LA HERMANASTRA FEA La sustancia de la Cenicienta

Título original: Den stygge stesøsteren
Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 2025 110 min.
Guion y dirección Emilie Blichfeldt Fotografía Marcel Zyskind Música John Eirk Kaada y Vilde Tuv Intérpretes Lea Myren, Thea Sofie Loch, Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Grdinger, Adam Lundgren, Willy Ramnek Petri, Ralph Carlsson, Agnieszka Zulewska Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025; en Noruega 7 marzo 2025; en España 17 octubre 2025

Recuperamos este título a propósito de su estreno en plataformas digitales (Movistar Plus+) el pasado 18 de febrero, y su nominación al Oscar al mejor maquillaje y peluquería. Su paso por los cines fue efímero, a pesar de haber ganado en Sitges el premio a la mejor película y de haberse paseado por festivales tan prestigiosos como Sundance o Berlín. El debut en la dirección de la joven directora noruega Emilie Blichfeldt se atreve con ingenio a poner en tela de juicio la conveniencia y oportunidad de los viejos cuentos clásicos tantas veces adaptados.

Se trata de La Cenicienta, cuyos infructuosos trabajos de actualización no han conseguido llegar a la verdadera esencia de su despropósito, que no es sino confinar a las mujeres a ser meros objetos decorativos en busca de su príncipe azul. Blichfeldt nos cuenta ahora esta archiconocida historia desde el punto de vista de una de sus hermanastras, cuya bondad inicial se va deteriorando conforme su hermosa rival va aumentando en popularidad, a la vez que demuestra un desprecio absoluto hacia su pariente por su desagradecido aspecto.

Todos los esfuerzos de la desdichada hermanastra por captar la atención del príncipe, su único propósito en la vida, convierten el relato en un insospechado espectáculo gore a través de operaciones quirúrgicas y mutilaciones voluntarias, como si de un encuentro entre el famoso cuento y La sustancia de Coralie Fargeat se tratara. Todo ello envuelto en una suntuosa producción, un abrazo entre países escandinavos y del este europeo, de un barroquismo extremo que dota al conjunto de un indiscutible atractivo.

BLANCANIEVES Otra revisión para hacer caja

Título original: Snow White
USA 2025 105 min.
Dirección Marc Webb Guion Erin Cressida Wilson, según el cuento e los Hermanos Grimm Fotografía Mandy Walker Música Jeff Morrow, Benj Pasek y Justin Paul Intérpretes Rachel Zegler, Gal Gadot, Andrew Burnap, Ansu Kabia, Hadley Fraser, Lorena Andrea y las voces de Andrew Barth Feldman, Tituss Burgess, Martin Klebba, Jason Kravits, George Salazar, Jeremy Swift, Andy Groteleuschen y Patrick Page Estreno en España y Estados Unidos 21 marzo 2025

Una vez más, no se nos ocurre otra razón para poner al día y recrear con personajes reales los clásicos de Disney, que la de hacer taquilla sin especial esfuerzo imaginativo. Su propia acepción lo indica, son clásicos hoy venerados por su sensacional factura técnica, su prodigio narrativo y la hazaña que supusieron en su momento con los medios con que contaban, pero que hoy resulta fútil remozarlos e intentar liberarlos de su ideología política y social y llevarlos hasta la última consecuencia de una corrección política que a menudo resulta mal enfocada. Para convertir el primer largometraje de Disney en un alegre y colorista musical con una intervención digital del casi ochenta por ciento (lo de imagen real es un decir, hasta los enanitos han sido generados por ordenador, despreciando incluso el acierto con el que Peter Jackson abordó el asunto en El hobbit), la voraz Disney ha contado con la guionista Erin Cressida Wilson, curtida en temas de género y diversidad en películas como Secretary, Chloe u Hombres, mujeres y niños, pero el resultado acaba siendo tan convencional como insustancial.

