lunes, 30 de mayo de 2011

EL CASTOR Insólita y arriesgada dentro del convencional panorama americano

Título original: The Beaver
USA 2011 91 min
Dirección Jodie Foster Guión Kyle Killen Fotografía Hagen Bogdanski
Música Marcelo Zarvos Intérpretes Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence, Cherry Jones, Riley Thomas Stewart Estreno en España 27 mayo 2011


La tercera película como realizadora de Jodie Foster, tras El pequeño Tate y A casa por vacaciones, ambas de principios de los 90, trasciende a la vida misma, pues igual que al personaje interpretado por Mel Gibson una marioneta le sirve como recurso terapéutico para superar una depresión, Foster ha regalado a Gibson, su gran amigo desde que ambos coincidieran en Maverick, una película para superar sus propios problemas profesionales y personales. Y para ello edifica una película inclasificable, extraña y arriesgada, que exige del espectador una alta dosis de complicidad y comprensión para hacerla verosímil. Y lo consigue en parte, especialmente por la convicción y la elegancia con la que la actriz toma las riendas del asunto, ya que otro pilar fundamental para lograr la convicción total debía ser la interpretación del protagonista, y sin embargo aunque se le agradece que huya del histrionismo y la sobreactuación, tampoco convence su permanente estado de conmoción y cara de no entender nada. La trama, que podría parecer insuficiente para un largometraje, se amplía con una historia paralela que ilustra las inseguridades y complejos de los jóvenes, personificados en los sólidos personajes interpretados por Anton Yelchin (el niño de Corazones en Atlántida) y Jennifer Lawrence (Winter’s Bone).


Música de Marcelo Zarvos para la última película dirigida por Jodie Foster

CINTAS QUE SE RESISTEN A ESTRENARSE EN NUESTRO PAÍS

Mientras la cartelera cinematográfica se inunda cada fin de semana de nuevos y numerosos títulos de dudosa calidad, son aún muchas las películas cuyo estreno entre nosotros parece resistirse. Los criterios de nuestros distribuidores suelen ser un enigma difícil de resolver. Nosotros hemos reparado en dos títulos británicos que esperan hueco en nuestras salas, y que hemos rescatado por procedimientos que no serían aprobados por nuestra ministra de Cultura. Completamos esta crónica con un film que sí se ha estrenado, pero con dos años de retraso, quizás los que tengamos que esperar para disfrutar de los dos primeros títulos reseñados.
Por cierto, mientras media Europa exhibe ya, y la otra está a punto de hacerlo, la película de Terrence Malick ganadora de la Palma de Oro en Cannes, El árbol de la vida, en España aún no tiene fecha de estreno. Eso sí, Piratas del Caribe y X-Men: Primera generación, se estrenan simultáneamente a Estados Unidos.


MADE IN DAGENHAM


Reino Unido 2010 113 min.
Dirección Nigel Cole Guión William Ivory Fotografía John de Borman Música David Arnold Intérpretes Sally Hawkins, Bob Hoskins, Geraldine James, Daniel Mays, Rosamund Pike, Rupert Graves, Miranda Richardson, Jaime Winstone, Andrew Lincoln

El realizador de las divertidas El jardín de la alegría y Las chicas del calendario insiste en retratar la emancipación y la independencia de la mujer con esta crónica sobre la revolución feminista a finales de los 60, cuando las mujeres reclamaban en Inglaterra la igualdad de salarios con los hombres. Crónica que se resuelve de forma tan amena como amable, pero utilizando la gesta como excelente pretexto para hablarnos de algo más íntimo y reflexivo, como es el papel de líder, los sacrificios y las decisiones que hay que tomar y la delgada línea que existe entre el narcisismo o la egolatría y la responsabilidad. Con un tono en todo momento simpático, sin caer nunca en el tremendismo ni en el melodrama, logra esos objetivos y hacernos reflexionar sobre ello, con la ayuda inestimable de un magnífico elenco interpretativo, especialmente la protagonista, Sally Hawkins, a quien vimos en Happy, y una Miranda Richardson incorporando a una ministra de trabajo que parece un adelanto de la mismísima Thatcher. La ambientación también contribuye a un estupendo acabado formal.

ANOTHER YEAR


Reino Unido 2010 129 min.
Guión y dirección Mike Leigh Fotografía Dick Pope Música Gary Yershon Intérpretes Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Oliver Maltman, Peter Wight, David Bradley, Martin Savage, Karina Fernández, Imelda Staunton

La última película del director de Secretos y mentiras, Vera Drake y Happy analiza la dificultad de hacer felices a quienes nos rodean, por mucho que convirtamos nuestros propios comportamientos en ejemplo de cordura y felicidad. Un matrimonio maduro y su ejemplar familia ve cómo sistemáticamente fracasan sus intentos de contagiar su propio equilibrio en las personas queridas que les rodean, y por el contrario contribuyen involuntariamente a aumentar el malestar y la infelicidad de los mismos. Realizada con tanta parsimonia como sentido reflexivo, la cinta se deja ver amablemente gracias al buen trabajo de sus protagonistas, incluida una excesiva y melodramática Lesley Manville (sosías de la Brenda Blethyn de Secretos y mentiras) y al excelente guión, justamente nominado al Oscar.



