XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 9ª Y ÚLTIMA JORNADA

LA LOI DU MARCHÉ (La medida del hombre)

Francia 2015 93 min.
Dirección Stéphane Brizé Guión Stéphane Brizé y Olivier Gorce Fotografía Eric Dumont Intérpretes Vincent Lindon, Karine de Mirbeck, Matthieu Schaller, Yves Ory, Catherine Saint-Bonnet, Saïd Aïssaoui, Françoise Anselmi

Ganadora del premio al mejor actor en Cannes y el del público en Bruselas, la nueva película del director de Madmoiselle Chambon tiene dos partes bien diferenciadas. Por un lado la incesante y desmoralizadora búsqueda de trabajo por parte de un hombre que ha sufrido un expediente de regulación de empleo en la compañía en la que ha trabajado toda su vida; por otro, su aún más desmoralizadora experiencia como vigilante de seguridad en un hipermercado, trabajo que le permite recuperar una vida que se le estaba haciendo cuesta arriba a él y a su familia, pero que revelará hasta dónde tiene que llegar un hombre, cuál deberá ser su precio, para alcanzar una vida privada digna. Sobre Vincent Lindon recae la mayor parte de responsabilidad para que el producto llegue a buen puerto, y lo consigue con una interpretación contenida pero muy expresiva, en la que una mirada permanentemente taciturna logra transmitir todo un universo de frustración y sensación de fracaso. Las estaciones por las que ha de pasar en su búsqueda de trabajo y bienestar son muy reconocibles para cualquier habitante de nuestro país, donde siempre ha habido paro, no sólo ahora por la consabida crisis. Oficinas de empleo que lían más que resuelven, cursos para redactar curriculums y enfrentarse a entrevistas de trabajo (impagable la compostura de Lindon mientras sus compañeros critican su actitud ante un posible empleador), banqueros que se entrometen en una economía familiar a la que ellos le han chupado la sangre, etc. Pero es la segunda parte, cuando para sobrevivir se tiene que convertir en verdugo de otros miserables, cuando la función se hace más irrespirable y surgen las preguntas sobre el sistema que todos hemos asumido y aceptado, la que más duele. Brizé rueda con austeridad casi documental, sin permitirse el estilismo que caracteriza otras películas suyas, y consigue así una obra compacta, dura y convincente.

MEDITERRANEA

Italia-Francia-Alemania-USA-Qatar 2015 107 min.
Guión y dirección Jonas Carpignano Fotografía Wyatt Garfield Música Benh Zeitlin y Dan Romer Intérpretes Koudous Seihon, Alassane Sy, Adam Gnegne, Mary Elizabeth Innocence

No cabe duda de que las intenciones son buenas, pero los resultados dejan mucho que desear. Mal rodada, peor contada, con un guión lleno de baches y apoyado en clichés y lugares comunes, el debut en el largometraje del italoamericano Jonas Carpigano pretende trazar el itinerario físico y emocional de un emigrante africano en el sur de Italia, desde que sale de su aldea natal hasta que llega a la tierra prometida, pasando por todos los consabidos peajes aunque a trompicones: viaje a través del desierto con ataque vandálico incluido, travesía tormentosa en patera, llegada accidentada a controles europeos, trabajos clandestinos y mal pagados, y una desproporcionada e injustificada explosión de violencia final que flaco favor hace a las comunidades extranjeras que buscan una vida digna más allá de sus fronteras. Todo lo cual desemboca en un auténtico despropósito apoyado en el atractivo físico de su protagonista, aunque un involuntariamente distanciamiento al que no es ajena una cámara irritantemente nerviosa no ayuda a empatizar con él, y la ingenua y permanente confrontación entre buenos y malos, gente justa y acogedora por un lado y mafias y delincuentes por el otro, sin apenas espacio para la esperanza.

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 8ª JORNADA

RABIN, THE LAST DAY

Israel 2015 153 min.
Dirección Amos Gitai Guión Amos Gitai y Marie-José Sanselme Fotografía Eric Gautier Música Amit Poznansky Intérpretes Yitzhak Hiskiya, Pini Mittelman, Michael Warshaviak, Einat Weizman, Yogev Yefet, Tomer Sisley

Estupendo documentalista, Amos Gitati ha conocido también una carrera comercial considerable con títulos de ficción como Eden y Promised Land. Su última película es un docudrama en torno al asesinato del primer ministro israelí Isaac Rabin en noviembre de 1995 y la investigación política y criminal que se llevó a cabo en los días inmediatamente siguientes al magnicidio. Su declaración de intenciones queda patente en los primeros minutos de su generoso metraje, cuando en una entrevista el ex primer ministro Shimon Peres confirma que la situación en Oriente Medio sería muy diferente de no haberse producido tal tragedia. A partir de ahí Gitai reconstruye dramáticamente algunos episodios de los antecedentes y de la investigación sobre los hechos, mezclándolo con imágenes de archivo y generando así lo que llamaríamos un documental intervenido. Las claves que se analizan sin embargo son las menos interesantes, las que quizás el resto de países menos Israel ya manejan desde hace tiempo, el atropello al pueblo palestino, la usurpación de sus tierras y unas políticas de marginación y aislamiento de sus vecinos. Cuando alguien molesta tanto hasta el punto de quitarlo de enmedio, provocando la paralización drástica de los procesos que estaba llevando a cabo, evidentemente no sólo es responsable quien empuña el arma ni quienes le apoyan directamente. También lo es quien mira hacia otro lado y da marcha atrás, lo que significa que el sacrificado estaba solo y demuestra que no hay proceso político que progrese si no es con el consenso de todas las partes implicadas. Ahí el error de Rabin y el material que podría haber dado lugar a un producto más estimulante que el resultado, la no por menos necesaria consabida y archivista demonización de religiosos y extremistas, con montaje y archivos descaradamente orientados a tal fin, sin tregua ni alternativa.

