LA ÚLTIMA RONDA EN VENECIA Colegas entre copas

Título original: Le città di pianura
Italia-Alemania 2025 98 min.
Dirección Francesco Sossai Guion Adriano Candiago y Francesco Sossai Fotografía Massimiliano Kuvellier Música Krano Intérpretes Sergio Romano, Pierpaolo Capovilla, Filippo Scotti, Roberto Citran, Andrea Pennacchi, Denis Fasolo, Lea Di Leo, Gianni Da Re Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2025; en Italia 2 octubre 2025; en España 31 julio 2026

Con su primer largometraje, bajo bandera alemana, el italiano Francesco Sossai obtuvo un holgado reconocimiento, ahora corroborado con su segundo trabajo de gran formato, presentado en el Festival de Cannes y anticipado también en el de Sevilla. Nada más y nada menos que ocho David di Donatello (los Oscar italianos) ha conseguido esta película de título original traducible como Las ciudades de la llanura, entre ellos los más relevantes, guion, actor protagonista, al algo histriónico Sergio Romano, dirección y película. Rodada en analógico, lo que da al conjunto un aspecto ochentero estilo Eloy de la Iglesia, esta suerte de comedia dramática nos invita a pasear por Venecia y sus alrededores, Treviso y otras ciudades del entorno, en compañía de dos colegas algo desfasados, entregados en cuerpo y alma a la juerga y el alcohol, de forma que podríamos considerar la cinta como una road movie entre copas, en clara contradicción con uno de los aspectos que parece criticar denostadamente su complejo libreto, la influencia estadounidense en la actual iconografía itálica.

Parece que Sossai pretenda que adoptemos la identidad del joven estudiante captado para la excursión, un poco retraído y romántico, para empatizar con la historia y su ambiente, aunque la operación acaba saldándose de forma irregular según la sensibilidad de cada espectador o espectadora. El resultado, por lo tanto, se antoja algo resbaladizo, sin que lleguemos a sintonizar con este par de colegas puretas, vividores sin horizonte ni escrúpulos, al que de forma bastante discutible, se amolda el joven responsable al que da vida Filippo Scotti.

Sólo en el tramo final comprendemos que quizás se trate de una comedia crepuscular, con la muerte como último eslabón de una vida a la que quizás debiéramos entregarnos de forma más despreocupada y rebelde de lo que en general lo hacemos, siempre temerosos del porvenir. Este acercamiento a la muerte se hace explícito cuando los tres personajes visitan la Tumba de Brion, un mausoleo de finales de los sesenta, encargo del empresario Giuseppe Brion a Carlo Scarpa, desde el que se puede divisar esa llanura a la que hace mención expresa el título original de la película.

MARIELLE LO SABE TODO Disección emocional burguesa

Título original: Was Marielle weiss
Alemania 2025 86 min.
Guion y dirección Frédéric Hambalek Fotografía Alexander Griesser Intérpretes Julia Jentsch, Felix Kramer, Laeni Geiseler, Mehmet Atesci, Moritz von Treuenfels, Sissy Höfferer Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2025; en Alemania 17 abril 2025; en España 10 julio 2026

Con su primera película como director, el alemán Frédéric Hambalek parece aspirar a perpetuar esa mala leche que impera en muchas de las películas alemanas y austriacas que tratan de diseccionar el comportamiento familiar, y que a su vez parecen inspirarse en el cine escandinavo. El resultado pretende ser incómodo y sórdido altratar de analizar la hipocresía con la que una pareja madura afronta su algo marchita relación matrimonial. Una mascarada que se pone de manifiesto cuando, echando mano de una peripecia de corte fantástico, la hija adolescente recibe un don para conocer lo que hacen sus padres las veinticuatro horas del día, tras ser abofeteada por una compañera de clase a la que previamente ha insultado.

Un comportamiento violento por parte de ambas niñas, que deriva en una suerte de chantaje de la abofeteada contra sus padres, obligados a dejar de mentirse y mostrarse con la máxima sinceridad posible, sin reparar en el daño irreversible que podría provocar en la convivencia y los buenos modales. Una premisa sin duda inquietante que, sin embargo, no encuentra eco en un desarrollo a menudo confuso y poco atractivo, con un metraje reducido que, encima, se alarga con primeros planos ralentizados de la joven protagonista, lo que deja clara la escasez de ideas, más allá del poderoso punto de partida, con que se sustenta la empresa.

Para dar algo más de relieve, solemnidad y sofisticación al conjunto, se echa mano en su banda sonora de celebradas piezas de cámara a cargo de las grandes glorias del clasicismo y el romanticismo alemán, de Beethoven a Brahms, pasando por Schubert. Con un punto de comedia negra y unas trazas de psicología doméstica, la película no pasa sin embargo de un mero entretenimiento cuyas teorías apenas logran cuajar.

