BLACK BOX: VUELO 298 Una mirada inquietante a las catástrofes aéreas

Título original: Black Box
USA 2026 85 min.
Fotografía y dirección Steven Quale Guion Stephen Susco Música Raffertie Intérpretes Tom Brittney, Holly Leena White, Molly Belle Wright, Boadicea Ricketts, Betsy English, Dana Whyte O’Hara, Kaja Chan, Asa Ali, Ceallach Spellman, Georgina Leonidas, Hanneke Talbot, Danny Mac, Weronika Rosati, Anton Trendafilov, Vaughn Johseph, Giorgi S. Georgiev Estreno en Estados Unidos (Internet) 7 julio 2026; en España 4 septiembre 2026

Este verano un avión cayó sobre un mar infestado de tiburones en Deep Water, y otro, éste, se ha enfrentado a una serie de fenómenos inexplicables. En ambas estaba la niña Molly Belle Wright, a ver si ha tenido algo que ver en tan luctuosos incidentes. Nueve años después de dirigir su última película, una producción francesa titulada Renegados y protagonizada por J.K. Simmons, Steven Quale, que antes había dirigido Destino final 5 y En el ojo de la tormenta, puro cine de evasión, ofrece esta entretenida e imaginativa mezcla de géneros, a la que conviene acercarse a ella libre de información y prejuicios.

Tanto la sinopsis oficial como algunas de las críticas que rondan por ahí, revientan algunos de los giros más originales e interesantes de una cinta que, sin ellos, pierde gran parte de su atractivo. Del guion se encarga Stephen Susco, que adaptó El grito y su secuela junto a su creador, Takashi Shimizu. Un reparto coral de rostros desconocidos, se encarga de aportar el habitual factor humano en este tipo de producciones, en una película cuya intriga consiste en averiguar qué está pasando en un vuelo comercial enfrentado a grandes misterios.

Hecha con aplomo e interés, unos efectos visuales apañados y la ayuda inestimable de un nutrido equipo búlgaro, ya que está rodada en Sofía, se trata de un film simpático que acuña todas las constantes del cine de catástrofes aéreas, añadiendo un halo de fantasía televisiva y un inquietante toque final, todo a partir de un cortometraje de 2012 dirigido por un tal Clark Baker, Vessel. Sencillamente, para ver sin más exigencia que pasar un rato entretenido, intrigante y moderadamente inquietante.

MOTHER MARY Duelo a muerte bajo el escenario

Reino Unido-USA 2026 98 min.
Guion y dirección David Lowery Fotografía Andrew Droz Palermo y Rina Yang Música Daniel Hart y las canciones de Charli XCX, FKA twigs y Jack Antonoff Intérpretes Anne Hathaway, Michaela Coel, Hunter Schafer, Sian Clifford, Atheena Frizzell, FKA twigs, Jessica Brown Findlay, Kaia Gerber, Alba Baptista Estreno en Reino Unido y Estados Unidos 24 abril 2026; en España 31 julio 2026

David Lowery es un director inclasificable. Ha cultivado el horror y la animación en cortometrajes, el drama infantil en St. Nick, el thriller romántico en En un lugar sin ley, se puso a las órdenes de Disney para regalarnos Pete y el dragón, una de las mejores nuevas adaptaciones de un clásico de la factoría, nos sorprendió fuertemente con su mirada al mundo de los fantasmas con sábana en toda regla en A Ghost Story, dirigió a Redford en uno de sus últimos trabajos, el interesante The Old Man and the Gun, se atrevió con la fantasía medieval en El caballero verde, y volvió a recrear clásicos de la literatura infantil con Peter Pan & Wendy. Tres años después de esta incursión en el cuento de Barrie, se enfrenta de la mano de la siempre inquietante A24 a un género considerablemente nuevo, que mezcla el musical con el terror espiritual, enfrentando a una súper diva pop con quien otrora fuera su diseñadora de vestuario y, todo parece reflejarlo así, su amante.

Con ésta, la físicamente excéntrica Michaela Coel vuelve a protagonizar un duelo interpretativo, como comentamos hace apenas un par de entradas a propósito del último film de Steven Soderbergh, The Christophers, entonces junto a Ian McKellen. Ahora le sirve de antagonista una imparable Anne Hathaway, que este año ha encadenado hasta cuatro títulos, El diablo viste de Prada 2, La Odisea, éste y la próxima a estrenarse El final de Oak Street, con posibilidades de que antes de que termine el año estrene una quinta, Verity. Ambas están estupendas en esta auténtica bajada al infierno, en el que los fantasmas presentes y pasados se convierten en bisagra de una relación malsana y maldita, mientras un exceso de verborrea podría haberse recortado en favor a una mayor duración de los muy trabajados números musicales, con Hathaway cantando y bailando personalmente las canciones escritas por la cantautora británica Charlotte Emma Aitchison, más conocida como Charli XCX, que también se encargó de las canciones que ilustraban anacrónicamente la última Cumbres borrascosas.

Resulta divertido que el álbum con las canciones se haya publicado bajo el título de Mother Mary Greatest Hits, mientras la partitura original corre a cargo de un inspirado Daniel Hart que ha sabido cogerle el tono a esta fantasía sinfónico gótica con una banda sonora adecuadamente grandilocuente. Una sensacional dirección artística y un magnífico vestuario, confeccionado en parte en nuestro país, incluyendo unas aureolas que harían palidecer las peinetas de Martirio, completan el espectáculo, en el que tampoco falta un discreto toque gore acompañando las experiencias paranormales de las protagonistas, una entregada a la humillación y la otra al rencor y la venganza.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN Magia infantil

Título original: Disclosure Day
USA 2026 145 min.
Dirección Steven Spielberg Guion David Koepp y Steven Spielberg Fotografía Janusz Kaminski Música John Williams Intérpretes Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, Elizabeth Marvel, Henry Lloyd-Hughes, Hettienne Park, Courtney Grace Estreno en Estados Unidos y España 12 junio 2026

Steven Spielberg se lo puede permitir, hacer una película a partir de un argumento delirante y un punto disparatado, y de paso recuperar el tipo de historias que le hicieron célebre a finales de los setenta y principios de los ochenta del siglo pasado. Para ello vuelve a colaborar con David Koepp, con quien además de otros títulos, renovó muy satisfactoriamente La guerra de los mundos, el drama radiofónico con el que Orson Welles saltó a la fama en la década de los treinta de ese mismo siglo. Consigue mantener a lo largo de un buen metraje de la película, la misma intriga con la que nos ha seducido durante meses gracias a una estrategia comercial extraordinaria, que acaba entroncando con situaciones que nos recuerdan mucho a uno de sus primeros y más fascinantes trabajos. Pero en su desarrollo reclama la confianza y complicidad de un público que asiste algo atónito a una propuesta que derrocha magia, a veces e forma algo inexplicable, y apuesta de nuevo por la ingenuidad que hemos perdido tras abandonar la infancia. Es por ello que saludamos esta nueva película de una filmografía apasionante, como el nuevo capricho de un director que se niega a madurar, que prefiere sentirse niño y hacernos disfrutar con otro cuento de alguna manera infantil, referencias explícitas incluidas, sin renunciar a cuestiones que nos preocupan como seres humanos, tantas veces temerosos y temerosas de nuestra propia extinción.

