EL MAL HIJO Deliberadamente sórdida

España 2026 106 min.
Dirección Jaime Lorente Guion Jaime Lorente y Salvador S. Molina Fotografía Elías M. Félix Música Luismi Glez Bedmar Intérpretes Miguel Ángel Puro, Susi Sánchez, Hugo Arbúes, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente Estreno en el Festival de San Sebastián 18 septiembre 2026; en salas 16 octubre 2026

Salto a la dirección de Jaime Lorente, a quien hemos visto en series de éxito como La casa de papel, en papeles de duro como el de 42 segundos, otros más extravagantes como en Disco, Ibiza, Locomía, o thrillers con estilo como el de Reversión. Ahora rescata un género antaño muy querido por los cineastas españoles, y que quizás con los nuevos aires de desesperanza y rencor que se avecinan, encaje bien. A nosotros, desde luego, no nos convencen estos dramas de carácter veladamente social en los que reina la crudeza, la falta de objetivos y la caída constante en la miseria y la desesperación.

No hay nada en el debut como director de Lorente que invite a la esperanza, que nos desahogue entre tanto maleante y gente de poca o ninguna moral. Ni siquiera su joven protagonista, Hugo Arbúes, puede huir del estereotipo de persona desgraciada y sin horizonte, dentro de ese tipo tan recurrente que combina cultura de la calle con modales moderadamente exquisitos, incluso en el habla. Quiere quizás demostrar, especialmente a través del personaje de la abuela y su presunta habilidad para presagiar la fatalidad, que ésta se transmite inevitablemente de generación a generación.

Lo peor, sin embargo, es la escasa habilidad del novel director para contar la historia de manera mínimamente coherente, echando mano constantemente de la elipsis y ahorrando deliberadamente información sobre los personajes, sus motivaciones y sus actividades. Mucho queda a la imaginación o la interpretación intelectual del público, hastiado quizás de tanta acumulación de clichés sobre personajes malvados y sin esperanza, con secuencias que parecen desordenadas y una relación abuela-nieto que no acaba de aprovechar toda su ternura y amabilidad. Esta falta deliberada de información no hace sino perder paulatinamente el interés. Una canción original del Niño de Elche pone punto final a este crudo y áspero dislate.

FLORA Y SU HIJO MAX Un Ken Loach musical

Título original: Flora and Son
Irlanda-USA 2023 94 min.
Guion y dirección John Carney Fotografía John Conroy Música Gary Clark jr. Intérpretes Eve Hewson, Joseph Gordon-Levitt, Orén Kinlan, Jack Reynor, Marcella Plunkett, Paul Reid, Don Wycherley, Keith McErlean Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2023; en Irlanda 21 septiembre 2023; en España 29 septiembre 2023 (Apple TV+)

El fugaz estreno de la entrañable Letras robadas, y el descubrimiento de la actriz irlandesa Eve Hewson en El día de la revelación, aunque ya la habíamos visto en muchas producciones, casi siempre como secundaria, por ejemplo en otro Spielberg, El puente de los espías, ha provocado nuestra curiosidad y recuperar el film que John Carney dirigió antes de la cinta protagonizada por Paul Rudd y Nick Jonas. En su momento se estrenó directamente en una plataforma digital, corroborando a su principal responsable como un Ken Loach musical, preocupado por la clase trabajadora aunque desde una perspectiva más ligera y menos comprometida, pero igualmente eficaz, siempre con la música como vía de escape y redención, y a menudo solucionadora de problemas.

En esta ocasión se trata de una joven madre separada del padre de su hijo, un chico problemático al borde de ingresar en un reformatorio, a la vez resignada a no encontrar más hombres en su vida que ligues de una noche exclusivamente para sexo. Narrada con la habitual sencillez del director de Once y Begin Again, colorista y positiva, el personaje interpretado por Hewson encontrará en las lecciones de guitarra seguidas a través de internet, despachadas por un atractivo y cantarín Joseph Gordon-Levitt al que no veíamos desde hace mucho, un vehículo quizás idóneo para solucionar estos y otros problemas.

Todo es ternura y candidez, señas de identidad del director irlandés, además de un sentido de la comedia bastante acertado, en esta película que como Letras robadas se desenvuelve entre Dublín y Los Angeles, aunque en este caso la ciudad californiana sólo aparezca de forma virtual. El resultado está teñido de amabilidad y agradables canciones marca de la casa, generando esa sensación de pasar un buen rato y potenciar nuestra confianza en que la felicidad puede llegar desde lo más insospechado, sin cargar las tintas ni traicionar en el tramo final, como hacen tantas comedias actuales, el tono amable y jocoso. Aunque se estrenó en 2023 en una plataforma digital, la recuperamos este año en el que se ha incorporado a otra, Movistar Plus+.

Estreno en salas de CONOCE LOS BÁRBAROS

Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2024. Estreno en salas 29 mayo 2026 

Estreno en salas de TURNO DE GUARDIA

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2025

TURNO DE GUARDIA Control frente al dolor y la muerte

Título original: Heldin
Suiza-Alemania 2025 92 min.
Guion y dirección Petra Biondina Volpe Fotografía Judith Kaufmann Música Emilie Levienaise-Farrouch Intérpretes Leonie Benesch, Sonja Risesn, Alireza Bayram, Selma Jamal Aldin, Margherita Schoch, Urs Bihler, Jürg Plüss Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2025; en Suiza 27 febrero 2025

La directora suiza Petra Biondina Volpe presentó hace unos años la película El orden divino, sobre el tardío sufragio femenino suizo. Por su parte, la actriz alemana Leonie Benesch se metió hace un par de años en la piel de una aguerrida profesora dispuesta a llegar a la verdad y la justicia en La sala de profesores, y ahora muta a una entregadísima enfermera, tan discreta como impecablemente responsable, en esta película que Volpe ha dirigido a partir de su propio guion, un trabajo exhaustivo y extenuante que se desarrolla en un único escenario durante una sola noche.

