MISTERIO EN VENECIA Noche transfigurada

Título original: A Haunting in Venice
Reino Unido-USA-Italia 2023 103 min.
Dirección Kenneth Branagh Guion Michael Green, según la novela “Hallowe’en Party” de Agatha Christie Fotografía Haris Zambarloukos Música Hildur Gudnadóttir Intérpretes Kenneth Branagh, Tina Fey, Michelle Yeoh, Jamie Dornan, Kelly Reilly, Jude Hill, Camille Cottin, Kyle Allen, Riccardo Scamarcio, Emma Laird, Ali Khan Estreno en Reino Unido y España 15 septiembre 2023

Se agradece que en su tercera adaptación de una novela de Agatha Christie protagonizada por Hercules Poirot, Kenneth Branagh haya optado por una que no ha sido llevada a la gran pantalla con anterioridad. Tras hacer nuevas versiones de Asesinato en el Orient Express y Muerte en el Nilo, hubiera sido lógico pensar que el director de Mucho ruido y pocas nueces se decantase ahora por Muerte bajo el sol o Cita con la muerte, que también fueron objeto de adaptación cinematográfica el pasado siglo. Ahora, sin embargo, echa mano de Las manzanas, que es como aquí se tradujo el original Hallowe’en Party, para transfigurarla por completo y convertirla en un thriller radicalmente distinto al propuesto por la escritora inglesa a finales de su carrera, y que no le reportó en vida reseñas elogiosas.

Para empezar todo transcurre prácticamente en una sola noche, traslada la acción del Reino Unido en época contemporánea, a una improbable Venecia agitada por el temporal y la hambruna poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Improbable porque dudamos de la efectividad que una fiesta de Halloween pudiera tener en la ciudad del carnaval en época tan temprana, sin haberse consolidado todavía la invasión cultural norteamericana. Reduce además el plantel de personajes, cambiando incluso sus identidades y hasta nombres, y de forma muy considerable la trama, en la que introduce elementos parasicológicos de mayor enjundia que los que aparecen en el libro original, y que la expresionista banda sonora de Hildur Gudnadóttir no hace sino potenciar.

Con un excelente trabajo artístico y una fotografía intencionadamente lúgubre, Branagh aprovecha el material para entregarse sin prejuicios a los sustos y efectos propios de un tren de la bruja, mientras su guionista, Michael Green, se ve incapaz de convencer con una resolución tan convencional que parece sacada de la chistera de un mago. En el elenco se echan en falta más estrellas, aunque Tina Fey, Michelle Yeoh y Jamie Dornan cumplen con su cometido, mientras el niño Jude Hill, que descubrimos en Belfast también como hijo de Dornan, esta vez da vida a un personaje harto repelente. De cualquier forma estos whodunit siguen siendo tan atractivos que no nos cansamos si se estrenan más.

MUERTE EN EL NILO Una versión creativa y atrevida

Título original: Death on the Nile
USA-Reino Unido 2022 127 min.
Dirección Kenneth Branagh Guion Michael Green, según la novela de Agatha Christie Fotografía Haris Zambarioukos Música Patrick Doyle Intérpretes Kenneth Branagh, Gal Gadot, Tom Bateman, Armie Hammer, Emma Mackey, Annette Bening, Sophie Okonedo, Letitia Wright, Jennifer Saunders, Rose Leslie, Russell Brand, Ali Fazal, Dawn French Estreno simultáneo mundial 11 febrero 2022

Muchos nos preguntamos por qué en lugar de rehacer adaptaciones de Agatha Christie que fueron estupendas películas en la década en la que los repartos se convirtieron en garantía de éxito gracias a las películas de catástrofes, Kenneth Branagh no se empeña en adaptar otros libros de la reina del crimen que han contado con peores adaptaciones, como por ejemplo Diez negritos. Sin embargo a la hora de disfrutar con esta nueva Muerte en el Nilo, hemos de reconocer que Branagh ha acertado en muchos de sus aspectos. Ha combinado personajes, prescindido de otros e introducido alguno nuevo, a la vez que se ha tomado la licencia de inventar situaciones y emociones que no estaban en el original ni en la famosa adaptación que dirigió John Guillermin (El coloso en llamas) en 1978. Todo parece ser que con la intención de analizar al personaje central, un Hercules Poirot dramático y ligeramente atormentado por la pérdida del amor y la amistad, más sentimental que de costumbre y confiado al romanticismo para resolver un crimen con todos los tintes apasionados que le sean etiquetables.

