024 118 min.
Guion y dirección Payal Kapadia Fotografía Ranabir Das Música Dhritiman Das y Topshe Intérpretes Kani Kusruti, Divya Prabha, Chhaya Kadam, Hridhu Haroon, Azees Nedumangad, Anand Sami Babel Estreno en el Festival de Cannes 23 mayo 2024; en Francia 2 octubre 2024; en India 22 noviembre 2024; en España 1 enero 2025

Ya en su anterior y primer largometraje, el documental Una noche sin saber nada, la joven directora india Payal Kapadia analizaba el papel de la nueva mujer india, estudiante y enamorada, en una sociedad tan anclada en el pasado como la de su país. Gracias al apoyo de la industria francesa, sin la cual parece que muchas de estas cinematografías marginales no tendrían salida más allá de sus propias industrias anquilosadas y centradas en el puro entretenimiento sin atisbo de crítica política o social, surgen pequeñas joyas como ésta. Kapadia fija su atención en dos mujeres de ciudad, enfermeras que comparten piso y viven su amor y su sensualidad de forma muy diferente. La mayor, abnegada al rol que le ha tocado vivir, casada por arreglo parental, con un esposo al que apenas conoce y que vive su vida en el extranjero. Más rebelde, dispuesta a dar forma a su amor incondicional por un musulmán, la más joven. Ambas representan a un sector de la humanidad invisible y perdido en la vorágine de la ciudad, que sueña con una vida mejor, más afín a sus sentimientos y anhelos, mientras imaginan en la luz que irradia, por ejemplo, de la pantalla de un cine, una vida más acorde a sus aspiraciones.

Una luz que apenas fluye en la vorágine de un Mumbai colapsado, atravesado por largas líneas de metro e inundada de puestos callejeros e historias anónimas. Todo lo cual se traduce en luz cuando, motivadas por la mudanza de una tercera mujer que representa la especulación inmobiliaria y la inmigración interior, poniendo énfasis en la modernidad capitalista frente al conservadurismo antropológico, las dos protagonistas viajan a una localidad costera. Allí todo es luz, los ritmos y las formas se relajan, y emerge la poesía incipiente en la ciudad, de la que se hace eco un sensible médico que corteja a la mayor de nuestras heroínas. Ahora se hace más patente, mientras un toque de realismo mágico acaba por encender la llama de una vida quizás posible si despejamos los obstáculos de la ecuación y dejamos de considerar los sueños como una utopía.

Kapadia, con ayuda de las expresivas interpretaciones de sus protagonistas, y la estimulante música que acompaña unas imágenes que nos retrotraen a la mejor tradición exótica y sensual del país asiático y sus cuentos tradicionales, maneja con maestría todos sus recursos y nos regala una experiencia sensorial única, justamente reconocida con el Gran Premio del Festival de Cannes y dos nominaciones a los Globos de Oro, a la mejor película de habla no inglesa y a la mejor dirección.

EL LUGAR DE LA OTRA Oportunidad liberatoria

Chile 2024 95 min.
Dirección Maite Alberdi Guion Inés Bortagaray, Paloma Salas y Maite Alberdi, según la novela “Las homicidas” de Alia Trabucco Zerán Fotografía Sergio Armstrong Música José Miguel Miranda y Miguel Tobar Intérpretes Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa, Gabriel Cañas Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2024; en Chile 30 septiembre 2024; en España (Netflix) 11 octubre 2024

El cruce entre los talentos de Maite Alberdi como directora y Pablo Larraín como productor deviene en esta interesante y original película que parte de un renombrado crimen ocurrido en el Chile de 1955 para trazar el retrato de una mujer como tantas otras oprimida por un sistema que sólo le reconoce como compañera y asistenta del hombre. La afamada directora de los documentales El agente topo y La memoria infinita, se pasa a la ficción definitiva (esos trabajos ya tenían algo de estructura y estilo de ficción) para narrarnos la historia de dos mujeres unidas por un crimen. La escritora María Carolina Geel, asesinó en el lujoso Hotel Crillón de la capital chilena a su amante, sin que nunca trascendieran los motivos y sin que se aclarase si se encontraba en plenitud de sus facultades mentales o no. Todo hace pensar que fue un crimen premeditado, quizás una rebelión contra el sistema, contra la consideración de sombra de los hombres que se tenía de las mujeres.