NOWHERE BOY


Reino Unido 2009 98 min.
Dirección Sam Taylor-Wood Guión Matt Greenhalgh Fotografía Seamus McGarvey
Música Alison Goldfrapp y Will Gregory Intérpretes Aaron Johnson, Kristin Scott Thomas, Anne-Marie Duff, David Threlfall, Ophelia Lovibond, Thomas Brodie Sangster Estreno en España 27 mayo 2011


Mejor que ninguna otra película son las cintas que protagonizaron los propios Beatles las que mejor hablan de ellos y reflejan su idiosincrasia. Ésta, junto a Backbeat (Iain Softley, 1994), apenas acierta a reflejar el germen del fenómeno y acaba convirtiéndose en un mero producto aseado y agradable de ver, pero que no logra que lleguemos a identificar lo que se nos cuenta en pantalla con el personaje real sobre quien se nos habla, que en este caso es John Lennon. Ni física ni psicológicamente es posible que veamos en el personaje interpretado por Aaron Johnson, pareja en la vida real de la realizadora de la cinta, ni siquiera un sustrato de Lennon. Por lo demás la película nos cuenta la supuestamente difícil adolescencia del cantante, dominada por la omnipresente dualidad maternal, la de su madre biológica, divertida pero despreocupada, y la de su tía, seca y absorbente, que es quien verdaderamente lo crió. Unas supuestas carencias afectivas que se suponen deben reflejarse en la obra y la carrera del Beatle, pero que apenas consiguen transmitirse al espectador, que finalmente sólo asiste a una cinta bien ambientada sobre un chico rebelde que un buen día decidió dedicarse a la música y fundar un grupo. Atención a Thomas Brodie Sangster, el niño de La niñera mágica, de remoto parecido con Paul McCartney.


"Mother", tema escrito e interpretado por John Lennon, incluido en la B.S.O. de "Nowhere Boy"

sábado, 28 de mayo de 2011

DECONSTRUYENDO A ALBAN BERG

14º Concierto de abono de la XXIª temporada de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Pedro Halffter, director; Frank Peter Zimmermann, violín. Programa: Concierto para violín y orquesta “A la memoria de un ángel”; Sinfonía nº 3 de Beethoven. Teatro de la Maestranza, viernes 27 de mayo de 2011

El concierto para violín y orquesta que Alban Berg dedicara a la hija prematuramente fallecida de Walter Gropius y Alma Schindler, viuda de Mahler, es un prodigio en sí mismo. Porque lo compuso en tiempo récord, por el amor y la dedicación que imprimió en la partitura, y porque terminó convirtiéndose en su testamento musical, erigiéndose incluso para algunos en réquiem del propio autor, que falleció poco antes de que se estrenara en Barcelona. Con la ROSS ya lo interpretó Julia Fischer en diciembre de 2005, de nuevo con Halffter en la dirección, y ahora ha sido el enorme virtuosista Frank Peter Zimmerman el encargado de darle forma.

Para esta ocasión el director se dirigió al público y durante unos quince minutos analizó cada uno de los dos movimientos que lo conforman y partes que los integran, ejemplos orquestales incluidos de los diferentes pasajes a los que iba haciendo referencia. Una forma de acercar más al oyente una obra de descomunal belleza e indescriptible sufrimiento, el canto del cisne de un genio de la música sumido en la enorme tristeza que le debió provocar la muerte de una amiga tan joven. Zimmermann fue desgranando luego toda la belleza cautivadora de la pieza, conmoviéndonos con su canto triste y desesperado, proyectando tanto virtuosismo técnico como honda espiritualidad. Halffter estuvo más preocupado por rendir buena cuenta del brillo orquestal, la riqueza de matices y la nítida exposición de cada sección orquestal, logrando momentos de arrebatadora belleza y consiguiendo que todos los conjuntos instrumentales destacasen, incluidos unos portentosos metales. Descuidó sin embargo plasmar toda la profunda resignación y conmoción que ha de reflejar la partitura.

La propina, un tema extraído de la música de Philippe Sarde para el film de André Techiné Alice y Martin, terminó en decepción para el violinista. Es habitual que el público del Maestranza rompa a aplaudir con demasiada premura, sin dejar respirar la música, y en esta ocasión esa irrupción molestó manifiestamente al músico alemán.