Branagh, con la ayuda inestimable de Michael Green al guion, que también fue responsable de su versión de Asesinato en el Orient Express, y de otras cintas con las que ésta guarda cierta similitud, especialmente y sin que parezca un disparate, la reciente Jungle Cruise, así como su acertada secuela de Blade Runner, ha añadido e inventado y casi podríamos decir que mejorado el original. Puede que haya traicionado el espíritu tradicionalmente asociado a Christie, pero sin prescindir en absoluto de sus ingredientes principales, crimen y lujo, ha logrado un espectáculo notable, en algunos momentos casi musicales (esas canciones entonadas por una improbable Sophie Okonedo doblada por Sister Rosetta Tharpe, y bailadas frenéticamente por Hammer, Mackey y Gadot), al que sin embargo se le notan más las costuras estéticas y presupuestarias que a su predecesora, donde la infografía y el reparto le superaban. Ese Nilo bañando las pirámides de Egipto constituirá en un futuro próximo motivo de decepción para millones de turistas ignorantes que confíen en las apariencias de un artilugio de entretenimiento como este. Otra cosa es el templo de Abu Simbel, que en 1937 ocupaba su emplazamiento original tal como parece representarse en este film que renuncia a los escenarios originales que sí explotaba la cinta del 78 y se confía en exceso a una infografía demasiado obvia, incluida una embarcación que más parece resultado de un proyecto arquitectónico vintage que un buque navegable.

Con todo, Branagh consigue un espectáculo solvente que engancha incluso a quienes conocemos su trama de sobra, y da pautas sobre la personalidad de Poirot que suman. Y si en Asesinato en el Orient Express se inventaba un prólogo en Jerusalén que ilustraba sobre el genio del detective belga, en esta otro añade a ese particular otro detalle sobre su vertiente romántica y atormentada que también ayuda a disfrutar de la propuesta posterior. Acierta también al prescindir de recrear con imágenes las suposiciones y acusaciones de Poirot, como sí hizo Guillermin, una práctica que tantas críticas le valió a Hitchcock cuando rodó Pánico en la escena. La música de Patrick Doyle y el vestuario de Paco Delgado también aportan su granito de arena a este satisfactorio espectáculo de lujo, crimen y pasión.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 9ª JORNADA

BELFAST Los niños no quieren ir a Shangri-La

Reino Unido 2021 105 min.
Guion y dirección Kenneth Branagh Fotografía Hars Zambarloukos Música Van Morrison Intérpretes Jude Hill, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lewis McAskie Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2021; en España 7 enero 2022

Entregado a la causa del dólar y el encargo, con películas como Thor, Cenicienta, Jack Ryan o las nuevas adaptaciones de Agatha Christie, hacía tiempo que el Kenneth Branagh más personal de Shakespeare y otras citas cultas no asomaba la cabeza. Seguimos sin encontrar en su cine una huella propia e indeleble, pero no podemos negar que quizás Belfast sea su película más redonda, y desde luego la más sentimental. Sensiblera la encontrarán algunos, pero no cabe duda de que el director ha sabido con esta película semi autobiográfica cogerle el pulso a esos escasos diez años que tanto determinan nuestra vida, la infancia. Da igual dónde la vivas y en qué circunstancias, salvo que sean tan extremadamente penosas que la mayoría de quienes vivimos a este lado del mundo no podamos ni imaginarlas, que la infancia siempre es ese tesoro intocable de nuestra vida. Y queremos vivirla allí donde nos hemos acostumbrado a hacerlo, aunque se trate de Irlanda del Norte en los años más convulsos de su lucha entre religiones, que es igual que la lucha entre invasores e invadidos, la lucha de siempre en todo momento y todo lugar. En línea con aquella pequeña joya que John Boorman dirigió en 1987, Esperanza y gloria, Belfast es una declaración de amor al lugar en el que plantamos nuestras primeras raíces, y ni el Shangri-La imaginado por Frank Carpa en Horizontes perdidos puede sustituirlo. Por eso entendemos al personaje de Buddy, el conmovedor niño sobre el que recae el peso de la función y cuya mirada el director tan sabiamente traslada al espectador, pero no el de su madre, capaz de acariciar la idea de renunciar a la paz de sus seres queridos con tal de no abandonar el maldito lugar. Rodada en el mismo blanco y negro en el que sus protagonistas veían en la televisión los westerns de Fred Zinnemann y John Ford y La conquista del espacio, allá por 1969, pero con las ráfagas de color que tanto debieron impresionar al responsable de Mucho ruido y pocas nueces cuando iba al cine o al teatro, Belfast es ante todo una hermosa película, rodada con cariño, ilustrada por Van Morrison con nuevas y brillantes versiones de sus imperecederas canciones, escrita con sentido del humor y la emoción e interpretada con el mismo ánimo cariñoso y comprometido con el que su director la ha concebido y llevado a la pantalla.

