NO HAY OTRA OPCIÓN Una tragedia tomada a risa

Título original: Eojjeolsuga eobsda
Corea del Sur 2025 139 min.
Dirección Park Chan-wook Guion Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi y Jahye Lee, según la novela “The Ax” de Donald E. Westlake Fotografía Kim Woo-hyung Música Jo Yeong-wook Intérpretes Lee Byung-hun, Son Ye-jin, Lee Sung-min, Yeom Hye-ran, Yoo Yeon-seok, Cha Seung-won, Park Hee-soon, Yoon Ga-yi Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2025; en Corea del Sur 24 septiembre 2025; en España 13 febrero 2026

Hemos insistido a lo largo de la carrera del mimado director coreano Park Chan-wook en su paralelismo con su idolatrado Alfred Hitchcock, y volvemos a hacerlo a propósito de esta nueva adaptación de la novela de Donald E. Westlake The Ax, traducible algo así como El recorte. Pero esta vez se lanza a la comedia de acción, alocada y desprejuiciada, directamente. La novela ya fue adaptada por Costa-Gavras en 2005 bajo el título de Arcadia, a nuestro juicio con mayor acierto y sentido de la mesura. Por cierto, que en la producción de esta nueva adaptación han intervenido la esposa y el hijo del director francogriego. El thriller hace de nuevo su aparición, con Lee Byung-hun prestando su físico y continuas muecas al padre de familia que cree tenerlo todo hasta que un recorte de plantilla en la empresa en la que trabaja da al traste con su presente y futuro.

Con Park Chan-wook al mando, todo el disparate que a grosso modo podría parecer su argumento, a partir del momento en el que el protagonista toma una decisión extrema y radical, sirve para generar una enorme astracanada, desmadrada y fuera de toda lógica y contención. Vuelve el director coreano, tras Stoker, su única incursión en el cine estadounidense hasta el momento, La doncella y Decision to Leave, a dejar todo el potencial dramático de su empresa en la mera superficie, en este caso ahondando en la risa provocada por sus surrealistas situaciones, más que en la tragedia que supone la pérdida del trabajo como consecuencia de recortes crueles, ambiciosos e indiscriminados.

Nada en contra de convertir en comedia material tan sensible, pero siempre que esto no suponga dejar fuera su carga dramática y social. De esta forma, sólo encontramos puro slapstick al estilo oriental, prácticamente todo lo que somos capaces de encontrar en esta película que, no obstante, mereció el Premio del público a la mejor producción internacional en Toronto y el de mejor director en Sitges, además de tres nominaciones a los Globos de Oro que no se han materializado en candidaturas al Oscar.

MICKEY 17 Colonización extraterrestre

USA-Corea del Sur 2025 137 min.
Guion y dirección Bong Joon-ho, según el libro de Edward Ashton Fotografía Darius Khondji Música Jung Jae-il Intérpretes Robert Pattinson, Naomi Ackie, Mark Ruffalo, Toni Collette, Anamaria Vartolomei, Steven Yeun, Patsy Ferran Estreno en el Festival de Berlín 15 febrero 2025; en Corea del Sur 28 febrero 2025; en Estados Unidos y España 7 marzo 2025

Antes de triunfar con la multi oscarizada Parásitos, el director surcoreano Bong Joon-ho ya había sorprendido a unos pocos y pocas con sus incursiones en el thriller psicoanalítico (Crónica de un asesino en serie) y apocalíptico (Snowpiercer o Rompenieves). Más cerca de éstas que de la primera de las citadas, incurre ahora en una de invasiones extraterrestres, pero al revés. Si en el cine y la literatura estamos acostumbrados a ser las víctimas de estas invasiones por lo general agresivas, en su película y el libro en que se basa los invadidos son los extraterrestres, y nuestra mal llamada civilización, la invasora. Algo así como lo que ocurre constantemente desde que existe el hombre, pero dentro de nuestro planeta.

En lugar de intentar conocer al otro, aprender de su cultura y civilización, tendemos a colonizarla, destruirla y ocupar su lugar sin reflexión ni compasión alguna. En un futuro próximo y distópico, un así denominado prescindible, al que se aplican todos los avances tecnológicos para revivir una y otra vez, como Tom Cruise en Al filo del mañana, pero para servir de cobaya o ratón de laboratorio, será llamado a liderar la resistencia. Cabe adivinar en este contexto una crítica política y social al ejercicio del poder por parte de gobiernos autoritarios, para lo que Mark Ruffalo y Toni Collette se encargan, en modo sobreactuación, de personificar a una especie de Hitler y Eva Braun, sucedáneos absolutos de la tiranía más extrema en un ejercicio satírico cómico que se nos antoja flojo e insuficiente, incapaz de aprovechar todo el potencial que ofrecen tan suculentos ingredientes.