Nuevas canciones de los autores de El gran showman, respetando un par de las originales de Paul Smith y Frank Churchill, la inevitable Heigh Ho y Whistle While You Work (Silbando al trabajar), jalonan esta película absolutamente coyuntural que se adhiere al resto de adaptaciones del cuento que se han llevado a cabo desde que empezó el milenio, la desvergonzada Mirror Mirror protagonizada por Lily Collins y Julia Roberts, la más activista y batalladora de Kristen Stewart y Charlize Theron y la fantasía muda y en blanco y negro de Macarena García y Maribel Verdú. También Gal Gadot rivaliza con las hermosas reinas aludidas, mientras Rachel Zegler (West Side Story) ofrece su morena tez a una princesa cuyo nombre derivaba de la palidez de su rostro. En el camino, las inevitables y un tanto hipócritas consignas del poder en el pueblo, la lucha por la libertad y la igualdad, y todas esas necesarias campañas que a la hora de la verdad tan poco reflejo encuentran en la política estadounidense que no cesa en su empeño de blanquear su reputación.

Al menos no hay príncipe azul, sustituido por una suerte de apuesto Robin Hood. Como curiosidad, aunque se ha prescindido en el diseño del castillo del referente segoviano que sirvió al original de 1937, ha sido precisamente en esa localidad española donde esta película recibió su primicia el pasado 12 de este mes, quizás como desagravio o sólo como detalle melancólico.

DOGMAN Tan maduro como ingenuo

Francia-USA 2023 114 min.
Guion y dirección Luc Besson Fotografía Colin Wandersman Música Eric Serra Intérpretes Caleb Landry Jones, Jonica T. Gibbs, Christopher Denham, Clemens Schick, Lincoln Powell, Alexander Settineri, Grace Palma, Michael Garza, Josh Charles Aguilar, Marisa Berenson, Emeric Bernard-Jones, Kyran Peet Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2023; en Francia 27 septiembre 2023; en España 2 agosto 2024

Mucho se habla de lo que se rebaja la cartelera en interés y en calidad en época estival, pero si son películas como ésta las que se estrenan, el tópico se pone en entredicho. Acostumbrados a las fantasías siderales y las aventuras coloristas que nos propone Luc Besson, sorprende la maestría con la que maneja este título de condición tan distinta al resto de su filmografía. Podría decirse de hecho que es su película más madura hasta la fecha, lo que resulta harto paradójico tratándose de una fábula en principio tan infantil y aparentemente ingenua, algo así como un moderno cuento con personajes siniestros, animales inteligentes y cruce sin complejos de diversos géneros cinematográficos.

Dogman ofrece además una nueva oportunidad a Caleb Landry Jones para ser reconocido como el gran actor que es, por si su protagonismo en Nitram de Justin Kurzel, no lo hubiera dejado ya suficientemente claro, tras tantos años de secundario y algún protagonista que no le han reportado la popularidad que merece. En Dogman da vida a un justiciero maltratado por la vida y la familia que se refugia en sus numerosos perros para perpetrar actos teñidos de justicia poética mientras se expone a mafias y especulaciones de diversa índole.

Besson hace gala en esta película de un manejo magistral de la narrativa y la estética, asumiendo la atmósfera de cuento que respira toda la empresa, en la que cabe el thriller, la denuncia social, las capacidades diversas, y hasta el cabaret con drag queens que le brinda la oportunidad de incluir en su banda sonora emocionantes clásicos de Edith Piaf y Marlene Dietrich, convenciéndonos de la habilidad y el buen entendimiento de los canes gracias a ese espíritu de fábula que lo impregna todo y proporciona la magia y el entretenimiento que la cinta demanda. Hay muchos monstruos encerrados en esta película, que no son precisamente su aguerrido protagonista, pero es el tratamiento fílmico por el que ha optado su director el que resta tremendismo y dota al conjunto de ese aire de fábula que le da identidad y presencia.

LA SIRENITA Con el cuento a otra parte

Título original: The Little Mermaid
USA 2023 135 min.
Dirección Rob Marshall Guion David Magee, según la película de Ron Clements y John Musker basada en el cuento de Hans Christian Andersen Fotografía Dion Beebe Música Alan Menken Intérpretes Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Javier Bardem, Melissa McCarthy, Daveed Diggs, Jacob Tremblay, Awkwafina, Noma Dumezweni, Art Malik, Jessica Alexander, Martina Laird Estreno en España y Estados Unidos 26 mayo 2023

Disney prosigue con su política de ambición sin límites, palpable en televisión, extendiendo la saga de La guerra de las galaxias hasta extremos extenuantes, y el cine, alargando los ciclos de superhéroes Marvel y repitiendo todos sus éxitos animados con la excusa de presentarlos ahora en imagen real. Una operación camuflada entre tanta infografía que resulta más indigesta y artificiosa que si se tratara de una auténtica traslación de los clásicos a la imagen de carne y hueso. La sirenita supuso a finales de los ochenta del pasado siglo la recuperación definitiva de una empresa que andaba algo perdida entre productos sin apenas repercusión mediática y comercial. Volver a los clásicos de una literatura infantil que ya empezaba a mostrarse obsoleta e inconveniente, supuso en cierto modo un regreso al estilo y la filosofía de la empresa, que no dejaría de encadenar éxito tras otro, primero mediante animación tradicional, más tarde, la mayoría de las ocasiones a través de su asociación con Pixar, por animación digital.