LA PUERTA DE AL LADO Duelo artificioso

Título original: Nebenan
Alemania 2021 92 min.
Dirección Daniel Brühl Guion Daniel Kehlmann Fotografía Jens Harant Música Moritz Fredrich y Jakob Grunert Intérpretes Daniel Brühl, Peter Kurth, Rike Eckermann, Aenne Schwartz, Gode Benedix, Vicky Krieps Estreno en el Festival de Berlín 11 junio 2021; en Alemania 15 julo 2021; en España 19 noviembre 2021

Aunque se trata de un guion original, el debut en la dirección del actor Daniel Brühl (¡Goodbye, Lenin!, Rush) es claramente deudor de una obra teatral, pero además de la típica obra de autor joven con muchas ganas de epatar y las ideas no tan claras como pudiera parecer. Un actor famoso instalado en un piso de lujo en Berlín junto a la que parece su idílica familia, hace una parada en un bar antes de dirigirse al aeropuerto para volar a Londres, donde debe asistir a la que parece ser la audición de su vida. Pero en ese local tiene un encuentro en principio fortuito con un hombre que empieza pareciendo un crítico feroz y sin escrúpulos, algo que parece no importar al actor, con el que ya hemos empatizado por una aparente sencillez exhibida con disimulo de cualquier atisbo de altanería. A partir de ahí los secretos se irán sucediendo con enorme artificio, la antigua Alemania dividida en dos hará haciendo estragos, así como los procedimientos de la antigua Stasi para entrometerse en la vida de los otros, y los rencores y resentimientos de una Alemana contra la otra. Todo parece, porque todo son apariencias, una metáfora de los nuevos sistemas de espionaje que nos afectan a todos y todas aunque a la mayoría con menor estrago, precisamente por nuestra propia irrelevancia, pero ahí están los espías cibernéticos que con tan poca discreción gestionan nuestros gustos y aficiones. Todo con mucho artificio y un juego dialéctico deudor de esa obra maestra que es La huella de Mankiewicz, aunque como hay también otros personajes diremos que más bien se parece a La trampa de la muerte de Lumet. Alargada en su artificiosidad para alcanzar la duración estándar, nos quedaremos con sus esforzadas interpretaciones y el entusiasmo con el que el actor ha manejado todos los recursos a su alcance para dar forma a su ópera prima como director.

ABRÁZAME FUERTE Sonata en modo menor

Título original: Serre moi fort
Francia 2021 97 min.
Guion y dirección Mathieu Amalric, según la obra de Claudne Galea Fotografía Christophe Beaucarne Intérpretes Vicky Krieps, Arieh Worthalter, Anne-Sophie Bowen-Chatet, Sacha Ardilly, Juliette Benvenste, Auréle Grzesik Estreno en el Festival de Cannes 14 julio 2021; en Francia 8 septiembre 2021

El nuevo trabajo de Mathieu Amalric tras la cámara nos presenta a una mujer aparentemente frágil, trastornada como viene siendo habitual en este tipo de psicoanálisis al estilo burgués, y en permanente fuga. Ha dejado atrás marido, hijo e hija, la familia perfecta en la casa de campo perfecta y con el coche de colección perfecto. Pero ella está trastornada y Amalric nos lo hace ver a partir de varios encuentros desentonados con un padre de familia, el cliente de un bar o un músico integrante de una orquesta sinfónica. A partir de aquí la música clásica empieza a tener gran relevancia, su hija toca el piano y Martha Argerich se convierte en referente a imitar incluso en el aspecto estético. Sonatas, adagios y bagatelas resuenan tristes en la mente de esta mujer que vive en un puzle, que mezcla recuerdos, realidad e imaginación con la misma celeridad e intensidad con la que toda la amalgama se muestra ante nuestros oídos y nuestros ojos. Amalric muestra así el dolor y la angustia de una mujer a la que Vicky Krieps presta su esfuerzo dramático, una mujer que parece arrastrar una gran tragedia. El resultado es un film de una rara belleza, hasta cierto punto conmovedor, pero un poco híbrido de sentimientos en su resolución final.