UN POETA Esperanza para la inadaptación social

Colombia-Alemania-Suecia 2025 120 min.
Guion y dirección Simón Mesa Soto Fotografía Juan Sarmiento G. Música Matti Bye y Trío Ramberget Intérpretes Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Humberto Restrepo, Alisson Correa, Margarita Soto, Evelin Montoya Sánchez, William Montoya Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2025; en Colombia 28 agosto 2025; en España 17 abril 2026

Con esta película colombiana se completa el estreno comercial en España, entre salas y plataformas, de los cinco títulos nominados al Goya a la mejor película iberoamericana de la pasada edición. A falta en la terna de El agente secreto de Kleber Mendonça Filho, ésta es sin duda la mejor de las cinco, por encima de La misteriosa mirada del flamenco (Chile), la inexplicable inclusión de la endeble La piel del agua (Costa Rica), la muy interesante Manas (Brasil) e incluso la tan convencional Belén (Argentina) que se llevó el gato al agua. No en vano, Un poeta inició su palmarés logrando el Premio del Jurado en la sección Un certain regard del Festival de Cannes, y el Horizontes a la mejor película iberoamericana en San Sebastián. Se trata de la mirada sincera y acertada, entre la sátira cómica y la crónica trágica y desesperada de un inadaptado social, espléndido Ubeimar Ríos como el poeta del título. El actor presta su singular y diríamos incluso grotesco físico para dar vida a este ser fracasado, alcohólico, incomprendido e inconformista personaje que acarició el éxito en su pasado joven como galardonado y reconocido poeta, y que tras entrar en crisis encuentra su destino en la ayuda que dispensa a una alumna aventajada que, sin embargo, no desea para sí el camino que le ha diseñado su mentor. Una forma también de acercarse a la hija que le repudia, lo que podríamos entender como un acto desesperado y decisivo de amor. 

Se trata, por lo tanto, de una suerte de búsqueda de la redención y la oportunidad perdida a través del talento ajeno, cuando las circunstancias sociales y económicas del país, que quedan así sutilmente reflejadas en un guion modélico al que su autor da la precisa estructura cinematográfica que demanda, no son propicias. Se revela así la película, segunda del joven y talentoso director, como una crónica de los males que azotan un país que quiere salir de la crisis permanente, mirarse en el espejo de esa Europa que queda tan lejos como el bienestar y la situación geográfica le propicia, pero tan cerca como la sensibilidad aprehendida le permite. Vanidades y perversidades quedan así expuestas en una galería en la que el personaje interpretado por un descomunal Ubeimar Ríos, cuyo difícil físico explota a discreción para provocar la reacción entre divertida y adversa que genera en el público, parece sentirse tan ajeno y fuera de lugar.

Alrededor surge todo un elenco de personajes que representan la avaricia, la pereza, la desgana, el rencor, el cariño y otros sentimientos que hacen de ésta una película tan tierna como desgarradora, con una fuerza tremenda que ayuda a reflexionar sobre este mezquino mundo al que tanto cuesta adaptarse, especialmente cuando no se pertence a la mediocridad imperante. Todo funciona gracias a su perfecto ensamblaje, si bien en su tercio final un giro dramático parece dar al traste con esa reconfortante generosidad y viaje hacia el reconocimiento a través de la formación y la educación que propone. Sin embargo, la habilidad y la claridad con la que su guionista y director maneja los resortes de su entretenida y constructiva trama, logra que la esperanza fluya al final con la misma naturalidad que lo ha hecho todo su entramado fabulador.

INCONTROLABLE La educación como método de cura

Título original: I Swear
Reino Unido 2025 120 min.
Guion y dirección Kirk Jones Fotografía James Blann Música Stephen Rennicks Intérpretes Robert Aramayo, Maxine Peake, Shirley Henderson, Scott Ellis Watson, Peter Mullan, Steven Cree, Francesco Piacentini-Smith Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Reino Unido 10 octubre 2025; en España 10 abril 2026

Kirk Jones tiene una dilatada pero muy dispersa filmografía, de modo que en treinta años apenas ha dirigido seis películas, desde la muy divertida y sorprendente Despertando a Ned a tocar fondo con Mi gran boda griega 2, pasando por la estupenda La niñera mágica (Nanny McPhee) o la menos estimulante Todos están bien, remake estadounidense de la cinta homónima de Giuseppe Tornatore. Ahora vuelve a brillar su mejor faceta, escribiendo y dirigiendo con tan buen oficio como sensibilidad esta emotiva película sobre John Davidson, diagnosticado con una enfermedad rara conocida como síndrome de Tourette. Su título original es bien preciso y específico, haciendo alusión a la acepción del verbo Swear como insultar, en lugar del más habitual jurar. Y es que ese es el principal inconveniente de dicho síndrome, un exceso de sinceridad que lleva a quien lo sufre a insultar sin piedad ni atención a las consecuencias. Además, exhibe espasmos de la más diversa índole, lo que le hace difícil desarrollar determinadas tareas.