De esta forma, la creciente proliferación de guerras que acucia al planeta, aunque sospechosamente responsabilizando a mandatarios como Pionyang o Putin antes que mojarse con Trump o Netanyahu, se combina con el maltrato medioambiental y otros miedos recurrentes. En el fondo, el esfuerzo por mantener el secreto de relevantes informaciones, se convierte en principal tema de una película en la que los elegidos son permanentemente perseguidos por quienes salvaguardan los referidos secretos sin desclasificar, generando situaciones tan espectaculares y adrenalíticas como el choque ferroviario. No obstante, no se trata de una película que busque el efecto visual deslumbrante. De hecho, ya se guarda Janusz Kaminski, habitual director de fotografía de Spielberg, de dar al conjunto el aspecto más verosímil posible, sin grandes alardes tecnológicos que sitúen su acabado formal parejo al de las grandes superproducciones de súper héroes y similares. Cabe apreciar la capacidad inmarchitable de su director para entretener y sorprender, rodeándose de sus habituales colaboradores, entre quienes destaca la enésima colaboración con John Williams, que a sus noventa y cuatro años sólo se permite volver a componer si es para su gran amigo, y aunque no aporta una de sus bandas sonoras más inspiradas, demuestra una vez más por qué tantos nos hemos aficionado a la música de cine.

En el apartado interpretativo destacan especialmente ellas, Emily Blunt dándolo todo y Eve Hewson aprovechando lo que podría ser su oportunidad definitiva. Dogmas de fe, creencias religiosas y confianza en un universo generoso, completan la visión de un director que sigue haciendo nuestras delicias, aunque sea con trabajos aparentemente menores, a los que el paso del tiempo deberá juzgar para hacernos o no cambiar de opinión. Pero se trata, sobre todo, del trabajo de un cineasta que se niega dejar de ser niño y se atreve a delirar y disparatar, aunque sólo sea en apariencia, pues analizándolo bien, todo lo que parece fantástico podría hasta ser real.

BUENA SUERTE, PÁSALO BIEN, NO MUERAS Misión anti alienación

Título original: Good Luck, Have Fun, Don’t Die
USA-Alemania 2025 134 min.
Dirección Gore Verbinski Guion Matthew Robinson Fotografía Jim Whitaker Música Geoff Zanelli Intérpretes Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Juno Temple, Asim Chaudhry, Dino Fetscher, Tom Taylor, Riccardo Drayton, Artie Wilkinson-Hunt Estreno en Estados Unidos 13 febrero 2026; en España 10 abril 2026

Gore Verbinski se dio a conocer con Un ratoncito duro de roer, a la que siguieron The Mexican y The Ring (La señal), hasta su consagración definitiva con la trilogía de Piratas del Caribe. Ni Rango ni El llanero solitario tuvieron tanto éxito. Ahora, nueve años desde su última película, La cura del bienestar, presenta esta comedia distópica sobre la influencia de la inteligencia artificial en nuestro día a día, llevado a límites excesivos y grotescos. Su principal defecto es una duración desmesurada e innecesaria, sin embargo el conjunto entretiene gracias a su estructura a dos tiempos, uno dedicado a la misión con la que un personaje venido del futuro somete a una serie de clientes de un restaurante embebidos en el teléfono móvil. Por otro lado, asistimos a la peripecia individual de cada uno y una de las personas involucradas en la delicada misión, quizás lo más interesante de una película en la que la peligrosa misión recuerda en sus diversos episodios a las fases de un videojuego, a la vez inspirados en los procesos de supervivencia de películas de acción y catástrofes de épocas pretéritas.

Con estos alicientes, una muy esmerada puesta en escena y una galería variopinta de personajes a los que el elenco se presta con interés y responsabilidad, asistimos a todo un catálogo de esclavitudes digitales que ponen en evidencia cómo el sistema cada vez nos aliena más y nos convierte en esbirros de un nuevo orden social y político basado en los postulados más evidentes de un fascismo creciente.

Por supuesto, nada de esto se trata en profundidad con el fin de no herir sensibilidades ni provocar ira. Todo está enfocado al puro entretenimiento, incluido un final estrambótico y deliberadamente exagerado que resta ingenio al asunto, que por supuesto tampoco escapa de la violencia usual del cine estadounidense. Con todo, contiene atractivos suficientes como para resultar relativamente satisfactoria y divertida.

ATRAPANDO A UN MONSTRUO Otro horrendo cuento infantil

Título original: Dust Bunny
USA 2025 106 min.
Guion y dirección Bryan Fuller Fotografía Nicole Hirsch Whitaker Música Isabella Summers Intérpretes Mads Miklkelsen, Sophie Sloan, Sigourney Weaver, Sheila Atim, David Dastmalchian, Rebecca Henderson, Line Kruse, Caspar Phillipson Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2025; en Estados Unidos 12 diciembre 2025; en España 10 abril 2026

No vamos a negarle talento y creatividad a Bryan Fuller, creador de series icónicas como Short Treks o Discovery, ambas a partir del universo trekkie, o Hannibal, basada en el personaje de El silencio de los corderos. Pero no cabe duda de que este supuesto cuento infantil contemporáneo con el que debuta en el largometraje cinematográfico, constituye todo un despropósito en la línea de lo que nos tiene acostumbrados y acostumbradas el cine estadounidense de las últimas décadas. Así, a un imaginario fantástico y extremadamente creativo, se une la habitual violencia sin la que no parece avanzar prácticamente ninguna historia generada en el país norteamericano.

Una niña imagina un monstruoso conejo a partir de una pelusa - el conejito de polvo del título original -, pero son otros los peligros que le acechan a ella y a su desaparecida familia, por lo que el monstruo acabará convirtiéndose en su protector, con la ayuda inestimable de un misterioso vecino experto en artes marciales, que también resulta tener una violenta profesión y a quien da vida un algo despistado Mads Mikkelsen, auspiciado por una suerte de diabólica madame interpretada con cierto histrionismo por Sigourney Weaver. Por cierto, no falta el guiño a Alien.

Unos efectos visuales y una dirección artística sorprendentes, lo que convierte prácticamente al film en uno animado pero con incursiones humanas, no nos parecen motivo suficiente para celebrar una película en la que la violencia vuelve a tomar las riendas del asunto, esta vez además con niña protagonista, testigo de todo tipo de barbaridades, y pretendiendo en su conjunto erigirse en moderno cuento de hadas. Eso sí, el monstruo, gracias a un diseño acertadamente infantiloide, acaba resultando simpático, y la banda sonora de Isabella Summers, inspirada y magníficamente orquestada, quizás junto al diseño artístico, lo mejor de la cinta.

SINGULAR Dolor virtual

España-Finlandia 2025 100 min.
Dirección Alberto Gastesi Guion Álex Merino y Alberto Gastesi Fotografía Esteban Ramos Música Jon Agirrezabalaga y Ana Asuaga Intérpretes Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Irirarte, Íñigo Gastesi, Emilia Lazo Estreno en el Festival de Sitges 11 octubre 2025; en salas 28 noviembre 2025

Tras una serie de cortometrajes y video-clips para Malú y Pablo López, Alberto Gastesi debutó en el largo con La quietud de la tormenta, una cinta que como ésta jugaba a combinar y difuminar realidad y fantasía a través del romance entre dos personas que se conocen en la visita a un apartamento en venta, para descubrir que quizás comparten un pasado remoto juntos. Ahora, el director donostiarra nos lleva de la mano por los vericuetos de la inteligencia artificial contándonos una historia de dolor no superado, al que una catarsis emocional y un tránsito protagonizado por una obsesión robótica, irá mostrando el camino para la asunción y la consecución de la paz y el consuelo ansiados. Gastesi mantiene un ritmo pausado y una atmósfera inquietante, y aunque conforme avanza la trama nos puede ir pareciendo rara o marciana, nunca llega a excederse en estos términos, de forma que consigue tenernos en vilo, intrigados por el devenir de unos acontecimientos que, incluso cuando entran en bucle obligado, nunca dejan de generar interés por su incógnita deriva.