"Alice et Martin", tema extraído de la banda sonora de Philippe Sarde para el film del mismo título de 1998

PROGRAMAS DE PANTALLA SONORA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - MAYO 2011 HOMENAJE A JOHN BARRY

A partir de ahora también podréis escuchar en estas páginas los programas que se emiten en Radiópolis (98.4 F.M. Sevilla ó www.radiopolis.org) los domingos a las 16.00. En Pantalla Sonora dedicamos una hora a la semana a escuchar música de cine, generalmente en forma de monográficos. Durante los meses de mayo y junio estamos dedicando todos los programas a repasar la filmografía del recientemente fallecido (enero de este año) John Barry, destacado fundamentalmente por sus partituras para once de las películas de James Bond, y por sus trabajos galardonados con el Oscar: Nacida libre, El león en invierno, Memorias de África y Bailando con lobos. En su historial compositivo encontramos también joyas del calibre de Ipcress, Zulu, Cowboy de medianoche, El último valle, María reina de Escocia, Walkabout, Robin y Marian, En algún lugar del tiempo, Fuego en el cuerpo, Chaplin o Jugando con el corazón. Todos estos títulos y muchos más se van desgranando en este recorrido que presumimos sea bastante exhaustivo y definitorio sobre la ingente labor del compositor tristemente desaparecido.

1-5-2011 En un primer programa nos ceñimos a repasar sus canciones para la saga del agente 007, desde el tema principal compuesto por Monty Norman, al que dio fama internacional el inconfundible estilo de Barry, hasta las tres canciones que compuso para 007 Alta tensión, dos de ellas interpretadas por The Pretenders y su carismática líder Chrissie Hynde.



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8-5-2011 Comenzamos en orden cronológico el repaso por los títulos que integran la filmografía del autor, excepto los pertenecientes a James Bond. En este primer capítulo escuchamos sus primeros éxitos con su grupo The John Barry Seven, y recorremos sus películas desde Beat Girl (1960) a La jauría humana (1966)



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15-5-2011 La canción "Wednesday's Child" de Conspiración en Berlín (1966), una selección de su hermosísima partitura ganadora del Oscar para El león en invierno (1968), y el tema principal de Cowboy de medianoche (1969), con su inconfundible toque de harmónica, constituyen los momentos claves de este tercer programa dedicado a Barry



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22-5-2011 En el programa número cuatro comenzamos con una de las partituras más apreciadas de Barry, la que compuso en 1970 para el film épico dirigido por el novelista James Clavell El último valle, y terminamos con una magnífica suite del film de intriga realizado por Blake Edwards La semilla del tamarindo (1974). Entremedio dos imprescindibles de su filmografía: La nominada al Oscar María, Reina de Escocia y el film de culto dirigido por Nicolas Roeg Walkabout



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29-5-2011 En este quinto programa destaca la hermosísima partitura original de Robin y Marian (1976), una cinta de Richard Lester que narraba los amores otoñales de Robin Hood y Lady Marian, incorporados por unos espléndidos Sean Connery y Audrey Hepburn. Pero además se pueden escuchar, entre otros, temas de King Kong, Como plaga de langosta, Abismo, dos telefilms con Katharine Hepburn y la cinta de ciencia ficción producida por Disney El abismo negro.



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viernes, 27 de mayo de 2011

TEMPORADA LÍRICA EN EL MAESTRANZA: EL TÚNEL DEL TIEMPO

En estos días en que se recuerda a la famosa soprano madrileña Ofelia Nieto en el ochenta aniversario de su fallecimiento, acaecido el 22 de mayo de 1931, hemos conocido las propuestas líricas del Teatro de la Maestranza para la próxima temporada, 2011-2012.

Coinciden los títulos escogidos con los que habitualmente se representaban en Sevilla en época de esta insigne cantante, cuando prácticamente cada temporada, en las primeras décadas del siglo XX, llenaba el desaparecido Teatro San Fernando con sus representaciones de Manon o La Boheme, entre otras. Tan frecuentemente cantaba en Sevilla que mereció una glorieta en el Parque María Luisa, presidida por una cerámica en la que se le representa interpretando a Elvira en Ernani de Verdi. Eso y casarse con un sevillano, pocos años antes de su prematura muerte.

Pertrechados tras la dichosa crisis, y con el taquillazo como pretexto en época de penuria económica, sus responsables han apostado un año más por el repertorio de siempre, ese que tanto complace a las mentes más conservadoras y anquilosadas. También en crisis se sigue apostando por soluciones que miran más al bolsillo que a la educación, que para muchos de nosotros es sin duda la única llave para resolver todos nuestros problemas, incluidos los económicos. Semana Santa, Feria, Rocío y ahora también la Ópera… Sevilla sigue anclada en el pasado, con sus túneles del tiempo y su eterna melancolía mal administrada, porque esto no es verdadera nostalgia, es sólo miedo a lo nuevo, a la cultura y al progreso. Escondidos tras Las bodas de Fígaro, Lucia di Lammermoor, Madame Butterfly y, menos mal, La Valquiria, que dicho sea de paso peligró por el alto coste del montaje de La Fura dels Baus, por mucho que quedara claro la temporada pasada que su espectáculo en torno al Anillo del Nibelungo es brillante y fascinante.