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LANGOSTA (The Lobster)

Grecia-Reino Unido-Irlanda-Holanda-Francia 2015 118 min.
Dirección Yorgos Lanthimos Guión Yorgos Lanthimos y Efthymis Filippou Fotografía Thimios Bakatakis Intérpretes Colin Farrell, Rachel Weisz, Léa Seydoux, John C. Reilly, Ben Whishaw, Jessica Barden, Olivia Colman, Rossana Hoult, Ariane Labed

Lanthimos no traiciona su estilo y espíritu en su primera película hablada en inglés y con reparto internacional. Su holgada producción le da al resultado un atractivo adicional, pero las constantes del realizador de Canino y Alps siguen intactas. Especialmente las del primero de los títulos reseñados, con el que comparte parodia sobre las convenciones sociales, el adoctrinamiento y la falta de libertad en un mundo en el que todo está medido y controlado. En este caso el experimento llega al paroxismo a través de la historia de un hombre que vive en una sociedad donde estar solo se considera un crimen, por lo que existen residencias de lujo, retiros, en los que se adiestra a hombres y mujeres solteros para encontrar pareja y reinsertarse en una sociedad fuertemente custodiada y controlada por los poderes fácticos. Y quien no logra su objetivo se transforma en animal, langosta por ejemplo. Algo de La fuga de Logan hay en esta película en la que quien se rebela tampoco puede huir de sus propias convenciones y de la formación que ha recibido. Su lujoso reparto y su impecable acabado formal transforman también el producto, haciéndolo más digerible para la platea general y permitiendo a su equipo artístico y técnico internacional crearse la ilusión por una vez en sus vidas de que están participando en algo diferente, incluso si se quiere transgresor en las formas, aunque desnudarse siga estando estrictamente prohibido. Gran Premio del Jurado en Cannes y cinco nominaciones a los Premios Europeos del Cine.

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SCHNEIDER VS. BAX

Holanda-Bélgica 2015 95 min.
Guión, música y dirección Alex van Warmerdam Fotografía Tom Erisman Intérpretes Tom Dewispelaere, Alex van Warmerdam, Maria Kraakman, Annet Malherbe, Gene Verboets, Pierre Bokma, Henri Garcin, Loes Haverkort, Eva van de Wijdeven

El polifacético director holandés Alex van Warmerdam relaja el tono de su anterior y multipremiada película, Borgman, y nos ofrece ahora otro thriller pero en clave de comedia, negra o macabra si se quiere, pero comedia al fin y al cabo. Su tono es más ligero, aunque sus chistes puedan resultar pesados y hasta de mal gusto. La habilidad con la que el realizador combina crímenes y persecuciones con el típico vodevil de entradas y salidas continuas de personajes, merece por sí sola la atención. Pero es que además Warderman teje un ingenioso guión en torno a dos asesinos a sueldo contratados para aniquilarse los unos a los otros, cuyos cometidos se complican cuando entran en escena otros personajes y los duelistas muestran sus principios éticos al respecto. El resultado es un film divertido y liviano, sin las pretensiones de su film anterior; simplemente un divertimento bien rodado, estupendamente fotografiado en unos excelentes paisajes veraniegos empantanados, y con interpretaciones que le dan el toque perfecto de comedia sin excesos indigestos. Como es habitual en su cine, Warmerdam se reserva uno de los papeles, esta vez protagonista.

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 7ª JORNADA

RAMYBE MUSU SAPNUOSE (La paz sea en nuestros sueños)

Lituania-Francia-Rusia 2015 107 min.
Guión y dirección Sharunas Bartas Fotografía Eitvydas Doshkus Música Alexander Zekke Intérpretes Ina Marija Bartaite, Lora Kmieliauskaite, Sharunas Bartas, Edvinas Goldsteinas

Cuando uno piensa en los países bálticos, sobre todo a la hora de viajar, se interesa por Suecia, Finlandia, Estonia, en cuya capital Tallin una vez Rosa de España defendió Eurovisión, Dinamarca o Letonia, pero rara vez se detiene en la República de Lituania. Un error, porque se trata de un país bellísimo poblado por criaturas celestiales de un porte aristocrático extraordinario y una profundidad existencial sin límites. Conviene visitarlo especialmente en verano, aunque el invierno también tiene su belleza, con la nieve cayendo majestuosamente sobre los árboles. Bañarse en sus cristalinos lagos, disfrutar de sus frondosos bosques, correr por sus verdes praderas, y cruzarse con su variopinta fauna humana, no tiene precio. Unos de deleitan con Beethoven, otras personas prefieren el alegre folclore local; hay quien caza y hay quien prefiere pescar. No conviene extrañarse si de repente rompen a llorar o pierden la mirada, es que son así. Y cuando termina el verano y se aproxima el otoño, escuchar el viento, ver mecerse la hierba a su ritmo, observar la lluvia caer sobre el agua y los árboles, es una experiencia que te traslada al paraíso. Lástima que no haya vuelo directo entre Sevilla y Vilna, su hermosa capital, porque me iba ahora mismo. Lo único malo es que allí se producen películas como ésta, un auténtico ladrillo.

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SANGUE DEL MIO SANGUE (Sangre de mi sangre)

Italia-Francia-Suiza 2015 107 min.
Guión y dirección Marco Bellocchio Fotografía Daniele Cipri Música Carlo Crivelli Intérpretes Roberto Herlitzka, Pier Giorgio Bellocchio, Lidiya Liberman, Fausto Russo Alessi, Alba Rohrwacher, Federica Fracassi, Alberto Cracco, Filippo Timi

Las últimas películas estrenadas de la dilatada filmografía de Marco Bellocchio desvelan que ha sido un director sobrevalorado y aún hoy sorprendentemente laureado. Vincere o Buenos días, noche son ejemplos de una gramática rancia y anquilosada, incapaz de adaptarse a los nuevos tiempos para ofrecer un producto más ligero y fresco en lugar de mamotretos indigeribles sin poesía ni nervio. Su última película, también premiada, esta vez en Venecia, no es una excepción. Dos historias acaecidas en épocas muy distantes pero en un mismo lugar, una en el siglo XVII, la otra en la actualidad, pretenden poner sobre la mesa el motor que mueve la sociedad, el amo que la domina y domestica. La religión, inquisitiva, terriblemente autoritaria, en aquella época; el dinero, los negocios inmobiliarios y la especulación, hoy. Un discurso por lo tanto ingenuo y muy trillado que Bellocchio además se encarga de ilustrar de forma harto pueril. Rancia su primera parte, oscura, de tonos ocres y grises, como todo el mundo por supuesto sabe que era el Barroco; colorista y chirriante, la segunda, pues ahora naturalmente lo que abunda son los colores, exclusivos de nuestra época. Casi como si abrazáramos a Zeffirelli y Sorrentino en una única función, pero sin el gusto y elegancia del primero ni la gracia y el talento del segundo. El episodio inquisitivo al menos entretiene e intriga; esa monja sometida a suplicio que se libera cual ave fénix como si de una modelo de Victoria's Secret se tratara, no tiene precio. Pero el otro, el colorista, es de auténtica vergüenza ajena. Ya le vale al titiritero.