Para que la estrategia funcione, sus protagonistas aportan un gran y meticuloso trabajo, especialmente Patricia López Arnaiz, que en su gesto de casi permanente extrañeza, diametralmente opuesto a la introducción de su personaje, logra generar en nosotros y nosotras esa inquietud e intriga necesarias. Por otro lado, el personaje le sirve para salir del encasillamiento de madre y tía en dramas familiares al que nos ha acostumbrado. También Javier Rey está a la altura del proyecto, mientras la inquietante mirada del joven Miguel Irirarte logra generarnos incertidumbre sobre la naturaleza y realidad de la narración.

La recurrente casa en el bosque, tan habitual en películas del género, cobra aquí cierto significado. Una evocadora fotografía, que se deleita en paisajes boscosos y un grisaceo lago en un incierto clima, así como la rompedora y excitante banda sonora, incluyendo el acertado uso del clásico de Bob Geldof y The Boomtown Rats I Don't Like Mondays, consigue redondear un producto original e insólito, al que unos aseados efectos visuales ponen la guinda definitiva.

HOMBRE LOBO Inteligente actualización de un clásico

Título original: Wolf Man
USA 2025 103 min.
Dirección Leigh Whannell Guion Leigh Whannell, Corbett Tuck, Rebecca Angelo y Lauren Schuker Blum Fotografía Stefan Duscio Música Benjamin Wallfisch Intérpretes Christopher Abbott, Julia Garner, Matilda Firth, Sam Jaeger, Ben Pendergast, Benedict Hardie, Zac Chandler Estreno en Estados Unidos y España 17 enero 2025

Las misteriosas leyendas de los licántropos fueron objeto de adaptación cinematográfica desde muy temprano, pero tomó carta de naturaleza definitiva cuando Universal Pictures la convirtió en título de culto con la caracterización de Lon Chaney jr. en 1941. Desde entonces han sido muchísimas las ocasiones en las que el temible hombre lobo ha sido llevado al cine, con Hammer y el español Paul Naschy como eslabones irrenunciables, hasta que en 2010 Joe Johnston la convirtió en historia de terror gótico con la interpretación de Benicio del Toro. Leigh Whannell, creativo relacionado con las sagas Saw e Insidious, sorprendió hace unos años cuando recuperó directamente de la Universal al hombre invisible y lo relacionó inteligentemente con la lacra de la violencia machista. Esperábamos una operación similar en esta ocasión en que toma el relevo adaptando al hombre lobo, y de alguna manera ha cumplido nuestras expectativas, aunque de forma más sutil y soterrada que en el film anterior.

Un padre de familia, escritor en paro, hereda el mal carácter de su padre, mientras vuelca todo su cariño y atención en su hija, pequeña. A la vez su matrimonio se encuentra en crisis, siendo ella quien aporte la necesaria ayuda económica a la familia. Caldo de cultivo quizás cuando los tres se aventuren a viajar a la recóndita granja que él ha heredado de su desaparecido padre, y una vez allí los instintos más expeditivos afloren como consecuencia del ataque de un licántropo.

Con estas premisas e intenciones, Whannell construye un desasosegante ejercicio de terror en el que juega a plantear las constantes del género sometiéndolas a imaginativas sorpresas. Mezcla también con considerable acierto las cuestiones sentimentales de la trama con las más puramente terroríficas, sin abusar de efectismos superfluos ni recursos escabrosos, y contando para todo ello con un montaje eficaz, una oscura y tenebrista fotografía y una acertada banda sonora de Benjamin Wallfisch que se hace perfecto eco de esa conjugación entre sentimiento y terror.

LA SUSTANCIA Fausto y Dorian Gray son la misma mujer

Título original: The Substance
Reino Unido-USA-Francia 2024 140 min.
Guion y dirección Coralie Fargeat Fotografía Benjamin Kracun Música Raffertie Intérpretes Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Oscar Lesage, Gore Abrams, Edward Hamilton-Clark, Tom Morton, Christian Erickson, Robin Greer, Hugo Diego Garcia Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2024; en Reino Unido y Estados Unidos 20 septiembre 2024; en España 11 de octubre 2024

Desde su estreno en el Festival de Cannes, donde se alzó con el premio al mejor guion, lo que demuestra lo mucho que los jurados dejan de desear, la nueva película de la presuntamente atrevida realizadora francesa Coralie Fargeat, ha generado mucha expectación, y así pudimos constatarlo en nuestra sesión. Saludada casi unánimemente como un ejercicio de estilo, tan atrevido en la forma como en el fondo, una supuesta proclama feminista, no deja de sorprendernos que para ello se hayan adaptado a la mujer mitos masculinos tan infames como Dorian Gray o Fausto, por citar sólo un par de ellos, literarios para más señas. Queda tanto camino por recorrer en la lucha por la igualdad y el respeto a los derechos de la mujer, que tomar como referentes tan nauseabundos personajes nos parece un disparate. Claro que de disparate, divertido eso sí, va toda la función, un gran guiñol con el que Fargeat redunda en su obsesión por la eterna juventud y la belleza inmarchitable, como ya hizo en su anterior película, creo que inédita entre nosotros, Reality+, donde un chip nos hacía más bellos y bellas durante apenas doce horas.

Ahora, retomando argumentos ya explotados en cintas a nuestro juicio más logradas, como Plan diabólico o La muerte os sienta tan bien, y con préstamos de trabajos como Titane o Carrie, la realizadora sumerge a una impagable Demi Moore, lo mejor de la película junto a los esmeradísimos efectos especiales y un maquillaje que podría ganar el próximo Oscar, en una pesadilla larga y contundente como consecuencia de la sempiterna y presunta obsesión de las mujeres por extender su belleza hasta el infinito, algo que la propia estrella exhibe con sus múiltiples retoques. Cierto es que se trata de denunciar cómo la belleza en la mujer sigue siendo condición indispensable para triunfar en ciertos ámbitos, especialmente artísticos, mientras el hombre no necesita de momento demostrar nada en ese sentido. Ya lo decía Dee Wallace en 10, la mujer perfecta: ¿por qué el hombre cuanto más maduro es, más atractivo resulta, mientras la mujer sólo es más vieja?. Sin embargo, somos de la opinión de que estos arquetipos hace tiempo que deberían haber sido superados, y mucho menos oportuno nos parece haberlos convertido en pretexto para una sucesión de secuencias a cual más atrevida y desagradable, aunque a algunos sólo nos provoca risa, y no precisamente nerviosa.

No podemos pasar por alto la frescura de Margaret Qualley, descubierta en Érase una vez en Hollywood y expuesta a parecidos excesos en Pobres criaturas, así como la carta blanca ofrecida a Dennis Quaid para que sobreactúe aún más de la cuenta. Desconocemos, por otra parte, el motivo por el que un horripilante monstruo se maquilla al ritmo de Vértigo de Bernard Herrmann, de la misma forma que nos irritan los múltiples convencionalismos de guion. Podemos aceptar una trama de fantasía, pero no detalles como que el vecino parezca salido de Aquí no hay quien viva, cuando se supone que habitan un edificio de altísimo standing en Los Angeles, que la estrella del paseo de la fama quede sepultada bajo ¡la nieve!, que una Demi Moore que no pisa la calle cocine todo tipo de viandas o que nadie se encargue de la limpieza de tan tremendo piso, una vez arranca el meollo de la trama, en aras a no encontrar el secreto que esconde el cuarto de baño.