Que Pattinson se reproduzca e incluso multiplique, sólo hace aumentar su falta de carisma, y sólo Naomi Ackie, que protagonizó el biopic de Whitney Houston y la violenta proclama anti machista Parpadea dos veces, y Anamaria Vartolomei (El acontecimiento, El conde de Montecristo) brillan con cierta luz dentro de esta desorientada denuncia que, al menos, ofrece entretenimiento y unos sensacionales efectos visuales.

CONCRETE UTOPIA Fascismo apocalíptico

Corea del Sur 2023 130 min.
Dirección Um Tae-hwa Guion Un Tae-hwa y Lee Shin-ji, según el cómic de Kim Dong-gyun Fotografía Cho Hyung-rae Música Kim Hae-Won Intérpretes Lee Byung-hun, Park Bo-young, Park Seo-joon, Park Ji-hu, Kim Do-yoon, Kim Sun-young, Na Chul Estreno en Corea del Sur 9 agosto 2023; en España 2 febrero 2024

Resulta insólito que la secuela de esta película apocalíptica, Cazadores en tierra inhóspita, se haya estrenado antes (en Netflix) que ésta en cines. La adaptación de un célebre cómic coreano arranca con un improbable terremoto que deja Seúl reducida a escombros, con la única salvedad de un edificio de viviendas que queda prácticamente intacto, incluso su mobiliario interior. Queda claro así que la idea no es sino una metáfora con la que desarrollar su evidente premisa, que no es sino analizar el origen de los fascismos, la ceguera popular ante líderes inconvenientes y el paulatino recorte de derechos y libertades tan proclive cuando una situación de crisis sobrevenida se convierte en campo ideal de abono para todo tipo de fobias, especialmente la xenofobia que tanto daño hace a la inmigración.

Durante algo más de dos horas asistimos al proceso de desintegración de una sociedad que una vez abrazó la calidad y ahora se debate entre la opresión y la renuncia, confiando todos sus valores, alcanzados con tanta dificultad, al carisma de quien únicamente persigue su interés particular, o el estrictamente ceñido a un sector de la población que le es favorable. Tan interesante punto de partida encuentra un desarrollo irregular, que se revela más interesante conforme alcanza su final, contando para ello con unos efectos visuales atractivos y una dirección artística imponente.

Merece destacar el buen trabajo desempeñado por sus principales actores y actrices, que aportan credibilidad a una trama en principio poco plausible y sólo útil de cara a la denuncia política y social que atesora, si bien ofrece a lo largo de su metraje momentos de lograda y consabida tensión, así como puntos de inflexión inquietantes y convincentes.

VIDAS PASADAS Una película bonita

Título original: Past Lives
USA-Corea del Sur 2023 105 min.
Guion y dirección Celine Song Fotografía Shabier Kirchner Música Christopher Bear y Daniel Rossen Intérpretes Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro, Moon Seung-ah, Leem Seung-min, Ji Hye Yoon Estreno en el Festival de Sundance 21 enero 2023; en Estados Unidos 23 junio 2023; en España 1 noviembre 2023

Leo en relación con esta película que la mayoría de la crítica la tilda de bonita, lo que no nos parece precisamente el más prometedor de los calificativos, y es que eso es lo que es, una bonita y romántica película con un toque diferente, la sorpresa independiente del año. Su responsable, la directora estadounidense de origen coreano Celine Song, salta al largometraje tras apenas una breve experiencia como realizadora de algunos capítulos de la serie de televisión La rueda del tiempo. Influida por esas fuerzas y energías espirituales que forman parte del acervo cultural de su país de origen, propone una historia de amor protagonizada por dos personas separadas por la distancia geográfica y temporal. La primera obviamente por la emigración de ella al continente norteamericano, la segunda por la imposibilidad de un encuentro satisfactorio en esta vida y la esperanza de lograrlo en una próxima, si no lo hubo ya en una de esas vidas pasadas a las que alude el título.