Lo cierto es que este hecho consumado da pie en la novela Las homicidas en la que se basa la película, para forjar el retrato de otra mujer, la secretaria del juez encargado del caso, que encuentra en el piso de la encausada el espacio en el que reafirmar su libertad y su independencia. Lástima que en su afán de centrarse en este análisis o tesis argumental, la película pronto se revele reiterativa y de insuficiente relevancia, a pesar de contar con las magníficas interpretaciones de Zulueta y Tagle, y de un diseño de producción muy determinado y determinista, colorido y luminoso en la mejor tradición del telefilm o teleserie de época.

Sin duda la reciente obtención del Premio Forqué a la mejor película latinoamericana impulsará algo más su discreto recorrido comercial, pero no cabe duda que haberse centrado también en la figura de la intrigante escritora, que escribió en reclusión Cárcel de mujeres y logró el indulto gracias a la intermediación de su amiga Gabriela Mistral, habría enriquecido su algo raquítica propuesta.

SEFF 21 (2024) LA CHICA DE LA AGUJA Terror feminista

Título original: Pigen med nalen
Dinamarca-Polonia-Suecia 2024 115 min.
Dirección Magnus von Horn Guion Line Langebek Knudsen y Magnus von Horn Fotografía Frederikke Hoffmeier Música Michal Dymek Intérpretes Victoria Carmen Stonne, Trine Dryholm, Besir Zeciri, Ava Knox Martin, Joachim Fjelstrup, Tessa Hoder, Ari Alexander Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2024; en Dinamarca 25 enero 2025

Hace cuatro ediciones, el joven director sueco Magnus von Horn presentó en el Festival de Cine Europeo de Sevilla Sweat, una crónica en clave de thriller sobre las experiencias de una influencer menos satisfecha con su vida de lo que pudiera parecer. Ahora vuelve con su trabajo más estilizado hasta el momento, en un muy estético blanco y negro y con una minuciosa reconstrucción de la época, justo después de terminar la Primera Guerra Mundial. La truculencia se hace patente en esta película de líneas clásicas y narrativa académica en la que asistimos a la desgracia progresiva de una mujer trabajadora, muy efectiva Victoria Carmen Stonne, lastrada por las consecuencias de la guerra, la ilusión perdida, la conciencia de clase y la presencia del más atroz de los crímenes. En este camino le acompaña una extraña mujer madura, siempre excelente Trine Dryholm, con tendencias solidarias y afectivas de dudosa procedencia e inclinación, que desatará una vorágine cercana al terror, dentro de un ambiente que puede recordar, y mucho, al universo creado por Mel Brooks y David Lynch para aquel lejano El hombre elefante. El desagradabilísimo resultado aún podría haberlo sido mayor de no haber optado por la solución del blanco y negro, que en cierto modo palia el horror nauseabundo que rodea toda la miseria que encierra este cuento gótico sobre el sufrimiento innato de la mujer, ya sea por su condición gestante o, sobre todo, por la sociedad que siempre la ha fustigado y castigado.

EL LLANTO Un debut sorprendente y escalofriante

España-Argentina-Francia 2024 107 min.
Dirección Pedro Martín-Calero Guion Isabel Peña y Pedro Martín-Calero Fotografía Constanza Sandoval Música Olivier Arson Intérpretes Ester Expósito, Mathilde Olivier, Malena Villa, Álex Monner, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Lautaro Bettoni, Blanca Valletbó, Pierre Marquille Estreno en el Festival de San Sebastián 26 septiembre 2024; en salas 25 octubre 2024

No puede resultar más satisfactorio el debut en la dirección de largometrajes del joven publicista y videoclipero Pedro Martín-Calero, Concha de Plata a la mejor dirección en San Sebastián incluida, más sorprendente aún teniendo en cuenta que se inscribe fundamentalmente en el género de terror, habitualmente despreciado en la mayoría de los certámenes cinematográficos. Tres chicas en distintas épocas y a la larga distancia sufren la visión y el acecho de un ser fantasmagórico al que la herencia genética y el propio desarrollo de la sociedad irán dando forma. Resulta difícil hacer un análisis medianamente somero de la película sin evitar que cada uno y una le dé la interpretación que estime conveniente, toda vez que se trata de un film que plantea más preguntas que respuestas y somete al espectador y espectadora a cuestionar la sociedad en la que vive, los vestigios que urge dejar atrás y quizás el origen de muchos males y pesares sufridos especialmente por las mujeres.

