BELÉN Grito necesario de libertad

Argentina 2025 105 min.
Dirección Dolores Fonzi Guion Laura Paredes, Dolores Fonzi, Agustina San Martín y Nicolás Britos Fotografía Javier Juliá Música Marilina Bertoldi Intérpretes Dolores Fonzi, Camila Plaate, Laura Paredes, Julieta Cardinali, Sergio Prina, Luis Machín, César Troncoso Estreno en Argentina 18 septiembre 2025; en España (Amazon Prime) 14 noviembre 2025

Ganadora del Premio a la mejor película latinoamericana en los Premios Forqué, y candidata en la misma categoría a los Goya, se trata de la segunda película como directora de la actriz Dolores Fonzi (El aura, Paulina, La cordillera), tras Blondi en 2023, y un alegato contra la marginación de la mujer y el derecho a disponer de su cuerpo en libertad a través del aborto, a partir de hechos reales ocurridos en Tucumán en 2014. Represión y corrupción política, policial y judicial se dan la mano en este terrible suceso que condenó a una mujer joven a perder varios años de su vida en una cárcel por supuestamente cometer un aborto inducido.

Un film por lo tanto necesario ahora más que nunca, cuando los derechos adquiridos en el pasado, en este caso muy reciente, apenas cinco años, corren el peligro de sufrir la misma involución que estamos percibiendo en otros aspectos, muy especialmente en países que han optado democráticamente por regímenes propios de una dictadura, como es el caso de Argentina, y más recientemente hemos observado con ojos muy incrédulos en Chile. Fonzi pone interés y entusiasmo como directora a la hora de abordar esta terrible historia, de forma muy académica y profesional, más incluso que como protagonista, la abogada defensora de la infortunada, cometido que aborda con cierto distanciamiento emocional.

El film discurre por caminos muy convencionales, de manera que entretiene más que conmueve, siguiendo una línea directa y cómoda desde el punto de vista narrativo. Lástima que la trama se vaya resolviendon de forma atropellada conforme avanza su metraje, incluido el clamor popular que provocó el episodio y colaboró en la ley que permite el aborto en Argentina. Cabe reconocer la habilidad del cine de ese país para combinar denuncia social y política con recursos propios del thriller.

MISS CARBÓN Mujer y minera, doble triunfo

España-Argentina 2025 93 min.
Dirección Agustina Macri Guion Erika Halvorsen Fotografía Luciano Badaracco Música Maite Arroitajauregi Intérpretes Lux Pascal, Paco León, Laura Grandinetti, Romina Escobar, Federico Marzullo, Simone Mercado, Gabriela Pastor Estreno en salas 12 junio 2025

La hermana transexual de Pedro Pascal da vida a una heroína de nuestro tiempo, la primera mujer que pudo trabajar en la mina en una región de Argentina especializada en esta industria. La suya fue una conquista paulatina, primero como hombre travestido, después operado y, finalmente, mujer gracias a la aprobación de una legislación acorde a una mayor sensibilidad, igualdad y reconocimiento de derechos al más amplio abanico de seres humanos posible. Un doble triunfo, el reconocimiento de su capacidad para trabajar en la mina y el de su condición de mujer.

La realizadora argentina Agustina Macri alcanzó cierto reconocimiento hace siete años por su película Soledad, donde reivindicaba la figura de otra mujer singular, la activista anarquista María Soledad Rosas, que acabó suicidándose en una cárcel italiana cuando fue acusada al parecer injustamente de sabotear las obras de un tren de alta velocidad. Regresa ahora al formato del largometraje para contarnos esta historia de resistencia y perseverancia en un entorno hostil, donde sin embargo son las mujeres quienes ofrecen más batalla a la transexualidad, como de hecho ocurre en ciertos núcleos feministas esgrimiendo argumentos que rozan lo ridículo. Menos acosada de lo que podría parecer por sus compañeros de trabajo, y muy acogida por quienes como ella reivindican otro género y vivirlo en libertad, el recorrido de Carla pasa por experimentar también el amor, siempre desde la clandestinidad y con más prejuicios de lo esperable.

Con todo, en su recorrido la cinta exhibe cierta sensibilidad y delicadeza a la hora de exponer personajes y situaciones, sin cargar jamás las tintas y ofreciendo un mural de reacciones y reflexiones variopinto y aceptable. Lux Pascal logra con una interpretación matizada generar la calidez y la complicidad necesarias para dejarse llevar por el particular testimonio de su personaje, mientras Paco León demuestra una vez más manejarse tan bien en papeles serios y drmáticos como lo ha hecho siempre en los cómicos.

EL JOCKEY Pretencioso viaje de transformación

Argentina-México-España-Dinamarca-USA 2024 97 min.
Dirección Luis Ortega Guion Luis Ortega, Fabián Casas y Rodolfo Palacios Fotografía Timo Salminen Música Sune Wagner Intérpretes Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Mariana di Girolamo, Daniel Fanego, Osmar Núñez, Luis Ziembrowski, Roberto Carnaghi, Adriana Aguirre, Roly Serrano Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2024; en Argentina 26 septiembre 2024; en España 30 mayo 2025

Seis años después de El ángel, y sin que conozcamos el resto de las ocho películas que componen su filmografía, presumimos que Luis Ortega no encuentra un lenguaje propio, pero investiga y arriesga para lograrlo. Nada que ver con aquella interesante anterior película, y mucho nos tememos que tampoco con las series televisivas en las que ha intervenido en este tiempo, en El Jockey se ampara en la luminosa y colorista fotografía de Timo Salminen, habitual de Kaurismäki, para contarnos en clave surrealista el cambio de identidad de una persona sometida a una continua presión.

Al jockey del título da vida ese actor menudo de quien todavía recelamos cuál sea su verdadera nacionalidad, si francés, español o probablemente argentino, Nahuel Pérez Biscayart. La película cuenta su particular viaje de redención y búsqueda de verdadera identidad, en clave de ahorro gestual, rodeándose para ello de una excesiva cantidad de personajes, entre mafiosos de pacotilla, pareja sentimental con amante del mismo género, presos de diversa condición y buscadores de talento.

Paseos interminables por un Buenos Aires frecuentemente nocturno y fantasmagórico, configuran el particular vía crucis de este personajillo con escasa entidad, tan poca como la que atesora esta película falta de interés, con la que sin embargo su director y equipo se han paseado por todos los palmarés de final de temporada, sin arañar apenas resultados. Ortega, hijo de Palito, se permite adornar su fábula con canciones de su propio padre y otros artistas con aroma vintage, como Sandro o Nino Bravo, en este pretencioso trabajo con ínfulas de genialidad que no consigue arrancar nuestras simpatías.