Conocemos a Davidson desde su adolescencia, cuando se perfilaba un prometedor futuro ante sus ojos, como estudiante y como portero de fútbol, todo truncado con la aparición espontánea y repentina de la inconveniente enfermedad. Un estupendo joven, Scott Ellis Watson, se encarga del personaje antes de que Robert Aramayo, rostro familiar por haberlo visto infinidad de veces como secundario, pero seguramente recordado por su participación en Juego de tronos, coja el testigo y se haga dueño de la función, acaparando incluso los Bafta correspondientes a mejor actor y mejor estrella emergente en la última edición, además de recibir de refilón también el de mejor cásting. Al margen de esta extraordinaria interpretación, está la de quienes le rodean, incluidos los veteranos Peter Mullan y Maxine Peake, que añaden dimensión sentimental al asunto, así como Shirley Henderson, que aunque más popular para los y las seguidoras de Harry Potter, algunos siempre la recordaremos por Wonderland de Michael Winterbottom. Peake y Henderson representan respectivamente a la familia natural, incapaz de entender y asimilar la diferencia, y la de adopción, generoso y bondadoso colchón sobre el que superar la adversidad.

Pero sobre todo la cinta brilla por apostar por la educación en empatía y solidaridad como mejor antídoto ante una enfermedad cuya cura está en el aire y exige una inversión que está lejos de lograrse tanto en el Reino Unido como en otros países del entorno. Ese es el verdadero acierto de esta imprescindible película, hacer hincapié en nuestra responsabilidad para que nadie se siente diferente, y todos y todas gocen de ese concepto tan universal pero poco puesto en práctica como es la igualdad. Algo que pasa por ser conscientes de que todos tenemos algún tipo de incapacidad, una carencia de habilidades que nos impide realizar todo lo que quisiéramos. Algo que necesita una divulgación adecuada y suficiente, la que por ejemplo da esta estremecedora y a la par entretenidísima película, dentro de un género que nadie maneja mejor que los ingleses.

RONDALLAS Música y baile para curar la tristeza

España 2025 112 min.
Guion y dirección Daniel Sánchez Arévalo Fotografía Rafa García Música Federico Jusid Intérpretes Javier Gutiérrez, María Vázquez, Judith Fernández, Tamar Novas, Carlos Blanco, Fer Fraga, Xosé A. Touriñán, Marta Larralde, Lola López Rodríguez, Marcos Pereiro Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2025; en salas 1 enero 2026

Con apenas seis largometrajes en un cuarto de siglo, Daniel Sánchez Arévalo se ha consagrado al cortometraje desde el inicio de la carrera, no abandonándolo nunca. Sólo en determinadas ocasiones ha dado el salto al largo, desde aquel celebrado AzulOscuroCasiNegro a la simpática comedia generacional Diecisiete, pasando por éxitos menores como Gordos, Primos y La gran familia española. Ahora vuelve con una insólita importación de un modelo largamente querido en países de nuestro entorno, como Francia, Inglaterra o Irlanda, donde la música y el trabajo solidario y en equipo sirve para conjurar traumas y dolores en el seno de una comunidad humilde y popular. En este caso se trata del naufragio de una embarcación pesquera con resultado de siete de sus nueve tripulantes muertos. Abandonada la tradición de la rondalla, típica comparsa musical y coreográfica de carácter folclórico que se prodiga en la ría de Vigo, demostrando que las navidades allí no sólo se celebran con una orgía lumínica, la buena gente del pueblo decide recuperarla para exorcizar el dolor y la incomprensión reinante.

Hace bien Sánchez Arévalo en dar visibilidad a este patrimonio cultural que, como tantos otros, permanece prácticamente desconocido para el resto del país. Lástima que el conjunto se apoye en una trama bastante frágil y tópica, previsible y carente del empuje y el interés que demanda. Parte del problema reside en la dispersión del argumento, una multitud de personajes que proporcionan el carácter de comedia coral que este tipo de películas exige, y sobre todo la indefinición de los principales, por mucho empeño que ponga, por ejemplo, su joven protagonista, una Judith Fernández emergente.