El doloroso universo de una planta de hospital sirve de enclave en el que asistimos a una pluralidad globalizada, gente de toda clase y condición, de diferentes nacionalidades, que conviven en ese espacio de sanación y muerte. El riguroso trabajo de la realizadora y la actriz, junto al excelente montaje de Hansjörg Weissbrich, logran un film dinámico, duro e implacable. La ternura se combina con la cruda realidad de la enfermedad, el inevitable error con consecuencias a veces graves, y un control del temperamento extremo como ingrediente fundamental de una profesión tratada con realismo a través de un retrato extenuante y sumamente exigente, que cuenta también con sus inevitables limitaciones.

Benesch depura en toda su compleja extensión un trabajo extraordinario de contención, expresividad introvertida y mirada atónita frente a unos acontecimientos que a menudo sobrepasan a la persona más caústica y resistente. Pretende servir además como alegato frente a la falta preocupante de vocación, traducida en una alarmante carencia de personal sanitario en los países de nuestro entorno, si bien parece espantar más el interés por la profesión.

SEFF 2025. DRAGONFLY La buena vecina

Reino Unido 2025 98 min.
Guion y dirección Paul Andrew Williams Fotografía Vanessa Whyte Música Raffertie Intérpretes Andrea Riseborough, Brenda Blethyn, Jason Watkins Estreno en Reino Unido 7 noviembre 2025

Aunque tiene una nutrida filmografía a sus espaldas, y numerosos trabajos para la televisión, el realizador británico Paul Andrew Williams sigue siendo un desconocido entre nosotros. Quizás esta interesante combinación de cine social y thriller lo saque del anonimato. Se trata de una inteligente y muy interesante reflexión sobre la soledad y la vejez, pero sobre todo la bonhomía, la generosidad y el altruismo que tanta desconfianza generan en una sociedad tan deshumanizada como la que vivimos.

Una cinta que se toma su tiempo para mostrarnos la relación que se entabla entre una anciana y su vecina, que el director trata con una atmósfera malsana y las suficientes dosis de intriga como para generar cierta inquietud y la certeza de que algo va a salir mal. Lástima que ese tiempo se dilate en exceso, de forma que tengamos cierta sensación de rutina y falta de giros necesarios, hasta que se instala por fin aquello que andábamos esperando, aunque sea de forma distinta a las expectativas, lo que celebramos en aras a esa sorpresa indispensable que merece el género.

Sus dos protagonistas absolutas se entregan en cuerpo y alma para incorporar a la vulnerable anciana, Brenda Blethyn, Oscar en 1989 por Mi pie izquierdo y más tarde extraordinaria protagonista de Secretos y mentiras, y su improvisada cuidadora, espléndida Andrea Riseborough en un registro muy diferente al que nos tenía acostumbrados. Cabe sin embargo plantearse dudas acerca de la oportunidad de su inesperado final, por cuánto de castigo ofrece para sus sufridos personajes, incluido un tercero en discordia.

LA DEUDA El trabajo de un buen hombre

España-Rumanía 2025 115 min.
Guion y dirección Daniel Guzmán Fotografía Ibon Antuñano Música Richard Skelton Intérpretes Daniel Guzmán, Itziar Ituño, Susana Abaitua, Rosario García, Luis Tosar, Mona Martínez, Francesc Garrido, Fernando Valdivieso Estreno en el Festival de Málaga 14 marzo 2025; en salas 17 octubre 2025

Igual que en su ópera prima como director, A cambio de nada, contó con la colaboración como actriz de su abuela Antonia, Daniel Guzmán cuenta ahora con otra viejecita, Rosario García, para contarnos una entrañable y dura película sobre desheredados de la sociedad. Guzmán interpreta a un pobre hombre al que la suerte siempre le da esquinazo, que se encarga de cuidar y mimar a la anciana que le ha educado y mantenido, pero a quien un giro del azar convierte en paria de la sociedad, perseguido por bancos desahuciadores, policías intransigentes y una justicia que sigue demostrando no ser igual para todos. La deuda es el trabajo de una buena persona, de alguien que se preocupa por el prójimo, especialmente los más vulnerables, denuncia la injusticia social y se compromete con valores que muchos se apresurarán a tildar de ingenuos y productos del buenismo más ridículo. En el camino, Guzmán comete algún desvarío, que tanto vale como tropiezo del director, que mala decisión del personaje, si bien hay aspectos que no funcionan en una historia que quiere dejar todos los cabos bien atados.

Rodeado de buenos amigos, como Luis Tosar, el actor y director consigue conmover e interesar, gracias a una hábil combinación de cine social y cine de acción bien resuelto incluso en su aspecto técnico. La conmovedora interpretación del protagonista, uno de esos personajes con los que a buen seguro nos cruzamos a diario y no prestamos atención, y de quienes le rodean, especialmente sus tres protagonistas femeninas, logran un film emotivo y de extrema sensibilidad, aunque acabe por sucumbir a la falta de esperanza y de soluciones en un mundo hecho sólo para los más fuertes y despiadados.