La consigna es evidente, mientras haya crisis hay que darle al pueblo lo que pide, y nada de experimentos terapéuticos y educativos. Cuando ésta pase quizás volvamos a la Cultura. Es justamente lo contrario de lo que reivindicamos para solucionar los problemas de los países del Tercer Mundo. Sofocamos nuestras conciencias pensando que nuestros donativos no son la solución a sus penurias; que lo suyo es un problema de base, de educación, de enseñarles cómo tienen que administrar sus recursos… en definitiva, de cultura. Pero eso no parece valer para nosotros, con lo necesitados que estamos de preparación a todos los niveles. Aquí hay que llenar el teatro, y aunque quienes lo frecuentan apenas padecen la crisis, sólo pueden pagar por el repertorio tradicional, el único al que están acostumbrados. La gente del Vacie y la Barzola no llenan los templos de la cultura, tienen otros problemas; y mientras tanto los pilares de la cultura en la ciudad echan por tierra los logros de épocas pasadas para cumplir con el expediente, porque no hay dinero. Bueno, sí lo hay para cambiar el mobiliario urbano del centro, y para que el centro vuelva a estar contaminado de coches, no sea que los pobres comerciantes, que no paran de subir los precios mientras a nosotros nos bajan los sueldos, dejen de hacer la caja acostumbrada. Es curioso, hasta el momento éstas son las preocupaciones del futuro consistorio, todavía no han hablado de educación.

Ochenta años han pasado desde la muerte de Ofelia Nieto, y seguimos escuchando las mismas óperas, obras maestras sin duda, pero con una patina de polvo rancio que no hay quien se lo quite, sin posibilidad de combinar estos títulos de siempre con propuestas más renovadoras y sorprendentes. Y esto es lo que ha decidido el actual Consorcio del Maestranza; habrá que ver qué pasa cuando lo domine el nuevo partido político gobernante, el que quiere cambiar el mobiliario urbano y abandonar el carril bici, dicen.

miércoles, 25 de mayo de 2011

PROGRAMAS DE ALFOMBRA ROJA EMITIDOS EN RADIOPOLIS - MAYO 2011

A partir de ahora podréis escuchar y bajaros en estas páginas los programas que Pepe Serrano y Juan José Roldán emiten cada martes de 17.30 a 18.30 en Radiópolis 98.4 FM del dial de Sevilla, que también se pueden escuchar en directo en www.radiopolis.org, y que se repiten los viernes a las 16.00. En Alfombra Roja se repasan los estrenos cinematográficos del viernes siguiente, escuchando temas musicales de los mismos. Se presta también especial atención a la programación alternativa de cine-clubs, cinemateca y filmoteca, entre otros espacios. Y generalmente se entrevista a alguna personalidad directamente vinculada con el mundo del cine en nuestra comunidad, bien sea en el estudio o por teléfono, con el fin de dar cobertura a eventos y manifestaciones que siempre en el ámbito del cine, se producen en Andalucía.
El programa obtuvo en febrero pasado el Premio ASECAN a la mejor labor informativa sobre cine en Andalucía.

3 mayo 2011 Entrevista a Luis Rodríguez, miembro de la organización del Festival de Música de Cine de Úbeda, para comentarnos los premios Gold Spirits a las mejores bandas sonoras de 2010


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10 mayo 2011 Entrevistas a Jaume Roures, productor del film de Woody Allen Midnight in Paris, y a Tomás Lloret y Garikoytz Barea, directores del cortometraje Angustias


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17 mayo 2011 Entrevista con el grupo JÓVENES SOLIDARIOS, de la Asociación de Vecinos Casco Antiguo de Mairena del Aljarafe, seleccionado con sus cortos Cómo comer una manzana y Bajo el cielo en el Certamen de Cortos Cine Joven TU PELÍCULA PUEDE CAMBIAR EL MUNDO, que debía basarse en su visión de los Objetivos del Milenio


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24 mayo 2011 Palmarés de Cannes y entrevista con Mane Cisneros, Directora del Festival de Cine Africano de Tarifa


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31 mayo 2011 Entrevista con Elena Polidura, responsable de movilización social en Sevilla de Intermón Oxfam, en relación al Festival de cortometrajes de concienciación social "Actúa"


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ORFEO Y EURÍDICE Entre el infierno y el cielo

Ópera de Christoph Willibald Gluck. Libreto de Ranieri D’Calzabigi. Enrico Onofri, dirección musical. Orquesta Barroca de Sevilla y Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza. Carlos Mena, contratenor. Roberta Invernizzi, soprano. Maria Cristina Kiehr, soprano. Teatro de la Maestranza, domingo 22 de mayo de 2011

Carlos Mena, "Orfeo"

El título con el que Gluck estableció las coordenadas sobre las que se sentarían las bases de toda una revolución en el género operístico, supone un trabajo tan singular y significativo que al interpretarse en versión de concierto no se ve en exceso afectado. Sus numerosos pasajes orquestales, la simplicidad del drama y la economía de personajes la hacen especialmente adecuada para su solución a modo de cantata. Contar con intérpretes de primer nivel y sin apenas tener que salir de casa representa un motivo de enorme orgullo y satisfacción.