La experiencia de Rob Marshall en el musical (Chicago, Nine) y las aventuras caribeñas con la cuarta entrega de las aventuras de Jack Sparrow, además de su incursión en los cuentos infantiles clásicos de la mano de su adaptación de Into the Woods de Stephen Sondheim, le han colocado como responsable ideal para llevar a buen puerto esta nueva producción de Disney. Pero que la protagonista y la reina sean ahora de raza africana no parece novedad suficiente como para considerar actualizado el cuento de Andersen. El espíritu valiente y decidido de la protagonista ya aparecía en la cinta de Ron Clements y John Musker, mientras se mantienen conceptos tan vinculantes y adoctrinadores como la monarquía o la brujería, siempre asociada a una mujer malvada. Son estos rancios postulados los que hacen que sigamos utilizando por ejemplo terminología tan inapropiada como feudos o bastiones cuando hablamos de espacios conquistados por nuestros partidos políticos, olvidando que están a nuestro servicio, y que la ciudadanía no somos de su propiedad.

Mal por el contenido educativo de estos cuentos obsoletos cuya fórmula de actualización Disney ni encuentra ni le interesa hacerlo. En cuanto al apartado artístico y técnico, cabía esperar más espectáculo y un mejor diseño de producción, mientras su argumento resulta tan archiconocido que apenas logra interesarnos. Alan Menken reescribe su partitura original y añade nuevas canciones, ahora con letra del mimado de Broadway Lin-Manuel Miranda, ya que Howard Ashman falleció cuando escribía los versos de Aladdin en 1991. El encanto de Halle Bailey, que pronto estrenará la versión de El color púrpura que adapta el musical basado en la novela de Alice Walker y la película de Spielberg, el carisma de Javier Bardem y el desparpajo de Awkwafina no nos parecen razones suficientes para justificar este nuevo más de lo mismo al que tanto nos tiene acostumbrados y acostumbradas la industria norteamericana.

PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO Inocencia y mortalidad

Título original: Guillermo del Toro's Pinocchio
USA-México-Francia 2022 117 min.
Dirección Guillermo del Toro y Mark Gustafson Guion Guillermo del Toro, Patrick McHale y Matthew Robbins, según la novela de Carlo Collodi Fotografía Frank Passingham Música Alexandre Desplat Voces (en versión original) Ewan McGregor, David Bradley, Gregory Mann, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christolph Waltz, Tilda Swinton Animación Estreno en Estados Unidos 11 noviembre 2022; en España 25 noviembre 2022; en Netflix 9 diciembre 2022

Desde que Disney fijara su atención en este cuento entre siniestro y juguetón del escritor y periodista italiano del siglo XIX Carlo Collodi, son muchas las adaptaciones que se han hecho del mismo, destacando las de Luigi Comencini para televisión en 1971 y la más reciente de Matteo Garrone de hace tres años. El año que estamos a punto de despedir ha conocido dos nuevas, la que Robert Zemeckis realizó a partir del original de Disney de 1940, que le ha reportado muy malas críticas a pesar de contar con el sello indiscutible de su autor y hallazgos visuales realmente atractivos, y este seudomusical con el que se presenta la visión personal del reputado Guillermo del Toro.

