AL ENCUENTRO DE MR. BANKS Mary Poppins en el diván

Título original: Saving Mr. Banks
USA 2013 125 min.
Dirección John Lee Hancock Guión Kelly Marcel y Sue Smith Fotografía John Schwatrzman Música Thomas Newman Intérpretes Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Ruth Wilson, Rachel Griffiths, Kathy Baker, B. J. Novak Estreno en España 31 enero 2014

Si esto sigue así pronto tendremos que acuñar un nuevo término para lo que ya es un subgénero centrado en la gestación de películas clásicas. Recientemente hemos asistido a los entresijos de rodaje de Psicosis (Hitchcock), El príncipe y la corista (Mi semana con Marilyn), La chica (Los pájaros) o RKO 281 (Ciudadano Kane), a las que ahora se une esta amable y pastelosa película sobre la encrucijada de Walt Disney para conseguir que la autora de Mary Poppins transigiera con sus planes de rodaje, tras más de dos décadas detrás de adquirir sus derechos. Se trata de películas que beben de su original homenajeado y parten con el inconveniente y la ventaja, según se mire, de contar con la admiración o el desprecio hacia sus referentes. Emma Thompson es la escritora en cuestión, antipática y malhumorada, aunque no hace falta ser muy listo para adivinar que ese carácter cambiará. Para ello se nos narra a un segundo nivel su traumática infancia, dominada por un padre absorbente e irresponsable, al que la mujer querrá redimir a través de una novela en la que aparecerán más personajes basados en su desconcertante infancia. Walt Disney, por supuesto retratado con suma amabilidad y condescendencia, que para eso se trata de un producto de su factoría, se convertirá sin pretenderlo en psicoanalista de la controvertida escritora, mientras asistimos a una puesta en escena infantil y colorista, casi de dibujos animados, cuando se trata de narrar los preparativos de rodaje, y más realista y en tonos ocres cuando de sus recuerdos se trata. Estos dos niveles narrativos y dramáticos cuentan con un trabajo de realización rutinario por parte del director que le propició a Sandra Bullock su Oscar por The Blind Side (Un sueño posible). Con todo no deja de ser emotiva, sobre todo en su tramo final, beneficiándose de unas solventes interpretaciones y una espléndida banda sonora de Thomas Newman complementando las inmortales canciones de los hermanos Sherman, que tienen también un papel protagónico en la función.

MAUS 2014. GRUPO CINCO SIGLOS: NO ES LUGAR PARA CONCIERTOS

Ciclo de Música Antigua de la Universidad de Sevilla. Grupo Cinco Siglos. Programa: Sones de instrumentos (Danzas de la Edad Media Europea). Iglesia de la Anunciación, viernes 7 de febrero de 2014

Gabriel Arellano, José Ignacio Fernández, Antonio Sáez,
Daniel Sáez, Miguel Hidalgo y Antonio Torralba

Los críticos tenemos el lógico y natural privilegio de ocupar las mejores localidades en los espacios donde se celebran los conciertos, pero no siempre la organización prevé este emplazamiento y nos toca sentarnos donde podemos, lo que viene bien para apreciar las auténticas condiciones en que se desenvuelve el evento. Viene esto al caso de la pésima acústica que ofrece el templo de la Anunciación más allá de las primeras filas. Tan sólo una séptima y ya nos parecía estar en la habitación contigua. Inoportunos ecos, una masa informe y difusa de sonidos sin que apenas pudiéramos apreciar matices ni dinámicas, y cierta sensación incómoda de descoordinación entre los instrumentos, algo que incluso Antonio Torralba, flautista del Grupo Cinco Siglos, se atrevió a denunciar en sus didácticas locuciones.

A pesar de eso hubo motivos para disfrutar de la propuesta del conjunto, un recorrido exhaustivo pero muy bien articulado por la música instrumental de los siglos XIV y XIII en sentido inverso, desde las corrientes italianas, siguiendo con el Manuscrito del Rey francés y terminando con las Cantigas de Alfonso X el Sabio, adaptando cantos de trovadores a ilustraciones meramente instrumentales. Influencias árabes en la música europea medieval, con instrumentos y sonidos introducidos a través de nuestra península, que el grupo ofreció con auténticas piezas museísticas demostrando dominio y familiaridad a prueba de malas condiciones acústicas.