Un mundo que necesita de gente desgraciada, aunque sólo sea para que los privilegiados se sientan como tales. Eso explicaría un par de elocuentes y recurrentes localizaciones, barrios o polígonos marginales, sucios y cochambrosos, a las puertas de la opulencia que representan las Torres Puerta de Europa, o esos cuatro rascacielos que tanto se retratan en Madrid, en los que se asientan algunas de las entidades bancarias más poderosas e influyentes.

ON FALLING Una actitud incomprensible

Reino Unido-Portugal 2024 104 min.
Guion y dirección Laura Carreira Fotografía Karl Kürten Intérpretes Joana Santos, Inés Vaz, Piotr Sikora, Neil Leiper, Jake McGarry, Itxaso Moreno, Leah MacRae, Billy Mack Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Portugal 27 marzo 2025; en España 19 septiembre 2025

Premiada el año pasado en San Sebastián con la Cocha de Plata a la mejor directora, el debut de la portuguesa Laura Carreira, bajo bandera fundamentalmente inglesa, fija su atención en una joven como ella que sobrevive con un trabajo precario y rutinario en una localidad de las islas británicas, mientras observa a su alrededor un entorno en el que no se ve capaz de encajar. Una mirada diferente al cine de carácter social, donde lo importante no es tanto contar una historia que nos conmueva y agite nuestra conciencia, sino acercarnos en modo crónica al día a día de una persona que carece de habilidades sociales.

Ahí es donde radica fundamentalmente el problema de la cinta, en insistir en un modelo de persona con carácter lo más parecido a una autista, con comportamientos que hacen su caso muy particular y aislado, en todos los sentidos. Mientras, a su alrededor vibra la vida, lo que no parece estar indicándonos que esa idéntica precariedad y el esclavismo universal al que, no lo olvidemos, estamos todos y todas condenadas, precisamente por aceptar un sistema que interesa sólo a unos cuantos, no afecta a toda persona por igual.

El enganche generalizado al móvil o a series de televisión de fácil consumo no parece tampoco potenciar esa sensación de aislamiento y falta de ternura que padece una protagonista incapaz de escapar de esa realidad aburrida, monótona y carente de interés en el que se siente sumergida, y para la que todos los recursos puestos a su disposición son sistemáticamente desaprovechados por su incomprensible actitud. Todo lo cual, rodado con el habitual feísmo que caracteriza este tipo de producciones, hace que el film se nos antoje poco agraciado y menos convincente. Hay muchas formas de rebelarse contra el sistema, y falta hace enfrentarse a él, pero la actitud de nuestra protagonista, en este sentido bien interpretada por Joana Santos, nos parece incomprensible.

DIAMANTE EN BRUTO Princesa de barrio en busca de fama

Título original: Diamant brut
Francia 2024 103 min.
Guion y dirección Agathe Riedinger Fotografía Noé Bach Música Audrey Ismael Intérpretes Malou Khebizi, Idir Azougli, Andréa Bescond, Ashley Romano, Alexis Manenti, Kilia Fernane Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2024; en Francia 20 noviembre 2024; en España 18 julio 2025

Parte este debut en la dirección de la joven Agathe Riendinger de una premisa prometedora que, sin embargo, no acaba de arrancar y sencillamente da giros sobre sí misma como si entrara en un bucle permanente. Así, el retrato de esta mega choni de barrio marginal en el extrarradio, se antoja un material dramático de escasa enjundia y casi nulo interés. Ensimismarse en su cuerpo, su estilo y esa permanente preocupación por lucir, a su manera, lo más espléndida posible, no parece tener entidad suficiente para erigirse en una película lo suficientemente atractiva. Las idas y venidas de esta joven si más inquietudes que triunfar en las redes sociales y saltar a un reality que le sirva de trampolín definitivo, no encajan con el supuesto mensaje al que como cine social aspira y que seguramente pretende transmitir.

La joven protagonista, Malou Khebizi, se empeña a fondo en este papel que parece revivir el fenómeno Brigitte Bardot en clave hortera nuevo milenio, pero todo alrededor carece del interés que eleve la cinta por encima de sus, por otro lado, limitados recursos. El conjunto acaba siendo más un retrato de la fealdad que de la belleza a la que aspira su protagonista. Resulta difícil simpatizar con este personaje tan burdo y carente de interés, por mucho empeño que decididamente ponga la joven actriz.

No parece que la realizadora tanga las ideas claras y, en definitiva, de forma que ni las andanzas seudo románticas de la chica, ni sus devaneos al límite de la legalidad, en ese peligroso margen del hurto y la prostitución, consiguen que la cinta remonte. Al final el atractivo de su sinopsis acaba siendo decepcionante, en cierto modo una estafa. Y a pesar de todo fue seleccionada en Cannes y aspiró a dos premios César, mejor ópera prima y mejor actriz revelación.

LA HISTORIA DE SOULEYMANE La maquinaria de la impotencia

Título original: L’histoire de Souleymane
Francia 2024 92 min.
Dirección Boris Lojkine Guion Boris Lojkine y Delphine Agut Fotografía Tristan Galand Intérpretes Abou Sangare, Nina Meurisse, Younoussa Diallo, Amadou Bah, Emmanuel Yovanie, Alpha Oumar Sow, Keita Dialo Estreno en el Festival de Cannes 13 mayo 2024; en Francia 9 octubre 2024; en España 30 abril 2025

En su tercer largometraje como director, Boris Lojkine insiste en su particular fascinación por el drama africano, pero esta vez en lugar de viajar al castigado continente (Hope, Camille), se centra en las calles parisinas, donde un inmigrante sin papeles prepara su examen para lograr el reconocimiento de refugiado político, a la vez que recorre sin descanso las calles de la capital francesa llevando pedidos de comida en su bicicleta. La película no disimula su aspecto semi documental mientras estructura su narración en tres tiempos bien reconocibles. Un primero en el que se presenta el personaje, su objetivo y su preparación, centrándose fundamentalmente en ese ir y venir sin tregua por las calles nocturnas de pedido en pedido, con peaje en varias situaciones puntuales que tejen bajo un prisma preciso y casi esquemático el universo al que se enfrenta cada noche. En un segundo tiempo, nos introduce en las desavenencias con la gente de su propia raza y condición, problemas de carácter económico, mafias básicas en las que preparar un examen o disfrutar de una cuenta para trabajar como repartidor, tienen su precio. Y en el tercero, finalmente este héroe anónimo, carne de supervivencia, se enfrenta a la tan temida entrevista.