Convenientemente aumentada, la orquesta se presentó con numerosos integrantes nuevos, prestos a participar de la gloria de la que frecuentemente disfruta esta formación. Eso afectó a un primer acto en el que se sucedieron ciertos desajustes sonoros y destemplanza en algunos instrumentos, hasta que en el tercer acto reapareció esa Barroca enérgica y decidida que tan bien conocemos. Claro que en esto tuvo mucho que ver la batuta meliflua de Enrico Onofri, confundiendo la sencillez y sutileza de la partitura con una excesiva suavidad y hasta blandenguería. En ese tercer acto pudimos disfrutar con un extraordinario trío de cuerdas de la mano de Andoni Mercero, Leo Rossi y José Manuel Navarro, aunque Onofri llegó a firmar un inexplicablemente rápido Che farò senza Euridice, haciendo más incoherente un aria que, dentro de su incontestable belleza, parece aislado del drama que está experimentando Orfeo.

Roberta Invernizzi, "Eurídice"
Carlos Mena es un fiel incondicional de la OBS, pero si se pretende ser muy riguroso, un sopranista como Flavio Oliver hubiera estado más cerca del concepto original de Gluck, por mucho que a lo largo de las distintas revisiones sufridas por la obra se haya adaptado a tesituras de contratenor, tenor, mezzosoprano o incluso barítono. Por cierto, el lujoso libreto ofrecido con la entrada pertenecía a una versión distinta a la ofrecida, con pasajes que habitualmente no suelen interpretarse. Mena estuvo por supuesto a la altura acostumbrada, con contadas pero elegantes ornamentaciones, mucha expresividad en el fraseo y buen dominio del legato. Menos nos convenció María Cristina Kiehr, cuyo hermoso timbre acusó inseguridad y ocasionales caídas de estilo. Por su parte Invernizzi logró una interpretación llena de fuerza y convicción, sacando todas las posibilidades expresivas de una personalísima voz rica en el registro grave. Pero quienes realmente dieron en la diana fueron los integrantes del coro, con un trabajo fascinante y sobrenatural, disciplinado y lleno de matices.



Aria de Orfeo, "Che farò senza Euridice?", por Derek Lee Ragin con John Eliot Gardiner & The English Baroque Soloists

Publicado en El Correo de Andalucía el 25 de mayo de 2011

domingo, 22 de mayo de 2011

EL ÚLTIMO EXORCISMO Aire fresco para un género que parecía agotado

Título original: The Last Exorcism
USA-Francia 2010, 87 min.
Director Daniel Stamm Guión Huck Botko y Andrew Gurland Fotografía Zoltan Honti Música Nathan Barr Intérpretes Patrick Fabian, Ashley Bell, Iris Bahr, Louis Herthum, Caleb Landry Jones, Tony Bentley, Shanna Forrestall Estreno 6 de mayo de 2011



A simple vista podríamos pensar que nos encontramos ante más de lo mismo; otra película que utiliza el estilo del falso documental para dotar de una mayor credibilidad  a lo narrado, y otra película que aprovecha el tirón de público que desde El exorcista tienen las películas sobre posesiones diabólicas. Sin embargo no nos encontramos exactamente ni ante lo uno ni lo otro. Sus responsables se relajan en más de una ocasión ante el formato de falso documental, mezclando de esta manera sus directrices con las de la narrativa corriente o habitual, lo que hace el conjunto algo más natural y agradecido, y sin embargo este recurso al reportaje logra que nos involucremos mejor en esta historia acerca de la incredulidad y la pérdida de la fe. En este sentido se agradece también la inclusión de breves acompañamientos musicales, de la mano de un inquietante y creativo Nathan Barr, autor de las bandas sonoras de Hostel y True Blood. La cinta arranca de manera algo cómica, desvelándonos los entresijos, engaños y miserias de los típicos pastores religiosos de la América profunda, a partir de un protagonista que como el resto del elenco, realiza su trabajo con absoluta convicción y profesionalidad, logrando ese objetivo hiperrealista que persigue la cinta. Por otro lado el tema de la posesión está también tratado con un punto original, sin alardes técnicos ni sanguinolentos, seguramente debido al bajísimo presupuesto de la película, aunque deja bien patente que ni falta que le hacen esos recursos para dotar al conjunto de inquietud y desasosiego en dosis abundantes. En este sentido conviene destacar también el espléndido trabajo interpretativo de la niña Ashley Bell, que logra mezclar las tan deseables dosis de ternura e inocencia con la repugnancia y el rechazo que provocan estos fenómenos inexplicables y enfermizos. Sus frecuentes giros argumentales contribuyen también al éxito de una operación que desde sus muy sencillas propuestas ha logrado en taquilla multiplicar por veinte su presupuesto, y a pesar de eso ha tardado en llegar a nuestras pantallas nueve meses, como un recién nacido.