Tampoco la penumbra en que se desarrolló el concierto, por muy teatrales que queden los candelabros y la tenue iluminación del altar, ayuda a apreciar el trabajo de los músicos, a pesar de lo cual destacamos el refinamiento en arabescos, melódicos y articulaciones, la flauta en un solo precioso de balada, la hipnótica y cristalina cítola de José Ignacio Fernández en Seigneurs Sachiez, o la sensibilidad de Gabriel Arellano en una estampida a la viola. A destacar también la melodiosidad de la Cancioncilla alemana, la Dansse Real o el Chose Tassin III, además de su particular versión del Lamento di Tristano. Un repertorio que nos pareció abordado con excesiva delicadeza, sobre todo apreciable en una discreta percusión, siempre bajo los inconvenientes acústicos apuntados. Un programa muy similar al ofrecido la semana anterior por Capella de Ministrers debido a la falta de fuentes, y en el que la improvisación y la reinvención juegan un papel evidente, como quedó patente en un creativo ensamblaje de tres cantigas al final del desaprovechado concierto.

Versión ampliada del artículo publicado en El Correo de Andalucía el 9 de febrero de 2014

LA VENUS DE LAS PIELES Un convencional juego de espejos

Título original: La Venus à la fourrure
Francia-Polonia 2013 96 min.
Dirección Roman Polanski Guión Roman Polanski y David Ives, según la obra del segundo Fotografía Pawel Edelman Música Alexandre Desplat Intérpretes Emmanuelle Seigner y Matthieu Amalric Estreno en España 31 enero 2014

La nueva película de Polanski tiene los mismos defectos que la anterior, Un dios salvaje, pero más virtudes. Como en aquélla adapta una obra teatral reciente de marcado éxito, contando para ello con sus autores en el guión, Yasmina Reza entonces y David Ives ahora, demostrando que el teatro no se encuentra actualmente en un momento de esplendor, maquillando de ingenio e intelectualidad donde no hay más que impostura y convención. Igual que en la obra de la francesa, la adaptación que Ives hace del clásico de Leopold von Sacher-Masoch, con el que se identifica el término masoquismo, parte de una situación forzada, en esta ocasión el empeño de una actriz arrabalera por participar en una audición que el autor y director de la obra, un Mathieu Amalric que se nos antoja otro alter ego de Polanski como el que protagonizara Chris Campion en Piratas, ha dado por terminada. Pero queda tan subyugado por las dotes de la actriz que sucumbe a su dominio cual sirviente sexual a su ama y señora, todo en un juego tan convencional como poco convincente en el que los roles se intercambian y las situaciones se suceden sin acertar a dar un discurso coherente e inteligente sobre las relaciones sadomasoquistas que ilustra. Ella pasa de ser vulgar e ignorante a convertirse en auténtica musa que inspira en él tanta fascinación como dependencia, contando para ello tan sólo con nuestro consentimiento y buena voluntad, en un juego deudor de La huella de Anthony Shaffer (adaptado por Mankiewicz y con menor éxito por Branagh) pero carente del ingenio y la capacidad para atrapar que tenía aquel clásico. No cabe duda de que el film se beneficia de unas estupendas interpretaciones, sobre todo de Emmanuelle Seigner, en el mejor papel y regalo que le ha podido ofrecer su esposo, y que el director le imprime carácter y ritmo, pero de ahí a enganchar con el juego de espejos y sutilezas que propone, lo dudamos. Polanski cuenta por tercera vez consecutiva con Alexandre Desplat en la música, que vuelve a ofrecer un trabajo espléndido, delicado y elegante.

JACK RYAN: OPERACIÓN SOMBRA Un agente poco especial

Título original: Jack Ryan: Shadow Recruit
USA 2014 106 min.
Dirección Kenneth Branagh Guión Adam Cozad y David Koepp, según los personajes creados por Tom Clancy Fotografía Haris Zambarloukos Música Patrick Doyle Intérpretes Chris Pine, Kevin Costner, Keira Knightley, Kenneth Branagh, Lenn Kudrjawizki, Alec Utgoff, Peter Andersson, Elena Velikanova Estreno en España 31 enero 2014