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LAS MIL Y UNA NOCHES. EL EMBELESADO (As 1001 noites. Volume 3, O encantado)

Portugal-Francia-Alemania-Suiza 2015 131 min.
Dirección Miguel Gomes Guión Miguel Gomes, Telmo Churro y Mariana Ricardo Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Intérpretes Crista Alfaiate, Bernardo Alves, Jing Jing Guo, Chico Chapas, Carloto Cotta, Quitério, Américo Silva, Gonçalo Waddington

La tercera y última parte de la trilogía dedicada a la crisis económica en Portugal se centra en los supervivientes, quienes aguantan el chaparrón lo mejor que pueden, aferrándose a ocupaciones, entretenimiento o simplemente la búsqueda de lo esencial y lo más auténtico de la vida, lejos de materialismos y conductas aprendidas, muchas veces impuestas. Por eso contiene un largo prólogo en el que Sheherezade huye de su cautiverio para conocer Mundo, mezclarse con la gente, cantar (el leit motiv de la trilogía, Perfidia), enamorarse y reflexionar junto a su padre sobre el futuro de nuestra existencia. Un episodio gozoso que no disimula su tendencia al pastiche o al collage, según se prefiera, y en el que hace presencia la alegría y la despreocupación en comunión con la naturaleza y al vida al aire libre. Lástima porque inmediatamente después Gomes se centra en un tedioso e interminable reportaje sobre ornitología, centrado en al adiestramiento que un grupo de hombres hace de los pájaros pinzones para competir en concursos de canto. Una metáfora de la libertad (del hombre, no ciertamente del animal en cautiverio) y la superación de contratiempos, que no encuentra sin embargo justificación como para someter al espectador, que ya ha llegado al fin del experimento y no quiere perderse su conclusión, a semejante e inhumano suplicio. Una vez más parece que nadie haya enseñado a estos señores a editar y sintetizar.

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XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 6ª JORNADA

LA ACADEMIA DE LAS MUSAS

España 2015 92 min.
Dirección José Luis Guerin Intérpretes Emanuela Forgetta, Rosa Delor Muns, Mireia Iniesta, Patricia Gil, Carolina Llacher, Raffaele Pinto

Salvo sorpresa inminente, éste podría convertirse con todo derecho y justicia en el Giraldillo de Oro de la presente edición del Festival; una oportunidad única además para por fin reconocer una cinta española con la principal distinción del certamen. La maestría, y el magisterio, de Guerin para película a película ir conformando una de las filmografías más lúcidas, personales y comprometidas de nuestra cinematografía, queda corroborada en esta película que sigue a las imprescindibles Innesfree, Tren de sombras, En construcción y En la ciudad de Silvia. Conjugando con total naturalidad y soltura documental y ficción, el director echa mano de su trazo firme y seguro para adentrarse en un aula de la Universidad de Barcelona en la que un profesor italiano debate con alumnas maduras que asisten a un curso sobre creación poética. La inquietud por la cultura y la pasión por el conocimiento se dan cita en este elaborado ensayo sobre el amor como invención poética a partir de la inspiración de las musas, las mismas que discuten con el desconcertado Dante de turno, a veces con argumentos inteligentes y otras ingenuos, para eso se trata de un trabajo en el que la libertad y la expresividad tienen el protagonismo, que para aliviar y mejorar el material resultante ya está la mesa de montaje. Las incertezas e inseguridades del curtido profesor chocarán con las ávidas mujeres que celebran su magisterio pero también lo ponen en entredicho. Guerin incluye en la función momentos lindantes con la comedia, no particularmente la divina, especialmente a través del personaje de la esposa del profesor, además de dos viajes a Italia tan mágicos como reveladores en los que asoman la creatividad popular desde la tradición folclórica y la seducción que provoca el deseo, en definitiva el trabajo de la musa, ya sea por los métodos tradicionales o a través de la palabra escrita vertida en las redes sociales. Lo importante no es tanto lo que digan sus protagonistas sino que lo digan, que muestren inquietud y curiosidad, elucubren sobre lo que aprenden y opinen, siempre desde la autoridad que ofrece el conocimiento, sobre el amor, la naturaleza, el deseo, la sexualidad y el papel de la mujer en esta sociedad y a lo largo de la Historia. Diálogos frescos y espontáneos que para sí los quisiera el más intelectual de los guionistas.

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L'OMBRE DES FEMMES (La sombra de las mujeres)

Francia 2015 73 min.
Dirección Philippe Garrel Guión Jean-Claude Carrière, Caroline Deruas, Arlette Langmann y Philippe Garrel Fotografía Renato Berta Música Jean-Louis Aubert Intérpretes Clotilde Courau, Stanislas Merhar, Lena Paugam, Vimala Pons, Antoinette Moya, Jean Pommier, Thérèse Quentin, Mounir Margoum

Muy ligado al cine experimental, Philippe Garrel tiene una filmografía breve pero muy dilatada en el tiempo desde principios de los setenta. Con esta su última película, presentada en la Quincena de Realizadores del último Festival de Cannes, propone una historia de amor en la que un matrimonio se traiciona mutuamente para comprobar que no pueden vivir el uno sin la otra. Una historia en principio muy simple que sin embargo ha necesitado de la colaboración de cuatro guionistas para llegar a buen puerto, entre ellos el propio realizador, su esposa y el prestigioso Jean-Claude Carrière (El discreto encanto de la burguesía, La insoportable levedad del ser, El artista y la modelo). En la producción destaca también el papel del hijo del director, Louis Garrel, presente también en la sección oficial del festival con Los dos amigos, y que aquí ejerce como narrador. Aunque Philippe Garrel pertenece a una generación inmediatamente posterior a la Nouvelle Vague, con esta cinta parece querer rendir homenaje a sus maestros, con Truffaut, Malle y Godard a la cabeza, rodando en un muy esmerado blanco y negro y haciendo uso de un ritmo y una estructura narrativa que recuerda mucho al estilo de aquellos maestros. Su breve duración unida a la sencillez de sus planteamientos liberan al producto de una gravedad que podría haber lastrado sus resultados emocionales. En los papeles protagonistas Clotilde Courau, esposa del Principe Emanuele Filiberto di Savoia en la vida real, y Stanislas Merhar, de sorprendente parecido con el también francés Benoit Magimel, exhiben una química perfecta como matrimonio en crisis que sufre también el otro tipo de crisis, económica.