En este contexto, Martín-Calero nos invita a recorrer un fascinante y escalofriante viaje a lo desconocido, adentrarnos en la mente psicópata y carroñera del hombre y dejarnos seducir por una serie de sensaciones y emociones que nos enganchan de principio a fin. Un recorrido en el que según qué épocas, la imagen grabada tiene un gran papel, como si nada existiera si no queda grabado y atrapado en la lente de un móvil o de una cámara digital. Es a la vez la prueba de que nada es inventado, la amenaza y el peligro es real y el sufrimiento tiene base y fundamento, tiene que ser asumido, comprendido y compartido entre semejantes.

En este camino hay casas encantadas, monstruos, presencias aterradoras y una singular capacidad de análisis de los actuales roles de género que hacen de la función una experiencia sobrecogedora. La presencia en el equipo artístico de Isabel Peña al guion, autora de As bestas y El reino, y Olivier Arson a la música, tan enigmática y estremecedora como el conjunto al que sirve, entroncan este trabajo con el universo de Sorogoyen, pero nada más coincide en esta película que además ofrece un trabajo muy meticuloso con la imagen y especialmente el sonido. Mención aparte merecen sus tres jóvenes protagonistas; en ellas se apoya gran parte de la efectividad de este soberbio y escalofriante film.

STRANGE DARLING Una tendenciosa deconstrucción

USA 2023 96 min.
Guion y dirección J. T. Moller Fotografía Giovanni Ribisi Música Craig Deleon y Z Berg Intérpretes Willa Fitzgerald, Kyle Gallner, Madisen Beaty, Steven Michael Quezada, Barbara Hershey, Ed Begely jr., Bianca Santos, Sheri Foster y las voces en versión original de Giovanni Ribisi y Jason Patric Estreno en Estados Unidos 23 agosto 2024; en españa 11 octubre 2024

El actor Giovanni Ribisi parece estar detrás del interés por llevar a la pantalla esta recreación de los últimos crímenes de un asesino en serie, encargándose de la producción, la fotografía y la voz en off del verdadero asesino en cuyas andanzas parece estar inspirada esta película que subvierte roles de manera tan presuntamente ingeniosa como maniquea. Su director, J.T. Moller, apenas tiene un film en su haber, un western titulado Ángeles y forajidos, mientras aquí demuestra cierta pericia para deconstruir la narración a través del mismo procedimiento que veíamos hace apenas unas semanas en la película española Puntos suspensivos, es decir, desordenando los capítulos en los que se divide la narración para generar así mayor desconcierto y sorpresa frente a los hechos relatados.

Sin embargo, y a pesar de unas buenas interpretaciones por parte de la pareja protagonista, una camaleónica Willa Fitzgerald y un aguerrido Kyle Gallner, además de la estimulante presencia de la veterana Barbara Hershey, la cinta se alarga en exceso con unos diálogos a menudo intranscendentes y unas situaciones estiradas que sólo contribuyen a generar impaciencia y algo de hastío. Se entiende que su particular y aparentemente caprichosa estructura sirve para acotar en términos feministas una situación habitualmente provocada por la violencia del hombre, una vez más reclamo principal y peligroso para la taquilla, por mucho que su carácter independiente y modesto no le permita esperar mucho rendimiento en ella.

Acaba por lo tanto sucumbiendo a sus defectos y dejando de cuajar a pesar de sus interesantes premisas. Quizás la sensación de engaño y manipulación a la que somos sometidos los y las espectadoras, precisamente debido a su particular estructura, potencie ese desencanto que en última instancia provoca una cinta que contaba con mejores expectativas. Destacamos las canciones compuestas y susurradas de Z Berg, vengan o no a cuento.