BLONDI Madre amadísima y súper colega

Argentina-España 2023 88 min.
Dirección Dolores Fonzi Guion Dolores Fonzi y Laura Paredes Fotografía Javier Juliá Música Pedro Osuna Intérpretes Dolores Fonzi, Carla Peterson, Santiago Rovito, Rita Cortese, Leonardo Sbaraglia, Matías Camisani Estreno en Argentina 1 junio 2023; en España (no en sevilla) 3 julio 2024

En su primer trabajo como directora, la actriz Dolores Fonzi (Plata quemada, Paulina, Truman) propone un homenaje a la maternidad, pero no a una cualquiera sino una muy especial, de buen rollo y colegueo. Ella misma interpreta a una madre muy joven que apenas se lleva quince años con su hijo, lo que le permite tener una relación muy estrecha con él, disfrutar de las mismas cosas, hacer muchos planes en común e implicarse en su devenir como joven ambicioso de vivir y explorar todas sus posibilidades. Pero no le basta, además se convierte en el eje sobre el que gravita toda la familia, especialmente una hermana algo confusa y desorientada, cuya vida burguesa no parece satisfacerle, y una madre y abuela del joven que parece tan dependiente emocionalmente de su hija menor como el resto de la familia y ella misma con su vástago.

Pero ella nunca pierde los estribos, siempre está feliz, y eso que ni siquiera disfruta de una situación económica boyante, sino más bien precaria. Nos quiere así convencer de que vivir y procrear puede ser una experiencia muy positiva da igual cuáles sean las circunstancias, lo importante es sentirlo todo con alegría y expectación. Y todo esto se supone que tiene que fluir con frescura y naturalidad, cuando sólo por sus premisas ya nos parece una total impostura propia de cuento chino.

No es que no pueda resultar convincente, sino por el carácter ya de partida de la fábula, enfocada a ese happy happy que pretende inundarlo todo. Dicen algunos que por debajo reina la tristeza y la melancolía, será que han visto otra película. Para otros, como nosotros, lo que reina es la estulticia y la ridiculez. Santiago Mitre, que dirigió a Fonzi en La cordillera, le ha producido el engendro, que cosechó aun así tres nominaciones a los Premios Platino.

LOS DELINCUENTES Largo camino hacia la utópica libertad

Argentina-Brasil-Luxemburgo-Chile 2023 189 min.
Guion y dirección Rodrigo Moreno Fotografía Inés Duacastella y Alejo Maglio Intérpretes Esteban Bigliardi, Daniel Elías, Margarita Molfino, Germán De Silva, Mariana Chaud, Gabriela Saidon, Cecilia Rainero, Javier Zoro, Laura Paredes, Adriana Aizemberg Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2023; en Argentina 26 octubre 2023; en España 1 diciembre 2023; en Filmin 26 enero 2024

Activo desde principios de este siglo, el director argentino Rodrigo Moreno parte de una película de Hugo Fregonese de 1949 titulada Apenas un delincuente, para transformar la idea original hasta duplicar la duración del original y ofrecer un relato que no se atiene a una trama única ni mucho menos a un género específico. Aunque dividida en dos partes, nos encontramos en realidad ante una cinta dividida en un prólogo, tres partes y un epílogo, en la que se suceden géneros diversos que van del drama criminal con considerables dosis de intriga, al drama romántico salpicado de pequeñas concesiones al humor, e incluso el western en parajes incomparables de la Argentina rural. Estas cinco partes reconocibles fuerzan un diálogo a dos voces, apuntado en el intrigante prólogo en el que dos firmas auténticas complican la retirada de fondos de una anciana en el banco donde trabajan sus dos protagonistas.

Cómplices en una intriga criminal, se verán envueltos a su vez en otra de corte romántico, y así se van duplicando las historias y sus posibilidades, hasta llegar al verdadero objeto de tesis del director y guionista, que no es sino alcanzar la libertad utópica que sólo la liberación de ataduras sociales puede conseguir, a lo que se entregan cinco personajes cuyos nombres son el mismo pero con las letras cambiadas (Román, Ramón, Norma, Morna, Román), y a quienes acompaña en sus misteriosas y casi sonámbulas incidencias la música cuidadosamente seleccionada entre Piazzolla, Poulenc o Saint-Saëns, dando el conjunto cierto aire idílico no exento de reconocible onirismo.

Todo esto sería apasionante si no fuera por lo mucho que se resiente del conjunto su extremado largo metraje, habiendo pasado su director de la hora y media escueta del documental Una ciudad de provincias y la aún más recortada hora y cuarto de Reimón, a las más de tres horas de ésta, merendándose sólo los créditos finales nada más y nada menos que quince minutos. Este desmesurado metraje hace que su tercera parte acabe resultando tediosa y que nuestro interés decaiga considerablemente, a pesar de lo cual mereció cuatro nominaciones a los recientes premios Platino, a mejor película, guion, montaje y fotografía. Mención aparte merece el trabajo incisivo y delicado de Esteban Bigliardi, uno de sus protagonistas y actor fetiche en la filmografía de Moreno. 

PUAN Entre existir y funcionar

Argentina-Italia-Brasil-Francia-Alemania 2023 111 min.
Guion y dirección María Alché y Benjamín Naishat Fotografía Hélène Louvart Música Santiago Dolan Intérpretes Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia, Julieta Zylberberg, Alejandra Flechner, Cristina Banegas, Andrea Frigerio, Mara Bertelli, Claudia Cantero, Gaspar Offenhenden, Lali Espósito Estreno en el Festival de San Sebastián 26 septiembre 2023; en Argentina 5 octubre 2023; en España 27 marzo 2024

Alché y Naishat tienen cada uno y una por separado una considerable carrera a sus espaldas como realizadores, pero es ahora con esta comedia agridulce con la que han saltado a la esfera internacional y logrado cierto interés como producto de calidad y ambicioso reducto de filosofía existencialista. Ambientada en lo que parece una universidad privada en la calle Puan de Buenos Aires, quizás en el año 2012, pues ni uno ni otro particular quedan suficientemente claros, trata sobre la diferencia entre existir y funcionar, dejarse llevar o tomar la iniciativa, tal como su torpe y algo anodino protagonista parece querer explicar a su rica y avejentada alumna de improbable interés por la materia.