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LAS MIL Y UNA NOCHES. EL DESOLADO (As 1001 noites. Volume 2, O desolado)

Portugal-Francia-Alemania-Suiza 2015 131 min.
Dirección Miguel Gomes Guión Miguel Gomes, Telmo Churro y Mariana Ricardo Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Intérpretes Joana de Verona, Crista Alfaiate, Joao Pedro Bénard, Margarida Carpinteiro, Chico Chapas, Carloto Cotta, Luísa Cruz, Teresa Madruga

Tres nuevos episodios o cuentos conforman esta segunda parte de las particulares Mil y una noches de Miguel Gomes. Si en la primera asistíamos a los factores que han generado la actual situación de crisis portuguesa y quienes se enfrentan a ella a través de la lucha o la resignación, ahora le toca el turno a las víctimas, esos seres anónimos y privados que de una u otra manera sufren las consecuencias de una situación injusta y sobrevenida. El tono vuelve a ser grotesco, con una considerable dosis de ingenio e imaginación y un uso moderado del humor. Esta vez predomina un tono agrio y deprimente, si bien el segundo episodio, Las lágrimas de la jueza, contiene uno de los momentos más cómicos y delirantes de la trilogía, prodigio de construcción en el que como si de muñecas rusas se tratara, se van relatando diferentes situaciones que encajan unas en otras de forma prácticamente laberíntica. Un criminal forajido de la justicia que vive en su particular paraíso y acaba vitoreado por un pueblo que admira su enfrentamiento con la autoridad y lo establecido, una jueza que intenta resolver y castigar diferentes conductas punitivas redimidas por la pobreza y la necesidad, y un perro que pasa de mano en mano sin extrañar a sus anteriores dueños, gente en situación desesperada en un barrio marginal, son los ingredientes de un circo que pasará a la Historia como referente de una época maldita y unos gobernantes no sólo incapaces de resolver tanta penuria sino suficientemente granujas como para sacar provecho de ella.


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EISENSTEIN IN GUANAJUATO

Holanda-México-Finlandia-Bélgica-Francia 2015 105 min.
Guión y dirección Peter Greenaway Fotografía Reinier van Brummelen Intérpretes Elmer Bäck, Luis Alberti, Maya Zapata, Asmus Slätis, Lisa Owen, Stelio Savante, Rasmus Slätis

Lejos de la popularidad y el reconocimiento que tuvo su cine en los años ochenta, cuando películas como El contrato del dibujante, El vientre del arquitecto, Conspiración de mujeres o El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, llenaban salas como las del desaparecido Corona de Sevilla, el reencuentro con Peter Greenaway nos sirve para comprobar que no ha perdido el nervio ni el entusiasmo, aunque su cine resulte ahora más cargante que nunca. El pretexto para este nuevo y fatigante derroche visual, tras delirios estéticos como Los libros de Próspero, El niño de Macon o The Pillow Book, es un viaje que el director ruso Sergei Eisenstein realizó a principios de los treinta a México para rodar ¡Viva México!, film auspiciado por simpatizantes americanos del comunismo, con el intelectual Upton Sinclair a la cabeza. Greenaway aprovecha para ofrecer un festín de colorido, tecnología digital, puesta en escena y recursos dramáticos como la pantalla partida y la profusión de imágenes de archivo. Pero más que al servicio de la gestación de un film y la crónica de una época, el director británico parece interesado en el despertar homosexual del protagonista, cuyo exhibicionismo grotesco y descarado encuentra el contrapunto ideal en la sensualidad latina y los modos de un genealogista que le sirvió de acompañante durante su hipotética visita a Guanajuato, que no se produjo en realidad, lo que hace sospechar que los acontecimientos ocurrieron en realidad en México capital. Ilustrada por los grandes éxitos de Prokofiev, de la Sinfonía Clásica a la Marcha de El amor por las tres naranjas, pasando por el inevitable Romeo y Julieta, Greenaway hace gala de un barroquismo extremo y un nervio histérico, dejando la pura y sincera emoción aparte pero sin traicionar lo que en última instancia es un homenaje a un gran artista para quien sus diez días en tierras americanas llegaron a estremecerle tanto como los que protagonizaron su clásico Octubre sobre la Revolución Socialista contra el Imperio Ruso.


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XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 5ª JORNADA

THE OTHER SIDE

Francia-Italia-USA 2015 92 min.
Dirección Roberto Minervini Guión Roberto Minervini y Denise Ping Lee Fotografía Diego Romero Documental

Hace unos años en este mismo festival, el director italiano y profesor universitario Roberto Minervini nos sorprendió muy gratamente con un docudrama extraordinariamente sensible y delicado de título Stop the Pounding Heart. Su fascinación por los norteamericanos como objeto de estudio antropológico rebrota aquí con un film, igualmente encuadrable en la categoría de documental ficcionado al estilo de aquellos míticos Vivir cada día de la Televisión Española de los setenta y ochenta, en el que analiza la así llamada América profunda a través de dos comunidades antagonistas. De la mano de un toxicómano que habita en parajes rurales de Louisiana, al cuidado de su pareja, su madre enferma y su abuelita bailonga, conocemos un ambiente de gente pacífica, dentaduras descuidadas o directamente ausentes, y vidas muy sencillas alimentadas por trabajos chapuceros. En el otro extremo, y ya casi al final de la película, asistiremos al entrenamiento de un grupo paramilitar fascista y extremista que abusa de las armas, el alcohol, el sexo y las drogas y lanza violentas consigas antigubernamentales. No descubrimos nada ni de uno ni del otro lado; sabemos perfectamente que en Estados Unidos abundan estas faunas, y que no todo, ni mucho menos, es clase media con buenas casas, coches y trabajos. La paranoia de las armas y la guerras, así como los marginados de la sociedad que sobreviven entre prisiones y caravanas, son temas sobradamente conocidos para cualquiera que viva en el mundo que habita. Son las formas y el cariño que Minervini deposita en quien cree lo merece, y la pericia de conectar estos dos extremos absolutos, los desheredados y los prepotentes, frente a ese enemigo común que es una administración incapaz de resolver los problemas habituales de la gente común, que prefiere inmiscuirse en el gobierno de otras naciones antes que limpiar su propia mierda.