LA SUSTANCIA Fausto y Dorian Gray son la misma mujer

Título original: The Substance
Reino Unido-USA-Francia 2024 140 min.
Guion y dirección Coralie Fargeat Fotografía Benjamin Kracun Música Raffertie Intérpretes Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Oscar Lesage, Gore Abrams, Edward Hamilton-Clark, Tom Morton, Christian Erickson, Robin Greer, Hugo Diego Garcia Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2024; en Reino Unido y Estados Unidos 20 septiembre 2024; en España 11 de octubre 2024

Desde su estreno en el Festival de Cannes, donde se alzó con el premio al mejor guion, lo que demuestra lo mucho que los jurados dejan de desear, la nueva película de la presuntamente atrevida realizadora francesa Coralie Fargeat, ha generado mucha expectación, y así pudimos constatarlo en nuestra sesión. Saludada casi unánimemente como un ejercicio de estilo, tan atrevido en la forma como en el fondo, una supuesta proclama feminista, no deja de sorprendernos que para ello se hayan adaptado a la mujer mitos masculinos tan infames como Dorian Gray o Fausto, por citar sólo un par de ellos, literarios para más señas. Queda tanto camino por recorrer en la lucha por la igualdad y el respeto a los derechos de la mujer, que tomar como referentes tan nauseabundos personajes nos parece un disparate. Claro que de disparate, divertido eso sí, va toda la función, un gran guiñol con el que Fargeat redunda en su obsesión por la eterna juventud y la belleza inmarchitable, como ya hizo en su anterior película, creo que inédita entre nosotros, Reality+, donde un chip nos hacía más bellos y bellas durante apenas doce horas.

Ahora, retomando argumentos ya explotados en cintas a nuestro juicio más logradas, como Plan diabólico o La muerte os sienta tan bien, y con préstamos de trabajos como Titane o Carrie, la realizadora sumerge a una impagable Demi Moore, lo mejor de la película junto a los esmeradísimos efectos especiales y un maquillaje que podría ganar el próximo Oscar, en una pesadilla larga y contundente como consecuencia de la sempiterna y presunta obsesión de las mujeres por extender su belleza hasta el infinito, algo que la propia estrella exhibe con sus múiltiples retoques. Cierto es que se trata de denunciar cómo la belleza en la mujer sigue siendo condición indispensable para triunfar en ciertos ámbitos, especialmente artísticos, mientras el hombre no necesita de momento demostrar nada en ese sentido. Ya lo decía Dee Wallace en 10, la mujer perfecta: ¿por qué el hombre cuanto más maduro es, más atractivo resulta, mientras la mujer sólo es más vieja?. Sin embargo, somos de la opinión de que estos arquetipos hace tiempo que deberían haber sido superados, y mucho menos oportuno nos parece haberlos convertido en pretexto para una sucesión de secuencias a cual más atrevida y desagradable, aunque a algunos sólo nos provoca risa, y no precisamente nerviosa.

No podemos pasar por alto la frescura de Margaret Qualley, descubierta en Érase una vez en Hollywood y expuesta a parecidos excesos en Pobres criaturas, así como la carta blanca ofrecida a Dennis Quaid para que sobreactúe aún más de la cuenta. Desconocemos, por otra parte, el motivo por el que un horripilante monstruo se maquilla al ritmo de Vértigo de Bernard Herrmann, de la misma forma que nos irritan los múltiples convencionalismos de guion. Podemos aceptar una trama de fantasía, pero no detalles como que el vecino parezca salido de Aquí no hay quien viva, cuando se supone que habitan un edificio de altísimo standing en Los Angeles, que la estrella del paseo de la fama quede sepultada bajo ¡la nieve!, que una Demi Moore que no pisa la calle cocine todo tipo de viandas o que nadie se encargue de la limpieza de tan tremendo piso, una vez arranca el meollo de la trama, en aras a no encontrar el secreto que esconde el cuarto de baño.