sábado, 21 de mayo de 2011

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS Agradable punto de inflexión

Título original: Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides
USA 2011, 137 min
Dirección Rob Marshall Guión Ted Elliott y Terry Rossio Fotografía Dariusz Wolski Música Hans Zimmer Intérpretes Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush, Ian McShane, Kevin McNally, Sam Calflin, Astrid Bergès-Frisbey, Stephen Graham, Richard Griffiths, Óscar Janeada Estreno 20 mayo 2011

Cuatro años han pasado desde la anterior entrega de esta saga, la que cerraba la trilogía inicialmente anunciada, cuyas segunda y tercera partes fueron rodadas simultáneamente tras el éxito cosechado por la primera, directamente inspirada en una legendaria atracción del parque temático Disney. A la vista de esta actual entrega lo primero que queda claro es que los tres primeros títulos siguen siendo una trilogía, ya que ésta supone un giro en la serie y un punto de inflexión respecto a lo anteriormente visto y contado. Su aspecto estético y su acabado formal siguen siendo los mismos, así como su humor particular y su estilo narrativo. Pero surgen personajes completamente nuevos, frente a los ya familiares Jack Sparrow y Barbossa, como la nueva pareja romántica que viene a sustituir a la formada por Orlando Bloom y Keira Knightley, y que ahora integran un joven proveniente de la televisión (Los pilares de la tierra) y una joven española de ascendencia franco-americana, vista en Bruc. El desafío y en varias producciones galas. Pero sobre todo aparece Penélope Cruz, con un personaje sobre el papel mucho más divertido y prometedor de lo que acaba siendo, nos tememos quizás por reducción de su participación debido a su embarazo, lo que obliga a prescindir de ella en muchas ocasiones, utilizar dobles de cuerpo y encuadrarla casi todo el tiempo sólo de cara. Pero Angélica se suponía más peligrosa, enredadora, mentirosa y manipuladora de lo que finalmente acaba siendo. Por su parte Depp amortiza sus particulares tics y trucos que tanto éxito le reportaron desde el primer momento en que abordó este carismático personaje, mientras Geoffrey Rush borda, como siempre, su personaje, malvado, vengativo y despiadado; Ian McShane también destila buenas dosis de mala leche para dar credibilidad a su Barbanegra. El diseño artístico es nuevamente espectacular, especialmente las escenas que se desarrollan en un apabullante Londres, con una persecución antológica a la que se unen otros momentos técnicamente memorables, como el castigo que Barbanegra infringe a unos amotinados. Pero si la cinta supone un punto de inflexión respecto a las anteriores es debido a su guión, mucho más ameno y sencillo, y su dirección, en manos de Rob Marshall, menos caprichoso y pretencioso que Gore Verbinski, cuya experiencia en el musical (Chicago, Nine) traslada a unas secuencias de acción bellamente coreografiadas. Quienes disfrutaran con el barroquismo y los delirios propuestos por Verbinski quizás se decepcionen con esta cuarta película, sin embargo quienes opinamos que aquéllas eran insufribles, hemos disfrutado mucho con el espíritu mucho más clásico y aventurero de ésta.


"On Stranger Tides" & "End Credits", lo nuevo y lo viejo de la BSO de la última entrega de los piratas, con música de Hans Zimmer, incluyendo el tema principal de la saga, compuesto por Klaus Badelt

jueves, 19 de mayo de 2011

CON LOS PIES EN LA LUNA Miniatura lírica de poco calado educativo

Ópera para escolares y familias. Autores Antoni Parera Fons y Paco Azorín Dirección musical Virginia Martínez Dirección escénica Paco Azorín Voces Maia Planas, Orlando Niz, Inés Moraleda, Marta Valero, Lluís Martínez-Agudo, Josep Ferrer, Jordi Casanova, Toni Marsol, Xavi Fernández Una Producción de los teatros Maestranza, Liceo y Real, Festival Grec 2010 y Asociación de Amigos de la Ópera de Bilbao. Teatro de la Maestranza, martes 17 de mayo de 2011

Hasta hoy jueves se puede seguir en el Maestranza la que parece ser la ya asentada costumbre de programar espectáculos líricos enfocados a los más jóvenes, con la muy sana intención de introducirlos en el amor por la música y todos sus derivados. Si la temporada anterior Els Comediants nos ofrecían su particular y, a nuestro juicio, disparatada reducción de La Cenerentola de Rossini, ésta se ha optado por un título expresamente concebido para este tipo de eventos, por lo que sus incoherencias con lo que se supone un proyecto educativo son aún mayores.