Acostumbrado a existir bajo la sombra de su mentor y maestro, titular de la cátedra que tras su muerte aspira a ocupar, nuestro protagonista, un estupendo Marcelo Subiotto que logró la Concha de Plata del pasado Festival de San Sebastián, quizás en representación de un reparto coral absolutamente impecable, apenas recorre su vida sin un objetivo existencial que le asista, más allá del conocimiento y de seguir las reglas más o menos convencionales que se nos han impuesto. Pero la llegada de un oportunista y seductor antiguo compañero, un pícaro y pedante Leonardo Sbaraglia, le obligará a dejar simplemente de existir para comenzar a funcionar. La cinta a su vez funciona más como sucesión de episodios, algunos muy divertidos, en los que sus múltiples personajes se dedican a derrochar ingenio verborreico, sin que sus autores y realizadores acierten a encontrar un rumbo fijo al que destinar las desventuras de su perdido y desorientado personaje principal.

Se trata de un film por lo tanto disfrutable y divertido, repleto de ocurrencias y con cierto sabor intelectual que se echa mucho de menos en tanto y tanto cine que se estrena sin dejar huella indeleble alguna. Pero falla su intención y no logra cerrarse de manera convincente y satisfactoria, sin que tampoco quede muy definido el ambiente político y social en el que pretende desarrollarse, habiéndose rodado tantos meses antes de que el lamentable fenómeno Milei arrasara en las urnas e hiciera todavía más improbable la utópica intelectualidad que propone una cinta donde la corrupción durante décadas ha mermado tanto las posibilidades de un país que merecería mayor riqueza de la que disfruta. En San Sebastián logró también el premio del jurado al mejor guion, mientras los Goyas y los Forqué la consideraron en el apartado de mejor película iberoamericana, que en ambos casos le arrebató La memoria infinita.

LA EXTORSIÓN Suspense en las cloacas del poder

Argentina 2023 105 min.
Dirección Emanuel Zaidelis Guion Emanuel Diez Fotografía Lucio Bonelli Música Pablo Borghi Intérpretes Guillermo Francella, Pablo Rago, Andrea Frigerio, Carlos Portaluppi, Guillermo Arengo, Alberto Ajaka, Mónica Villa, Romina Pinto Estreno en Argentina 6 abril 2023; en España 8 marzo 2024

Se nota en las formas aseadas y un tanto asépticas de este thriller seudopolítico, la formación de su director en la televisión, no tanto en alguna que otra comedia realizada para la pequeña y la gran pantalla, habida cuenta de la carencia de humor que rezuma el conjunto. Con un punto de partida prometedor e inquietante, la cinta se va diluyendo en favor de un exceso de convencionalismo que va destruyendo poco a poco su carácter fabulador y sus buenas intenciones, encaminadas como suele ser habitual en este tipo de producto, a desentrañar algunas de las cloacas más pestilentes del sistema, en una Argentina especialmente proclive a la corrupción y el desaliento.

Guillermo Francella da vida con todo el esfuerzo y la dedicación que su cometido le exige, a ese extorsionado del título, un piloto comercial con algún detalle por esconder, que es utilizado por los servicios de inteligencia de su país para llevar a cabo una serie de delicadas operaciones en el puente aéreo entre Buenos Aires y Madrid. Alrededor de él se reúnen una serie de personajes de manual entre los que no faltan el matón, el funcionario perverso, el compañero díscolo y la fiscal cabreada, entre otros.

Mientras, los escenarios se definen pulcramente entre oficinas sofisticadas y aeropuertos de diseño por los que deambulan extras distraídos con el mismo aspecto aunque disten varios días entre unas de otras escenas. A pesar de todo lo expuesto, se ve con cierto interés, esperando banalmente esos giros que deparen alguna sorpresa, pero manteniendo su valor como entretenimiento y algún punto de suspense aislado.

LA ESTRELLA AZUL Cantos de ida y vuelta

España-Argentina 2023 129 min.
Guion y dirección Javier Macipe Fotografía Álvaro Medina Música Peteco Carabajal y Alicia Morote Intérpretes Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodríguez, Mariela Carabajal, Catalina Sopelana, Aitor Domingo, Roberto Chavero, Demi Carabajal, Óscar Carabajal, Pablo Carabajal, Peteco Carabajal, Alicia del Carmen Carabajal Estreno en el Festival de San Sebastián 25 septiembre 2023; en salas 23 febrero 2024

Hay películas que con un no se la pierda ya tienen hecha la crítica. Es lo que le sucede a esta entrañable ópera prima del director maño Javier Macipe, aunque nuestros cada vez más impresentables premios Goya le hicieran caso omiso, y su paso por el Festival de San Sebastián le obligara a conformarse con el Premio del Jurado Joven y otro más residual de Cooperación Española. La estrella azul es pura emoción que recupera una constante cultural que existió entre España y los países de Sudamérica que invadió, y que en el terreno musical se tradujo en aquellos cantos de ida y vuelta que tanto influyeron a un lado y otro del Atlántico, enriqueciendo el acervo musical de las culturas así relacionadas. Tiene sin embargo razón el personaje central de la película al lamentar que esta interrelación no se produzca tanto en la actualidad, y que el auténtico folclore latinoamericano apenas pase desapercibido para el consumidor español. Esa fue la preocupación de Mauricio Aznar cuando a principios de los noventa del siglo pasado, decidió dejar atrás problemas sentimentales y adicciones varias, y con ello el grupo musical que lideraba junto a su amigo de la infancia Gabriel Sopeña, Más Birras, un referente del rock zaragozano.

Viajó con lo puesto a Argentina en busca del mediático Atahualpa Yupanqui, único referente de un supuesto folclore auténtico argentino más allá del tango, y en el camino se topó con la legendaria familia Carabajal. Interpretándose a sí mismos, aunque con algunos roles cambiados para superar la distancia de treinta años que afecta a aquella época con la actualidad, y consiguiendo así que el film rezuma cierto aire de metaficción, los músicos argentinos introdujeron a quien por entonces tenía la edad que hoy tiene Macipe, en un mundo sencillo y amable, sin ambiciones, con la música como meta y origen y un amor incondicional por todo lo que la naturaleza, y con ella el hombre desprejuiciado, es capaz de ofrecernos sin artificios ni imposiciones. Se cuece así un paseo por el reencuentro con nuestro ser más íntimo, con un poder sanador que ni los psicólogos ni chamanes ni libros de autoayuda son capaces de ejercer. Todo lo rueda este humanista irredento con buen gusto, con cariño y una talentosa mirada para hacer del baile en verbenas y charangos un espectáculo emotivo y emocionante. Macipe entra así en el corazón de Santiago del Estero, y nos invita a hacerlo también al público, disfrutando de cachareras maravillosas como La Telesita o Penas y alegrías del amor, cantos de ida que Cuti Carabajal y Pepe Lorente como Aznar entonan para dar sentido a una amistad imperecedera. Y como canto de vuelta, la voz de Enrique Bunbury nos recuerda que Héroes del Silencio encumbró con su versión de Apuesta por el rock & roll al grupo Más Birras, aunque ya fuera tarde para salvar a Mauricio Aznar y mantenerlo vivo en un mundo que ya no reconocía y al que había dejado de pertenecer.