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BERSERKER

España 2015 102 min.
Guión, fotografía y dirección Pablo Hernando Música Aaron Rux Intérpretes Julián Génisson, Ingrid garcía Johnson, Vincenç Miralles, Chema Adeva, Lorena Iglesias, Rocío León, Daniel Luke, Elena Serrano

Segundo largometraje del joven realizador vasco Pablo Hernando, que sorprende por sus formas aseadas y académicas a pesar de contar presumiblemente con un presupuesto muy ajustado. Y más sorprende aún su inquietante punto de partida, una particular investigación criminal en la que la incógnita no es quién lo ha hecho sino por qué. Diálogos fluidos, personajes atractivos y bien interpretados, van sucediéndose a un ritmo que no siempre es satisfactorio, pero que en general no pierde nunca el interés, y que dosificado con puntuales brotes de humor, ayuda aún más a su fácil digestión. Lástima que, como suele ser habitual en nuestro cine, llegue un momento en el que no se sepa avanzar, algo que también le ocurre al novelista protagonista, lo que en su caso tiene gracia, porque provoca inquietud en el espectador por conocer cuál es el verdadero final de la truculenta historia. El resultado acaba sucumbiendo a su propio artificio, con razonamientos y soluciones harto pueriles y mal trabajadas. Por el camino, sin embargo, conseguimos entretenimiento, empatía con los personajes y una puesta en escena sobria acompañada de una narración relajada y elegante a años luz de la histeria desgraciadamente imperante en nuestro cine. Puede que cuando sea capaz de pulir un buen argumento, Pablo Hernando nos dé muchas satisfacciones.

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LAS MIL Y UNA NOCHES. EL INQUIETO (As 1001 noites. Volume 1, O inquieto)

Portugal-Francia-Alemania-Suiza 2015 125 min.
Dirección Miguel Gomes Guión Miguel Gomes, Telmo Churro y Mariana Ricardo Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Intérpretes Joana de Verona, Diogo Dória, Gonçalo Waddington, Rogério Samora

La primera entrega de uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos del director de Tabú y de la historia del cine portugués en general, se articula en un prólogo y tres cuentos inspirados en la estructura y el espíritu de los que Scheherezade contaba al sultán Schariar para evitar su muerte y el de otras doncellas del reino de Tartaria, pero trasladados a Portugal y la severa crisis económica que azota a uno de los países más castigados de Europa. El experimento no es novedoso, ya que en el siglo XIX Robert Louis Stevenson hizo lo propio con una recopilación de extraños relatos ambientados en Londres bajo el título de Las nuevas noches árabes. En el prólogo se nos pone en antecedentes de la lucha proletaria en los astilleros y la paulatina pérdida de derechos sociales que desde hace tanto se viene sufriendo, así como se hace hincapié en la laxitud del ser humano para poner remedio a problemas tan universales como la posible desaparición de las abejas, fundamentales para preservar la cadena de la evolución natural. Después Gomes nos presenta un cuento en el que unos burócratas y banqueros sufren una curiosa maldición, otro en el que un gallo molesta con su canto a una comunidad sorda y borrega ante unas elecciones con candidatos burdos e ignorantes, y otro más sobre los preparativos de un baño en el mar en pleno enero al que se entregan inconsciente e incondicionalmente los habitantes de un pueblo maltratado. La cinta mantiene un tono grotesco y desafiante ante la incompetencia del gobierno luso, de los gobiernos en general, siempre con el elemento fantástico presente. Abruma el ingenio del director y su equipo para recopilar historias y convertirlas en narraciones entre la comedia y lo maravilloso, siendo precisamente los pasajes más convencionales, como los testimonios de víctimas muy identificables de la crisis, los menos interesantes por ser los más comunes y previsibles.

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MON AMIE VICTORIA (Mi amiga Victoria)

Francia 2014 95 min.
Guión y dirección Jean Paul Civeryac, según el relato de Doris Lessing “Victoria and the Staveneys” Fotografía David Chambille Intérpretes Guslagie Malanga, Nadia Moussa, Catherine Mouchet, Pascal Greggory, Alexis Loret, Pierre Andrau, Elise Akaba, Tony Harrisson

El director francés Jean Paul Civeryac, consagrado hace una década con Toutes ces belles promesses, adapta un relato de la escritora británica Doris Lessing contenido en la misma recopilación que incluye Las abuelas, relato que inspiró a su vez la película Dos madres perfectas protagonizada por Naomi Watts y Robin Wright. Se trata de un texto sumamente inteligente que aborda el tema del racismo desde una óptica original y diferente, tratado más bien como un problema de clasismo en una sociedad supuestamente tolerante y abierta que asume su aceptación de las razas antaño colonizadas con más impostura que naturalidad. Victoria, la chica protagonista, queda marcada para siempre por un episodio que le lleva a conocer cuando apenas es una niña a una acomodada familia de ideología liberal y progresista. Los acontecimientos le irán descubriendo que al contrario de lo que pudiera parecer, se siente desubicada y con menos oportunidades de las que disfrutan sus iguales blancos. Rodada con gusto y delicadeza, Civeryac opta sin embargo por una voz en off permanente que no hace sino subrayar lo que ya nos indican las imágenes, lo que resta fuerza dramática al conjunto. Además, aunque pudiera parecer que reina la sutileza, lo cierto es que los personajes y las situaciones están voluntariamente acentuadas para dejar muy claro el mensaje y la denuncia expuestos. El atractivo de los personajes y las localizaciones hacen el resto para que acabe convirtiéndose en una cinta mucho más complaciente de lo que sería conveniente.

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MUSTANG

Francia-Alemania-Turquía-Qatar 2015 97 min.
Dirección Deniz Gamze Ergüven Guión Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour Fotografía David Chizallet y Ersin Gok Música Warren Ellis Intérpretes Günes Sensoy, Dogba Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Nihal Koldas, Ayberk Pekcan

El multipremiado debut en la dirección de largometrajes de la realizadora turca Deniz Gamze Ergüven es el clásico ejemplo de producto diseñado y orientado para levantar indignación más allá de la denuncia, abrazando incluso la ambición comercial. A pesar de ello no es cuestión de quitarle méritos y no saber reconocer la valentía de una mujer que lucha con esta especie de Vírgenes suicidas por los derechos y las libertades de un amplio sector de la población femenina de su país, sin olvidar el peligro permanente que amenaza al otro, el que disfruta de un status parecido al de la mujer occidental. Cinco jóvenes, por supuesto gráciles y bellísimas, para calar más hondo, disfrutan de sus vacaciones estivales con total y desinhibido desparpajo, para ir paulatinamente sufriendo la rigidez educativa de su familia, especialmente de las propias mujeres, impulsada por la castrante tradición moral y religiosa. Los consabidos matrimonios concertados, hábitos y prohibiciones varias irán malogrando unas vacaciones que se antojan demasiado largas para tanta acumulación de acontecimientos. Ergüven demuestra pericia para rodar, ingenio para indignar y gusto para dosificar elementos, pero la intención se huele tan de lejos que apesta, por lo que algo más de sutileza y originalidad le hubiera beneficiado considerablemente. La banda sonora de prestigio la firma Warren Ellis, habitual colaborador de Nick Cave.