Con un comportamiento ejemplar, aunque llenando tan sólo algo más de la mitad del aforo del teatro, los niños y niñas tuvieron ocasión de conocer el gran paso que dio el hombre en 1969, cuando logró poner sus pies en la Luna, con una trama en cierto modo deudora del film de Peter Yates de 1978 Capricornio Uno, donde una misión espacial es abortada para rodar su falso éxito en unos estudios cinematográficos. Algo así hace Leo, el niño protagonista de este espectáculo musical, para ganarle una apuesta a su abuelo, demostrando escasa confianza ante lo que derivó en una de las mayores hazañas del Hombre. Improbable héroe por lo tanto para erigirlo en referente infantil, lo que unido a todo un desfile de estereotipos directamente importados de Estados Unidos, desde el deportista obsesionado con los trofeos a la repipi que sólo vive para estudiar, siempre con la competitividad en el horizonte, da idea de los erróneos parámetros sobre los que se asienta una propuesta de vocación educacional. A eso hay que añadir otros dislates, como la madre sólo preocupada por ejercer como inmejorable ama de casa.

La partitura de Antoni Parera Fons se decanta por la atonalidad y los sonidos del siglo XX, con notables paralelismos con la música de Leonard Bernstein, especialmente Candide o Trouble in Tahiti, salvando por supuesto las distancias. Es ésta una buena forma de acercar los oídos y sensibilidades más inocentes a una música que aún hoy cuenta con pocos adeptos entre la población adulta. Además estuvo muy bien defendida por una orquesta reducida pero muy efectiva, que Virginia Martínez dirigió con energía y confianza, logrando momentos tan evocadores y mágicos como el de la llegada del hombre a la Luna. El elenco vocal, algunos de los cuales ya estuvieron en aquella Cenicienta, cumplió con solvencia y profesionalidad, muy especialmente la joven soprano Maia Planas, cuya generosa y afinada voz acompañó de una notable agilidad física, ideal para evocar el carácter entusiasta de su personaje. Sin embargo en estos casos sería preferible una más clara y concisa dicción y una mayor proyección que la lograda por los cantantes, de manera que costaba entender la trama, si no fuera por unos títulos aclarativos que la iban resumiendo. La escenografía, por su parte, alcanzó un nivel de calidad considerable, ideal para un público orientado a apreciar grandes montajes operísticos en un futuro próximo.

Crítica publicada en El Correo de Andalucía el 19 de mayo de 2011

domingo, 15 de mayo de 2011

EL INOCENTE Recuperación del cine negro clásico americano

Crítica de cine


Título original: The Lincoln Lawyer
USA 2011 118 min.
Dirección Brad Furman Guión John Romano, según la novela de Michael Connelly Fotografía Lukas Ettlin Música Cliff Martínez Intérpretes Matthew McConaughey, Ryan Phillippe, Marisa Tomei, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Frances Fisher, Michael Peña, Margarita Levieva, Bryan Cranston, Michael Paré, Laurence Mason, Eric Etebari Estreno 13 mayo 2011

Segundo largomegtraje de Brad Furman, y segunda adaptación de una novela del exitoso Michael Connelly (la primera fue Deuda de sangre de Clint Eastwood), El abogado del Lincoln, que sería su traducción literal al castellano, haciendo referencia al clásico automóvil americano, es una brillante puesta al día del cine negro americano de la mejor tradición. Un drama policial y judicial en el que los valores éticos y morales juegan un papel fundamental a la hora de tejer las complejas relaciones entre sus personajes, y sus complicadas y trascendentales existencias. Otra mirada certera y descarnada a la enorme ciudad de Los Angeles, icono de la deshumanización y la insensibilización, un lugar cuyos moradores viven y se comportan como zombies, casi despojados de emociones e ilusiones, un lugar de mera supervivencia. Y en esa jungla se erige una apasionante trama, impregnada de tan excelente ritmo narrativo que sus dos horas pasan volando. Excelente es también el trabajo interpretativo de su elenco, especialmente el de un Matthew McConaughey que debe estar como loco de haber encontrado por fin un papel serio, en la línea de su prometedor debut en Tiempo de matar, otro drama judicial esta vez adaptación de John Grisham.