Un efecto mágico demuestra el poder de resurrección del cine, y nos transporta entonces a un final en el que ficción y realidad se confunden con una elegancia y una emoción increíble, dejando claro que Javier Macipe es toda una revelación y alquien a quien tener muy en cuenta a partir de ahora. Su rodaje fue interrumpido por la pandemia; San Sebastián la rescató, y Sevilla la incluyó en su sección oficial fantasma de la pasada edición del Festival de Cine Europeo. Mientras tanto su carrera internacional sólo ha recalado en los festivales de Varsovia y Santa Bárbara. Esperemos que la ceguera, la sordera y la estulticia no enturbien la fructífera carrera que merece. De momento parece que la distribución no se ha portado tan mal como con otras cintas desahuciadas ya desde su titánico estreno.

CUANDO ACECHA LA MALDAD De miedos y demonios

Argentina 2023 99 min.
Guion y dirección Demián Rugna Fotografía Mariano Suárez Música Pablo Fuu Intérpretes Ezequiel Rodríguez, Demián Salomón, Luis Ziembrowski, Silvina Sabater, Marcelo Michinaux, Federico Liss, Emilio Vodanovich, Paula Rubinsztein, Virginia Garófalo Estreno en el Festival de Toronto 13 septiembre 2023; en Argentina 9 noviembre 2023; en España 19 enero 2024

Con títulos muy reconocidos en su país, como Aterrados o la comedia negra No sabes con quién estás hablando, no ha sido hasta ahora que una película del argentino Demián Rugna ha conocido una mayor proyección internacional. En nuestro país sólo Sitges vio el estreno de la primera de las películas mencionadas; gracias a la repercusión mediática que ha tenido en Estados Unidos, donde el director ya participó en una cinta de episodios titulada Satanic Hispanics, tampoco estrenada en España, por fin llega a nuestras pantallas una cinta suya.

Cuando acecha la maldad plantea la insostenible situación que se origina en una zona rural del país andino, marco ideal para dar al conjunto aspecto de western contemporáneo, tras el descubrimiento de un hombre contagiado de una rara enfermedad que resulta ser una posesión diabólica. Este embichado, como lo denominan en un lugar que parece familiarizado con los incidentes satánicos, contagia a diestro y siniestro convirtiendo a los habitantes del lugar en una suerte de ladrones de cuerpos devenidos en zombies a los que dos hermanos están empeñados en liquidar para salvar a sus seres queridos. No recurre Rugna para todo este entramado diabólico a fórmulas cómicas o gamberras, sino que se toma la empresa muy en serio y nos ofrece un producto bien resuelto, sin prisas ni aspavientos salvo en los momentos destacados de gran impacto entre vísceras, desmembramientos, pus, hachazos y otras lindezas no aptas para estómagos sensibles. Se prestan a todo ello unos actores y actrices carismáticos que evidencian todo un triunfo de casting, además de una puesta en escena tan esmerada como práctica.

Destila sin embargo la impresión de que todo lo que plantea lo hemos visto antes, no inventa nada a pesar de una evidente ambición de originalidad, limirtándose a combinar una serie de situaciones y lugares comunes que nos llevan de las cintas de John Carpenter a la mismísima ¿Quién puede matar a un niño? (los niños como seres por educar, catalizadores de ese mal que se aprovecha de los miedos ajenos) y todo un festival de películas sobre posesiones demoníacas. Se agradece sin embargo que no enfatice con fatuos sustos y música machacona las horripilantes situaciones que plantea, y promete un director que puede dar mucho juego en producciones venideras. En la última edición del Festival de Sitges logró el premio a la mejor película.

1ª JORNADA SEFF 2023

FELIPE Adolescencia acorralada

Argentina-España-Guatemala-México 2023 83 min.
Guion y dirección Federico Schmukler Fotografía Elke Reisinger Intérpretes Felipe Szumik, Andrea del Carmen Charras, Pablo Limarzi, Analía Juan, Catalina Oliva Sección oficial. Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 24 noviembre 2023

Sin fecha de estreno ni siquiera en su país, Felipe tuvo su puesta de largo definitiva en el Festival de Sevilla, donde comprobamos su inclusión con calzador en una sección oficial absurda, toda vez que no cuenta ni con jurado ni por supuesto palmarés, algo insólito en cualquier certamen cinematográfico que se precie.

Coincide el visionado de esta película algo insustancial con la victoria de la ultraderecha populista argentina como única balsa de salvación que algunos consideran posible para salir de la eterna crisis económica que asola el país. Y lo hace hablándonos del famoso corralito de 2001, imagen de fondo de las vivencias de un adolescente perdido y desorientado ante los problemas de índole sentimental de su edad, empezando por la clásica familia desestructurada en la que debatirse por vivir con el padre siempre ausente por motivos laborales en una presuntamente tumultuosa Buenos Aires, o con la madre ajetreada con sus vaivenes legales en defensa de los más desfavorecidos en la provinciana Córdoba.

Ante semejante indecisión surge también el primer amor, torpe e impreciso, y una serie de escapadas y episodios que van tejiendo su hora y media escasa de duración ante la perplejidad de quien se pregunta qué es realmente lo que nos quiere contar su director, o si acaso está tan perdido y desorientado como su joven y taciturno protagonista.

SALA DE PROFESORES La vida es dura desde que se nace

Título original: Der Lehrerzimmer
Alemania 2023 94 min.
Dirección Ilker Çatak Guion Johannes Duncker e Ilker Çatak Fotografía Judith Kaufmann Música Marvin Miller Intérpretes Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Rafael Stacxhowiak, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Uygar Tamer, Ózgur Karadeniz Selección EFA. Estreno en el Festival de Berlín 18 febrero 2023; en Alemania 4 mayo; en España prevista en febrero de 2024

Galardonada con varios premios Lola del cine alemán y nominada a tres de los Premios Europeos del Cine, la película del director de origen turco Ilker Çataz pretende ser una disección más o menos acertada de la dificultad que tienen los profesores de colegios o institutos para resolver hasta el más nimio problema cuando todo se les echa encima, desde los padres del alumnado a la administración o la justicia, cuando no hay recursos disponibles para resolver lo más evidente. Es un problema con el que lidian millones de personas que se dedican al profesorado en todo el mundo, cuando el enorme esfuerzo reglamentario se ha volcado en defender a quien se considera más débil o vulnerable en una ecuación de difícil resolución.