Y durante todo el periplo vamos conociendo historias de solidaridad, una maquinaria con la que hoy cuentan las grandes ciudades de nuestro entorno, con la que se intenta paliar en la medida de lo posible la grave situación que sufren cada día millones de inmigrantes y refugiados de todo el mundo, evidenciando cierta impotencia y desgaste humano. Asistimos también al proceso de renuncia que experimenta el protagonista, un joven Abou Sangare que con este papel logró el pasado año premios de interpretación en los Cesar, Cannes, Gijón y los Premios Europeos del Cine.

Lojkine imprime ritmo y pasión a un trabajo impecable en sus idas y venidas, que nos hace partícipes de las desventuras del joven guineano, aunque en el desarrollo experimentemos esa sensación de ya visto y de típica acumulación de desgracias que apenas da respiro a la experiencia personal de uno de tantos desheredados de una Tierra que hace mucho decidimos que sólo nos pertenecía a unos pocos. Otros tres César (mejor actriz revelación para Nina Meurisse, la atenta y expresiva entrevistadora, el guion original y el montaje) y el Premio del Jurado en la sección Un certain regard de Cannes, completan su valioso y abultado palmarés.

LA ISLA DE LOS FAISANES Cine social y solidario

Título original: Faisaen Irla
España-Francia 2025 98 min.
Dirección Asier Urbieta Guion Asier Urbieta y Andoni de Carlos Fotografía Pau Castejón Intérpretes Jone Laspiur, Ibrahima Kone, Sambou Diaby, Itziar Ituño, Jon Olivares, Josean Bengoetxea, Aia Kruse, Rodonny Perriere Estreno en el Festival de Málaga 18 marzo 2025; en salas 25 abril 2025

Hace falta más cine social en este país, sobran tantas comedias de diseño generadas casi por catálogo de inteligencia artificial. El director vasco Asier Urbieta, tras un par de cortometrajes y una miniserie, se ha atrevido para su debut en el largometraje con este género, la mejor de las intenciones y una vocación humanitaria de primer orden. Claro que todo esto no es suficiente sin unas ideas más claras, al menos en lo que a narrativa estrictamente cinematográfica se refiere.

Como la isla que le da título, un pequeño territorio ubicado en el río Bidaosa, entre las localidades del País Vasco español de Irún y Fuenterrabía, y la del homólogo francés Hendaya, se trata de una coproducción entre los dos países, que narra el drama de la inmigración desde el punto de vista de una joven concienciada y valiente y su pareja, un español de origen africano. Una doble mirada desde la solidaridad y la empatía, pero también desde el temor y el trauma de quien se sigue sintiendo perseguido y despreciado, especialmente entre los agentes de la seguridad. Urbieta consigue un arranque poderoso que atrapa, y del mismo modo un desenlace ajustado a las expectativas.

Lástima que el sólido y sobrio armazón que lo sustenta, especialmente gracias a sus excelentes interpretaciones, sobre todo la joven Jone Laspiur, Goya a la mejor actriz revelación por Ane, decaiga en su trazo central, donde las ideas escasean y la rutina parece justificarse por la duración estándar de un largometraje. A pesar de todo, la película mantiene su fuerza, su coraje y su valor como denuncia moral, llamada a la empatía y la solidaridad y esperanza en un mundo mejor donde desaparezcan tantas fronteras humanas y emocionales. Antes de preestrenarse en el Festival de Málaga, estuvo en la sección oficial del Festival de Gotemburgo.

MUY LEJOS Volver a empezar

Título original: Molt lluny
España-Países Bajos 2025 100 min.
Guion y dirección Gerard Oms Fotografía Edu Canet Música Silvia Pérez Cruz Intérpretes Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani, Raúl Prieto, Jetty Mathurin, Hanneke van der Paardt, Nausicaa Bonnín Estreno en el Festival de Málaga 16 marzo 2025; en salas 11 abril 2025

Excelente debut en la dirección de largometrajes de Gerard Oms, actor y profesor de arte dramático que aparició, entre otras películas, en el también debut en la dirección de Mario Casas, Mi soledad tiene alas. Y es precisamente Casas quien pone rostro a esta confesión del propio director y guionista, algo también muy habitual en un primer trabajo de dirección, centrarse en algún episodio de carácter más o menos personal y autobiográfico. El alter ego de Oms da vida a un hombre que decide romper con su vida anterior y experimentar en primera persona lo que se siente cuando se es un desarraigado en busca del porvenir diario, de la supervivencia partiendo de cero, sin dinero, sin dominio de la lengua y sin documentación. Una aventura urbana que irá descubriendo al protagonista una serie de facetas de su propia personalidad que le irán enriqueciendo como persona, a la vez que le servirá como foco con el que analizar el comportamiento idealizado de otros países que se suponen más civilizados y quizás encierran miserias tan flagrantes como las nuestras, especialmente en relación a la inmigración, el racismo y la desigualdad de oportunidades.