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XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 3ª JORNADA

THE CHILDHOOD OF A LEADER (La infancia de un líder)

Reino Unido-Hungría-Francia 2015 113 min.
Dirección Brady Corbet Guión Brady Corbet y Mona Fastvold Fotografía Lol Crawley Música Scott Walker Intérpretes Tom Sweet, Bérénice Béjo, Liam Cunningham, Robert Pattinson, Stacy Martin, Yolande Moreau

Al americano Brady Corbet lo conocemos fundamentalmente por participar, casi siempre como actor secundario, en películas indies o europeas, como Fuerza mayor, Viaje a Sils Maria o Mientras seamos jóvenes. Su paso también por cintas de Haneke, la versión americana de Funny Games, y Von Trier, Melancolía, ha debido de influir decisivamente en su debut como realizador de largometrajes, después de dirigir varios cortos y escribir el guión de otras películas. El ambiente sórdido y malsano que se respira especialmente en el universo del austriaco se recrea también en esta ficción inspirada en un relato de Sartre sobre la génesis de un líder psicópata y genocida, entre fascista y comunista, de los que han manchado las páginas de Historia del siglo pasado. Llega esta crónica que no disimula en su tratamiento visual y narrativo su vocación de cine de género, con parecidos razonables incluso con La profecía de Donner, en un momento muy sensible de la realidad política y social mundial, en el que con estrategias más sibilinas nos están metiendo de lleno en un nuevo sistema castrador, represor y fascista, donde derechos y logros se van desvaneciendo poco a poco sin que apenas lleguemos a darnos cuenta. Esta sin duda terrorífica película, con una infancia marcada por trastornos de identidad sexual y una educación estricta y equivocada, juega con códigos y símbolos, algunos muy reconocibles, para sin renunciar a un acabado formal clásico, lograr turbar y hasta molestar, en gran parte gracias al trabajo interpretativo mesurado y matizado del joven Tom Sweet y la espléndida, violenta y desatada banda sonora del mítico y septuagenario cantante de pop y jazz Scott Walker, de la mejor música escuchada en mucho tiempo en una pantalla de cine.

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MADAME MARGUERITE (Marguerite)

Francia-República Checa-Bélgica 2015 127 min.
Guión y dirección Xavier Giannoli Fotografía Glynn Speeckaert Música Ronan Maillard Intérpretes Catherine Frot, André Marcon, Michel Fau, Christa Théret, Dennis Mpunga, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy

Natalia de Andrade fue una portuguesa considerada como la peor cantante de ópera de todos los tiempos, lo que la convirtió muy a su pesar en estrella cómica de programas televisivos brasileños, a la vez que sus dos discos grabados en Madrid se vendieron como rosquillas por su componente grotesco y divertido. Unas décadas antes la millonaria estadounidense Florence Foster Jenkins destrozó los tímpanos de quienes la escucharon cantar al mismo tiempo que asesinaba literalmente a Verdi o Mozart, y en ella se inspira esta película ambientada en el París y alrededores de entre guerras. Groucho Marx preguntaba a Margaret Dumont si quería casarse con ella y si era millonaria, conteste primero a la segunda pregunta, tras cuya afirmación él exclamaba: ¡la amo! No por casualidad Xavier Giannoli, que ya dirigió a Depardieu en un film de temática musical, Canciones de amor, ha bautizado a su personaje como la actriz fetiche de los Marx, pues el dinero es la clave. Es la llave para que durante tanto tiempo la rancia y decadente burguesía, encabezada por su hipócrita y desorientado marido, permitiese que se pusiera continuamente en ridículo y creyera en su talento como cantante. Otros la aplaudieron por lo mucho que de perversión significaba precisamente para la clase social que representaba, aprovechándose de ella para actos de toda índole, incluso anarquistas. Pero lo verdaderamente alarmante era que casi nadie parecía darse cuenta que lo suyo era un caso clínico digno de terapia intensiva. Lástima que todo este material tan generoso y prometedor quede en manos de Giannoli en un mero artículo de lujo, un escaparate bellamente ambientado y decorado, de excesiva duración y que apenas logra trascender más allá de sus aspectos meramente cómicos, a pesar de lo cual Catherine Frot (Odette, La cocinera del presidente) realiza un trabajo impecable.

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UN ETAJ MAI JOS (Un piso abajo)

Rumanía-Francia-Alemania-Suecia 2015 93 min.
Dirección Radu Muntean Guión Alexandru Baciau, Radu Muntean y Razvan Radulescu Fotografía Tudor Lucaciu Música Electric Brother Intérpretes Teo Corban, Lian Postelnicu, Oxana Moravec, Ionut Bora

Mucho se está celebrando últimamente la llamada nueva ola rumana, con películas de indudable calidad como La muerte del señor Lazarescu, 4 meses, 3 semanas, 2 días y Madre e hijo a la cabeza, con las que One Floor Below (título internacional) comparte al guionista Razvan Radulescu. En esta ocasión sin embargo la intención de contar una historia de investigación criminal desde un punto de vista tan original como el que se plantea, naufraga por falta de puntos de interés a los que agarrarse. Un hombre sospecha que un vecino ha asesinado a otra joven que vive en el mismo edificio, sin embargo el miedo a inmiscuirse en semejante trama le obliga a mantener un silencio que le llevará a acumular una tensión que supuestamente se hace insostenible. Sobre el papel la propuesta promete, sin embargo en la práctica asistimos a una serie de gestiones cotidianas, entre escenas familiares y cometidos profesionales, que nada añaden al drama y juegan despiadadamente con nuestra paciencia, sin que a la larga se resuelvan ni nuestras propias sospechas ni la supuesta tensión sufrida. Este es el tipo de planteamientos que cuando se abordan con talento e ingenio pueden resultar muy estimulantes y dar un giro fresco y sorprendente respecto a los métodos tradicionales y convencionales, pero que cuando no es así sólo provocan hastío y aburrimiento.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 2ª JORNADA

HITCHCOCK/TRUFFAUT

Francia-USA 2015 80 min.
Dirección Kent Jones Guión Kent Jones y Serge Toubiana Música Jeremiah Bornfield Documental