Se agradece que el buenismo se apodere de la función, que se visibilice el enorme trabajo que requiere la rondalla, y especialmente la colaboración que exige entre sus integrantes. Pero un mayor empaque en el argumento, más gracia en sus líneas de diálogo, un tratamiento dramático más atractivo y mayor definición de los personajes hubieran facilitado el entusiasmo que la empresa demanda y merece.

FATHER MOTHER SISTER BROTHER Regreso al núcleo familiar

USA-Irlanda-Francia 2025 110 min.
Guion y dirección Jim Jarmusch Fotografía Yorick Le Saux y Frederick Elmes Música Jim Jarmusch y Annika Henderson Intérpretes Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bilaik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Indya Moore, Luka Sabbat, Sarah Greene, Françoise Lebrun Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2025; en España y Estados Unidos (internet) 24 diciembre 2025

Últimamente no parece tener mucho tirón ganar el León de Oro en Venecia. El director de Extraños en el paraíso, Down by Law y Los límites del control, lo ha hecho este año y su película apenas se ha distribuido directamente en internet en su país de origen. Sorprende porque se trata de una mirada inteligente, delicada y poética a las relaciones básicas entre los miembros de la familia nuclear. Llega en este momento justo en el que el reencuentro con progenitores y fraternidad se convierte en tradición ineludible que no todos y todas disfrutan por igual. Partimos de la base de que se trata del modelo anglosajón, donde impera más la independencia y el desarraigo a edades adultas, que en países de corte latino. Pero no hay que olvidar que la agresiva invasión cultural del Tío Sam alcanza también a nuestros lazos familiares, por lo que no nos resultan ajenas las situaciones que Jarmusch plantea en esta singular y hermosa película.

Amante de las historias por episodios, como evidenció en Mystery Train y, sobre todo, Noche en la tierra, y siguiendo la estela de ese cine oriental, sencillo y preciso, al que tanto interés profesa el director de Dead Man y Ghost Dog, en su última película plantea tres historias en cierta medida encadenadas que nos presentan el reencuentro de un hermano y una hermana con su padre, para rendirse al desapego y el vuelo libre de quien se sabe estar jugando sus últimas cartas, el de dos hermanas con su madre, que se centra en la frustración de retener a duras penas a unas hijas a las que parece no conocer, y el de otros hermano y hermana, gemelos para más seña, con el aspecto de conexión y dependencia que ello conlleva, que cuando deciden conocer a sus singulares padres, ya parece tarde.

Con detalles recurrentes que conectan las historias, unos patinadores de skate libres y despreocupados, un Rolex símbolo de la conveniencia, o un brindis con agua, elemento puro por antonomasia, Jarmusch va tejiendo sus sencillas historias con la poética demostrada en títulos como Paterson, y la inteligencia suficiente para generar alrededor de cada personaje un pasado y un futuro, que adivinamos gracias a un libreto intelectual y brillante. Mientras, las sobresalientes interpretaciones de un elenco integrado por colaboradores y colaboradoras algunas incondicionales del cineasta, todos y todas en estado de gracia, así como las atractivas localizaciones en la exuberante naturaleza de New Jersey, el extrarradio de Dublín y las céntricas calles de París, logran redondear un producto disfrutable, desde su vocación hipnótica, de principio a fin.

SIEMPRE ES INVIERNO Corazón perdido

España 2025 117 min.
Guion y dirección David Trueba, según su novela “Blitz” Fotografía Agnès Piqué Corbera Música Maika Makovski Intérpretes David Verdaguer, Isabelle Renaud, Amaia Salamanca, Jon Arias, Vito Sanz, Carla Nieto, Elsy Gomes, Naiara Carmona, Violeta Rodríguez Estreno en la Seminci 31 octubre 2025; en salas 7 noviembre 2025

No logramos entender cuál es el significado en el juego de la palabra blitz, que da título a la novela de David Trueba en la que se basa su última película. Conocemos el significado de la palabra, bombardeo, pero no acertamos a comprender la relación con el argumento que plantea. Percibimos que nos quiere hablar de un personaje muy perdido, en lo personal y en lo laboral, que acaba de sufrir una ruptura sentimental y un fracaso laboral, y que una sirena bastante mayor que él le ha rescatado del abismo. En medio, nos damos cuenta de que este trabajo es un caramelito para David Verdaguer, que logra conmover y divertir a partes iguales sin echar nunca mano de la sobreactuación ni la estridencia, siempre en su justa medida, con delicadeza y sutileza. Junto a él, Amaia Salamanca e Isballe Renaud logran darle una réplica perfecta, y todo envuelto en la magia de la aventura fuera de tu entorno, en otro país, en otra ciudad, en este caso Lieja en Bélgica.