Mientras el director se las arregla para mantener el ritmo y el interés durante todo el metraje, sumergiéndonos en las peripecias vitales de este paria voluntario, Casas borda su papel desde el punto de vista físico y dramático, dotándolo de una gran variedad de matices, procurando la naturalidad exacta que convierta el personaje en un universo propio con un pasado y un futuro. La combinación de estos dos talentos, también amigos, logra una película ejemplar en el marco de ese cine social que aquí, salvo Icíar Bollaín y Fernando León de Aranoa, apenas se cultiva, con hechuras más propias del cine belga o británico, tipo Ken Loach y los Dardenne, pero con personalidad propia y original, todo un mérito tratándose de una ópera prima.

El trabajo funciona también gracias a una galería inmejorable de secundarios, desde la hilaridad de un David Verdaguer que se sale, hasta la ternura de Jetty Mathurin como casera experimentada, pasando por la sincera vitalidad de Ilyass El Ouahdani. En el apartado musical, al margen del habitual catálogo de quejíos de Silvia Pérez Cruz, suenan algunos trabajos para violonchelo de genios como Haydn, Boccherini o Bach, aprovechando la calidad de estudiante del instrumento de un compañero de pensión del desorientado protagonista, cuyos descubrimientos y liberaciones le ayudarán con toda certeza a afrontar una vida mejor, seguramente no tan lejos de casa.

CALLADITA El desencanto de la burguesía

España 2023 92 min.
Guion y dirección Miguel Faus Fotografía Antonio Galisteo Música Paula Olaz Intérpretes Paula Grimaldo, Ariadna Gil, Pol Hermoso, Luis Bermejo, Violeta Rodríguez, Nany Tovar, Eduard Torres Estreno en el Festival de Málaga 4 marzo 2024; en salas 17 mayo 2024

Nominado al mejor director novel en los próximos Goyas, el joven Miguel Faus debutó la pasada primavera con este largometraje adaptado de su propio corto de 2020. En él analiza el comportamiento de una trabajadora doméstica colombiana en la casa de verano de una adinerada familia catalana, y la ambigua relación que se entabla entre ellos y la joven inmigrante. Faus consigue imbuir a su propuesta de cierto aire de thriller cuando las relaciones se van tensando y las atrevidas acciones de la protagonista se van acumulando. Consigue también dar ritmo a un trabajo en el que prima la observación en una primera mitad y el análisis de los comportamientos en el segundo, con especial énfasis en las miserias de la clase burguesa.

Pero echa mano en un porcentaje excesivo del cliché, convirtiendo a la señora, interpretada con convicción por Ariadna Gil, en el personaje más exigente y antipático de la función, mientras el señor, siempre eficiente Luis Bermejo, muestra la cara más paternalista a pesar de una manifiesta crueldad hacia a los animales. El trazo ligero de la hija, aparentemente preocupada sólo por cuestiones superficiales, y el retrato del hijo y sus amigos, aprendices de machos alfa, completan el universo decadente de la burguesa familia.

Son los movimientos de la protagonista a partir de un punto de inflexión, los que desconciertan, haciendo girar la trama hacia un peligroso rumbo que alerta más sobre el inconveniente de confiar en personas ajenas al núcleo familiar que sobre la relación seudo feudal que conecta al empleador con la empleada. Miserias de una y otra parte que configuran un paisaje cuya voluntad de análisis se diluye, dejando confusa la intención del director. Buen trabajo del plantel de actores y actrices, especialmente una comedida Paula Grimaldo, que ya protagonizó el corto original.

LA SEMILLA DE LA HIGUERA SAGRADA Libertad encerrada

Título original: Dane-ye anjir-e ma’abed
Alemania-Irán-Francia 2024 168 min.
Guion y dirección Mohammad Rasoulof Fotografía Pouyan Aghababayi Música Karzan Mahmood Intérpretes Mahsa Rostami, Setareh Maleki, Niousha Akhshi, Missagh Zareh, Sohelia Golestani, Reza Akhlaghirad, Shiva Ordooie Estreno en el Festival de Cannes 24 mayo 2024; en Alemania 26 diciembre 2024; en España 17 enero 2025

Tras una decena de títulos rodados en su país, el director iraní Mohammad Rasoulof saltó a la fama internacional con La vida de los demás, un alegato contra la pena de muerte que le situó en la estela de Asghar Farhadi. Tras escribir el guion de otra película iraní pero bajo bandera alemana, vuelve a contar con producción europea para su última y muy admirada película. Las formas nerviosas y agitadas de Farhadi se difuminan en el cine de Rasoulof para concentrarse en los ritmos pausados que exige su particular narrativa, lo que le lleva a contar en tres horas lo que fácilmente podría haberse reducido en un tercio. La muerte en manos de la Policía de la Moral de Teherán en septiembre de 2022 de la joven Mahsa Amini por no llevar el hiyab bien colocado, provocó una oleada de protestas en todo el país, especialmente entre los y las más jóvenes, que se convirtió en auténtica riada de sangre y que aún hoy no ha logrado los objetivos marcados.