El cine según Hitchcock, todo un libro de cabecera para cualquier cinéfilo, recogía una extensa entrevista que le hizo el François Truffaut periodista de Cahiérs du Cinema al maestro del suspense a principios de los años sesenta y en el que se desvelaban algunos de los secretos del director con la seguramente más fascinante filmografía de todos los tiempos. Un tratado de gran cine de primera mano que ha inspirado a montones de cineastas de todas las nacionalidades y épocas, buena muestra de lo cual son los realizadores convocados, en su mayoría americanos de esos tildados de autores, como Scorsese, Fincher, Anderson, Bogdanovich, Schrader o Gray, a los que se unen Assayas y Desplechin en representación de la parte de producción francesa. El atractivo de este documental reside fundamentalmente en el que provoca el cine del genio británico, de quien se realiza un generoso memorándum con especiales paradas en Vértigo y Psicosis. Poco se detiene sin embargo en la trayectoria como cineasta de Truffaut más allá de Los cuatrocientos golpes, ni la influencia que Hitchcock ejerció en La sirena del Mississippi y sobre todo en Fahrenheit 451 y La novia vestía de negro, donde incluso contrató al compositor fetiche del director de Los pájaros, Bernard Herrmann. Tampoco se profundiza en la labor de Cahiérs du Cinema para encumbrar a directores del cine americano hasta entonces considerados meras piezas de un engranaje industrial, y tras ello considerados verdaderos autores intelectuales de películas que han pasado a engrosar nuestro patrimonio cultural, como Ford, Capra, Hawks o Lubitsch. No obstante el film se ve con agrado y emoción ante monumentos cinematográficos como los homenajeados. Y si una cosa deja claro, aunque sea involuntariamente, es que la grandeza del cine reside en sus imágenes más que en la palabra, hasta el punto de que incluso aquí llama más la atención el nutrido material de archivo, fotografías, reportajes y selección de secuencias, que el guión y las opiniones de los creadores que ilustran el discurso intelectual de la cinta.

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EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS

España 2015 92 min.
Guión y dirección Félix Sabroso Fotografía David Azcano Música Daniel Belardinelli Intérpretes Javier Cámara, Carmen Machi, Candela Peña, Julián López, Pilar Castro, Secun de la Rosa, Yael Barnatán, Jorge Monje, Antonia San Juan, Pepón Nieto

La carrera de Félix Sabroso y Dunia Ayaso ha deambulado entre la mediocridad (El grito en el cielo, Los años desnudos) y el esperpento (Descongélate, La isla interior), con resultados muy irregulares. La reciente desaparición de su compañera le ha llevado a dirigir en solitario este inclasificable experimento dedicado a su memoria. Lo mejor que se puede decir de esta cinta es que se sale de la línea actualmente seguida por un cine español previsible y demasiado pendiente del público, después de tantos años de espaldas a éste. No hay concesión alguna aquí a lo comercial ni apunte ninguno del cine de masas que tanto se empeña en imitar el actual cine patrio. Por el contrario Sabroso apuesta por ponerse intelectual, lo que al colaborador de La que se avecina no le pega nada. Con ocho personajes en busca de guión, realiza un híbrido en el que pretende un encuentro entre Buñuel, del que incluso cita descaradamente El ángel exterminador por si alguien no se hubiera dado cuenta, con Almodóvar, un referente constante, estética y temáticamente, en el cine de este director canario. Lo que resulta es un desastre terriblemente pretencioso que intenta ser surrealista cuando sólo consigue ser ridículo, petardo y patético. La cita que lo abre, algo así como que entre los viejos y los nuevos tiempos surgen monstruos, parece condicionar inútilmente toda la película, que como si de una función teatral con caídas de tensión y ritmo se tratara, nos presenta a estos personajes desconcertados y desubicados con los que resulta imposible empatizar.

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O FUTEBOL

España 2015 68 min.
Dirección Sergio Oksman Guión Sergio Oksman y Carlos Muguiro Fotografía André Brandao Intérpretes Simao Oksman, Aílton Braga, Sergio Oksman

Afincado en nuestro país, el realizador brasileño Sergio Oksman retoma el lenguaje documentalista que caracteriza su escueta filmografía para hacer un particular retrato de su propio padre. Descubierto por muchos cuando en 2006 dirigió un documental sobre el actor estadounidense Al Lewis, Goodbye America, popularizado como el abuelo de la mítica serie de televisión Los Munster, Oksman ofrece ahora cine arriesgado y resistente en toda regla para aprovechando una estancia en su ciudad natal, Sao Paulo, durante la celebración de los pasados Mundiales de Fútbol, marcar un certero, atento y conmovedor retrato de su progenitor, con quien mantiene una relación distante y extraña. La ancianidad como referencia y el cariño como motor se encuentran en una cinta contemplativa que no se detiene tanto en la pasión por el fútbol como la entendemos como en la veteranía de quien ya no se excita tanto, recuerda más que vive y se convierte en testigo inerte de un espectáculo que antaño le fascinaba. Sin radio en un coche en el que a menudo somos invitados a ocupar su asiento trasero; adivinando lo que ocurre en el campo desde una atalaya; o bebiendo y fumando en el bar mientras fuera se desata la euforia. Todo pasa y muere en esta vida, hasta esa epidemia mundial por el deporte rey que margina a quien se abstrae de ella. El maridaje entre fútbol y cine no archiva grandes gestas, así que ya iba siendo hora de que una destacara.

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EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Il racconto dei racconti)

Italia-Francia-Reino Unido 2015 125 min.
Dirección Matteo Garrone Guión Matteo Garrone, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso y Edoardo Albinati, según el libro de Gianbattista Basile Fotografía Peter Suschitzky Intérpretes Salma Hayek, Vincent Cassel, John C. Reilly, Alba Rohrwacher, Toby Jones, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Bebe Cave, Stacy Martin, Jonah Lees, Christian Lees

Poco hacía presagiar que el autor de películas como Gomorra y Reality, que observan la actualidad para analizarla y desintegrarla, se embarcara en una cinta de corte fantástico orientada a rescatar varios de los muchos cuentos que escribió el napolitano Giambattista Basile en el siglo XVII. Con una riqueza visual extraordinaria y una estructura narrativa que recuerda mucho a los seriales televisivos, desde el momento en que apuesta por combinar y alternar las historias en lugar de presentarlas de forma lineal, Garrone consigue una obra monumental, de concepción tan barroca como siniestra, en la que los cuentos recuperan su vocación original de historias tremendas pobladas de seres extraordinarios, amenazadores y crueles. Nada que ver con el edulcoramiento que sufrieron los cuentos tradicionales de los Hermanos Grimm, Perrault o Andersen cuando Disney los engulló y vampirizó. Aquí son perceptibles las historias que inspiraron a aquellos clásicos, tanto como a Twain y su Príncipe y mendigo, devolviéndonos a muchos y muchas a una infancia en la que aún era posible disfrutar de este tipo de cuento fascinante y estremecedor. Tan entretenida como espeluznante, lo mejor de El cuento de los cuentos reside en su capacidad para recuperar la imaginación y la fantasía y llenar de personajes variopintos un paisaje tan hermoso como estremecedor, digno del mejor de los cuentos. Una puesta en escena suntuosa, unas bellísimas localizaciones naturales y arquitectónicas, y un elenco internacional de primera categoría completan un espléndido y muy recomendable espectáculo donde paradójicamente y a pesar de su distanciamiento de la actualidad y la realidad, acaba hablando de nosotros mismos, nuestros anhelos, miserias y virtudes.