La profesora protagonista de este calculado film de tesis, es partidaria de resolver cualquier problema paso a paso, siguiendo una metodología muy casuística y determinada. Pero su particular cubo de Rubik se viene abajo cuando forzada por las circunstancias, y tras una serie de acontecimientos que es incapaz de manejar y evitar, falla en sus propios postulados y se salta algunos de los pasos de su propia metodología. A partir de ahí deviene un particular calvario en el que todo se le pone en contra, hasta límites solo aceptables cuando de una ficción destinada a revolver conciencias se trata. Çatak acierta al generar una tensión en progreso irrespirable y dejarnos con muy mal cuerpo al comprobar cómo lo más sencillo puede complicarse tanto. Pero fracasa al encomendar casi todo el peso dramático de la función a un guion demasiado medido y orientado hacia un único camino, al que su bravísima protagonista se dedica en cuerpo y alma, logrando así que esa tensión dramática aludida funcione en todo su esplendor.

Otra cosa es colocar a adultos e infantes a un mismo nivel, especialmente visible en una improbable revista del colegio al que sus redactores y redactoras se dedican como si les fuera la vida en ello y, sin necesidad de pasar por la Universidad, ejercer el oficio periodístico con una profesionalidad increíble. Pero si hay algo que de verdad llama la atención en esta desigual película es su capacidad para mostrar lo dura que es la vida, incluso en los ambientes más acomodados, ya desde la misma infancia; cuánto se sufre y a menudo por tan poco desde que nacemos, expuestos y expuestas a situaciones que nos llevan al límite y que tan difícil nos resulta resolver. Y en este sentido es el personaje del muy inteligente Oskar, a quien Mendelssohn acompaña en las últimas escenas de la película, el que más nos atrae y conmueve.

BREAK NATION El insólito ritmo andaluz de los noventa

España 2023 90 min.
Dirección David Pareja Guion David Pareja y Antonio García Jiménez Fotografía Alberto Pareja Documental. Panorama Andaluz. Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 24 noviembre 2023

Si sigue así, David Pareja se convertirá en todo un especialista en documentales musicales. Debutó en 2017 con Indestructible: El alma de la salsa, donde realizaba un recorrido espacial y sentimental por la América de la salsa de la mano de Diego El Cigala, y presenta ahora todo un sorprendente y revelador homenaje al fenómeno del Breakbeat andaluz de la década de los noventa del siglo pasado. Quizás porque me cogió un poco mayor, o más bien seguramente porque asumía responsabilidades que me hicieron quedar fuera de estos ámbitos, viví ese ambiente completamente ajeno, creyendo que la única movida interesante en ese momento era la ruta del bacalao valenciana. De esta forma el trabajo de Pareja nos descubre un fenómeno de masas que nació en Marbella al hilo de las influencias que llegaban de Inglaterra, y con la oposición firme, abusiva y hasta dictatorial del infame Jesús Gil. De ahí pasó a Málaga y Sevilla para acabar recorriendo toda la geografía andaluza, capitales y pueblos, llenando las pistas de música electrónica de tiempos rotos, como así se define, con la que organizar rabiosas raves.

Lástima que aunque cuenta con muchos testimonios de promotores y disc jockeys que trabajaron la escena, y con una ingente cantidad de material gráfico en su mayoría proveniente de videos domésticos de gente aficionada, el conjunto resulta demasiado disperso como para comprender en su totalidad la cronología y la amplitud de su influencia, de forma que sólo nos queda una idea ligera aunque sorprendente de lo que llegó a ser, y de cómo acabó fagocitando ideas y costumbres de Florida, así como funcionando solo en este hemisferio de la península ibérica, sin apenas repercusión a partir de Despeñaperros, con la sorpresa generalizada del resto de una Europa donde sus tentáculos no llegaron a alcanzar.

Hitos como el éxito de The Prodigy, o el final de la aventura a causa de su corrupción cani y, sobre todo, del desastre a nivel de organización y estupefacientes, resultado de muerte incluida, que supuso la celebración del séptimo aniversario del programa de Canal Sur Radio Mundo Evassion. Esto provocó la destitución de su principal artífice, Daniel Moreno, lo que quizás también pudo provocar su suicido unos años después, hechos que se convierten en inflexiones interesantes de este desigual pero muy trabajado documental. Después vino el reguetón, y a esto insólitamente no hay quien lo pare.

EMPIEZA EL BAILE Cine para viajar, pero sin tanta carga

Argentina-España 2023 98 min.
Guion y dirección Marina Seresesky Fotografía Federico Rivares Música Nicolás Guerschberg Intérpretes Darío Grandinetti, Mercedes Morán, Jorge Marrale, Pastora Vega, Agostina Pozzi, Lautaro Zera, Marcelo Xicarts, Carolina Sobisch Estreno en el Festival de Málaga 14 marzo 2023; en España 5 abril 2023; en Argentina 20 abril 2023

Seducidos por el viaje que a través de Argentina, por su pampa, sus bosques y montañas propone el primer trabajo en su país de la directora argentina afincada en España Marina Seresesky (Lo nunca visto, La puerta abierta, ambas con Carmen Machi), no encontramos en esta amable película más que un guion calculado al milímetro en sus ponzoñosas líneas de diálogo, que cuenta sobre todo con dos grandes interpretaciones de unos Grandinetti y Morán de más que contrastada competencia. La de Marrale, aun habiendo conseguido el premio al mejor actor secundario en un Festival de Málaga donde la película también se alzó con el Premio del Público, nos resulta algo sobreactuada.

Hay poco en esta bienintencionada película sobre la madurez y la consecución de sueños pospuestos, que nos parezca creíble o realista. Todo huele a impostado en este viaje de dos días que parecen un mes por lo dilatado que todo resulta y por la cantidad de episodios y anécdotas que se suceden. Mientras algunos de estos episodios tienen su gracia e ingenio, en otros, como el perpetrado a costa de la violencia machista, son más bien de mal gusto.

De cualquier modo lo peor reside en que invita poco a la empatía, se deja ver solo desde la distancia, sin que sus postulados lleguen a interesar el mínimo necesario. Por el camino cabe disfrutar con un paisaje rural y humano, al que los títulos de crédito finales rinden merecido homenaje, que son marca del continente americano, tanto del hemisferio sur como del norte, al menos de los países más desarrollados donde siempre habrá hueco para la América profunda.