Cuenta además con un par de secuencias memorables, una en el congreso al que el protagonista asiste para presentar un proyecto arquitectónico; la otra, en el tren de Barcelona a Madrid. Crónica de descubrimientos a una edad en la que se cruza la frontera que lleva a la madurez definitiva, sin marcha atrás. Y todo en un tono de comedia triste, nostálgica, para convencernos de las bondades del amor, y de que sin él siempre es invierno.

Hablada casi toda en inglés, por aquello del romance internacional, se trata de una película sensible y elegante, bien escrita, dirigida con cariño e interpretada con responsabilidad. Aún a riesgo de resultar ridículos, nos cabe reprocharle que Verdaguer y Salamanca paseen por un carril bici o que él deje correr el agua de la ducha de forma larga y continuada sin meterse en ella. Malas enseñanzas, que decía mi padre.

LA CENA Equilibrio serio y perfecto entre comedia y tragedia

España-Francia 2025 106 min.
Dirección Manuel Gómez Pereira Guion Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano y Manuel Gómez Pereira Fotografía Aitor Mantxola Música Anne-Sophie Versnaeyen Intérpretes Mario Casas, Alberto San Juan, Asier Etxeandía, Nora Hernández, Óscar Lasarte, Martín Paéz, Elvira Mínguez, Toni Agustí, Ferrán Gadea, Eleazar Ortiz, Carlos Serrano, Carmen Balagué, Eva Ugarte, Xavi Francés, Gloria March, Antonio Resines, Abdel Senouci Estreno en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2025; en salas 17 octubre 2025

Manuel Gómez Pereira escribe de nuevo junto a sus habituales colaboradores, Yolanda García Serrano y Joaquín Oristrell, el guion de esta película basada en una obra de teatro a la que de forma hábil e inteligente le han otorgado carácter cinematográfico, a pesar de ambientarse toda en el supuesto interior del Hotel Palace de Madrid. Con Serrano colaboró en su última película, Un funeral de locos, inspirada en un éxito relativamente reciente de Frank Oz, mientras con Oristrell lo hizo en la lograda Boca a boca. Los tres juntos han cosechado éxitos de la comedia española de los últimos treinta años como ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?, Todos los hombres sois iguales, El amor perjudica seriamente la salud, Reinas, Cosas que hacen que la vida valga la pena o Desafinado. Menos éxito tuvo su incursión en el thriller erótico con Entre las piernas.

Una comedia ambientada en la posguerra civil inmediata, y con Franco entre los personajes, no parecía la idea más acertada y atractiva. Es cierto que son muchas las comedias españolas que se han ambientado en la guerra o la posguerra, con aciertos absolutos como La vaquilla, y en tono más agridulce con ¡Ay, Carmela!, por citar un par de ejemplos. Pero con los tiempos que corren, con el auge inexplicable e insensato de la ultraderecha, y el miedo a una regresión a nivel mundial que mermen o directamente derriben derechos tanto tiempo reivindicados y cultivados, un proyecto así no parecía el divertimento más adecuado. Sin embargo, sus artífices han tenido la sensibilidad suficiente para ofrecer una comedia seria y de buen gusto, que pueda hacer reír, reflexionar y hasta llorar. Lo primero por sus inteligentes gags, sobre todo de carácter verbal, y lo último por la impotencia ante la barbarie y la maldad humana.

La película de Gómez Pereira, desde ya candidata a convertirse en la mejor de su nutrida filmografía, consigue ser todo lo respetuosa y elegante que una cuestión tan trágica y triste como la que cuenta merece. A todo ello contribuye una puesta en escena esmerada en todos los sentidos, y un trabajo actoral de primera categoría, desde un Mario Casas de gesto fruncido y carácter ligeramente apesadumbrado, a un carismático y chisposo Alberto San Juan que también alberga miedos y dudas, pasando por la siempre espléndida Elvira Mínguez o Asier Etxeandía, que logra que su personaje sea esperpéntico sin resultar sobreactuado. Todo perfectamente estudiado y calculado para que ésta sea una comedia que se ve con tristeza y, si me lo permiten, hasta lágrimas en los ojos, con sentimiento y sensibilidad como armas de trabajo.