No es la primera vez que Pinocho se somete a las reglas del musical; ya en 1996 otra adaptación contó con partitura de Rachel Portman y canciones de Brian May y Stevie Wonder. Ahora es el espléndido Alexandre Desplat quien se encarga de ilustrar con una de sus bellas composiciones y un ramillete de curiosas aunque nada pegadizas canciones esta nueva incursión en el universo paternofilial de Collodi. Del Toro, en una operación similar a la que unió a Tim Burton con Henry Selick en Pesadilla antes de Navidad y La novia cadáver, se alía con el artesano de la animación Mark Gustafson, en el que es su primer largometraje, para dar vida a este personaje con aspecto desaliñado y diseño premeditadamente tosco, dentro de una galería en el que todos los personajes parecen tallados en madera al más puro estilo de las marionetas de antaño. Es cierto que poco o nada aporta este Pinocho a la galería que le precede, si acaso un mayor hincapié en el concepto de mortalidad y en el carácter sumamente inocente del protagonista, que sin duda se hace querer por su ternura y generosidad. Pero en el camino la película muestra una estética depurada, momentos de encantadora belleza, algunos personajes diseñados con irrefutable buen gusto y ese empeño del director en denunciar de paso los regímenes fascistas o directamente reírse de ellos, como ocurría con el franquismo en El laberinto del fauno y Mussolini en esta película ambientada entre las dos guerras mundiales y con ellas como terrible telón de fondo, donde el parque de atracciones que convertía a los niños en burros se ha sustituido por un campamento de adiestramiento para jóvenes que se convierten en combatientes.

Cuesta posicionarse a favor o en contra de esta sin duda innecesaria enésima adaptación del célebre personaje de madera con nariz prominente, pero de lo que no cabe duda es del esmero y el cariño puesto por su director y el equipo técnico y artístico, así como del acabado formal meticuloso y artesano que a través de la técnica del stop motion logra esta película, con la aportación impagable de un reparto de estrellas poniendo las voces en su versión original.

CENICIENTA Más alegre y divertida que atrevida o innovadora

Título original: Cinderella

USA 2021 110 min.
Dirección Kay Cannon Guion Kay Cannon y James Corden, según el cuento de Charles Perrault Fotografía Henry Braham Música Jessica Weiss y Mychael Danna Intérpretes Camila Cabello, Nicholas Galitzine, Billy Porter, Idina Menzel, Pierce Brosnan, Minnie Driver, Tallulah Greive, Maddie Baillio, Charlotte Spencer, James Corden, Romesh Ranganathan, James Acaster, Rob Beckett, Ben Bailey Smith, Luke Latchman, Fra Free, Beverly Knight Estreno en Estados Unidos y España (Amazon Prime) 3 septiembre 2021

Antes que resistirse a los encantos de los cuentos tradicionales infantiles, seguimos aferrándonos a la posibilidad de modificarlos para adaptarlos a los nuevos tiempos, pero la empresa no es precisamente fácil. La cenicienta es uno de los más populares y aclamados, y su influencia ha alcanzado a la música y el cine durante mucho tiempo. Disney sentó las bases para su comprensión y alcance en los últimos setenta años, pero dentro de unos parámetros tan conservadores y rancios como el propio cuento de Charles Perrault en el que se basa ha evidenciado con el paso del tiempo.

Hace apenas un lustro, aprovechando la reelaboración en imagen real de los clásicos de la factoría de dibujos animados, Kenneth Branagh logró presentarnos una Cenicienta algo remozada, más fresca y decidida, apartada del servilismo y la resignación al que nos tenía acostumbrados, y consciente de que su salvación no debía provenir de ningún Príncipe Azul. Aquella era una deslumbrante producción cuidada hasta el último detalle de producción, especialmente vestuario y dirección artística. Lo que ahora nos presenta Kay Cannon, responsable de varias series televisivas de corte feminista, la saga Dando la nota y la película #SexPact, es una versión mayormente musical, decididamente alegre y colorista del cuento. Pero aunque la heroína tiene claro que las riendas de su vida las ha de dirigir ella misma, y antepone su carrera profesional a su vida sentimental, ni renuncia a ella ni a ese mundo de aristócratas y súbditos a los que nos acostumbraron desde nuestra más tierna infancia estos perversos cuentos infantiles que parecían hacer nuestras delicias.

Sorprende que el personaje se decante por la costura y al diseño industrial, cuando está rodeada de tanto color y fantasía en cada figurín que le rodea, ya sea en la plaza del pueblo, la granja o el baile en Palacio. No parece así que quede mucho universo por explorar para convertirse en una diseñadora inimitable. Pero curiosidades aparte, la diversión está asegurada con estupendos números musicales muy bien coreografiados que versionan éxitos de Janet Jackson, Des’ree, Freddie Mercury, Madonna, Earth, Wind & Fire, Salt-N-Pepa, Ed Sheeran o Gloria Estefan, además de un buen ramillete de nuevas canciones.