Mientras, asistimos a una historia en tres actos, cada uno separado del otro por un lapso de tiempo de doce años, en el que más ella que él experimenta un desarrollo personal y emocional evidente que le lleva de la ilusión al desencanto y la conformidad, también en lo sentimental. Más persistente él, su vida apenas sufre transformación, lo que se evidencia incluso en unas costumbres que se mantienen a lo largo del tiempo y que sirven a ella y a la directora para diseccionar algunos de los caracteres más discutibles de la sociedad coreana y asiática en general.

Ambientada en gran parte en un Nueva York que funciona como cuarto protagonista – el tercero lo es también de una relación sentimental - la cinta deambula entre el encanto de sus personajes, un ritmo relajado y amable y un toque de elegancia que contribuye a ese acabado bonito y seductor con el que ha conquistado a gran parte del público en todos los países donde se ha estrenado, y que le propiciará entrar en la batalla por los premios que protagonizan cada temporada por estas fechas.

DECISION TO LEAVE Thriller romántico poco convencional

Título original: Heojil kyolshim
Corea del Sur 2022 138 min.
Dirección Park Chan-wook Guion Jeong Seo-Gyeong y Park Chan-wook Fotografía Kim Ji-yong Música Cho Young Wuk Intérpretes Park Hae-il, Tang Wei, Lee Jung-hyun, Go Kyung-Pyo, Shin-Young Kim, Jung Young Sook Estreno en el Festival de Cannes 23 mayo 2022; en Corea del Sur 29 junio 2022; en España 20 enero 2023

Posiblemente Park Chan-wook sea el cineasta mejor valorado y más aclamado de todos sus compatriotas. No nos consta que haya hecho nada desde hace cuatro años, cuando presentó en televisión su personal adaptación del clásico de John Le Carré La chica del tambor. Antes sucumbió a la tentación de Hollywood dirigiendo a Nicole Kidman en la inquietante Stoker. Pero antes de la que nos ocupa, siempre quedarán en el recuerdo sus celebradas Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance. En esta ocasión centra su atención en un thriller romántico de sinopsis bastante recurrente, donde un policía se enamora de la mujer de la víctima del caso que investiga, que resulta ser la principal sospechosa del mismo.

Sin embargo, Chan-wook se las ingenia, con ayuda de una meticulosa y laberíntica puesta en escena, para generar un fascinante juego entre los dos personajes centrales, que nos llevará frecuentemente a preguntarnos quién ama a quién, si es recíproco o no, si está únicamente en la mente del sufrido protagonista o es ella quien mueve los hilos para que el romance llegue a buen puerto, o en el peor de los casos, al fatalismo más absoluto. Lástima que en todo este complejo y complicado entramado, el cineasta coreano no logre convencernos de la probabilidad de los acontecimientos, lo que lastra sobremanera el resultado final de un thriller romántico con clara vocación hitchcockiana. Y es que la sombra de Vértigo vuelve a cernirse sobre tan prometedora intriga de amor y muerte, a lo que no es ajena una virtuosa utilización de los recursos fotográficos, técnicos y sonoros, además de una creatividad extraordinaria que nos lleva a contemplar los distintos escenarios de la mano de sus protagonistas, aunque no estuvieran en el lugar de los hechos cuando estos acaecen.

Todo esto contribuye a cierta fascinación que de haber contado con una mayor capacidad para hacernos creer su laberíntica trama, seguramente nos hubiera resultado la obra maestra que tantos y tantas reivindican. Con todo, sorprende que los Oscar la hayan pasado por alto, algo que no ha ocurrido con sus hermanos los Bafta y Globos de Oro, aunque en este caso se haya quedado a las puertas de conseguirlo. No ocurrió así en su presentación en sociedad, el Festival de Cannes, donde logró el premio a la mejor dirección.

PARÁSITOS Posiblemente la película más sorprendente del año

Título original: Gisaengchung
Corea del Sur 2019 132 min.
Dirección Bong Joon-ho Guion Bong Joon-ho y Jin Won Han Fotografía Hong Kyung-pyo Música Jaeil Jung Intérpretes Song Kang-hoo, Jo Yeo-jeong, Park So-dam, Choi Woo-sik, Lee Sun-kyun, Park Seo-joon, Jung Ji-so, Lee Jeong-eun, Jang Hye-jin, Jung Hyun-jun, Park Myeong-hoon Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2019; en Corea del Sur 30 mayo 2019; en España 25 octubre 2019

Con una Palma de Oro en Cannes bajo el brazo, Bong Joon-ho insiste en hacer metáfora a partir del cine de género, diseñando un mundo de pobres y ricos en el que la lucha de clases y la desigualdad se convierten en el eje y motor de una desgracia e incluso una catástrofe. Ya lo hizo en la extraordinaria Snowpiercer, donde un tren permanentemente en marcha en un mundo apocalíptico y congelado reflejaba esta desigualdad y a la vez equilibrio entre castas y clases sociales. La metáfora se traslada ahora de manera precisa y ejemplar a una mansión de diseño, donde dos familias, y hasta tres, convergerán creando una atmósfera irrespirable e inquietante en la que resulta fácil sumergirse, implicarse y hasta identificarse.