GHOSTLIGHT Terapia familiar de choque

USA 2024 110 min.
Dirección Alex Thompson y Kelly O’Sullivan Guion Kelly O’Sullivan Fotografía Luke Dyra Música Quinn Tsan Intérpretes Keith Kupferer, Katherine Mallen-Kupferer, Tara Mallen, Dolly De Leon, Hanna Dworkin, Dexter Zollicoffer, H.B. Ward, Tommy Rivera-Vega, Alma Washington, Matthew C. Yee Estreno en el Festival de Sundance 18 enero 2024; en Estados Unidos 14 junio 2024; en España 28 marzo 2025

Nada más comenzar, bajo los acordes de Oh, What a Beautiful Mornin’ del musical de Richard Rodgers Oklahoma! – luego también sonarán Out of My Dreams, y una de las protagonistas entonará en un karaoke I Can’t Say No -, esta sencilla y amable película nos pone en antecedentes. Se trata del poder sanador del arte respecto a las más duras heridas que nos puede dejar la vida. Una familia en la ficción, interpretada por otra en la vida real, sufre un particular duelo del que apenas vamos conociendo detalles a lo largo del metraje, que afecta de distinto modo a cada uno y una de sus tres integrantes, especialmente de forma introvertida en el padre, y todo lo contrario, con graves problemas de adaptación y un comportamiento agresivo, en la hija.

El también matrimonio formado por Alex Thompson y Kelly O’Sullivan resuelven con pericia, atención al matiz y el detalle, y sin caer en lo lacrimógeno, esta comedia agridulce donde ese arte redentor y la integración en una determinada comunidad, procuran obrar el milagro. Para ella, que escribió el guion de Saint Frances, la primera película de él, es su debut en la dirección, y vuelve a erigirse en autora del delicado y sensible libreto. La aportación de Dolly de Leon, a quien descubrimos en El triángulo de la tristeza, y la paulatina identificación entre el drama personal de esta familia obrera y el Romeo y Julieta de Shakespeare que irá sanando sus heridas, colaboran a la eficacia de esta pequeña y a la vez gran película que nos hace recuperar la confianza en una cinematografía que antes era generosa en dramas y comedias sentimentales.

Aquí no sale ningún arma, que ya es mérito tratándose de una película estadounidense, y sus protagonistas trabajan sus personajes desde el mimo y la contención. Se logra, por otro lado, que el papel redentor del bardo inmortal, recientemente reflejado también en la película Las vidas de Sing Sing, no caiga en la caricatura, y todo funcione dentro de un tono medido, amable y lleno de ternura pero sin compasión. El único reproche que podemos hacerle, desde el humor, es que la hija, de diecisiete años considere que Romeo y Julieta de Baz Luhrmann sea un clásico, obviando los de Cukor y Zeffierelli, que sí que lo son.

MI ÚNICA FAMILIA Una cuestión de catarsis emocional

Título original: Hard Truths
Reino Unido-España 2024 97 min.
Guion y dirección Mike Leigh Fotografía Dick Pope Música Gary Yershon Intérpretes Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, David Webber, Ani Nelson, Sophia Brown, Tuwaine Barrett, Jonathan Livingstone Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Reino Unido 31 enero 2025; en España 28 febrero 2025

Hay directores, como Guédiguian, Allen o Loach, que reconcilian a una parte de la población cinéfila, que acude puntualmente a cada uno de sus estrenos buscándose a sí mismos a través de historias sencillas con las que sea fácil identificarse. Mike Leigh pertenece a ese selecto grupo. A sus ochenta años, y con la ayuda en la producción de la española Mediapro, tan atenta a este tipo de cine que no debe desaparecer de nuestra salas y de la experiencia sensorial pública, Leigh vuelve al universo que le hiciera popular en los años noventa del pasado siglo con Secretos y mentiras, y lo hace de la mano de su entonces joven protagonista, una Marianne Jean-Baptiste que borda aquí su cometido de mujer madura, ajada y en permanente disgusto con la vida, que le convierte en persona intratable y antisocial siempre al límite.

La película se debate necesariamente entre la comedia y el drama, pues la acumulación de improperios y exabruptos que lanza la protagonista durante gran parte de su metraje, invitan a la hilaridad, con el beneplácito de un guion lúcido al respecto. Puede parecer sin embargo que la cinta invierte demasiado tiempo en mostrarnos a esa persona cansada y amargada, aunque nada es poco cuando la intención es mostrar una catarsis emocional que cuenta con una antagonista muy concreta y especial, una hermana cuyo ambiente familiar se centra en el respeto, la complicidad y una envidiable tendencia a evitar problemas a quienes les rodea.

La cinta deambula así entre el tono simpático y desenvuelto, más relajado y luminoso que tenso y opresor, a pesar de sus premisas, que permite que el viaje sea placentero, y su reverso áspero y desesperanzado, del que la agria protagonista deberá saber salir casi sin ayuda de quienes observamos cómo es posible sentirse desgraciado a pesar de vivir rodeados de comodidades y cariño. A ese tono distentido contribuye la relajada banda sonora de Gary Yershon, habitual colaborador del director británico, en la mejor tradición del Alex North más intimista y dramáticamente comprometido.