Lástima que Camila Cabello, cantante convertida ahora en eficiente actriz, persiga sus sueños en medio de la monarquía y el amor, un mundo construido a la medida de los cuentos tradicionales aunque en el desarrollo se vayan sucediendo algunos detalles que aparten el conjunto, aunque solo sea un poco, del adocenamiento conservador generalizado. Podemos considerar un punto a favor de la película que se trate con gracia y desparpajo algunos temas relacionados con el amor conyugal, la igualdad en la pareja o el toque femenino en la gobernación de un pueblo. También que el hada madrina sea el imparable Billy Porter, todo un triunfador en las pasarelas más frívolas y electrizantes y en los escenarios de Broadway, además de en la serie Pose.

EL MAGNÍFICO IVÁN Una fábula recomendable

Título original: The One and Only Ivan
USA 2020 95 min.
Dirección Thea Sharrock Guion Mike White, según el libro de Katherine Applegate Fotografía Florian Ballhaus Música Craig Armstrong Intérpretes Bryan Cranston, Ariana Greenblatt, Ramón Rodríguez, Owain Arthur, Eleanor Matsuura y las voces de Sam Rockwell, Danny DeVito, Angelina Jolie, Brooklyn Prince, Phillipa Soo, Chaka Kahn, Ron Funches, Helen Mirren y Mike White Estreno en Disney Channel 21 agosto 2020; España 11 septiembre 2020

Si uno se acerca a esta película con los merecidos prejuicios que inspira Disney, sin saber nada de ella, lo que ya es difícil teniendo en cuenta la excesiva información que nos invade cada vez que se estrena una cinta - y esta además lleva ya un tiempo en plataformas digitales -, y sin saber que detrás de ella, en la producción, está la abanderada de las causas justas Angelina Jolie, la primera impresión causa estupefacción: ¡Una película de circo con animales que además son felices haciendo aquello para lo que han sido adiestrados! Encima, una segunda impresión, transcurrida una media hora, nos lleva a otra historia de príncipes destronados y egos por las nubes. Afortunadamente no son sino peldaños para llegar a la genuina intención del film, denunciar que existan animales en cautividad y ensalzar la generosidad y la solidaridad para lograr metas legítimas y respetables.

Con las dosis justas de sentimentalismo y una impecable combinación de imagen real y animación digital, la directora británica Thea Sharrock (Antes de ti y la serie de televisión La corona vacía) nos lleva de la mano por una fábula contemporánea, con personajes firmes y bien definidos y un encanto general más que acertado y agradable. Por si fuera poco, aunque hay niña protagonista, Ariana Greenblatt, estos días haciendo doblete con De amor y monstruos,  ¡milagro! no resulta pedante ni empalagosa, al menos no demasiado.

Un irrepetible elenco de voces invitadas, dando vida a un entrañable conjunto de animalitos, el gorila del título (Rockwell), el perro Bob (DeVito), las elefantas Stella (Jolie) y Ruby (Prince), la gallina Henrietta (Kahn), la perrita Snickers (Mirren), la loro Thelma (Soo), el conejo Murphy (Funches) y la foca Frankie (el autor del guion Mike White, que también se reserva un cameo como conductor pasmado) acaban por redondear un producto amable, recomendable para toda la familia y disfrutable por cualquiera dispuesto o dispuesta a dejarse seducir por la historia de Katherine Applegate en que se basa y los personajes que la pueblan, y encima sin malos retorcidos ni evidentes, sino simples antagonistas con ideas equivocadas pero capaces de reflexionar y rectificar. Otra preciosa balada de Diane Warren, mil veces nominada al Oscar y este año con muchas posibilidades de ganarlo por La vida por delante, redondea el producto.