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 1ª JORNADA

LES DEUX AMIS (Los dos amigos)

Francia 2015 100 min.
Dirección Louis Garrel Guión Louis Garrel y Christophe Honoré Fotografía Claire Mathon Música Philippe Sarde Intérpretes Golshfiteh Farahani, Vincent Macaigne, Louis Garrel, Mahaut Adam

Con su debut en la dirección de largometrajes, el actor Louis Garrel, descubierto por Bertolucci con Los soñadores y consagrado con su padre Philippe Garrel en Les amants réguliers, echa mano de dos temas que tradicionalmente han fascinado al cine, en concreto al francés en el caso de los tríos amorosos, con Jules y Jim de Truffaut a la cabeza, cuyas carreras a dos y tres parecen ser un referente, y los personajes extremos y si es posible desequilibrados. La intención, perdida entre claves de comedia y drama que le dan cierto carácter indefinido, parece ser analizar la amistad entre dos hombres en principio antagonistas, el propio Garrel y Vincent Macaigne, a los que se une un vértice amoroso, el constituido por la hermosa actriz iraní Golshfiteh Farahani (A propósito de Elly, La piedra de la paciencia). Con una historia tumultuosa de engaños y decepciones de fondo nos acercaremos a unos códigos morales propios de la amistad que son accidentalmente traicionados para, una vez la sinceridad hace aparición y provoca el caos y el enfriamiento, volver a ser traicionados esta vez voluntariamente. Vale si al menos Garrel hubiera conseguido enganchar con estos personajes tan extravagantes y marginales con el ingenio y el talento suficientes como para convertir en natural lo que parece pura impostura, algo forzado. Afortunadamente el director acierta en el ritmo que impregna a una cinta que alcanza escasa profundidad en sus postulados y rechina en más de una ocasión, aunque al menos entretiene. Por otro lado se le agradece al guión, escrito también por el director en colaboración con Christophe Honoré, quien lo ha dirigido en varias ocasiones, como Mi madre junto a Isabelle Huppert, que cierre suficientes líneas de información como para justificar las reacciones que tienen y provocan sus personajes. Otro factor a tener en cuenta es la música del clásico Philippe Sarde, al que le debemos partituras como Tess o Las cosas de la vida, y que firma un trabajo discreto, contenido y exquisito.

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MIA MADRE

Italia-Francia 2015 106 min.
Dirección Nanni Moretti Guión Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Valia Santella Fotografía Arnaldo Catinari Intérpretes Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Beatrice Mancini, Stefano Abbati

Cine dentro del cine, nostalgia y el dolor de una pérdida inminente son los principales ingredientes de la nueva tragicomedia de Nanni Moretti, más en la línea de La habitación del hijo que de su anterior y celebrada Habemus Papam. Tragicomedia porque a diferencia de aquel drama sobre la pérdida de un hijo, hay mucho hueco para la comedia y la risa, a cargo casi siempre de un espléndido John Turturro, en este drama más complaciente con una pérdida que deriva no de un capricho del destino sino de la propia naturaleza en sí misma, esa que estamos obligados a respetar y asumir desde que nacemos. Lo efímero de nuestra existencia vivido por una directora de cine, brava Margherita Buy, que filma los grandes problemas de la realidad en la que vivimos, la crisis y la pérdida de derechos sociales, mientras en su vida privada experimenta el drama de la enfermedad y muerte del ser más querido, la madre. Temas importantes como la esclavitud laboral – unos claman por trabajo, otros lo abandonan para disfrutar más y mejor de su intimidad – y la recapitulación de toda una vida en relación a quien se va para siempre, se combinan en un ejercicio de madurez expresiva y cinematográfica encomiable con el rodaje de una película en la que se valora la relevancia de la estrella (la directora repite en varias ocasiones que no quiere ver sólo al personaje sino también al intérprete) y se aprovecha para hacer un ejercicio de nostalgia en la que Kubrick, Bogart, Fellini y Rossellini se dan la mano con el Bevete piú latte de Nino Rota. Todo ello rodado con gusto, elegancia y una emotividad a flor de piel no apta para espíritus muy sensibles. En definitiva, una oda ilustrada con la música elegíaca de Arvo Pärt, a quien ha ofrecido toda una vida al afecto y la sabiduría, y que cuando se prepara para la partida definitiva aún piensa en mañana.

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RAMS (EL VALLE DE LOS CARNEROS) (Hrútar)
Islandia 2015 93 min.
Guión y dirección Grímur Häkonarson Fotografía Sturla Brandth Grøvlen Música Ätli Orvarsson Intérpretes Sigurdur Sigurjónsson, Theodór Júliusson, Chalotte Bøving, Jon Benonysson

Muy reconocido en los circuitos festivaleros, el joven realizador Grïmur Häkonarson nos ofrece una singular película con la que se ha alzado con los premios Un Certain Regard en Cannes y Espiga de Oro en Valladolid. En ella cuenta las desventuras de dos huraños hermanos que no se hablan desde hace mucho tiempo pero que comparten oficio y pasión, el cuidado de sus rebaños de carneros. Cuando llegado un momento de crisis tengan que unir fuerzas y apoyarse mutuamente, irán surgiendo desavenencias que pondrán en tela de juicio los instintos más primitivos. El acierto de la cinta reside en mostrar una comunidad y un espacio natural en el que todas las necesidades son muy básicas y sencillas, lo que no será obstáculo para que a la hora de la verdad los sentimientos y comportamientos sean los mismos que se originan en cualquier tipo de sociedad, sofisticada o no, así como en cualquier espacio y tiempo. Envididas, rencores, enfrentamientos que ni siquiera la palabra y el buen entendimiento pueden resolver, sencillamente porque somos tan brutos e irracionales que preferimos apelar a la vanidad y el orgullo antes que buscar soluciones a lo que verdaderamente importa, el afecto, el respeto y el cariño. Paisajes nevados y majestuosos sirven de escenario a esta historia de pastores rudos, corpulentos y barbudos que protegen un estilo de vida y una tradición en grave peligro de extinción. Su estilo seco y austero y su ritmo pausado pueden dificultar la empatía con los acontecimientos, pero merece darle una oportunidad al menos como producto exótico y diferente.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía