EL DÍA DE LA REVELACIÓN Magia infantil

Título original: Disclosure Day
USA 2026 145 min.
Dirección Steven Spielberg Guion David Koepp y Steven Spielberg Fotografía Janusz Kaminski Música John Williams Intérpretes Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, Elizabeth Marvel, Henry Lloyd-Hughes, Hettienne Park, Courtney Grace Estreno en Estados Unidos y España 12 junio 2026

Steven Spielberg se lo puede permitir, hacer una película a partir de un argumento delirante y un punto disparatado, y de paso recuperar el tipo de historias que le hicieron célebre a finales de los setenta y principios de los ochenta del siglo pasado. Para ello vuelve a colaborar con David Koepp, con quien además de otros títulos, renovó muy satisfactoriamente La guerra de los mundos, el drama radiofónico con el que Orson Welles saltó a la fama en la década de los treinta de ese mismo siglo. Consigue mantener a lo largo de un buen metraje de la película, la misma intriga con la que nos ha seducido durante meses gracias a una estrategia comercial extraordinaria, que acaba entroncando con situaciones que nos recuerdan mucho a uno de sus primeros y más fascinantes trabajos. Pero en su desarrollo reclama la confianza y complicidad de un público que asiste algo atónito a una propuesta que derrocha magia, a veces e forma algo inexplicable, y apuesta de nuevo por la ingenuidad que hemos perdido tras abandonar la infancia. Es por ello que saludamos esta nueva película de una filmografía apasionante, como el nuevo capricho de un director que se niega a madurar, que prefiere sentirse niño y hacernos disfrutar con otro cuento de alguna manera infantil, referencias explícitas incluidas, sin renunciar a cuestiones que nos preocupan como seres humanos, tantas veces temerosos y temerosas de nuestra propia extinción.

De esta forma, la creciente proliferación de guerras que acucia al planeta, aunque sospechosamente responsabilizando a mandatarios como Pionyang o Putin antes que mojarse con Trump o Netanyahu, se combina con el maltrato medioambiental y otros miedos recurrentes. En el fondo, el esfuerzo por mantener el secreto de relevantes informaciones, se convierte en principal tema de una película en la que los elegidos son permanentemente perseguidos por quienes salvaguardan los referidos secretos sin desclasificar, generando situaciones tan espectaculares y adrenalíticas como el choque ferroviario. No obstante, no se trata de una película que busque el efecto visual deslumbrante. De hecho, ya se guarda Janusz Kaminski, habitual director de fotografía de Spielberg, de dar al conjunto el aspecto más verosímil posible, sin grandes alardes tecnológicos que sitúen su acabado formal parejo al de las grandes superproducciones de súper héroes y similares. Cabe apreciar la capacidad inmarchitable de su director para entretener y sorprender, rodeándose de sus habituales colaboradores, entre quienes destaca la enésima colaboración con John Williams, que a sus noventa y cuatro años sólo se permite volver a componer si es para su gran amigo, y aunque no aporta una de sus bandas sonoras más inspiradas, demuestra una vez más por qué tantos nos hemos aficionado a la música de cine.

En el apartado interpretativo destacan especialmente ellas, Emily Blunt dándolo todo y Eve Hewson aprovechando lo que podría ser su oportunidad definitiva. Dogmas de fe, creencias religiosas y confianza en un universo generoso, completan la visión de un director que sigue haciendo nuestras delicias, aunque sea con trabajos aparentemente menores, a los que el paso del tiempo deberá juzgar para hacernos o no cambiar de opinión. Pero se trata, sobre todo, del trabajo de un cineasta que se niega dejar de ser niño y se atreve a delirar y disparatar, aunque sólo sea en apariencia, pues analizándolo bien, todo lo que parece fantástico podría hasta ser real.

EL DIABLO VISTE DE PRADA 2 Digna secuela sobre la vanidad

Título original: The Devil Wears Prada 2
USA 2026 119 min.
Dirección David Frankel Guion Aline Brosh McKenna, según los personajes creados por Lauren Weisberger Fotografía Florian Ballhaus Música Theodore Shapiro Intérpretes Anne Hathaway, Meryl Streep, Stanley Tucci, Emily Blunt, Justin Theroux, Patrick Brammall, Kenneth Branagh, B.J. Novak, Simone Ashley, Tracie Thoms, Lucy Liu, Larry Mitchell, Rachel Bloom Estreno en España 30 abril 2026; en Estados Unidos 1 mayo 2026