WENDY Poética imposible de la infancia

USA 2020 112 min.
Dirección Benh Zeitlin Guion Benh Zeitlin y Eliza Zeitlin Fotografía Sturla Brandth GrØvlen Música Dan Romer y Benh Zeitlin Intérpretes Devin France, Yashua Mack, Gage Naquin, Gavin Naquin, Shay Walker, Lowell Landes, Ahmad Cage, Romryi Ross, Krzysztof Meyn, Kevin Pugh Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2020; en Estados Unidos 28 febrero 2020; en España 11 diciembre 2020

El mito de Peter Pan sirve al director de Bestias del sur salvaje para insistir en su particular mensaje ecológico a través de una particular celebración de la infancia. Su adaptación del clásico de Barrie se sitúa, como su exitosa ópera prima, en un ambiente marginal, esa América profunda tan del gusto de algunos cineastas, tan lejano al tradicional sueño americano que siempre nos han vendido. La Wendy del título y sus dos hermanos gemelos disfrutan de su infancia a sabiendas de que tiene caducidad.

Peter Pan, una especie de Pippi Calzaslargas masculino y negro pero más antipático y engreído que la niña sueca, ahora no vuela, viaja en lo alto de los trenes y es allí donde toma un primer contacto con estos tres hermanos y los lleva, ahora sí, a una isla mágica poblada de vegetación tropical, con un volcán en continua erupción y un gran pez al que llaman Madre y representa a la naturaleza en su estado más puro y virgen. El miedo a envejecer es el único enemigo de esta pandilla de niños desarraigados, mientras Zeitlin aprovecha para practicar poesía y convencernos de las bondades de madurar, atravesar las distintas y excitantes etapas de la vida, tal como la entendemos, pasando por el amor, los hijos, la familia… y mantener candente de algún modo al ya rancio mensaje que James Matthew Barrie desplegó en el seno de una familia burguesa londinense, y que Zeitlin aplica a la clase social más marginal posible.

La manera de rodar es previsible, cámara en mano detrás de niños en continua carrera, pero no se le puede negar al conjunto cierto encanto, algunas escenas llenas de magia pero sin mucha emoción, aunque los niños en más de una ocasión asuman esos temibles discursos impropios de su edad al que el cine americano, incluso este de vocación rebelde e independiente, es tan proclive.

PINOCHO Una mirada artesanal entre la miseria y la fábula

Italia-Reino Unido-Francia 2019 125 min.
Dirección Matteo Garrone Guion Matteo Garrone y Massimo Ceccherini, según el cuento de Carlo Collodi Fotografía Nicolai Brüel Música Dario Marianelli Intérpretes Federico Ielapi, Roberto Benigni, Gigi Proietti, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Paolo Graziosi, Davide Marotta, Alida Baldari Calabria, Alessio di Domenicantonio, Maria Pia Timo, Massimiliano Gallo, Gianfranco Gallo, Teco Celio, Enzo Vetrano, Nino Scardina, Maurizio Lombardi, Guillaume Delaunay, Ciro Petrone, Marcello Fonte Estreno en Italia 19 diciembre 2019; en España 18 septiembre 2020 

Es imposible enumerar la cantidad de adaptaciones que el cuento inmortal de Collodi ha tenido en el cine y la televisión, desde que Walt Disney se fijara en él para su segundo largometraje de dibujos animados en 1940. Una de las más celebradas se emitió por televisión en la década de los setenta, con Gina Lollobrigida como Hada Azul, y entre las más recientes se cuenta una seudomusical de 1996 titulada Pinocho: La leyenda, que tenía a Martin Landau y Genevive Bujould entre sus intérpretes, y otra de 2002 dirigida y protagonizada por Roberto Benigni tras el éxito fulgurante de La vida es bella. Precisamente en esa película el cómico italiano se reservaba el papel protagonista, mientras Matteo Garrone lo rescata ahora para dar vida a Gepetto.

Parece que el director de Gomorra alterne en su filmografía los temas sociales como en Reality y más directamente relacionados con la mafia en su celebrada adaptación del libro de Roberto Saviano y en la excelente Dogman, y las adaptaciones de cuentos infantiles, con la espléndida El cuento de los cuentos y ahora esta enésima versión de las aventuras de la marioneta sin hilos. Pero en el fondo subyace una misma obsesión, retratar las miserias de un mundo proclive al desencuentro y la humillación. Así Garrone, sin traicionar el espíritu de fábula de su referente, comienza su propuesta definiendo el carácter afable y conformista de un Gepetto en la más absoluta de la indigencia, y sometido a la humillación velada de sus vecinos, mientras encuentra en el muñeco de madera que habla y anda una razón para subsistir en su desdichada realidad. A partir de ahí toda la iconografía de personajes que exhibe destaca por su miserable carácter, su egoísmo desmedido y una casi absoluta ausencia de piedad y empatía por el prójimo, lo que convierte en cierto modo esta adaptación quizás en la más siniestra que se haya hecho.

Uno de los aspectos que más llaman la atención en el film de Garrone es que en plena era digital, en la que recrear personajes fantásticos y animales humanizados resulta tan fácil y recurrente, él apuesta, sin abandonar del todo los avances tecnológicos, por una artesanía visual más que evidente, recurriendo al maquillaje y el disfraz como elemento más apreciable a la hora de caracterizar personajes, lo que da como resultado una experiencia notablemente nostálgica y melancólica. Podríamos considerarlo como un regreso a la imaginación más pura y la creatividad más sobresaliente, aunque en el aspecto negativo hemos de reprocharle resultar demasiado episódica, lo que resta unidad al conjunto y capacidad para enganchar y emocionar más allá de su esteticista acabado formal, a la vez que esa relación paternofilial que centra el entramado de su argumento queda algo desdibujada y no llega a conmover lo conveniente.

Entre toda esa iconografía mugrienta y esa fastuosa recreación visual de un ambiente fantástico de fábula, al que el espectador es invitado a sumergirse sin prejuicio alguno, destaca la interpretación contenida de Benigni y la mirada tierna y conmovedora del niño Federico Ielapi, mientras Garrone reserva apariciones estelares para los protagonistas de su dos mayores éxitos, Ciro Petrone (Gomorra) y Marcello Fonte (Dogman).

UNA PEQUEÑA MENTIRA Un cuento de verdad

Título original: Fourmi
Francia-Bélgica 2019 105 min.
Guion y dirección Julien Rappeneau, según el cómic de Mario Torrecillas y Artur Laperla Fotografía Pierre Cottereau Música Martin Rappeneau Intérpretes François Damiens, Maleaume Paquin, André Dussollier, Ludivine Sagnier, Laetitia Dosch, Sébastien Chassagne, Didider Brice, Cassiopée Mayance, Pierre Gommé Estreno en Francia 4 septiembre 2019; en España 4 octubre 2019

Es lamentable que cuanto más cines se abren, más nos obliguen a ver lo mismo. Mientras toda la gente está centrada en ver unos cuantos títulos publicitados hasta la saciedad, promocionados hasta la náusea y proyectados cada vez en más salas, otras películas tienen que conformarse con estrenarse casi de tapadillo y con pocas posibilidades de prosperar en una cartelera saturada de sandeces. Más escandaloso es cuando además resulta que nuestro ingenio y talento tiene mucho que ver, como en este film basado en un cómic español, paradigma perfecto del cuento moderno, educativo y edificante frente al abuso de los cuentos tradicionales, hoy manifiestamente contrarios a una buena educación en valores, igualdad y justicia social.

Dream Team es el título original de este cuento gráfico de Manuel Torrecillas y Artur Laperla, hoy rebautizado con el título de la película en castellano, que ha servido al hijo del director de Cyrano de Bergerac para componer una preciosa fábula moderna sobre un niño que quiere y respeta muchísimo a su padre, un pelma de cuidado al que la vida no parece sonreír mucho. Un golpe de suerte que se convierte en una frustración sirve al pequeño Hormiga (título original de la película) para edificar un pequeño universo con el que lograr que su padre supere las adversidades. Como puede apreciarse se trata de un material delicado y altamente inflamable, que en las manos adecuadas se convierte en una pieza sutil de artesanía, amable y conmovedora, sin aspavientos ni excentricidades, solo buenos sentimientos sin ánimo adoctrinador pero con mensaje contundente lanzado a través de un ejercicio de entretenimiento tan sano como saludable.

En esto tiene una gran responsabilidad un elenco ajustado, responsable y certero, en el que cada personaje tiene vida propia, un antes y un después que les aleja del puro acartonamiento en el que frecuentemente se convierten los personajes secundarios en todo tipo de producciones. Su mensaje es útil para todos y todas, para lograr con nuestro esfuerzo y consideración que quienes nos rodeen sean más felices, evitar sufrimiento a quienes nos quieren y lograr que entre todos y todas éste sea un mundo más habitable, sin rencores ni desprecios. Lo sorprendente es que algunos sepan comprender el mensaje y hasta divulgarlo a los cuatro vientos, pero no sean capaces de ponerlo en práctica... ¡con lo fácil que es!