EL VASCO No basta solo buenas intenciones

España-Argentina 2022 100 min.
Dirección Jabi Elortegi Guion Arantxa Cuesta y Xabi Zabaleta Fotografía Jon Sangroniz Música Fernando Velázquez Intérpretes Joseba Usabiaga, Inés Efron, Eduardo Blanco, Itziar Aizpuru, Laura Oliva, Itziar Ituño, Analía Juan, Hernán Sevilla Estreno 7 octubre 2022

Con cierta vocación de comedia amable para sentirse bien, en la línea de ese cine británico que tan buenos réditos lleva dando desde hace ya un buen puñado de años, poblado de gente de buen corazón y espíritu solidario, la película de Jabi Elortegi, de cuyo currículo apenas nos llama la atención haber dirigido a Anne Igartiburu en una desconocida película de 2009 titulada Felicidad perfecta, se mueve entre el tedio y el camino a ninguna parte.

Los resultados son por lo tanto muy poco estimulantes y decididamente fallidos. No podía ser de otra manera cuando se confía su supuesto romanticismo a un pánfilo y una pazguata, se busca apoyo secundario en un actor como Eduardo Blanco para dar vida a un personaje de manual, sin credibilidad ni carisma, y solo se salva del cóctel la veterana Itziar Aizpuru como abuelita, intentando dar algo de cordura a esta comedia de malograda tesis e ínfimos recursos, donde cierto canto a la patria a la inversa acaba por no encontrar su destino.

Se trata de poner en evidencia el excesivo patriotismo vasco cuando un joven huye de su tierra por falta de oportunidades y fracasos sentimentales, para dar con sus huesos en una Argentina profunda donde el sentimiento vasco de familiares y colaterales es aun más exacerbado. Como premisa y punto de arranque vale, pero su desarrollo evidencia la falta de ideas de sus responsables, unas continuas caídas de ritmo e interés y un tedio general de esos que nos llevan a preguntarnos por qué no abandonamos la sala antes. Y es una pena, porque prometía.

ARGENTINA, 1985 Justicia para todos

Argentina 2022 140 min.
Dirección Santiago Mitre Guion Santiago Mitre y Mariano Llinás Fotografía Javier Juliá Música Pedro Osuna y Michael Giacchino Intérpretes Ricardo Darín, Peter Lanzani, Alejandra Flechner, Norman Briski, Carlos Portaluppi, Alejo García Pintos, Claudio Da Passano, Gina Mastronicola, Laura Paredes, Susana Pampín, Daniela Leyva Becerra Acosta Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2022; en Argentina 29 septiembre 2022; en España 30 septiembre 2022 

En 1985 Argentina ganó su primer Oscar a la mejor película de habla no inglesa con La historia oficial, un melodrama de Luis Puenzo en el que una acomodada ama de casa abría los ojos recién terminada la dictadura militar de Videla, para descubrir el horror que había azotado su país y cómo había afectado incluso a su propia familia. Ese mismo año la judicatura argentina, con el presidente Alfonsín detrás, decidió abrir la causa judicial que una gran parte del país imploraba, contando para ello con el fiscal Julio Strassera, asistido por el joven idealista, y sin embargo de familia vinculada al mando militar, Luis Gabriel Moreno Ocampo. Juntos formaron la pareja de héroes a la que esta emocionante e imprescindible película rinde homenaje.

Santiago Mitre ha estado siempre comprometido con los entresijos de la política, a gran escala (La cordillera) y en la base (El estudiante), así como con los derechos humanos y sociales (Paulina). Ahora combina ambos temas y, en un alarde de sobriedad y discreción, abandona cualquier pretensión de estilo y autoría para simplemente narrar los hechos con la mayor objetividad posible y honestidad en unos acontecimientos que apenas dejan margen para la duda ni la incomprensión. La mayor de las aberraciones y crueldades humanas se dio cita en aquella dictadura que apenas duró siete años y que tanto daño hizo y sigue provocando. Argentina demostró con estos juicios al estilo de los de Nuremberg que era un país con dignidad, a pesar de que los resultados apenas arrojaran al dictador a un continuo ir y venir de cárceles, donde finalmente falleció a los 87 años.

Mitre se sirve de una narrativa convencional para sintetizar la causa y sus protagonistas, motivaciones y consecuencias, enarbolando en todo momento la bandera de la más pura y genuina emoción, apelando al corazón y salpicando su quirúrgica disección con momentos sublimes, algunos dotados de humor, otros de simple y llano sentimiento. Darín añade otro personaje extraordinario a su larga trayectoria, mientras el resto del reparto cumple con el compromiso y la complicidad que la empresa merece. El resultado mereció el Premio Fipresci de la Crítica Internacional en Venecia y el del Público en San Sebastián. Ninguna transición del autoritarismo a la democracia debe salir indemne y resultar indolora, y aquí lo estamos descubriendo cuarenta años después. Todos y todas merecen justicia.

LAS SIAMESAS Duelo de amor y odio en un autobús

Argentina 2020 81 min.
Dirección Paula Hernández Guion Paula Hernández y Leonel D’Agostino, según el cuento de Guillermo Saccomano Fotografía Iván Gierasinchuk Música Ulises Conti Intérpretes Rita Cortese, Valeria Lois, Sergio Prina Estreno en Argentina 3 diciembre 2020; en el Festival de Valladolid 28 octubre 2021

Aunque es apenas conocida en nuestro país, la directora argentina Paula Hernández lleva muchos años en el oficio, intentando en sus filmes analizar la psicología humana y las relaciones sociales, especialmente cuando de mujer se trata. En este difícil y duro film nada contemplativo recurre a dos grandes actrices con las que ya trabajó en el pasado, la veterana Rita Cortese (Herencia) y la más joven pero también curtida Valeria Lois (Los sonámbulos), sendo ellas lo más atractivo en un duelo sin cuartel entre una madre y una hija condenadas a la convivencia más incómoda y demencial imaginable, la que ha de sufrir una mujer en la cuarentena que ve como su vida se le va escapando mientras se reduce a la atención y vigilancia constante de una madre que acumula todos los grandes males de la sociedad moderna, de la hipocondría al miedo total y absoluto a una sociedad que entiende desde su vertiente más maligna, perversa y amenazante, pasando por una lengua de lo más viperina y maliciosa.