Lauren Weisberger triunfó a principios de este siglo con su novela semi autobiográfica El diablo viste de Prada, en la que contaba sus experiencias como asistente personal de la poderosa directora de Vogue Anna Wintour. Apenas tres años después de su publicación, la llevaron a la pantalla la guionista Aline Brosh McKenna (Hasta que la ley nos separe, 27 vestidos, Morning Glory) y el director David Frankel, que había debutado unos años antes con Miami, protagonizada por Antonio Banderas, Sarah Jessica Parker y Mia Farrow. El resultado se coló en las listas de películas más taquilleras de la década, y logró afianzarse como una de las comedias más icónicas de lo que llevamos de siglo. El éxito estaba bien asegurado; se trataba de modernizar el clásico cuento de la cenicienta, presentándonos a una joven periodista e idealista que acaba sucumbiendo a las reglas del trabajo en un mercado fuertemente capitalista, cuando es contratada en la revista Runway, a las órdenes de una caprichosa y diabólica jefa. Anne Hathaway pasaba así de patito feo a deslumbrante cisne, mientras Meryl Streep echaba toda la carne al asador para convertirse en una hábil combinación de hada y bruja.

Con los clásicos de una sociedad capitalista seguimos, cambiando los cuentos de hadas por los de súper héroes. Al menos eso es en lo que parece haberse convertido la protagonista, Andy Sachs, empeñada en arreglar cualquier desaguisado y reponer justicia a quien la pierde, salvando así empresa, reputación y vida ajena, aunque en el fondo, y ahí radica su más acertada observación, es a ella a quien se afana en salvar, como cualquier hijo e hija de la sociedad consumista moderna, absorbida por el narcisismo y la vanidad. Naturalmente lo que llama la atención en esta segunda parte, que no sigue precisamente la continuación de la novela, La venganza viste de Prada, es su lujo, glamour y, sobre todo, ritmo e ingenio para volver a encandilar y divertir, resultar amena y digerible, a pesar de que cada giro de guion cuenta con una resolución facilona, poco trabajada.

Lo mejor, de todos modos, sigue siendo su cuarteto protagonista. Si con este film volvemos a disfrutar en la gran pantalla, tras varios años de ausencia, de la gran e irrepetible Meryl Streep, ya merece la pena. Pero lo hace también porque Anne Hathaway despliega todo su encanto, la trama es atractiva y la dirección ágil y dinámica. Si además viajamos a lo más glamuroso de Milán y somos capaces de reconocer los cameos de gente tan famosa en el sector como Naomi Campbell, el músico Jon Batiste o Dolce & Gabana, mejor aún. Por cierto, en este apartado destaca la bronca que le echa Emily Blunt a Donatella Versace, y la que Lady Gaga le echa a Meryl Streep. Por lo demás, ya tiene mérito reunir al mismo equipo artístico y técnico veinte años después.

THE SMASHING MACHINE Dobles caras en un melodrama brutal

USA 2025 123 min.
Guion y dirección Ben Safdie Fotografía Maceo Bishop Música Nala Sinephro Intérpretes Dwayne Johnson, Emily Blunt, Bryan Bader, Bas Rutten, Oleksandr Usyk Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2025; en Estados Unidos y España 3 octubre 2025

Es curioso cómo el cine tiene la capacidad de introducirnos en mundos en principio tan ajenos de nuestros propios gustos e inquietudes. Basta algún que otro reconocimiento, por ejemplo en forma de León de Plata a la mejor dirección, para despertar nuestra curiosidad, por mucho que, a priori, Dwayne Johnson y los combates en un ring nos genere tan poco interés. Hemos visto a Ben Safdie en multitud de películas, a las órdenes de Christopher Nolan en Oppenheimer, con quien que volverá a aparecer en La Odisea, o de Paul Thomas Anderson en Licorice Pizza. Junto a su hermano Joshua ha dirigido unos cuantos títulos que han pasado desapercibidos, hasta que parece haber encontrado su oportunidad definitiva con este biopic sobre Mark Kerr, uno de los luchadores pioneros en esa disciplina que se conoce como artes marciales mixtas, y que dio lugar a la mayor empresa del mundo en este deporte, la UFC (Ultimate Fighting Championship). Un título que podría haberse traducido como La máquina machacante.