Los parásitos del título se convierten así en reflejo de una realidad social preocupante, y de paso se granjean nuestra simpatía y complicidad. Con mucha habilidad e ingenio y un guion ejemplar, el director de Crónicas de un asesino en serie consigue combinar diversos géneros, de la comedia al terror pasando por el drama social, el thriller y el cine de acción con una naturalidad pasmosa, prácticamente sin que el espectador note que la narración está cambiando de registro continuamente.

Comedia coral, cine catastrofista, denuncia política y social, tensión que apunta incluso al país vecino... son muchas las ideas que la película maneja con gracia y habilidad, no exenta de profundidad y lucidez. La fluidez narrativa, su excelente dirección artística y, sobre todo, unos intérpretes en estado de gracia, comandados por el actor fetiche de Joon-ho, Song Kang-hoo dando vida al padre de familia cuya picaresca motivará los diferentes episodios que se van sucediendo, logran un film extremadamente disfrutable que se ha convertido con justicia quizás en lo más sorprendente del año.

EL HOTEL A ORILLAS DEL RÍO Presunta poesía en blanco y negro

Título original: Gangbyub Hotel
Corea del Sur 2018 96 min.
Guion y dirección Hong Sang-soo Fotografía Kim Hyeong-gyu Intérpretes Gi Ju-bong, Kim Min-hee, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi, Yoo Joon-sang Estreno en el Festival de Locarno 9 agosto 2018; en Corea del Sur 27 marzo 2019; en España 30 agosto 2019

Infatigable desde su debut en 1996, el director coreano Hong Sang-Soo lleva realizadas veintiséis películas; algunos años incluso simultanea el rodaje de hasta tres cintas. Desde que en 2012 llamara la atención de la crítica especializada con su simpático film En otro país, protagonizado por Isabelle Huppert, con quien también contó cinco años después en La cámara de Claire, no ha dejado de cosechar premios y admiración en festivales y círculos intelectuales, que no dudan en ver en sus diálogos, tramas, personajes y ambientes el clímax poético que se le atribuye casi sin derecho a discrepar.

 

Una escalera desencuadrada, una conversación alargada sin apenas información añadida, o un paisaje nevado en blanco y negro como si nadie antes hubiera sido capaz de captarlo, se tilda inmediatamente de poesía visual y conceptual. Seamos francos, es difícil enterarse al cien por cien de qué van las películas del mimado director. Ni aquella En la playa sola de noche ni la algo más convencional Ahora sí antes no arrojan más luz que la que emiten sus intrascendentes diálogos y rutinarias situaciones. Un poeta convoca a sus dos hijos en el hotel del título ante la sospecha de una muerte inminente, mientras una joven que acaba de sufrir un desengaño amoroso recibe el consuelo de una amiga en otra habitación al final del consabido corredor poético del solitario albergue. Fuera hace frío y hay mucha nieve que se combate con comida y bebida, un bodegón conformado por innumerables cuencos y botellas de plástico que presumiblemente contienen alcohol y seguramente también son fruto de una mente sensible invadida por la poesía.

 

Sus vidas se cruzan, a menudo de forma caprichosa, mientras el director hace gala de una inmensa economía en el trabajo contando con sus intérpretes habituales (la joven Kim Min-hee lleva protagonizados con ésta varios títulos consecutivos del director) y un calendario de rodaje de apenas dos semanas, como bien apunta una voz en off al principio relatando los títulos de crédito como si se tratara de Orson Welles en Ciudadano Kane. Mientras tanto se le aplaude y premia, como ocurrió en Gijón, estandarte en nuestro país del cine renovador y de alguna manera experimental, donde fue galardonada en los apartados de mejor película, guion y actor. Encontrar como algunos aseveran una atmósfera de ensoñación en el conjunto, requiere sin duda un esfuerzo adicional.