A REAL PAIN Un viaje para sanar el espíritu

USA-Polonia 2024 89 min.
Guion y dirección Jesse Eisenberg Fotografía Michael Dymak Intérpretes Jesse Eisenberg, Kieran Culkin, Will Sharpe, Jennifer Grey, Kurt Egyawan, Daniel Oreskes, Liza Sadovy Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Estados Unidos 1 noviembre 2024; en España 10 enero 2025

Aunque el primer trabajo como guionista y realizador de Jesse Eisenbeerg, Cuando termines de salvar el mundo, apenas tuvo repercusión, ya mostró la particular visión de observador de la condición humana del protagonista de cintas como Ahora me ves, Café Society o La red social. Su revelación definitiva le ha llegado ahora con éste su segundo largometraje, donde brilla una escritura ágil y distendida, capaz de llegar al espectador tanto en sus aspectos sentimentales como puramente jocosos. A través de la comedia, pero sin renunciar a un tono melancólico y crepuscular que lo inunda todo, Eisenberg nos cuenta el viaje de reencuentro y descubrimiento de dos primos de muy diferente condición, con la excusa de visitar el lugar donde vivió su abuela, recientemente fallecida, antes de sobrevivir al Holocausto y fijar su residencia en Estados Unidos. Va por delante el respeto absoluto del todavía joven actor y director por la vieja Europa y sus gentes, paisajes y bagaje histórico y cultural, embarcándose ambos protagonistas en un tour para los muy privilegiados por el holocausto polaco, donde se dan cita una serie de pintorescos viajeros, desde la parcialmente despechada madre de familia abandonada, una Jennifer Grey de Dirty Dancing felizmente recuperada, a un africano convertido al judaísmo y ferviente practicante de sus tradiciones y dogmas, y una pareja madura integrada en su vida acomodada, que mira este singular y traumático pasado con distancia y mucha calma. Entre todos ellos, un académico guía de formas aseadas y distantes con una realidad tan dolorosa.

El director toma esta particularidad como mero pretexto para exponer los dolores morales y éticos que azotan a parte de la humanidad, especialmente a generaciones herederas de tanto horror, desesperanzadas ante un futuro incierto. Se suma Eisenberg a la denuncia reiterada de la gente de su religión, generalmente no practicada, sobre la barbarie nazi, mientras aún esperamos que alguno, quizás Spielberg, Allen o Streisand, alce su voz ante la que ahora protagoniza su pueblo frente al cada vez más fenecido palestino. Pero al menos él sólo utiliza esta denuncia de forma coyuntural, como paisaje de fondo para dolores más sicológicos, contemporáneos, y así, de forma tan sutil como delicada, sin calar hondo, hacerse eco de la vacuidad y la falta de ilusión de una generación que lleva ya un cuarto de siglo experimentando dolor y cambio traumático.

Supone el film el salto definitivo de Kieran Culkin, hermano de Macaulay, perdido entre series y personajes secundarios, que aquí hace un trabajo sensacional para meterse al público en el bolsillo con su papel de desvergonzado y aparentemente concienciado joven ya en los cuarenta, que ofrece tantos cambios de humor como desternillantes ocurrencias, y que el actor describe desde una aparente sobreactuación que en realidad esconde un estudio pormenorizado del personaje, auténtico protagonista de la función, por mucho Globo de Oro en la categoría de secundario que haya merecido. Y todo mecido por la bucólica música de Chopin, tan polaco como el aeropuerto que lleva su nombre. Una encantadora selección de nocturnos, valses, estudios y preludios de la mano del pianista canadiense-israelí Tzvi Erez, acertado en su mezcla de lirismo, virtuosismo y poética contención, ilustra este celebrado viaje lleno de ternura y compasión de dos primos llamados a entenderse.

EL CLUB DE LOS MILAGROS Amable testamento de una actriz irrepetible

Título original: The Miracle Club
Irlanda-Reino Unido 2023 91 min.
Dirección Thaddeus O’Sullivan Guion Joshua D. Maurer, Timothy Prager y Jimmy Smallhorne Fotografía John Conroy Música Edmund Butt Intérpretes Kathy Bates, Maggie Smith, Laura Linney, Agnes O’Casey, Mark O’Halloran, Eric D. Smith, Stephen Rea, Mark McKenzie, Niall Buggy, Hazel Doupe y la voz de Brenda Fricker Estreno en Irlanda y Reino Unido 13 octubre 2023; en España 18 octubre 2023