Al personaje da vida con total convicción y empeño The Rock, que sabe de la materia y se ha curtido en ella desde antaño. Para Johnson sin duda la película supone un antes y un después, un giro decisivo en su carrera, y lo ha aprovechado con nota alta. Ha sabido alternar la brutalidad inherente al personaje con una inusitada ternura y una tendencia al sentimentalismo que lo convierte en sujeto singular. Junto a él, Emily Blunt realiza también un trabajo excelente, luciendo además más bella que nunca como pareja controvertida, capaz de un incondicional apoyo y a la vez un lastre egoísta y superficial capaz para arruinarle el combate. Una pluridimensionalidad que ambos intérpretes aprovechan con magisterio, y que junto a la dirección firme y precisa de Safdie logran un film estimable que consigue crear cierto paralelismo entre la brutalidad de la lucha y esa insoportable vida cotidiana malograda por la continua disputa entre amantes.

Golpes en el ring y en el dormitorio que hacen del film un trabajo inteligente y a la vez bien mesurado, sin estridencias. Una puesta en escena efectiva, haciendo hincapié en el éxito de la empresa en Japón, donde los luchadores son verdaderas estrellas, así como un dinámico y enérgico montaje, consiguen redondear este film que supone a todas luces una sorpresa, aunque su digestión resulte difícil debido a la dureza de las situaciones que plantea. El propio Kerr aparece en el último segmento del film interpretándose a sí mismo, mientras brilla de nuevo el prestigio de la productora A24, cada vez más involucrada en géneros de todo tipo, tras iniciarse en el del terror. El aspecto entre documental y cine indie ayuda también a la verosimilitud de la propuesta, ya dispuesta para acaparar premios en la inminente temporada.

EL ESPECIALISTA Una pesada gamberrada

Título original: The Fall Guy
USA 2024 126 min.
Dirección David Leitch Guion Drew Pearce, según la serie de televisión creada por Glen A. Larson Fotografía Jonathan Sela Música Dominic Lewis Intérpretes Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Winston Duke, Teresa Palmer, Stephanie Hsu, Ben Knight, Matuse, Zara Michaels Estreno en España 26 abril 2024; en Estados Unidos 3 mayo 2024

Con un recorrido que incluye películas como Atómica, Deadpool 2, la primera entrega de John Wick y lo que es peor, Bullet Train, no cabía esperar de David Leitch que, como aseveran algunos, reflotara con ésta la clásica screwball comedy de los cuarenta que catapultaron a Hepburn, Grant, Russell o McMurray a la cumbre definitiva. Poco de eso hay en esta película cuyo único leit motiv es potenciar las escenas de acción más absurdas e inverosímiles posibles. El engendro está basado en una serie de principios de los ochenta de igual título, The Fall Guy, cuya traducción al castellano por El especialista malogra su dualidad de significados, que se completa como El chivo expiatorio, mucho más significativo de lo que vemos en pantalla, una intriga paupérrima en el seno de un rodaje hollywoodiense en Sydney, Australia. Para subrayar su origen, los protagonistas de aquella serie, Lee Majors (que cuando estuvo casado con Farrah Fawcett le prestó ese segundo apellido con el que protagonizaba Los ángeles de Charlie) y Heather Thomas hacen su particular cameo justo al final de la cinta, engrosando el conjunto de supuestos chistes ingeniosos que inundan la función.

Nada que ver con aquella película de igual título que le valió una nominación al Oscar a Peter O’Toole y otra a su director, antes de pasar casi al anonimato, El especialista no funciona como homenaje sincero y merecido a la profesión de los stunt men, dada la absoluta inverosimilitud, efectos visuales mediante, con la que están resueltas sus numerosas y fatigosas escenas de acción. No funciona tampoco como comedia romántica, porque ni tiene mucha gracia ni apenas hay química entre Gosling y Blunt, y su floja historia de rollete-amor apenas está esbozada. Y tampoco funciona como homenaje al cine de acción porque todas sus citas son tan explícitas que van acompañadas del comentario correspondiente para asegurarse de que todos y todas las hemos pillado, y si no la cámara se detiene en el rótulo de Corrupción en Miami que luce la chaqueta del protagonista cuando surca las aguas de la bahía en una lancha al ritmo de la música de la mítica serie protagonizada por Don Johnson.

Todo así, muy masticadito y muy convencional, con el solo aliciente de ver espectáculo a lo bestia y procurar divertirse al menos con su lenguaje metacinematográfico cuando el cine dentro del cine nos proporciona un engendro entre Cowboys & aliens y Dune, remedo de su música incluida, acompañado de su preceptivo tráiler y con un nuevo cameo fomentando su carácter de gamberrada cinematográfica. Y que no falten las explosiones, que ya las saludamos con la misma alegría con la que lo hacemos cuando vemos fuegos artificiales.