Sólo por la cuantiosa suma que debieron haberle pagado por utilizar el personaje de Jack Ryan, analista de la CIA, se entiende que el recientemente fallecido Tom Clancy permitiera que se perpetrara en su nombre el semejante desatino que supone esta película, un guión pobre y rutinario que nos presenta la génesis del personaje y su primera misión para la Agencia de Inteligencia Norteamericana. Quizás porque La caza del octubre rojo, la primera novela de Clancy con Ryan como protagonista, no relataba dichos orígenes, no se ha optado por ninguna de las numerosas novelas que el autor dedicó al personaje y se ha preferido una ficción original. La amenaza evidentemente es perpetuar la saga desde cero, sin tener en cuenta los títulos que protagonizaron Alec Baldwin (el ya referido), Harrison Ford (Juego de patriotas y Peligro inminente) y Ben Affleck (Pánico nuclear). La operación del título recupera las antiguas tensiones entre Rusia y Estados Unidos y la tradicional lucha de ambos países por controlar el poder del Mundo, un tema algo anecdótico y superficial en los tiempos que corren, aunque el ataque de turno que se pretenda abortar tenga un marcado carácter económico. Desde los tiempos de Sean Connery como James Bond, América ha querido encontrar su propio agente especial, pero ni Jason Bourne ni Ethan Hunt ni este Jack Ryan consiguen hacerle sombra, y eso que esta película es la que más sigue los patrones de la saga Bond, con villano sofisticado incluido. Tras Thor, Branagh se ha pasado definitivamente al cine de acción impersonal, dejando atrás su obsesión por adaptar obras de Shakespeare; pero demuestra poco nervio y entusiasmo para sacar adelante un proyecto tan soso sobre el papel, que hubiera podido equilibrarse con una acción más trepidante y sorprendente. Sin una trama que llegue a interesar, ridícula e inverosímil, ni un sentido suficientemente espectacular del ritmo, un Chris Pine que se antoja poco carismático y una Keira Knightley tan gesticulante como siempre, el producto finalmente naufraga de manera estrepitosa.

LA GRAN ESTAFA AMERICANA Ambición más que corrupción

Título original: American Hustle
USA 2013 138 min.
Dirección David O. Russell Guión David O. Russell y Eric Warren Singer Fotografía Linus Sandgren Música Danny Elfman Intérpretes Christian Bale, Bradley Cooper, Amy Adams, Jennifer Lawrence, Jeremy Renner, Michael Peña, Jack Huston, Louis C.K., Alessandro Nivola, Shea Whigham, Elisabeth Röhm, Paul Herman, Anthony Zerbe, Colleen Camp, Robert de Niro Estreno en España 31 enero 2014

Partiendo de un caso de corrupción política y especulación inmobiliaria que tuvo cierta repercusión en Estados Unidos en la década de los 70, David O. Russell ha construido una tragicomedia con la que ha logrado situarse por tercera película consecutiva en la pista de salida de los Oscar, tras The Fighter y El lado bueno de las cosas. Y con los protagonistas de aquéllas ahora reunidos nos ofrece un ambicioso juego de engaños y estafas con un embalaje tan suculento que hace parecer el caramelo mejor de lo que es. Porque para hacer buenas películas de estafadores hay que articular muy buenas tramas, complejos laberintos que nos mantengan intrigados, inquietos e interesados de principio a fin, y ésta no lo consigue. No obstante su propuesta merece la atención por su atractiva puesta en escena y sus carismáticos protagonistas, pero el estilo narrativo que se ha marcado en plan Scorsese se antoja impersonal y ocasionalmente irritante, aluvión de canciones incluido, lo que deja la banda sonora de Danny Elfman en un mero testimonio. Se supone que ilustra un caso de corrupción en plena crisis económica, la que provocó la gestión de Nixon y la Guerra de Vietnam, como espejo de la que padecemos hoy y los escándalos que surgen a su alrededor. Sin embargo ni Russell ni su guionista presentan mucho interés por destapar ese asunto ni analizar sus consecuencias, que no fueron otras que la aparición de los primeros casinos legales en la costa oeste del país, en Atlantic City para ser más concretos. Por el contrario el libreto se centra más en retratar la ambición desmedida de un agente del FBI que pretende ver en su asociación con unos estafadores de altos vuelos la llave para alcanzar el éxito como agente especial y héroe nacional. Tenemos pues a un director muy ambicioso condenando precisamente el exceso de ambición, y nosotros condenamos su película. Porque ciertamente es vistosa, entretenida y cuenta con notables caracterizaciones, pero en el fondo está hueca e intelectualmente desvaída. Hay muchos actores en Hollywood que para ser calvos y barrigones no necesitan tanto maquillaje y metamorfosis física como Christian Bale, pero ya se sabe que una buena actuación acompañada de drásticos cambios de aspecto garantizan la nominación. Ellas están estupendas en todos los sentidos, y se convierten con justicia en uno de los principales reclamos de esta glamorosa aventura, mientras Bradley Cooper logra su mejor y más divertida caracterización, a pesar de excesos evidentes. Pero dónde queda la crítica y la condena, si al final parece que lo que más interesa es hablar de relaciones sentimentales y triunfos sociales, e incluso se tiene la desfachatez de redimir a quienes con la coartada del servicio público no hacen sino enriquecerse desmedidamente.