LA PEOR PERSONA DEL MUNDO Elogio de lo irrelevante

Título original: Verdens verste menneske
Noruega 2021 121 min.
Dirección Joachim Trier Guion Eskil Vogt y Joachim Trier Fotografía Kasper Tuxen Música Ola Flottum Intérpretes Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Herbert Nordrum, Maria Grazia di Meo, Hans Olav Brenner, Helene Bjorneby Estreno en el Festival de Cannes 9 julio 2021; en Noruega 15 octubre 2021; en España 11 marzo 2022

Habituados a ver a Joachim Trier y Eskil Vogt involucrados en thrillers (Oslo, 31 de agosto, Thelma), sorprende que presenten ahora toda una comedia romántica de esas que en su tercio final se convierte en drama muy señor mío. Su protagonista es una joven hermosa que no tiene claro lo que quiere en la vida, ni en el aspecto laboral ni en el sentimental. Pero eso es al principio, porque después sencillamente asistimos a las peripecias emocionales de esta chica, sin mayor trascendencia ni relevancia y con el único aliciente de transitar de nuevo esos ambientes cosmopolitas, sofisticados y aburguesados al que el cine de carácter presuntamente intelectual nos tiene acostumbrados y acostumbradas. La fórmula gusta y por lo tanto se explota, pero el truco se nos antoja ya un poco rancio, y adobarlo con un par de secuencias oníricas, una provocada por la pausa del tiempo y la otra por los efectos del consumo de narcóticos, no nos parece suficiente para sacar a flote una historia que no hace sino repetir clichés con el pretexto de querer decir algo sobre la autodeterminación de la mujer. Su protagonista, Renate Reinsve ha encontrado el vellocino de oro con esta película, y ya ha conseguido premio en Cannes y nominación a los premios europeos del cine, a pesar de que su interpretación se limita a su encanto personal y una serie de bonitas muecas. Una colección de buenas músicas, de Ravel a Christopher Cross pasando por Art Garfunkel y Billie Holiday, adorna la empresa. Poco para tanta expectación.

ARTEMIS FOWL Más delirio que fantasía

USA 2020 96 min.
Dirección Kenneth Branagh Guion Conor McPherson y Hamish McColl, según el libro de Eoin Colfer Fotografía Haris Zambarloukos Música Patrick Doyle Intérpretes Ferdia Shaw, Josh Gad, Colin Farrell, Nonso Anozie, Lara McDonnell, Conor McNeil, Adrian Scarborough, Judi Dench, Tamara Smart, Nikesh Patel Estreno en España y Estados Unidos (internet) 12 junio 2020

Lo mejor que se puede decir de este engendro es que dura poco. Bueno, hay además por ahí alguna secuencia que raya lo brillante, y nos referimos a una boda congelada en una típica y pintoresca aldea italiana. Branagh, sin haber dado carpetazo definitivo a su etapa shakesperiana, que para eso está ahí El último acto, estrenada también en internet y que cuenta los últimos días de la vida del genial dramaturgo, ha abrazado definitivamente el cine engendrado por computadora. Ahí están para demostrarlo sus delirantes puestas en escena, plagadas de y ahogadas por la infografía, en películas como La flauta mágica, La cenicienta, Thor, el remake de Asesinato en el Orient Express y mucho nos tememos que también el de Muerte en el Nilo.

A partir de aquí lo que encontramos es la enésima revisión del superhéroe luchando contra las fuerzas del mal, supuestamente enfocado al público juvenil con protagonista adolescente, sin ofrecer nada más que otra vez lo mismo, inflado de efectos visuales con los que suplir la alarmante carencia de imaginación. Cruce entre Harry Potter y Marvel, el joven Artemis se revela de nuevo como el joven melancólico y traumatizado, pedante hasta aburrir y definido con una apabullante sosería. Y es una pena porque había posibilidades en este niño superinteligente y extremadamente cultivado, lo que podía erigirle en ejemplo y motivación para los de su edad.

Pero nada de eso le sirve cuando se enfrenta a una trama anodina y pueril en la que hadas, goblins y trolls tienen un enorme protagonismo en la estela de la tradición y la leyenda celta, lo que podría haber derivado también en un sentido homenaje a Irlanda, evocado pero malogrado como todo en esta insufrible y barroquísima cinta. Incluso Patrick Doyle parece recuperar su brío y estilo en los primeros acordes para abandonarse luego a una rutinaria mezcla de música efectista y ruidosa sin mayor interés que el resto de esta película estrenada directamente en internet como consecuencia del cierre de los cines por la pandemia. Y lo peor es que amenaza secuelas.