JUNGLE CRUISE La reina del Amazonas

USA 2021 127 min.
Dirección Jaume Collet-Serra Guion Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green Fotografía Flavio Martínez Labiano Intérpretes Dwayne Johnson, Emily Blunt, Jack Whitehall, Jesse Plemons, Edgar Ramírez, Paul Giamatti, Dani Rovira, Quim Gutiérrez, Verónica Falcón Estreno en España y Estados Unidos 30 julio2 021

Basada en una atracción de uno de esos parques de la factoría Disney que pueblan el mundo, Jungle Cruise aspira a convertirse en un nuevo Piratas del Caribe, hacer caja y si todo funciona convertirse también en saga. Para eso la ambiciosa productora no duda en incluir detalles que aunque solo sea de forma coyuntural le ayuden a sacudirse el estigma reaccionario que le persigue, como una heroína digna de la mejor de las medallistas olímpicas, o un ambiguo personaje que tanto sirva para desarrollar situaciones cómicas como para generar un factor inclusivo que celebre la diversidad. Bienvenidos sean no obstante esos destellos de necesaria y conveniente modernidad, que le dan mayor lustre, atractivo e interés a una empresa que fundamentalmente recupera el espíritu más sano y distendido del cine clásico de aventuras.

Con una puesta en escena que maravilla desde el primer momento, incluido un impecable trabajo gráfico, el director catalán afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra se reafirma como excelente artesano capaz de lidiar con cualquier empresa por difícil que sea. Después de una larga carrera dirigiendo fundamentalmente inquietantes y solventes thrillers a mayor gloria de Liam Neeson, con ribetes inconfundiblemente hitchcockianos, además de ofrecer otros impecables productos como Infierno azul o La huérfana, Collet-Serra se adentra en su primera experiencia épica con la soltura, el ingenio y el talento necesarios para llevarla a buen puerto. El retraso en estrenarse que están sufriendo muchas producciones a causa de la pandemia ha provocado que en menos de un mes Emily Blunt haya colocado tres películas en cartelera, Un lugar tranquilo 2, Una canción irlandesa y ahora esta que le brinda la oportunidad de demostrar que es una excelente actriz de comedia; oírla con su acento inglés original es una auténtica gozada, así como a Jack Whitehall, que interpreta su carismático hermano. Sin embargo chirría el peaje romántico obligada a pagar frente a un Dwayne Johnson al que el papel no obstante le encaja como un guante, recordando más a John Wayne que al Bogart que daba réplica a Katherine Hepburn en La reina de África, un clásico junto a las aventuras de Indiana Jones al que es inevitable referirse a la hora de analizar esta entretenida película.

La versión original resulta también fundamental para distinguir el castellano de Edgar Ramírez, que da vida al conquistador Aguirre, y sus fantasmagóricos secuaces Dani Rovira y un Quim Gutiérrez muy difícil de distinguir. Este túnel con el pasado se erige en el mcguffn de la función, ya que por una vez es una solución natural para curar terribles enfermedades, y no el oro, lo que provoca esta singular expedición claro está repleta de peligros y giros argumentales. Sin embargo, entre tanto ritmo y depurado entretenimiento, advertimos que su argumento no llega a enganchar lo que sería deseable, mientras su metraje se alarga demasiado en su tramo final, a pesar de lo cual no cabe duda de que supone la consagración definitiva de Collet-Serra como un realizador más que competente, capaz de cualquier empresa que se le ponga por delante.

UNA CANCIÓN IRLANDESA Una granja lejos del mundanal ruido

Título original: Wild Mountain Thyme
Reino Unido-USA 2020 102 min.
Guion y dirección John Patrick Shanley, según su obra “Outside Mullingar” Fotografía Stephen Goldblatt Música Amelia Warner Intérpretes Emily Blunt, Jamie Dornan, Christopher Walken, Jon Hamm, Barry McGovern, Dearbhla Molloy, Don Wycherley, Clare Barrett, Danagh O’Kane, Abigail Coburn, Lydia McGuinness, Danielle Ryan, Jon Tenney Estreno en Estados Unidos 11 diciembre 2020; en España 16 julio 2021

Efectivamente esta comedia romántica, o deberíamos llamarla mejor fábula romántica, gira en torno a una canción irlandesa, ese Tomillo silvestre de montaña al que se refiere el título original de la película, que nos habla de las bondades de la tierra irlandesa y su gente, siempre tan admiradas por los cineastas americanos. Pero aunque no le vamos a negar sus méritos, John Patrick Shanley no es John Ford y no logra captar ese espíritu mágico que siempre le han endiñado a esa húmeda, verde y frondosa tierra. El oscarizado autor del guion de Hechizo de luna, y director de las notables Joe contra el volcán y La duda, esta también basada en una obra suya, como la presente, pone todo su empeño en mostrar la clásica cabezonería irlandesa a través de una poco creíble historia de amor a lo largo de los años.