En este contexto, Rasoulof nos cuenta la malsana atmósfera que esta situación genera en una familia que se debate entre el cumplimiento del deber por parte del padre y las revolucionarias ideas de sus hijas, mientras la madre se erige en moderadora de una situación cada vez más insostenible. Así, lo que en una dilatada primera parte se trabaja como thriller psicológico con tensión progresiva, deriva en una segunda algo más breve en la que asoma la acción al más puro estilo de género de terror, lo que provoca cierto desequilibrio en el conjunto. No obstante, cabe admirar la dificultad de llevar a buen puerto un trabajo realizado sin duda en la clandestinidad, marcado por las buenas interpretaciones de las protagonistas, fundamentalmente femeninas. Pero sobre todo cabe destacar su lucidez a la hora de plantear la gravísima situación que sufren las mujeres en países del entorno islámico, sufriendo una doble vida, la que las permite sentirse más libres paradójicamente entre los muros del hogar que fuera al aire libre, donde conducir o asistir a la Universidad no exime de someterse a la voluntad de los hombres.

En el apartado de las curiosidades, nos preguntamos qué significado tienen las figuras de cartón que recorren los pasillos de los juzgados, ellos en actitud de oración y ellas de sumisión. El tema y su tratamiento le han valido varios premios en Cannes, incluidos el Especial del Jurado y el de la Crítica Internacional, el del público a la mejor película europea en San Sebastián y optar al Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, de momento.

Estreno en salas de BIRD

Reseña de la película, estenada en el 21º Festival de Cine Europeo de Sevilla. Estreno en salas 29 noviembre 2024

SEFF 21 (2024) STRIKING THE PALACE Buena voluntad no basta

Título original: Petites mains
Francia 2024 87 min.
Dirección Nessim Chikhaoui Guion Nessim Chikhaoui y Hélène Fillières Fotografía Jean-Marc Fabre Música Demusmaker Intérpretes Lucie Charles-Alfred, Corinne Masiero, Marie-Sohna Condé, Maimouna Gueye, Salimata Kamate, Kool Shen, Mariama Gueye Estreno en Francia 1 mayo 2024

Nadie duda de que el director Nessim Chikhaoui haya puesto todas sus buenas intenciones y buen corazón en esta película destinada a reivindicar el trabajo de las camareras de hotel y denunciar sus deplorables condiciones laborales. Los franceses, siempre atentos y sensibles a los problemas de la actualidad, ya abordaron el tema, de forma tangencial en En un muelle de Normandía, donde Juliette Binoche interpretaba a una periodista que se infiltraba en un grupo de limpiadoras para conocer de primera mano sus problemas laborales, y de forma más directa en A tiempo completo, con Laure Calamy corriendo de un lado a otro de París para cumplir las duras tareas de una kelly en toda regla. No dudamos tampoco de que lo que cuenta Chikhoaui en su película ocurriera de verdad, los títulos de créidto finales lo atestiguan. Pero entonces ¿por qué nos suena todo tan impostado, tópico y caricaturesco? Sus actrices, la mayoría de origen africano, lo que expone otra de las cuestiones sensibles de la situación, ponen de su parte y hacen de ésta una comedieta amable pero definitivamente tontuzca. Mientras su título original hace referencia directa a las asistentas, el internacional se centra en la huelga que protagonizan las del lujosísimo Hotel Palace. Su cartel, por otro lado, nos remite al de The Help (Criadas y señoras).

SEFF 21 (2024) BIRD Un vuelo que no remonta

Reino Unido-Francia 2024 119 min.
Guion y dirección Andrea Arnold Fotografía Robbie Ryan Intérpretes Nykiya Adams, Barry Keoghan, Franz Rogowski, Jasmine Jobson, James Nelson-Joyce, Joanne Matthews, Rhys Yates Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2024; en Reino Unido 8 noviembre 2024; en España 29 noviembre 2024

Andrea Arnold (Fish Tank , American Honey, Vaca) insiste en retratar familias desestructuradas, padres demasiado jóvenes e irresponsables y sus consecuencias para una infancia desdichada en esta nueva película en la que ensaya con el realismo mágico a través de la historia de una niña en edad adolescente enfadada con el mundo, que parece conocer a través del encuentro con un extraño y ambiguo personaje de carácter angelical, casi como un hada, el camino para enderezar aquello que más le preocupa a nivel emocional. Lástima que la directora no sepa en cierto punto cómo llevar a cabo, desarrollar, sus premisas, que acaban en una tierra de nadie sin capacidad para emocionar, ni tan siquiera interesar. Entre sus contables atractivos se encuentran Barry Keoghan, a quien incluso se permite gastarle una broma a propósito de su comentado baile final al son de Murder on the Dance Floor en Saltburn, y el actor alemán de intrigante apariencia Franz Rogowski. Pero nos parece poco para lo que su aparente carácter poético anunciaba.

EL 47 Cuestión de voluntad

España 2024 110 min.
Dirección Marcel Barrena Guion Marcel Barrena y Alberto Marini Fotografía Isaac Vila Música Arnau Bataller Intérpretes Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Salva Reina, Aimar Vega, Carlos Cuevas, David Verdaguer, Vicente Romero, Óscar de la Fuente, Betsy Túrnez, Borja Espinosa, Carme Sansa, Francesc Ferrer Estreno 6 septiembre 2024

En su breve filmografía como director, Marcel Barrena ha demostrado un especial y admirable interés por temas relacionados con la superación personal y colectiva, temas sociales y decididamente humanos que ha tratado con discreto pero certero éxito en la ficción (100 metros, Mediterráneo) y el documental (Hermano Caballo sobre un hombre que susurraba a los caballos). El 47 del título se refiere al autobús que condujo durante gran parte de su vida Manolo Vital, un extremeño que como tantos otros, entre ellos andaluces, tuvieron que huir de su hogar ante el hostigamiento fascista tras la Guerra Civil, para asentarse en Cataluña y contribuir con su esfuerzo, integración y determinación en la construcción del país que ahora rehúye de su forja para erigirse en territorio singular e independiente. Pero más allá de esa memoria a la que apela el rescate de esta figura y de quienes le rodearon, familiares y amistades, la película de Barrena sirve como recordatorio de que la sombra de la Historia nunca cesa, continúa y se mantiene incluso en estos tiempos de supuesto bienestar en el que inmigrantes son rechazados y marginados, jóvenes apenas tienen acceso a la vivienda frente al auge del turismo, y pueblos enteros tienen que llamar la atención de autoridades para dejar de morir víctimas de un virus provocado por mosquitos, seguramente más fácil de erradicar de lo que imaginamos.