BITELCHÚS BITELCHÚS Recomendable pese a su oportunismo

Título original: Beetlejuice Beetlejuice
USA 2024 104 min.
Dirección Tim Burton Guion Alfred Gough, Seth Grahame-Smith y Miles Millar, según los personajes creados por Michael McDowell y Larry Wilson Fotografía Harris Zambarloukos Música Danny Elfman Intérpretes Michael Keaton, Jenna Ortega, Winona Ryder, Catherine O’Hara, Justin Theroux, Monica Bellucci, Willem Dafoe, Arthur Conti, Burn Gorman, Santiago Cabrera, Danny DeVito Estreno en el Festival de Venecia 28 agosto 2024; en Estados Unidos y España 5 septiembre 2024

Para su vigésimo largometraje de ficción, si exceptuamos Pesadilla antes de Navidad, cuyo crédito principal está en manos de Henry Selick, Tim Burton ha tirado del baúl de los recuerdos para presentarnos algo muy apreciado por la industria norteamericana cuando las ideas escasean y hay que hacer taquilla a toda costa, una secuela. No deja de ser una operación oportunista, pero si se hace bien y nos hace pasar un buen rato, podemos considerarla bienvenida. Es el caso de esta continuación, treinta y cinco después de la película que dio pistoletazo de salida a una carrera tan admirada como despreciada según qué sensibilidades y qué etapa artística del fantasioso director.

Burton ha cuidado cada detalle para que sea digna de su predecesora, algo anticuada y ahora rejuvenecida, y no chirríe tanto tiempo después ante las innovaciones técnicas que desde entonces se han sucedido en el arte cinematográfico. De esta forma encontramos buenos efectos visuales repartidos entre los indiscutiblemente digitales y los más artesanales, y una continuación a nivel narrativo convincente y adecuada, en la que el protagonismo de Winona Ryder lo retoma ahora su hija en la ficción, Jenna Ortega, mientras bajo el maquillaje Michael Keaton mantiene el mismo aspecto que lucía hace casi cuatro décadas. Para muchos, la película mejora el nivel al que Burton nos había acostumbrado en sus últimas películas, si bien nosotros no desdeñamos el alcanzado por Dumbo. Lo cierto es que Bitelchús Bitelchús contiene los suficientes gags visuales y sonoros, y un elenco superlativo en el que destacan Monica Belluci protagonizando una hilarante secuencia de reconstrucción virtual, y Willem Dafoe en un divertido registro autoparódico.

Hay incluso un par de números musicales (Soul Train y la versión original de Richard Harris de MacArthur Park, mientras la más popular de Donna Summer aparece tímidamente al principio como Day-O de Harry Belafonte lo hiciera en la cinta de 1988, y sirve para ilustrar ya completa los créditos finales, esos que en España la televisión arranca de cuajo, algo que hemos constatado no ocurre en otros países de nuestro entorno), que colaboran para considerar éste un entretenimiento sobresaliente y un espectáculo bien urdido y en términos generales bastante satisfactorio, habida cuenta lo que esperábamos de él.

CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO Una saga congelada

Título original: Ghostbusters: Frozen Empire
USA 2024 115 min.
Dirección Gil Kenan Guion Gil Kenan y Jason Reitman Fotografía Eric Steelberg Música Dario Marianelli Intérpretes Paul Rudd, Carrie Coon, Finn Wolfhard, Mckenna Grace, Kumali Nanjiani, Patton Oswalt, Celeste O’Connor, Logan Kim, James Acaster, Emily Alyn Lind, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Annie Potts, Bill Murray, William Atherton Estreno en Estados Unidos y España 22 marzo 2024

Dejando la entrega en clave femenina de 2016 aparte, la saga de los Cazafantasmas se reinició hace un par de años a instancias del hijo de Ivan Reitman, director ya fallecido de las dos primeras películas en los ochenta del pasado siglo. Si en Cazafantasmas: Más allá se homenajeaba a Harold Ramis y sus descendientes se erigían en protagonistas de la función, ahora en ésta que hace lo propio con el fallecido padre de Jason Reitman, la familia Spengler se traslada a Nueva York, escenario clásico de este serie entre la comedia, la fantasía y la ciencia-ficción.

Todo se reduce sin embargo a una sucesión de continuos homenajes en esta película que dirige Gil Kenan, guionista junto a Reitman de la anterior entrega, que ahora intercambia su papel con el director de las más interesantes Juno, Up in the Air y Hombres, mujeres y niños. Es como si la franquicia quisiera conectar con nuevos públicos sin traicionar el espíritu original, para lo que su aspecto visual sigue basándose en los entonces novedosos efectos visuales de Industrial, Light & Magic, mientras todo el elenco de las originales tiene su particular intervención estelar en esta película en la que la amenaza fantasmal llega en forma de glacial. Con una filmografía que evidencia su querencia nostálgica por el cine de los ochenta, y que incluye cintas como City of Ember, Monster House o el inútil remake de Poltergeist, Kenan hace guiños continuos a las dos míticas entregas ochenteras, con pequeños muñecos michelín comportándose como gremlins, y el moco verde haciendo de las suyas.

Hay sin embargo poca novedad, poca trama y más de un momento de letargo que provoca algo de aburrimiento en esta película en la que al menos se atisba cierto compromiso con el sexo fluido tan afín a las nuevas generaciones. Ya lo anunciábamos en la reseña de Más allá, que el personaje de Ernie Hudson prometía secuela. Ahora, entre los personajes recuperados encontramos a William Atherton, entonces Inspector de la Agencia de Protección Ambiental, convertido en Alcalde de Nueva York. El conjunto es a lo que nos tienen acostumbrados y acostumbradas estas secuelas y estiramientos de sagas, que no aporta nada, repite el mismo esquema y cuenta una y otra vez la misma historia, tan congelada como el paisaje que propone su apocalíptica ciudad de los rascacielos.

DUNE: PARTE DOS Mucho desierto y ningún espejismo

Título original: Dune: Part Two
USA-Canadá 2024 166 min.
Dirección Denis Villeneuve Guion Denis Villeneuve y Jon Spaihts, según la novela de Frank Herbert Fotografía Greig Fraser Música Hans Zimmer Intérpretes Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Javier Bardem, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgard, Charlotte Rampling, Souhelia Yacoub, Roger Yuan, Alison Halstead, Giusi Merli Estreno en Estados Unidos y España 1 marzo 2024

Todo lo que habíamos escrito sobre la primera parte de esta bendecida adaptación de la novela icónica de Frank Herbert, podemos reiterarlo ahora ante su segunda de varias partes ya anunciadas, como atestigua Anya Taylor-Joy en su breve aparición casi al final del largo y tedioso metraje de esta película. Sin embargo, algo ha cambiado, y mucho, en estos tres años que las separan, de forma que algunas de las cuestiones que entonces considerábamos anacrónicas, las guerras y las luchas de poder junto al avance del fascismo, han cobrado tal fuerza que parecen estar dando la razón a Herbert y esta saga sin fin que plantea el otras veces interesante Denis Villeneuve. Eso no redime al producto de su condición de película fría y sin emoción, cuya impecable puesta en escena no logra sorprendernos, faltaría más con el presupuesto que maneja, como tampoco lo hace su reparto multiestelar, al que no paran de adherirse nuevos nombres, como el Elvis Austin Butler, que releva al Sting de la fallida película de David Lynch, así como Florence Pugh o Léa Seydoux.