CARMEN DE ISRAEL GALVÁN: ANÁLISIS DE UN MITO

Coincidiendo con el ciento cincuenta aniversario del estreno de Carmen de Bizet, el Maestranza abre y cierra su temporada con sendos espectáculos sobre este mito femenino y español visto desde fuera. El broche de oro lo pondrá Elina Garança dando vida a la cigarrera. Mientras tanto, ha sido el bailaor y coreógrafo Israel Galván quien ha tenido el honor de estrenar temporada, un día después de cerrar con el mismo espectáculo la Bienal de Flamenco. Ya a la entrada fuimos avisados de que esto era un montaje cien por cien Israel Galván, que llevaba su sello. Como nunca habíamos asistido antes a un espectáculo del bailaor, no sabíamos muy bien lo que nos querían decir. Lo nuestro era disfrutar con la selección que la Real Sinfónica de Sevilla, bajo la dirección una vez más de una mujer, y van cuatro seguidas, la finlandesa Maria Itkonen, tenía preparada de la ópera, y con las atribuladas voces de Nancy Fabiola Herrera, José Bros y Ángel Ódena, fieles y habituales colaboradora y colaboradores del Maestranza.

Efectivamente, nada más arrancar la famosa obertura, Galván hizo ya su aparición pertrechado con lo que parecían objetos de tienda de bromas y disfraces, con un baile algo arrítmico y disparatado, parecía que se mofase del clásico galo. Poco a poco fuimos entendiendo que todas sus aportaciones estaban perfectamente estudiadas como un ensayo sobre un mito que a la larga ha hecho más daño que favor a la mujer, tanto como se ha enarbolado la bandera de la libertad cada vez que se ha hablado del personaje.

Tan reveladores como el baile casi cómico de Galván fueron las coplas seleccionadas para alternarse con los números más icónicos de la partitura de Bizet. Una extraordinaria María Marín se hizo dueña del cuadro flamenco, cantando y tocando a la guitarra piezas tan señaladas como el pasodoble Carmen de España o la copla Falsa moneda, dejando clara la vocación mitómana del personaje, más cerca del cliché que de la realidad de la época, así como su carácter ninfómano, algo que más ha estigmatizado a la mujer que servido de seña genuina de libertad. Si encima a la magnífica cantante, cantaora y guitarrista le toca la difícil misión de cantar Baga Biga Higa, que aunque compuesta en 1969 por Mikel Laboa, su texto procede del acervo popular vasco a menudo identificado con el mundo de las hechiceras, como atestigua su uso en Las brujas de Zugarramurdi de Álex de la Iglesia, ya tenemos el conjunto de cualidades perfecto con el que la historia ha manchado y vilipendiado a las mujeres, asociado en este caso al mito de Carmen.

El montaje de Israel galván sigue respetuosamente la narración de Bizet, intercalando en su dialéctica algunos de los números más reconocibles de la ópera, que Nancy Fabiola Herrera no sólo cantó con extremo cuidado, una voz profunda y atractiva y una extraordinaria capacidad para proyectar y modular con exquisito gusto, sino que además se atrevió a acompañar al baile, por supuesto de forma discreta pero muy eficaz, a la estrella de la función, quien solo se permitó enfrentarse al flamenco clásico con indumentaria más seria y sobre tarima mientras Marín punteaba el evocador interludio del tercer acto. Mientras, muy bien de tono, con ese singular timbre que le caracteriza y considerable potencia, José Bros acompañó a Herrera como también lo hizo, con voz algo más tremolante  pero igualmente potente y bien proyectada, Ángel Ódena como Escamilla.

Los cuatro, flamenca y líricos, formaron un cuadro flamenco de lo más singular. Pero lo más impactante estaba por llegar, cuando después del crimen de Don José, un coro de hombres al más puro estilo nórdico (Mieskuoro Huutajat de Oulu), levantó su particular grito de guerra, con el amor posesivo y autoritario como reclamo, mientras Galván culminaba su particular ritual de cuernos y desamor sobre un escenario negro, parcialmente iluminado y eficazmante articulado para lograr que nos rindiésemos a su propuesta, al principio descabellada, después tan oportuna como atrevida, pero nunca como pudiera pensarse, provocativa. Sólo buena ópera, buen teatro y mucho talento.

Fotos: Luis Pascual