Se trata de la desidia y de la falta de voluntad de aquellos y aquellas que olvidan cuáles son sus responsabilidades y por qué fueron puestos ahí, con todos sus privilegios y dignidades, por un pueblo que se siente tan a menudo olvidado. Alguien dentro de unas cuantas décadas encontrará también en estos episodios contemporáneos material para recordarnos nuestra vulnerabilidad, la necesidad de héroes cotidianos y la imprescindible lucha colectiva a la que nos empujan continuamente nuestros gobernantes. De eso trata esta sensible y emotiva película, que no lacrimógena, realizada sin estridencias ni malos humores, con cariño y atención al detalle, lo que se traduce en una ambientación, primero en 1958, más tarde y casi toda la película veinte años después, recreando los suburbios bautizados como Torre Baró y esa Barcelona vintage a la que los efectos digitales prestan alguna colaboración, el resto es material de archivo evidenciado en texturas diferentes.

Un ejercicio nostálgico acompañado de una soberbia interpretación de Eduard Fernández, muy bien flanqueado por Clara Segura y su hija en la ficción, Zoe Bonafonte contando la particular gesta en primer persona. También merecen destacarse los populares David Verdaguer y Carlos Cuevas, mientras capítulo aparte merecen los personajes, exagerados en el acento y la actitud, a los que dan vida Salva Reina y Vicente Romero, lamentablemente la aportación andaluza y lo peor de la función. Cabe destacar la hermosa y cálida partitura de Arnau Bataller completando el firme y entrañable acabado de un film que cuenta una historia dura con hechuras de cuento moral y reivindicativo tan vigente hoy como entonces y siempre.

EL ORGULLO SE CUELA EN LAS SALAS DE CINE

Es fácil encontrar en las plataformas ciclos completos dedicados al cine sobre diversidad sexual estos días, pero son pocas, muy pocas - en Sevilla, sólo una y siempre la misma - las salas donde estos últimos días, coincidiendo con la celebración del Orgullo LGTBI+, se han ido estrenando algunas con cuentegotas y en sesiones limitadas. En concreto, un cuarteto de películas de contenido gay de muy diferente valor e interés, de las que nos hacemos eco por orden de estreno:

NORWEGIAN DREAM

Noruega-Polonia-Alemania 2023 97 min.
Dirección Leiv Igor Devold Guion Justyna Bilik, Gjermund Gisvold y Radoslaw Pazcocha Fotografía Patryk Kin Música Florian Tesslof Intérpretes Hubert Milikowski, Karl Bekele Steinland, Edyta Torhan Estreno en Noruega 17 marzo 2023; en España 25 junio 2024

El director polaco Leiv Igor Devold ha probado con todo, el cortometraje, el documental, la animación y ahora la ficción, volcando en su primer largometraje sus inquietudes acerca de la represión y la falta de oportunidades en su país, especialmente desde que rige allí la extrema derecha. Su película combina el drama de la emigración y el desarraigo con ese otro cada vez más candente de negación de la diversidad sexual.

Un joven encuentra su oportunidad de trabajo en una fábrica de pescado cerca de Trondheim, mientras a la vez experimenta la atracción sexual por un compañero, evidenciando aquello que tenía reservado pero siempre a punto para explotar. El film no encuentra sin embargo el punto necesario para inquietar y emocionar. Sus premisas quedan bastante solapadas por un tratamiento excesivamente frío y convencional de la materia, quedando simplemente como un testimonio de la cruda realidad que se vive en un país que no sólo es miembro de la Unión Europea sino al que se le permite presidir sus instituciones como a cualquier otro.

BIG BOYS

USA 2023 92 min.
Guion y dirección Corey Sherman Fotografía Gus Bendinelli Música Will Weinsenfeld Intérpretes Isaac Krasner, Dora Madison, David Johnson III, Taj Cross, Emily Deschanel, Marion Van Cuyck, Emma Broz, Jack De Sanz Estreno en Estados Unidos 31 mayo 2024; en España 28 junio 

La mejor y más refrescante de estas propuestas en celebración del orgullo LGTBI+, y seguramente una de las películas más hermosas y emotivas de la temporada, es ésta, debut en la dirección del cineasta estadounidense Corey Sherman, en el que posiblemente haya volcado algunos de sus fantasmas y experiencias de primera juventud. Aquí, un adolescente de catorce años experimenta el descubrimiento y la confusión cuando viaja junto a su cretino hermano, su prima del alma y el novio de ésta a un campamento en los frondosos bosques californianos.

El carisma del joven protagonista nos enamora desde el primer minuto, fundamental para empatizar con su vivencia de verano, esa estación en la que ocurren los episodios más maravillosos de nuestras vidas, época de descubrimiento, ilusión pero también frustración y valentía para afrontar todo lo que se nos ha de venir encima. Especialmente relevante en este sentido es la imaginación del joven enfocada a un futuro próximo en el que como adulto consigue afrontar su condición de diferente y por ello igualmente feliz.