El conjunto no resulta tan aparatoso en su resolución formal, con tanta arena de por medio que hace añorar cintas mucho más sinceras como Lawrence de Arabia o la mismísima Guerra de las Galaxias que parece inspirarse en el universo de Herbert. Pero incluso como producto profético, la enrevesada y a la vez ingenua trama se nos antoja frecuentemente ridícula e incoherente, y la empresa aburrida y escurridiza en esos presuntos logros que tanto la crítica como el público parecen querer ensalzar de forma harto incondicional. Quizás el problema, sin existe, es que nos estamos haciendo mayores y tanta parafernalia seudo-religiosa, mesiánica y fascistoide nos provoque arcadas.

Lo peor es que no podemos ni siquiera consolarnos con esta máxima de Woody Allen que decía si la cosa funciona, porque nos encontramos ante otro de esos productos tan tóxicos e inapropiados que sólo provocan regresión con su carga de violencia y sistema de clases, por mucho que en algún momento creyésemos ver un espejismo en tanto desierto y el discurso pareciera ir a la contra de esos estamentos y realidades finalmente bendecidas.

EL REINO ANIMAL Interesante fábula animalista y ecológica

Título original: Le règne animal
Francia 2023 130 min.
Dirección Thomas Cailley Guion Thomas Cailley y Pauline Munier Fotografía David Cailley Música Andrea Laszlo de Simone Intérpretes Romain Duris, Paul Kircher, Adèle Exarchopoulos, Tom Mercier, Billie Blain, Xavier Aubert, Saadia Bentaïeb, Gabriel Caballero Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2023; en Francia 4 octubre 2023; en España 20 octubre 2023

Tras un efímero estreno en octubre pasado, y sin apenas posibilidad de verla en versión original, los cinco Césars obtenidos de doce nominaciones, lo que la convirtió en principal competidora de la imbatible Anatomía de una caída, nos ha impulsado a rescatar esta interesante película francesa. Alentados quizás por la reciente pandemia, el director Thomas Cailley, que no volvía a dirigir un largometraje desde hace diez años, cuando sorprendió con su ópera prima Les combattants, y su guionista Pauline Munier nos presentan una fábula ambientada en un mundo distópico y un futuro próximo, en el que la humanidad sufre una enfermedad que nos convierte en animales. La intención está clara desde un primer momento, concienciar sobre el respeto a la naturaleza que se debe imponer a toda costa con la idea de preservar el planeta y evitar la hecatombe que poco a poco se nos aproxima. Y nadie mejor para evitarlo que quienes más viven en consonancia, con respeto total y absoluto, con la naturaleza, ese reino animal al que alude el acertado título.

Una proclama por lo tanto a favor tanto de los animales como de la propia naturaleza, su pureza y su verdor, tan brillantemente fotografiada por el hermano del director, David Cailley. La idea sirve además para advertir sobre la progresiva deshumanización de los humanos, su crueldad y su sinrazón, todo ello servido con una estupenda puesta en escena en la que juegan un papel fundamental los excelentes y bien dosificados efectos visuales, premiados en Sitges, que mezclados con un imponente trabajo de maquillaje da como resultado una extraordinaria combinación de realismo y fantasía que sirve muy bien a sus postulados e intenciones. En todo este suculento entramado juega un papel fundamental el trabajo del joven Paul Kircher, que con apenas tres títulos a sus espaldas, compone un personaje intenso y multidimensional en el que resulta fácil distinguir su sufrimiento existencial y físico, mientras el veterano Romain Duris propone un padre preocupado y coherente con una interpretación igualmente sobresaliente.

Hay sin embargo un par de puntos flacos en la película. Por un lado un metraje demasiado largo sin necesidad, prolongando situaciones que estacan su desarrollo narrativo, así como una inexplicable falta de coherencia en las reacciones que el entorno tiene frente a los extraños comportamientos del joven protagonista. Por todo lo demás, merece recomendar esta película moderadamente entretenida, considerablemente poética y absolutamente necesaria en todo ese movimiento destinado a frenar nuestra falta de responsabilidad y esa estulticia absoluta que exhibimos frente a una apocalipsis sobradamente anunciado.

POBRES CRIATURAS Extravagancia seudofeminista

Título original: Poor Things
Irlanda-Reino Unido-USA 2023 141 min.
Dirección Yorgos Lanthimos Guion Tony McNamara, según la novela de Alasdair Gray Fotografía Robbie Ryan Música Jerskin Fendrix Intérpretes Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Kathryn Hunter, Margaret Qualley, Hanna Schygulla, Vicky Pepperdine Estreno en Estados Unidos 22 diciembre 2023; en Irlanda y Reino Unido 12 enero 2024; en España 26 enero 2024

Ha ocurrido otras veces, la fascinación de Hollywood por supuestos creadores subversivos y polémicos. Ahora le ha pasado a la habitualmente simpática Emma Stone, que ha debido encontrar en Lanthimos su particular vehículo de lucimiento artístico, y después de protagonizar La favorita y el cortometraje Bleat, no duda en protagonizar y producir esta particular adaptación de una novela del también artista escocés Alasdair Gray, y próximamente la veremos en Kind of Kindness de nuevo a las órdenes del realizador griego. Atrás quedaron las sorpresas no siempre agradables de Canino, Attenberg y Alps. Desde Langosta sucumbió a la fama y la frivolidad norteamericana, vía islas británicas, y se embarcó en proyectos más ambiciosos como la mencionada Favorita y El sacrificio de un ciervo sagrado, para nosotros la más fascinante e inquietante de cuantas ha dirigido, a pesar de ser la menos reconocida.

Con Poor Things aprovecha la combinación de denuncia, ciencia ficción, imaginación artística y realismo que profesa la literatura del autor desaparecido, y nos ofrece un pastiche para muchos poco digerible y para otros seguramente genial, sobre una joven Prometea (si cabe atribuir el término a una fémina) en proceso de redención desde su rol inicial como mujer ninguneada y apaleada, que revive gracias a una especie de Dr. Moreau, con la mentalidad de una niña para, partiendo de la inocencia, reinventar su existencia y erigirse en dueña de sí misma, en cuerpo (literalmente) y alma. Una idea nada mala como partida, aunque bastante básica tras tanta parafernalia estética, por otro lado siguiendo las pautas que hace tanto tiempo instaurara Terry Gilliam sin tanto éxito ni reconocimiento como este mimado director heleno. Entre piruetas y desmadres, y una interpretación realmente comprometida tanto física como intelectualmente de Emma Stone, la cinta a muchos se nos revela artificiosa y desagradable, frecuentemente pasada de rosca y con mensajes tan paupérrimos como sobradamente superados.

La liberación de la mujer a través de la satisfacción sexual y el control de su cuerpo, prostitución incluida, se nos antoja ya un argumento rancio, salvo que fuera tomado con más respeto y devoción, con mayor seriedad y convicción. Lo demás es puro artificio arty del que sólo nos cabe destacar la rendición de una industria tan mojigata como la norteamericana a un producto en el que abundan los desnudos y las escenas sexuales. Cabe destacar la desquiciada música del debutante Jerskin Fendrix, un joven músico de la esfera underground londinense que ha conseguido con su primera banda sonora aproximarse con éxito y mucho reconocimiento al universo caprichoso y extravagante de la película. Pero nada de lo que a nosotros tanto nos ha desagradado ha impedido que lograra el León de Oro en Venecia y once nominaciones tanto a los Oscar como a los Bafta, además de dos Globos de Oro. Quizás nos estemos haciendo mayores y echemos en falta una gramática más sincera, sencilla y convenientemente convencional para atajar cuestiones tan serias y decisivas.