SHOSTAKOVICH Y SCHUBERT EN EL CONCERTGEBOUW DE AMSTERDAM

Con un razonable buen tiempo en el exterior, tuvimos ocasión de asistir el pasado domingo 2 de febrero por la tarde a la famosa sala de la ciudad de los canales para escuchar su orquesta titular en el Concierto para violonchelo nº 1 de Shostakovich y la Sinfonía nº 9 de Schubert bajo la dirección de Semyon Bychkov y con Gautier Capuçon al chelo, y de paso disfrutar del buen ambiente que ofrecen los habitantes de esta preciosa ciudad y de los vinos que generosamente ofrecen en los intermedios de sus programas musicales. No era la primera vez que tenía el privilegio de disfrutar de esta sala emblemática y su formidable orquesta. Ya en mayo de 2010 pude asistir a dos conciertos, Vladimir Jurowski y Nikolaj Znyder con el Concierto de Elgar y la Sinfonía nº 1 de Chaikovski, y Yannick Nezet-Seguin, la Filarmónica de Rotterdam y Nicholas Angelich con el Emperador y la Heroica de Beethoven.

Disfrutando de un vino en el intermedio

Nadie podría parecer más adecuado hoy en día que Bychkov, nacido en la Unión Soviética y huido a Estados Unidos en la década de los 70, justo antes de despuntar su carrera musical, para abordar una pieza tan sintomática en la mitología de terror e intolerancia impuesta por el antiguo régimen ruso. A su lado contar con uno de los hermanos Capuçon, a quien ya hemos tenido oportunidad de escuchar en un par de ocasiones en Sevilla, apuntaba como una garantía de interpretación memorable; no en vano muchos creen reconocer en el violonchelista francés la herencia del genio de Rostropovich, cuya interpretación de la Sonata-Concierto de Prokofiev inspiró a Shostakovich para la composición de su primer concierto para violonchelo. Sin embargo aún siendo técnicamente impecable y expresivamente solvente, faltó desesperación y amargura en su versión de la pieza. Apenas penetrante el Allegretto inicial, el segundo movimiento sí logró insuflar su carácter fantasmagórico, y desde luego Capuçon triunfó con sus muy meditadas, matizadas y reflexivas cadencias, mientras al allegro final le faltó un punto más grotesco aunque acertara en brío y energía. Con todo el chelista logró sonar tan sedoso y seductor como ligeramente irritado según procedía.

Bychkov regalando ramos de flores a los trompistas

Bychkov ofreció sin embargo una más que competente versión de La Grande de Schubert, una obra poderosa que Schumann descubrió cuando hacía casi una década que había fallecido su autor. Nuestra posición, justo detrás de la orquesta y al mismo nivel que las trompas, provocó una audición de planos invertidos, un inconveniente menor teniendo en cuenta la importancia que dicho instrumento tiene en esta majestuosa composición. Bychkov contagió a una de las mejores orquestas del mundo del sentido lineal y casi espontáneo de la música, con un marcado equilibrio general y una saludable tendencia a destacar las subidas y bajadas de tensión, ritmo y tono. Se mostró exigente en su extenso punto culminante con un resultado sobresaliente de cuerda, viento y metales. Por su parte las trompas estuvieron brillantes tanto en precisión como en expresividad, damos buena fe de ello que las teníamos justo delante. Una experiencia por lo tanto memorable y profundamente emocionante y emotiva para cualquier melómano y romántico empedernido.

TEMPORADA DE PREMIOS CINEMATOGRÁFICOS: LO QUE MÁS NOS IMPORTA

Nick Nolte, Antonio Dechent y María Valverde
en una escena de A puerta fría

Inmersos en época de galardones cinematográficos constatamos un año más la notoriedad de las ausencias, cuyos méritos son a menudo mayores que los de las películas consideradas. Que los Oscar hayan obviado las interpretaciones de Geoffrey Rush en La mejor oferta o de Barbara Sukowa en Hannah Arendt – Hollywood ha premiado en varias ocasiones interpretaciones en lengua no inglesa -, o los efectos visuales impactantes y originalísimos de Guerra Mundial Z, la exquisita música de Ennio Morricone para la película de Tornatore, el guión de La gran belleza – también en este apartado los americanos han sido generosos con lenguas extranjeras -, así como la película Rush de Ron Howard, es tan flagrante como que los Goyas hayan pasado por alto dos películas sevillanas que podríamos considerar por sí solas lo mejor de la cosecha española del año recién terminado, A puerta fría y Ali. La primera parece ser que habría tenido que entrar en las candidaturas del año pasado, cosa que tampoco ocurrió, aunque su carrera comercial la vivió en el 2013. Un trabajo excelente de Antonio Dechent y una de las cintas que más desasosiego han provocado en este cronista, que no puede evitar emocionarse cada vez que pasa junto al hotel de Sevilla en el que se rodó. Ali por otro lado es una comedia romántica y generacional preciosa y tierna, realizada completamente en nuestra ciudad con enorme cariño y talento, con acento neutro y huyendo de lugares comunes. Dirigida por el también sevillano Jorge Naranjo, Casting le valió a todo su joven reparto el premio de interpretación en el último Festival de Málaga, justo y merecido en esta simpática y sincera película también de corte romántico en el que varias vidas cruzadas por la prueba del título buscan el amor y la aventura. La Academia también la ha olvidado.

Nadia de Santiago y Adrián Lamana son la pareja
protagonista de Ali de Paco R. Baños

Más suerte tuvieron Fernando Franco, director de La herida, el cantautor Fernando Arduán, autor de la canción De cerca del mar incluida en la banda sonora de la película de García Pelayo Alegrías de Cádiz, o Belén López, que da vida a la novia del padre del adolescente protagonista de 15 años y un día. Ellos sí están nominados, uniéndose a la lista de andaluces que con este reconocimiento alumbran aún más la visibilidad de un cine autonómico con entidad propia y calidad indiscutible. Manuel Martín Cuenca, director almeriense de Caníbal; Inma Cuesta, protagonista cordobesa de Tres bodas de más; o la malagueña Natalia de Molina, la jovencísima y guapísima chica de Vivir es más fácil con los ojos cerrados; sin olvidar la doble nominación del también malagueño Antonio de la Torre. Pero, ¿qué importancia le damos nosotros, los andaluces, a lo nuestro?

Javier López y Esther Rivas encabezan el reparto
de la comedia romántica coral Casting

Los medios de comunicación han ido haciéndose eco poco a poco y con muchos reparos de los premios que desde hace treinta años concede la Asociación de Escritores y Escritoras Cinematográficos Andaluces (ASECAN), cuya gala, sencilla, sincera, simpática, emotiva y natural, tuvo lugar el sábado pasado en la capital hispalense. Sin embargo se han rendido inmediatamente a la cobertura informativa de la primera edición de los Premios Feroz, creados por un grupo de críticos en Madrid a imagen y semejanza de los Globos de Oro, como los Goya lo son de los Oscar; malas imitaciones se entiende. Un espectáculo plagado de diálogos y presentaciones de auténtica vergüenza ajena, gags cómicos patéticos, falta de ritmo, ingenio y precisión y abundante mal gusto resumen una entrega de premios a la que sin embargo nuestros cineastas acudieron con sus mejores galas, entregándose a los galardones como si hubiesen logrado el Nobel. Hasta Almodóvar estaba ahí, a pesar de que precisamente la más feroz de las películas españolas del año pasado, Los amantes pasajeros, apenas acaparaba un par de nominaciones menores. La sensación en nuestros humildes premios ASECAN, que también tuvieron su época dorada, hilarante descubrimiento del mejor Paco León incluido, y tampoco entonces merecieron por parte de nuestros medios la importancia que requieren y merecen, es que no se respetan lo suficiente, salvadas las oportunas excepciones. Aquí los nuestros suelen ponerse lo primero que cogen del armario (Inma Cuesta por ejemplo hace dos años cuando triunfó La voz dormida) y algunos recogen el premio como si pasaran por ahí. No valoramos lo nuestro, y menos cuando tenemos que hacerlo en casa. Los medios y los propios protagonistas no le dan la importancia que merecen, no parecen emocionarse, y desde luego no toman nota de lo que hacen los catalanes y sus Sant Jordi, que los valoran y miman con la mayor de las atenciones. También nosotros y nosotras debemos demostrar el interés de nuestro cine, no sólo produciendo buenas películas sino vendiéndolas y difundiéndolas con la mejor imagen posible, que de eso precisamente va el cine.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el domingo 2 de febrero de 2014