Los cuerpos no normativos, incluido el atractivo objeto del deseo y el cariño pero no fibrado ni musculado de gimnasio, y la facilidad con la que los protagonistas departen sobre distintos temas relacionados con la temática principal, ayudan a hacer del visionado de este entrañable film una experiencia en la que cabe la risa, la sonrisa, la emoción y la ternura, derrochando gracia y frescura y alimentando nuestras ansias siempre renovables de disfrutar del verano y del amor. La banda sonora relajada y evocadora contribuye al encanto general de una película que merecía mejor distribución y más suerte en taquilla, sobre todo por su carácter educativo y de magnífico entretenimiento.

DRAMARAMA

USA 2020 91 min.
Guion y dirección Jonathan Wysocki Fotografía Todd Bell Música Chanda Dancy Intérpretes Nick Pugliese, Anna Grace Barlow, Megan Suri, Nico Greetham, Danielle Kay, Zak Henri Estreno en Estados Unidos 13 agosto 2020; en España 1 julio 2024

Como si de una versión queer de El club de los cinco se tratara, también los cinco protagonistas de esta película viven su particular encierro, esta vez no impuesto como castigo sino como fiesta exclusiva para despedirse antes de empezar cada uno y una su periplo universitario y artístico. Estos no son los malos estudiantes del instituto, sino todo lo contrario. Quizás más bien los raritos que quieren dedicarse a las artes, plásticas o escénicas, lo que da mucho juego para la identidad sexual. Un sexto personaje, el guaperas algo chulo pero inhábil para los estudios, sirve para desorientar al grupo y afectar a sus presuntamente inquebrantables lazos.

Ambientada en 1994 quizás con el fin de justificar la armarización de sus protagonistas, especialmente los dos masculinos, todo discurre a lo largo de una jornada de confesiones y desvelos que ponen en entredicho el valor de la amistad, sobre todo cuando se está a punto de pasar página y se sabe que todo empezará a ser diferente, empezando por las relaciones sociales. Más allá de eso, el film puede irritar todo lo que las tontas conversaciones de sus pijos protagonistas pueden deparar, sin que despierte un interés más allá del meramente coyuntural.

La última en estrenarse, Potato Dreams of America, lo hizo el 2 de julio en nuestras salas y de ella ya dimos cuenta cuando se pudo ver en el Festival Andalegai en abril de 2022.

RADICAL La receta del conocimiento

México 2023 127 min.
Guion y dirección Christopher Zalla, según un artículo de Joshua Davis Fotografía Mateo Londono Música Pascual Reyes y Juan Pablo Villa Intérpretes Eugenio Derbez, Daniel Haddard, Jennifer Trejo, Mia Fernanda Solís, Danilo Guardiola, Enoc Leaño, Gilberto Barraza Estreno en el Festival de Sundance 19 enero 2023; en México 20 octubre 2023; en España 15 marzo 2024

Posiblemente México sea uno de los países más peligrosos donde vivir, especialmente si se hace en zonas marginales, olvidadas y desprotegidas. Pero es verdad que sitios así hay en todas partes y que las principales víctimas de ese clima enrarecido y poco recomendable son los niños y las niñas. También es cierto que la lacra de la educación existe en todos los rincones del mundo, si bien en unos más que otros. Para nosotros resulta fácil identificarnos con este problema estructural y de clases en el que se ha convertido la educación oficial, más bien encaminada a adocenar, encorsetar y evitar el libre pensamiento, siempre tan amenazante para los poderes reinantes. En ese contexto, el director mexicano Christopher Zalla, nacido en Kenia y cultivado en Estados Unidos, donde ha dirigido subproductos como Padre Nuestro (Sangre de mi sangre) y Sensualidad letal, con Rob Lowe, Paz Vega y Candice Bergen, ha encontrado en un artículo periodístico aparecido en 2012 el vehículo perfecto para recrear con mimo, delicadeza y extrema amabilidad la peripecia vital de un profesor de primaria que recién llegado a una escuela deprimida, experimenta con métodos revolucionarios basados en la práctica, el juego y la reflexión, para poner patas arribas el colegio, el sistema y la esperanza de los y las más jóvenes.

Tres de ellos y ellas, además del director del centro, se convierten en los principales aliados de la cruzada del idealista profesor, y con ello de nuestra propia ilusión y emoción, logrando hacernos reír y llorar a la vez, de forma muy hábil y meditada, sin que parezca caer en el sentimentalismo barato, aunque en el fondo sus costuras estén tan aprendidas como las lecciones que pretenden inculcar a los desmotivados estudiantes. Con todo, se trata de un film estimulante, que se ve más que con agrado, con entusiasmo y la esperanza de que otro mundo y otra sociedad son posibles, y que podemos evitar la máxima de Einstein con la que se cierre al film, que lo único que interfiere en nuestro aprendizaje es nuestra educación.

Como protagonista, el veterano Eugenio Derbez (Coda) pone toda la carne en el asador, para eso es también el productor de la cinta. Le sigue con idéntico entusiasmo Daniel Haddard, componiendo juntos una oda a la camaradería y la amistad, y el resto del joven elenco, tan fresco y natural aunque a veces el guion se revele demasiado profundo en sus gargantas. Galardonada con el Favorite Award del Festival en Sundance, así como el premio a la Mejor Película Iberoamericana en Málaga, opta por un Platino a la mejor banda sonora, a pesar de que su optimista soniquete se inspira muy a propósito en el mismo Gassenhauer de Carl Orff que motivó el reconocido You’re So Cool de Hans Zimmer para la película Amor a quemarropa.