SECADEROS Un paisaje idílico sin porvenir

España 2022 98 min.
Guion y dirección Rocío Mesa Fotografía Alana Mejía González Música Paloma Peñarrubia Intérpretes Vera Centenera Carnero, Ada Mar Lupiañez Huertas, Tamara Arias, Cristina Eugenia Segura Molina, José Sáez Conejero Estreno en el Festival de San Sebastián 18 septiembre 2022; en salas 2 junio 2023

Mucho se he demorado en estrenarse este debut en el largometraje de la joven granadina Rocío Mesa, desde su primer pase en el Festival de San Sebastián, donde recibió el Premio Dunia Ayaso dedicado a películas con una inconfundible mirada femenina, y tras recorrer festivales como los de Sevilla y Gijón y algunos otros de calado internacional. Pocos reconocimientos ha recibido sin embargo para tratarse de una cinta tan compleja e inteligente, que invita a tantas interpretaciones como sensibilidades se acerquen a contemplarla, y que en definitiva constituye un ejercicio de técnica narrativa y visual cinematográfica de esos que impulsan la producción y motivan la creatividad. Con apenas una actriz profesional, Mesa, y el resto haciendo gala de naturalidad y entrañables acentos, analiza el papel en la sociedad moderna de esa España rural y vaciada de la que tanto eco parecen hacerse los medios de comunicación pero a cuyos problemas tan pocas soluciones se ofrecen. Y lo hace desde la mirada inocente de la infancia, de una niña capaz todavía de dejarse seducir por la magia y la fantasía.

Circunscrita en ese mini género de veranos idílicos infantiles en el medio rural que tanto parece haber seducido a las nuevas cineastas españolas, Mesa echa mano también de una feliz infancia en otro ejercicio de seudo-autobiografía, y coloca a esta niña en el centro de una narración doble, la de dos familias que ni se cruzan ni convergen pero con el denominador común de vivir de la tierra, en concreto de sus secaderos de tabaco, condenados a desaparecer por el bien de unos hijos herederos necesitados de comodidades y alivios, o por la especulación de la que tampoco se escapa un entorno rural al que nadie, y menos aún los que están por venir, parece tener intención de proteger. La otra protagonista es una joven a quien la madurez le está abriendo los ojos hacia la desesperanza y la desilusión, hacia un porvenir incierto y lleno de nubarrones, frente a una familia asfixiada por las deudas y unas amistades ahogadas en lo superficial, la diversión inmediata y el consumo rápido de reguetón y sustancias psicotrópicas a partir de las cuales la realizadora se permite introducir destellos de videocreación con tal naturalidad y acierto que no nos atreveríamos a ver en ello atisbo alguno de pretenciosidad.

El campo se queja en forma de criatura fantástica que se nos antoja heredera de aquellos monstruos de Spike Jonze, pero solo esa mirada ingenua de la infancia y los desheredados es capaz de verlo, hasta que los grises de nuestra rutinaria y planificada vida cieguen unos ojos a los que los poderes fácticos interesa tener vendados. Es como cuando nos cruzamos con niños y niñas por la calle; primero nos alegran el ánimo ante su gracia y espontaneidad, pero inmediatamente nos ataca la desazón por todo lo que les espera en una vida dura que adornamos con aislados momentos felices. Conviene por último destacar el hermoso entorno que constituye la vega granadina, así como una excelente factura, quizás consecuencia del hecho de que su directora reside en Los Angeles, donde se habrá empapado de mucha y buena técnica cinematográfica.

IRATI El desheredado corazón del bosque

España 2022 111 min.
Guion y dirección Paul Urkijo Alijo Fotografía Gorka Gómez Andreu Música Maite Arroitajauregui y Aránzazu Calleja Intérpretes Eneko Sagardoy, Edurne Azkarate, Itziar Ituño, Elena Uriz, Nagore Aranburu, Ramón Agirre, Iñigo Aranbarri, Iñigo Aranburu, Karlos Argiñano, Kepa Errasti, Patxi Bisquert, Josu Eguskiza, Aitor Barandiaran, Gaizka Chamizo Estreno en el Festival de Sitges 9 octubre 2022; en salas 24 febrero 2023

Nos sirve el esperado estreno de esta película para hacer la enésima reflexión sobre los discutibles e inexplicables Goyas. Un año más tuvimos que cargarnos una entrega de premios en la que se celebró una y otra vez el próspero año cinematográfico español en cantidad y calidad, algo que una edición más no se reflejó en las nominaciones, centradas en apenas unos cuantos títulos, lo que nos lleva a encabezar a nivel mundial los récords de nominaciones (hasta diecisiete en alguna ocasión) y premios (trece o más incluso), encumbrando pocos títulos y dejando en el camino muchos tan dignos y merecedores de premios como los a menudo privilegiados. Es ahora cuando celebramos y reivindicamos los logros de Pacifiction de Albert Serra en los César, habiendo obviado la que para muchos y muchas es la mejor película española del año en los premios de nuestra trasnochada y despistada academia. Enviamos Alcarrás a los Oscar confiando en su Oso de Oro, cuando se trata de sintonizar con un gusto americano que difícilmente empatiza con una película como la de Carla Simón, y encima la dejamos sin Goya alguno, para nuestra vergüenza. Mejor hubiésemos enviado As bestas, que bien que le ha ido en los César, donde ha triunfado por encima incluso de El triángulo de la tristeza, por mucha Palma de Oro, mejor película en los premios europeos del cine y tres nominaciones al Oscar que haya cosechado la película del mimado Ruben Östlund, que en Francia se titula Sin filtros y así la nombraron hace unos días en el informativo de Televisión Española para escarnio de propios y ajenos, cuando anunciaron el César a la película de Sorogoyen.

Viene todo esto al caso de que a la nueva película de Paul Urkijo Alijo le escatimaron uno tras otro todos los Goyas a los que optaba con tanta o más justificación que sus contrincantes. Y es que Modelo 77 puede brillar por muchos motivos, pero en efectos visuales, y vestuario no tiene parangón con Irati, y no digamos su banda sonora, sin duda superior y más elaborada que la no obstante interesante partitura de Olivier Arson para As bestas, si bien aquí nuestra preferida era la del infravalorado Iván Palomares para Las niñas de cristal. Pero lo peor es que ni la dirección artística ni la fotografía, ni el sonido o el maquillaje (imposible identificar a Karlos Arguiñano o Patxi Bisquert tras sus elaborados perfiles) optaban a premio, lo que no deja de ser alarmante, dada la enorme calidad artística y técnica de la película de Urkijo Alijo. Habría que considerar además que Irati acaba de estrenarse y le hubieran venido muy bien para su promoción un par de merecidísimos premios, pero en cuestión de venta seguimos sin haber aprendido nada, si nos salimos de las productoras de televisión privadas.