Todo se condensa en un incómodo viaje en el autobús que les sirve de ratonera a la vez que supone el único resquicio de conexión a la realidad y el exterior que parece encontrar la más joven, en la persona del descarado conductor. Así las cosas su apenas hora y cuarto de duración se hacen larga y pesada, mientras nos preguntamos si realmente era necesario ser tan cruel y despiadado con estas dos desgraciadas cuya relación acaba resultando tan desconcertante y ligeramente amanerada como el resto de la función. Su participación en la sección oficial del Festival de Valladolid y los premios cosechados en Mar del Plata y la crítica argentina parecen haberle abierto las puertas a una nominación al Goya a la mejor película iberoamericana.

ESTRENO EN SALAS DE EL ROBO DEL SIGLO

Reseña de la película estrenada en el Festival de Cine Español de Málaga el 29 de agosto de 2020

Estreno en salas comerciales 2 julio 2021

EL ROBO DEL SIGLO Menos ingenio del que necesita

Argentina 2020 114 min.
Dirección Ariel Winograd Guion Álex Zito y Fernando Araujo Fotografía Félix Monti Música Darío Eskenazi Intérpretes Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Johanna Francella, Mario Alarcón Estreno en Argentina 16 enero 2020; en el Festival de Málaga 29 agosto 2020 

Ariel Winograd tiene en su haber el acierto de dirigir en 2017 la comedia Mamá se fue de viaje, que dio lugar a remakes en México, Italia, Francia y España, donde Santiago Segura lo convirtió en vellocino de oro con Padre no hay más que uno. Aparte de eso su carrera se ha plagado de comedias más o menos logradas, a las que ahora se añade este film de robos con ritmo y resolución también de comedia, fundamentalmente por la aportación de sus protagonistas, entre quienes se cuentan el siempre brillante Guillermo Francella, y una banda sonora entre swing y soul que fija el ritmo y el estilo de la cinta.

Cuenta una historia real, lo que hace que a pesar de sus disparatadas premisas resulte convincente, en la que un puñado de conocidos, unos delincuentes, otros candidatos, deciden de la noche a la mañana, sin muchos preámbulos, atracar un banco en principio insondable, urdiendo un plan tan ingenioso como complejo y arriesgado.

Rodada con oficio pero sin el ingenio que exigen este tipo de producciones, se hace digerible tanto por su planteamiento como por sus aseados ingredientes, cumpliendo así su principal cometido, que es entretener sin muchas complicaciones ni segundas lecturas. Por eso resulta exagerado estimar que forme parte del selecto grupo de películas destacadas del año en Latinoamérica, así como manifiestamente injusto para una cinematografía tan variada y ecléctica como la que nos propone el continente americano. Pero los Forqué así la han considerado.

DE NUEVO OTRA VEZ Ese rollo de la maternidad

Argentina 2020 84 min.
Dirección Romina Paula y Rosario Cervio Guion Romina Paula Fotografía Eduardo Crespo Música Germán Cohen Intérpretes Romina Paula, Mónica Rank, Ramón Cohen Arazi, Mariana Chaud, Pablo Sigal, Denise Groesman, Esteban Bigliardi Estreno en Argentina 6 junio 2020; en España (no en Sevilla) 16 octubre 2020 

Hay muchas formas de hacer cine experimental, y desde luego de contar historias con un mínimo de recursos y unas intenciones muy precisas, aunque a veces resulten pretenciosas. Todo eso es esta suerte de docudrama realizado, escrito e interpretado por Romina Paula, que rodeándose presuntamente de los y las suyas hace una aparentemente profunda reflexión sobre su reciente maternidad. Un niño de tres años que acapara toda su atención y la de su germano parlante abuela parece ser el punto de partida de una mujer que busca reencontrarse consigo misma, algo muy propio de un país en el que tanto abunda el psicoanálisis.

Salidas con amistades de antaño, jugueteos con la atracción lésbica, preguntas sobre su posición respecto a la relación que mantiene con el padre de su hijo, los testimonios a cámara de algunas de sus interlocutoras recitando poemas de Rilke entre otros, nada más y nada menos, y una búsqueda incesante en sus raíces a partir de un álbum fotográfico en el que se mezcla su familia y otras análogas de otras épocas a menudo anacrónicas, sirven de collage para este ejercicio presuntamente sensible, con una mirada que se pretende eminentemente femenina, a través de un discurso algo disperso y aburrido, que le ha valido no obstante a su autora el Premio a la mejor producción latinoamericana en el Festival de San Sebastián.

LA OLA VERDE (QUE SEA LEY) Una lucha necesaria y dolorosa

Título original: Que sea ley
Argentina-Uruguay-Francia 2019 85 min.
Dirección Juan Diego Solanas Documental Estreno en el Festivald e Cannes 18 mayo 2019; en Argentina 3 octubre 2019; en España 6 marzo 2020

Hoy 8 de marzo, Día de la Mujer Trabajadora y de la Mujer por extensión, me acerco a conocer de primera mano una situación tan dura y difícil como es la lucha de la mujer argentina por un aborto libre y seguro, fuera de la clandestinidad, una cuestión de ampliación de derechos y de sanidad pública. Y lo hago sorprendido de estar solo en la sala del único cine en Sevilla donde se exhibe. Hoy que tanta militancia sale a la calle a reivindicar una igualdad que ni de lejos está de ser realidad, me sorprende que nadie, ni mujeres ni hombres, en esta ciudad se haya preocupado por conocer este drama tan tangible y trasladable a nuestra realidad social, porque si bien en España gozamos de este derecho y libertad fundamental, no deja de ser un síntoma más de la falta de seguridad y libertad que sigue teniendo más de la mitad de la población como consecuencia de una sociedad fuertemente patriarcal e influida por la religión que todo lo ensucia y contamina.

Es necesario sumergirse en este tipo de crónicas valientes y decididas, tan llenas de verdad y de dolor, que nos lleva de la mano a la calle donde millones de mujeres gritan y luchan, y nos hace estremecer con el testimonio de quienes más sufren. Al final es como todo, una cuestión de clase social, de casta y de poder. La gente pobre frente a la rica, quienes tienen que morir si quieren elegir y quienes pueden elegir sin riesgo, aunque sigan dándose golpes de pecho defendiendo al ser germinal aunque una vez fuera del útero materno ya no le importe a nadie, y menos al Estado. Hipocresía frente a la vida, el gozo y el disfrute en esta tierra a la que deberíamos venir a disfrutar y no a sufrir tanto. Los desgarradores testimonios de mujeres jóvenes, pobres, prostitutas y fatigadas, a quienes se les niega la salud, se les insulta, y hasta se les encarcela, son fundamentales para conocer y comprender este dolor inadmisible, y de paso seguir abogando por una mayor equidad y un mayor equilibrio entre hombres y mujeres, real no ficticio, que escuche a ellas y amplíe sus derechos y libertades. El papel de la Iglesia, pidiendo incluso la abstención como mejor método anticonceptivo, pero como recalca uno de los testimonios de esta película, un sacerdote con conciencia, no precisamente la abstención de los curas pederastas, vuelve a ser el talón de Aquiles de legisladores incapaces de asumir su responsabilidad y de garantizar un mínimo de calidad de vida a quienes ya estamos sobre el planeta.