"Repeat Customers", tema incluido en la BSO compuesta por Cliff Martínez

SIN IDENTIDAD y sin credibilidad, pero entretenida

Crítica de cine


Titulo original: Unknown

Reino Unido-Alemania-Francia 2011 113 min.
Dirección Jaume Collet-Serra Guión Oliver Butcher y Stephen Cornwell, según la novela “Out of My Head” de Didier Van Cauwelaert Fotografía Flavio Labiano Música John Ottman y Alexander Rudd Intérpretes Liam Nelson, Diane Kruger, January Jones, Aidan Quinn, Frank Langella, Bruno Ganz, Sebastian Koch, Olivier Schneider, Stipe Erceg
Estreno 13 mayo 2011

Tras realizar en Estados Unidos las muy estimables cintas de terror La casa de cera y La huérfana, el joven catalán Jaume Collet-Serra se embarca ahora en una impersonal película de intriga y acción, realizada con pericia y buen oficio, pero sin ingredientes dignos de ser recordados, a pesar de contar con un excelente reparto de primeras figuras. La base argumental del film es perfectamente válida e invita a desarrollar una apasionante historia de intrigas, dobles identidades y traiciones varias; pero el guión pronto se ve invadido de lagunas, tramas inverosímiles cuando no directamente ridículas e inocentes, y puntos de inflexión forzados. Resulta entretenida pero definitivamente poco convincente, cuando la sinopsis podría haber sido aprovechada por sus guionistas para crear un personaje protagonista mucho más consistente y con una lucha existencial bastante más dramática. Resulta entretenida y a su impecable factura técnica se unen incluso algunas secuencias que se podrían haber ahorrado, al no aportar nada al conjunto del film, como una exagerada persecución de coches por las calles de Berlín, hermosamente fotografiadas por otro español, Flavio Martínez Labiano, operador de algunas películas de Álex de la Iglesia. Con todo, el film logró el pasado mes de febrero alcanzar el número uno de la taquilla norteamericana, si bien sorprende que se trate de una coproducción entre Reino Unido, Francia y Alemania, quizás para evitar las leyes europeas que restringen la cuota de pantalla americana a favor de la europea, pues se trata a todas luces de una producción netamente norteamericana.



BSO de la película: "We Are Killers - The Bomb" de John Ottman y Alexander Rudd

A HALFFTER LE ENCANTA RACHMANINOV

Crítica de música


13º Concierto de abono de la XXIª temporada de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Pedro Halffter, director; Nikolai Lugansky, piano. Programa: Concierto para piano y orquesta nº 2 de Rachmaninov; Sinfonía nº 5 de Shotakovich
Teatro de la Maestranza, jueves 12 de mayo de 2011

Por si no lo había demostrado ya suficientemente con su prodigiosa interpretación de la Sinfonía nº 2 de Rachmaninov hace algunas temporadas, un hito que quedará siempre en nuestra memoria, Halffter volvió a corroborar en el último concierto de abono de la ROSS su admiración y su entrega absoluta por el compositor ruso. Su lirismo desatado y su entrega total a la partitura, extrayendo todos y cada uno de sus matices y logrando de la orquesta un sonido extremadamente sedoso y sensual, confirman lo a gusto que se encuentra el maestro con la muy melódica, nostálgica y conmovedora música del compositor.

El pianista ruso Nikolai Lugansky
Pero para conseguir los mejores resultados no bastaba con una batuta entusiasta y preparada, y una orquesta como hemos dicho muchas veces en estado de gracia; hacía falta la complicidad de un gran pianista. Lugansky se ha posicionado en los últimos años como un experto conocedor de la música del autor de Rapsodia sobre un tema de Paganini, bien sea a través de sus conciertos o de sus numerosas obras para piano solista. Hace sólo un par de años lo disfrutábamos aquí mismo con el Concierto nº 1, también bajo órdenes de Halffter. Y si no fuera por el mal estado en el que se encuentra el piano del Maestranza, diríamos que en esta ocasión se alcanzó la excelencia. La enorme emotividad del pianista, llena de expresión e intención, se tradujo en una rendición sensacional de la pieza, a la que la orquesta supo adaptarse en todo momento, excepto en un arranque algo descompasado que tuvo pronta y feliz recuperación.

Acometer la Sinfonía nº 5 de Shostakovich plantea la posibilidad de dejarse llevar por su contundente lirismo y el apoteósico triunfalismo del final, abandonándose a su brillantez formal sin profundizar en la ironía, la decepción y hasta la agonía que se alojan en su interior. Halffter logró desde luego una Quinta sensacional desde el punto de vista técnico y formal, pero no olvidó las circunstancias bajo las que su autor la hizo germinar, su involuntario regreso a la tonalidad y su obligada complacencia con la autoridad dominante. Eso le condujo a una interpretación desgarradora, rabiosa y profundamente irónica de una de las obras más fascinantes de la primera mitad del siglo XX. La orquesta de adaptó como un guante, precisa y obediente, a todas las indicaciones del director, consiguiéndose un concierto memorable.


Adagio Sostenuto del Concierto Nº 2 para piano y orquesta de Rachmaninov, por Nikolai Lugansky con Tugan Sokhiev  y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena. Grabación en directo realizada el 17 de diciembre de 2006 en el Konzerthaus de Viena