Es una lástima, porque nos encontramos ante una producción ejemplar y una película insólita en nuestro panorama, que conjuga leyendas celtas del norte de la península con historias de capa y espada, fantasía y un inequívoco mensaje ecológico y feminista en el que por una vez ser bruja resulta algo positivo, es estar en el lado de los buenos. Una fotografía preciosa y preciosista, un trabajo con el sonido fascinante, unos paisajes majestuosos y una producción holgada, además de los mejores efectos visuales disfrutados en una película española en mucho tiempo, un apartado que sí fue reconocido en el Festival de Sitges donde se estrenó, envuelven esta hipnótica película que nuestros exhibidores nos han obligado a disfrutar doblada, y es que ver aquí películas en otros idiomas del país es más difícil que verlas en francés o inglés, lo consideran como veneno para la taquilla, y lo que es peor, quién sabe si para el espíritu, no vaya a ser que el eusquera nos provoque urticaria. Para no resultar empalagosos y excesivamente entusiastas, destacaremos que pierde ritmo a mitad de su metraje, para después recuperarlo y regalarnos un final embelesador. Mientras tanto cabe disfrutar con sus batallas y luchas perfectamente coreografiadas y resueltas, su generosa imaginación y capacidad de inventiva y su acertada crítica a la religión en favor de una madre naturaleza voluptuosa y fascinante. No en vano la leyenda plasmada en esta película otorga al mayor bosque navarro el nombre de la protagonista del film y el cómic El ciclo de Irati de Joxean Muñoz y Juan Luis Landa en el que se basa.

TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES Caótica e insufrible

Título original: Everything Everywhere All at Once
USA 2022 139 min.
Guion y dirección Daniels (Dan Kwan y Daniel Scheinert) Fotografía Larkin Seiple Música Son Lux Intérpretes Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum jr., Bill Wiff, Sumita Mai, Aaron Lazar, Brian Le, Anthony Molinari Estreno en Estados Unidos  25 marzo 2022; en España 3 junio 2022

Recuperamos esta película estrenada el pasado mes de junio, y que despreciamos entonces por la escasa confianza que nos merecía, tras la avalancha de premios a la que ha sido expuesta, dos Globos de Oro y seguras nominaciones al Oscar incluidas. Si poca gracia nos hizo l anterior película de los Daniels, Swiss Army Man, con un náufrago que se hacía amigo de un cadáver flatulento, menos aún ha conseguido hacernos esta cinta de la productora de moda, A24, donde una mujer china de avanzada edad, inmigrante en Estados Unidos, se enfrenta a la salvación del mundo, y de paso de su propia familia, amenazada por un divorcio y la homofobia hacia su única hija, a través de ese socorrido multiverso, donde todo vale.

Un espasmo en el cuello sirve para que sus sufridos protagonistas cambien de realidad, siempre alternativa, y se enfrenten una y otra vez a personajes cuyos registros cambian según el universo en el que se encuentren, conformando en suma un caos total y absoluto donde reina la confusión y la desidia. Ni la recuperación de Jamie Lee Curtis, afeada considerablemente, en un registro cómico consigue insuflar interés a la empresa. El resultado convierte el multiverso de Spiderman en un ejercicio de filigrana intelectual, mientras aquí se revela en un sinfín de ocurrencias, algunas de muy mal gusto, que apenas logran suscitar nuestro esforzado interés.

Si lo que esta pareja de realizadores y guionistas querían era epatar y resultar atrevidos, ¿por qué pixelan las partes de los luchadores que con su culo pretenden atrapar trofeos puntiagudos? Al final no hay más que mucha violencia, muchas artes marciales y un caos absoluto, suponemos que controlado aunque apenas lo parezca, que pretende ser original, atrevido y diferente, y aunque pueda serlo, resulta sobre todo intranscendente e insufrible.

PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO Inocencia y mortalidad

Título original: Guillermo del Toro's Pinocchio
USA-México-Francia 2022 117 min.
Dirección Guillermo del Toro y Mark Gustafson Guion Guillermo del Toro, Patrick McHale y Matthew Robbins, según la novela de Carlo Collodi Fotografía Frank Passingham Música Alexandre Desplat Voces (en versión original) Ewan McGregor, David Bradley, Gregory Mann, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christolph Waltz, Tilda Swinton Animación Estreno en Estados Unidos 11 noviembre 2022; en España 25 noviembre 2022; en Netflix 9 diciembre 2022

Desde que Disney fijara su atención en este cuento entre siniestro y juguetón del escritor y periodista italiano del siglo XIX Carlo Collodi, son muchas las adaptaciones que se han hecho del mismo, destacando las de Luigi Comencini para televisión en 1971 y la más reciente de Matteo Garrone de hace tres años. El año que estamos a punto de despedir ha conocido dos nuevas, la que Robert Zemeckis realizó a partir del original de Disney de 1940, que le ha reportado muy malas críticas a pesar de contar con el sello indiscutible de su autor y hallazgos visuales realmente atractivos, y este seudomusical con el que se presenta la visión personal del reputado Guillermo del Toro.

No es la primera vez que Pinocho se somete a las reglas del musical; ya en 1996 otra adaptación contó con partitura de Rachel Portman y canciones de Brian May y Stevie Wonder. Ahora es el espléndido Alexandre Desplat quien se encarga de ilustrar con una de sus bellas composiciones y un ramillete de curiosas aunque nada pegadizas canciones esta nueva incursión en el universo paternofilial de Collodi. Del Toro, en una operación similar a la que unió a Tim Burton con Henry Selick en Pesadilla antes de Navidad y La novia cadáver, se alía con el artesano de la animación Mark Gustafson, en el que es su primer largometraje, para dar vida a este personaje con aspecto desaliñado y diseño premeditadamente tosco, dentro de una galería en el que todos los personajes parecen tallados en madera al más puro estilo de las marionetas de antaño. Es cierto que poco o nada aporta este Pinocho a la galería que le precede, si acaso un mayor hincapié en el concepto de mortalidad y en el carácter sumamente inocente del protagonista, que sin duda se hace querer por su ternura y generosidad. Pero en el camino la película muestra una estética depurada, momentos de encantadora belleza, algunos personajes diseñados con irrefutable buen gusto y ese empeño del director en denunciar de paso los regímenes fascistas o directamente reírse de ellos, como ocurría con el franquismo en El laberinto del fauno y Mussolini en esta película ambientada entre las dos guerras mundiales y con ellas como terrible telón de fondo, donde el parque de atracciones que convertía a los niños en burros se ha sustituido por un campamento de adiestramiento para jóvenes que se convierten en combatientes.

Cuesta posicionarse a favor o en contra de esta sin duda innecesaria enésima adaptación del célebre personaje de madera con nariz prominente, pero de lo que no cabe duda es del esmero y el cariño puesto por su director y el equipo técnico y artístico, así como del acabado formal meticuloso y artesano que a través de la técnica del stop motion logra esta película, con la aportación impagable de un reparto de estrellas poniendo las voces en su versión original.

EL UNIVERSO DE ÓLIVER El año del cometa

España 2022 112 min.
Dirección Alexis Morante Guion Alexis Morante, Miguel Ángel González, Raúl Santos e Ignacio del Moral, según la novela de Miguel Ángel González Fotografía Carlos García de Dios Música Julio de la Rosa Intérpretes Rubén Fulgencio, Salva Reina, María León, Pedro Casablanc, Mara Guil, Moreno Borja, Iván Renedo, Josu Eguskiza, Ignacio Mateos, Luna Berroa, Lorca Prada, Fran Torres, María Alfonsa Rosso, Roberto Campillo Estreno 13 mayo 2022

Recuperamos este título estrenado el pasado mayo por su implicación en los diversos premios que se conceden durante esta época del año. En su primer largo de ficción, después de innumerables videoclips y documentales musicales, el algecireño Alexis Morante fija su atención en una novela de carácter generacional con la que autor y realizador no pueden disimular su querencia por el cine americano ochentero, el de aventuras adolescentes en barrios periféricos, con cielos estrellados y miradas al espacio.