El director, Juan Diego Solanas, de quien hace unos años vimos un interesante drama romántico de ciencia ficción, Un amor entre dos mundos, visibiliza en este devastador documento el impresionante discurso de su padre, el senador Fernando Solanas, también cineasta (Sur, Tangos: El exilio de Gardel) en la cámara alta argentina poco antes de que el proyecto de ley aprobado en la Cámara de los Diputados fuera tumbado ante el llanto y el estupor de los dos millones de mujeres que aguardaban fuera bajo la lluvia. Hoy afortunadamente el presidente Alberto Fernández cuenta con más apoyos para que la ley se haga realidad. Como dice Fernando Solanas, ¡habrá ley! en Argentina, y lograremos entre todas y todos mayor justicia social en el resto del mundo, pero ¡cuánto cuesta convencer hasta de lo más elemental! La lucha tiene que continuar, en la igualdad de oportunidades, en la erradicación de la violencia machista, y en la lapidación del pensamiento reaccionario, deshumanizado, arcaico y por qué no decirlo, malvado, de la extrema derecha fascista y ultraconservadora.

FIN DE SIGLO El amor suspendido en un hilo

Argentina 2019 84 min.
Guion y dirección Lucio Castro Fotografía Bernat Mestres Música Robert Lombardo Intérpretes Juan Barberini, Ramón Pujol, Mia Maestro, Mariano López Seoane, Helen Celia Castro-Wood Estreno en Nueva York 30 marzo 2019; en España (no en Sevilla) 13 diciembre 2019

Como tantos otros jóvenes cineastas independientes, el argentino Lucio Castro se curtió haciendo cortometrajes en Nueva York, y allí, en el seno del Festival de Nuevos Directores y Nuevos Films que se celebra en el Moma, ha presentado su ópera prima en formato de largometraje. Se trata de una romántica historia entre dos homosexuales, ambientada en Barcelona y con la relatividad del tiempo y el espacio como materia de análisis. De hecho este film estructurado en tres partes bien diferenciadas juega con el tiempo, obviando el cambio físico de sus protagonistas a pesar de haber transcurrido veinte años entre la segunda y primera parte. Un ejercicio que bien podría interpretarse como un romance al revés, el que habitualmente se experimenta en el ambiente gay, hoy bastante común en otros gracias a su importación.

Nos referimos al sexo antes de la seducción, al placer antes que el cortejo, la inversión del proceso tradicional, aquí patente a través del intercambio de los tiempos. En una tercera parte asistimos sin embargo a un tema no tan original como pretende, ya presente en un título mítico de nuestra cinematografía, La vida en un hilo de Edgar Neville. Todo ello bañado con un sentido del ritmo pausado y relajado y la recurrente tendencia a utilizar arquetipos atractivos, hombres guapos, jóvenes y sin pluma alguna. Habría que probar a hacer lo mismo con intérpretes menos agraciados y un poquito de pluma, quizás más de uno y una se llevaría una agradable sorpresa.

Todo parece indicar que se utiliza el cambio de siglo para suspender ese tiempo y espacio al que nos referimos, provocando una situación presuntamente mágica y poética. Pero a pesar de su triple tiempo y único espacio, toda su parafernalia e intención daría perfectamente para un corto, ahorrando mucho verbo inútil, reflexión obvia y contemplación de la belleza, aunque entonces todavía la vería menos gente.

LA ODISEA DE LOS GILES Homenaje al buenismo popular

Argentina-España 2019 116 min.
Dirección Sebastián Borenzstein Guion Sebastián Borenzstein y Eduardo Sacheri, según la novela del segundo Fotografía Rodrigo Pulpeiro Música Federico Jusid Intérpretes Ricardo Darín, Luis Brandoni, Chino Darín, Verónica Llinás, Daniel Aráoz, Carlos Belloso, Rita Cortese, Andrés Parra, marco Antonio Caponi, Ailín Zaninovich, Alejandro Gigena, Guillermo Jacubowicz Estreno en Argentina 15 agosto 2019; en España 29 noviembre 2019

De los cinco largometrajes dirigidos por Sebastián Borenzstein, tres, los últimos, están protagonizados por Ricardo Darín. El primero fue el exitoso Un cuento chino, al que siguió el menos logrado y más pretencioso Capitán Koblic. Darín forma parte ahora de un elenco coral y variopinto en esta comedia de tintes sociales y eminentemente humanos, un nuevo homenaje a esa clase trabajadora y responsable sin la que el mundo es incapaz de avanzar pero que tiene la fatal desgracia de sufrir todos los vaivenes a los que le condena la mala gestión económica y política, siempre en manos de parásitos incompetentes sin conciencia ni compasión. Son esos giles del título, término con el que se les denomina en Argentina.

 

De lo que se trata es de poner una vez más en tela de juicio la conveniencia del capitalismo a ultranza, favorecer el corporativismo y la solidaridad y reivindicar para el pueblo lo que es suyo. La trama se ambiente a principios de siglo, con el corralito como telón de fondo y caldo propiciatoria para la especulación monetaria, causante de la desgracia de unos heroicos perdedores, como han titulado la cinta para su explotación internacional. El producto final podría haber sido más incisivo, con más ironía y mala uva, pero se queda seguramente a propósito en algo más ligero, un mero entretenimiento que ayude a exhibir las miserias de banca y especuladores y muestre un divertido grupo de mujeres y hombres llanos y buenos, dispuestas a ejercer su derecho al menos a una justicia poética que consuele el dolor y la angustia de saberse víctimas de un sistema tan despiadado y cruel con los y las semejantes.

 

Al carácter amable de la cinta contribuyen naturalmente unos intérpretes en perfecta forma, una estructura narrativa perfectamente articulada, cierto aire country que le da un aspecto general más desenfadado, una exposición de los hechos clara y sencilla y un guion que equilibra perfectamente drama y comedia. El resultado es una cinta que se ve con agrado y se disfruta con resignación.