Aunque debutó a mediados de los ochenta del pasado siglo, el veterano director irlandés Thaddeus O’Sullivan apenas cuenta con seis largometrajes en su filmografía; el resto se compone de series, telefilms y documentales, pero siempre primando el tono amable que impera en esta su última película hasta el momento. Para la inmensa e irrepetible Maggie Smith sí supuso su último y definitivo trabajo, y como si de un testamento se tratara, ella misma a través de sus líneas de diálogo deja claro que le queda poco tiempo en este mundo y que tenía que aprovecharlo. Y lo hace imprimiendo carácter y sentimiento a esta mujer, una de las cuatro que integran el supuesto club del título, herida por la vida y anclada en la moral antigua y cristiana que tanto domina en la isla, especialmente si el film está ambientado en los años sesenta.

De ahí surgen los prejuicios que dos de las protagonistas, ella y otra magnífica y veterana actriz, Kathy Bates, tienen contra la tercera en liza, sensacional como siempre Laura Linney. Sólo por recuperar a estas tres actrices merece la pena una cinta que además proporciona tan buenos sentimientos y mejores intenciones, aunque sea a lo largo de un desarrollo previsible en el que todo lo edificante tiene cabida.

La sensación final es de tratarse de un film muy conservador, en sus formas y estilo narrativo, poco audaz a estas alturas pero bienvenido en cuanto a denuncia de ese machismo que persiste especialmente en ciertas comunidades, y sobre todo de manipulación religiosa, aunque al final todo se quede en los límites de una exultante amabilidad que ni daña ni revoluciona. Haberse estrenado en nuestro país un año después de hacerlo en su país de origen, confiere al conjunto ese aire de testamento cinematográfico y homenaje que tanto merece Maggie Smith, fallecida hace apenas un mes. En la versión original hay que sumar a las tres grandes actrices una cuarta, Brenda Fricker, ganadora del Oscar en 1989 por Mi pie izquierdo, que da voz a la madre fallecida del personaje interpretado por Laura Linney.

CASA EN LLAMAS Modelo de familia tóxica

Título original: Casa en flames
España-Italia 2024 105 min.
Dirección Dani de la Orden Guion Eduard Sola Fotografía Pepe Gay de Liébana Música Maria Chiara Casà Intérpretes Emma Vilarasau, Enric Auquer, María Rodríguez Soto, Alberto San Juan, Clara Segura, José Pérez-Ocaña, Macarena García, Flavio Marini Estreno en el Festival de Barcelona 18 abril 2024; en salas 28 junio 2024

El joven catalán Dani de la Orden, director de El mejor verano de mi vida, Mamá o papá, Hasta que la boda nos separe y Loco por ella, regresa al cine con el que se dio a conocer hace una década, sin abandonar la comedia pero con algo más de trascendencia y ambición de lo que escondían esos títulos comerciales y puramente alimenticios. Rueda además en catalán combinado con castellano, como hiciera en el díptico Barcelona, noche de verano y Barcelona, noche de invierno, y recupera su relación con el escritor Eduard Sola, que escribe un guion en el que la comedia se torna agria y cínica en función de un mensaje corrosivo y sin remisión, como ya ocurriera en otro de sus trabajos relacionado con la familia, María y los demás.

Se trata de la enésima denuncia de las tensiones e intrigas de una familia burguesa en torno esta vez a un inmueble, su posible venta y el pretexto de una mujer madura para reunir a sus hijos, con quienes apenas tiene relación muy a su pesar. Al final todo circula alrededor del egoísmo humano, de la ambición por ser felices sin saber muy bien el significado del concepto, sacrificando todo lo que de verdad importa en alas de una satisfacción siempre egocéntrica y narcisista. Con ese universo como trasfondo, Sola y de la Orden construyen un film más cerca de Litus y El test que de los títulos antes apuntados, quizás con más malicia y mayor acierto, a pesar de un punto de partida bastante discutible e irresponsable, y de un pretexto argumental algo manido.

Así, aún tratándose de una cinta entretenida y con más de una divertida ocurrencia, lo que más destaca en este nuevo trabajo del codirector de 45 segundos es su capacidad para definir personajes, dotando a cada uno y una de una entidad propia y una psicología particular que nos permite adivinar un pasado y un posible futuro. Cabe destacar también la posible asunción de peligro por parte de algunos de sus intérpretes, especialmente Auquer y Gómez en el aire y Rodríguez Soto en el agua. El paisaje de Cadaqués en el que se sitúa la trama, aunque pretenda ser veraniego pero mucho no lo parezca, contribuye también a los evidentes atractivos de una cinta en la que sobresale la interpretación de la veterana Emma Vilarasau.