Un universo hábilmente trasladado a los barrios más deprimidos de Algeciras, donde el protagonista intenta huir de los problemas económicos y sentimentales de su familia, el entorno hostil en el que surgen diferencias raciales y una pasión por el fútbol que se convierte en refugio y válvula de escape para los niños y niñas que habitan el lugar. Pero Óliver, un Rubén Fulgencio hermano de la omnipresente niña Luna Fulgencio, de mirada a menudo perdida y actitud algo endeble, tiene además otra vía de escape, su imaginación y la relación que mantiene con su abuelo, aficionado como él a observar el universo, justo cuando el Cometa Halley se prepara para surcar el cielo de 1985.

Trazado todo este plan cabe preguntarse cuál es el objetivo de la narración de una historia que ni avanza ni engancha, que se revela bastante marciana en sus postulados y cometidos y no progresa más allá de la mera anécdota sentimental. No ayuda un guion con demasiados resortes y personajes, sin que ninguno llegue a cuajar, ni una puesta en escena que aunque esmerada y con buenos recursos, resultan poco aprovechados en este espectáculo bastante vacío y desorientado. Bunbury, a quien Morante profesa una enorme admiración a través de los trabajos que para él ha dirigido, pone la canción de los títulos finales.

AVATAR: EL SENTIDO DEL AGUA Pandora's Waterworld

Título original: Avatar: The Way of the Water
USA 2022 192 min.
Dirección James Cameron Guion James Cameron, Rick Jaffa y Amanda Silver Fotografía Russell Carpenter Música Simon Franglen Intérpretes Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Kate Winslet, Stephen Lang, Cliff Curtis, Giovanni Ribisi, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, Brendan Cowell, Jemaine Clement, Britain Dalton, Jamie Flatters, Jack Champion, Bailey Bass, Filip Geljo, Jo-Li Bliss Estreno en Estados Unidos y España 16 diciembre 2022

Trece años separan esta secuela del éxito que supuso la primera entrega de una saga familiar que amenaza con perpetuarse hasta tres capítulos más. Muchos piensan que James Cameron es un visionario, mientras otros simplemente opinamos que es un ingenioso creador de ilusiones con capacidad para fusionar géneros y referentes, mezclarlos con temas de especial preocupación para la humanidad, y darle a todo un barniz de trascendencia con pretensiones de concienciación y mensajes de muy buena voluntad.

El ecologismo de postal subyacente en el ya clásico de 2009 se traslada ahora a los océanos y las criaturas que habitan en él, aunque se trate del planeta Pandora generado casi a imagen y semejanza del nuestro propio, ya inservible para la posteridad. En eso hemos ganado, porque los paisajes fluorescentes y decididamente horteras de la primera entrega, han sido ahora sustituidos por unos fondos marinos más bellos y sugerentes. También hemos ganado en el hecho de que los protagonistas más jóvenes hayan tomado el relevo de los adultos, con lo que todo ha tomado un cariz más amable y desenfadado. Se trata en esta segunda entrega, larguísima, de seguir las aventuras de un grupo de niños y adolescentes bajo la amenaza de un imperialismo militar empeñado en colonizar el frondoso planeta, en otro claro ejemplo de ejercicio de hipocresía por parte de la misma fuerza que provoca estos desmanes universales. De esta forma, se aprovecha la humanista y ecologista trama para una vez más exhibir el poder más virulento y el arsenal armamentístico más terrible y temible. 

Cameron mezcla hábilmente referentes populares como Waterworld, Tiburón, Peter Pan o Una familia de robinsones para dar forma a esta epopeya en la que se suceden episodios de extrema violencia con otros más placenteros, un uso de la tridimensionalidad tan logrado que hace recomendable su visión en este formato, y una digitalización de los actores y actrices que roza la absoluta perfección (a Sigourney Weaver le habrá encantado verse de nuevo adolescente), aunque seguimos preguntándonos qué esconden los Na’vi tras sus puritanos taparrabos y tangas. En el apartado musical, Simon Franglen, que ya colaboró con James Horner en la primera Avatar y en otras bandas sonoras, como la de Los siete magníficos, compone una música heredera y deudora de la del malogrado compositor, demostrando así un enorme respeto por su mentor.

BLACK PANTHER: WAKANDA FOREVER Mujeres, negras, fuertes e inteligentes

USA 2022 161 min.
Dirección Ryan Coogler Guion Ryan Coogler y Joe Robert Cole Fotografía Autumn Durald Música Ludwig Göransson Intérpretes Letitia Wright, Angela Bassett, Winston Duke, Danai Gurira, Florence Kasumba, Lupita Nyong’o, Martin Freeman, Julie Louis-Dreyfus, Tenoch Huerta Mejía, Dominique Thorne, Mabel Cadena, Isaac De Bankolé Estreno en Estados Unidos y España 11 noviembre 2022

Hace cuatro años Marvel cosechó un gran éxito con su primera película centrada en el personaje Black Panther, que cosechó incluso cuatro Óscar. La cinta encumbró a Chadwick Boseman, que ya había interpretado el personaje en películas de Los vengadores y Capitán América, pero falleció con solo cuarenta y tres años y ahora esta secuela se presenta como transición con el resurgir del superhéroe en próximas entregas, ahora con una nueva encarnadura. Esto hace que la película sea un producto insólito dentro de la franquicia, ausente de un superhéroe preciso, aunque sí cuenta con un antihéroe que posee esos super poderes que ningún otro personaje en la función disfruta.

La muerte del príncipe T’Challa provoca que el film rezuma un aire luctuoso y melancólico unido a un ritmo a menudo lento y un aire considerablemente más dramático que otras cintas similares. Pero lo que más llama la atención es el protagonismo absoluto femenino, que el director Ryan Coogler, responsable de la anterior entrega y del Rocky negro Creed, ha sabido moldear para que no repitan exactamente los arquetipos habituales en el cine de los machirulos. Por otro lado esta vez la lucha es de igual a igual con otro pueblo de similares características que no es exactamente un enemigo sino una forma distinta de combatir contra la opresión de la supremacía blanca. Y es que de eso va la franquicia más reivindicativa de Marvel, de imaginar un mundo donde las colonizadas África y Sudamérica han encontrado la forma de sobresalir y convertirse en lugares prósperos y poderosos. Una reivindicación a la que ahora se une con mayor ahínco el empoderamiento femenino, si bien repitiendo los esquemas consabidos de reyes, reinas, príncipes y princesas que tanto gustan a una civilización adormecida y domesticada.

Impecable en el apartado técnico, se resiente de su larga duración pero funciona como réquiem a T’Challa y el malogrado Chadwick Boseman, especialmente conmovedor en los títulos iniciales sin música, con sentidas interpretaciones de Letitia Wright y Angela Bassett, y repitiendo el esplendor visual y sonoro, incluida una hermosa banda sonora entre épica y étnica con un nutrido ramillete de atractivas canciones en un film en el que se habla inglés, francés, español y otros idiomas inventados, todo lo cual contribuye a que nos encontremos ante un canto a la diversidad pasado por la batidora del mainstream americano.