Nada más y nada menos que casi cuarenta esperan sus granjeros protagonistas para declararse amor y consolidar lo que el espectador sabe desde el minuto cero. Claro que si aceptamos que el personaje de Jamie Dornan, siempre asociado al Christian Grey de 50 sombras, es una especie de autista, podremos aceptar su rocambolesca trama. De cualquier modo ese asunto romántico se torna secundario y prescindible cuando ante nuestros ojos disfrutamos de tan maravillosos parajes, y unos personajes estilosos y de diseño tan alejados de lo que entendemos por la vida en el campo, su dureza y falta absoluta de glamour, algo que todos y todas las intérpretes de este extraño film derrochan. Puede también servirnos como un regreso a la vida sencilla, a las cosas que nos rodean y nos alejan de la vida en sociedad, cada vez más complicada y decepcionante, más cuando decisiones políticas y judiciales marcan tanto nuestro ánimo y nuestra esperanza.

Cuanto más lejos del mundanal ruido mejor, y si es recuperando hechuras de un cine pretérito y perdido, y estamos pensando en películas amables y sentimentales como En el estanque dorado, más bienvenido sea. La música cuenta también con un especial protagonismo en esta delicada película que nunca llega a ser empalagosa, demostrando una vez más las dotes canoras de Emily Blunt, como ya hiciera en El regreso de Mary Poppins.

UN LUGAR TRANQUILO 2 El regreso de los Abbott

Título original: A Quiet Place: Part II
USA 2020 97 min.
Guion y dirección John Krasinski, según los personajes creados por Scott Beck y Bryan Woods Fotografía Polly Morgan Música Marco Beltrami Intérpretes Emily Blunt, Cillian Murphy, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Djimon Hounsou, John Krasinski, Scoot McNairy Preestreno en Nueva York 8 marzo 2020; en Estados Unidos 28 mayo 2021; en España 16 junio 2021

Se quedó prácticamente a las puertas del estreno cuando a mediados de marzo de 2020 se decretó el confinamiento y los cines de todo el mundo dejaron de funcionar. Llega ahora precedido de una doble sesión en la que se podía rescatar la original. Entre el rodaje de una y otra han transcurrido dos años, pero en pantalla apenas uno, lo que no ha sido óbice para que repitan los mismos personajes, incluidos los dos adolescentes de la familia Abbott, sin que notemos en demasía el paso del tiempo y sin recurrir para ello a los tan socorridos efectos visuales. Estos se empeñan naturalmente en la recreación de los alienígenas y sus aparatosos ataques, logrando de nuevo un espectáculo visual (y sonoro, a pesar del silencio anunciado en su publicidad) a nivel de entretenimiento de primer orden.

Pero hay poco que resaltar respecto a su precedente, una película que ya en su momento nos pareció generosa en trampas y situaciones poco sostenibles, igual que ocurre ahora, con situaciones de tensión absolutamente forzadas, reacciones poco plausibles y resoluciones caprichosas a golpe de un guion poco exigente. Para colmo añade otro peligro, más cercano a nosotros, quién sabe si con ínfulas de dotar al conjunto de cierta seriedad o profundidad psicológica. Eso no quita para que encontremos algunos estímulos, como el espectacular arranque que sirve para resucitar el personaje interpretado por su director, John Krasinksi, y que asistamos a la génesis del conflicto, que en la anterior película ya andaba desatado. 

También celebramos la generación de varias situaciones de inquietud paralelas, un recurso poco utilizado y por lo tanto fresco y original. El prólogo sirve también para introducir un nuevo personaje, interpretado por Cillian Murphy con bastante convicción, que sustituye al pater familias aunque la voz cantante siga llevándola ella, Emily Blunt, cuya interpretación junto a las de sus hijos en la ficción y el citado Murphy, son lo más interesante de la película, junto a la inspirada banda sonora de Marco Beltrami. Eso y que los Abbott acaben incordiando y llevando el peligro allí donde se dirigen.