ERNEST Y CELESTINE Fábula contra los prejuicios y la manipulación de la ética

Título original: Ernest et Cèlestine
Francia 2012 80 min.
Dirección Stéphane Aubier, Vincent Patar y Benjamin Renner Guión Daniel Pennac, según los libros de Gabrielle Vincent Música Vincent Courtois Voces (en versión original) Lambert Wilson, Pauline Brunner, Anne-Marie Loop, Patrice Melennec, Brigitte Virtudes, Féodor Atkine Estreno en España 20 diciembre 2013 (en Sevilla 10 enero 2014)

Gabrielle Vincent fue una reputada escritora de cuentos infantiles belga, también ilustradora de sus propios libros generalmente bajo la técnica de la acuarela. Sus propios diseños son reutilizados en este largometraje sobre dos de sus más celebrados personajes, la ratoncita Celestine y el gran oso feroz pero de gran corazón Ernest. Con unos cuidadísimos y muy expresivos dibujos a la acuarela, los animadores Stéphane Aubier y Vincent Patar, que en Francia tuvieron cierto éxito hace unos años con la cinta Pánico en la ciudad, se unen al debutante Benjamin Renner para contarnos una preciosa fábula en torno a la amistad, el respeto y la tolerancia, bajo un prisma que critica la manipulación de la ética y la moral, la especulación de los sentimientos, los prejuicios impuestos y la aceptación tácita del orden establecido, sobre todo cuando en él se utiliza desvergonzadamente el miedo y el desconocimiento. Como en toda fábula y siguiendo los esquemas disenynianos, nuestros animalitos viven según parámetros reservados a los humanos, habitando los osos la superficie terrestre, mientras los roedores ocupan naturalmente el submundo. Un guión perfectamente articulado y unos personajes entrañables logran que su casi hora y media de duración pase velozmente y que el espectáculo, además de educativo y revelador, resulte sumamente entretenido. Estos son los productos infantiles que más se deben divulgar, que cuentan con más enseñanzas útiles para una convivencia satisfactoria y conveniente, por lo que su visionado por el público adulto se hace también imprescindible. Desgraciadamente su falta de divulgación hace que pasen casi desapercibidas, a pesar de que en este caso cuenta con galardones varios e importantes, como el César a la mejor película de animación en la pasada edición o una mención especial en Cannes.

LA LADRONA DE LIBROS Bondad entre la infamia y la indignidad

Título original: The Book Thief
USA-Alemania 2013 125 min.
Dirección Brian Percival Guión Michael Petroni, según el libro de Markus Zusak Fotografía Florian Ballhaus Música John Williams Intérpretes Sophie Nélisse, Geoffrey Rush, Emily Watson, Ben Schnetzer, Nico Liersch, Hildegard Schroedter
Estreno en España 10 enero 2014

Elegido presuntamente por su elegancia y habilidad a la hora de adaptar grandes relatos clásicos a la televisión (Norte y Sur, Downtown Abbey), el británico Brian Percival ha sido el encargado de llevar a la gran pantalla uno de los libros más leídos de la última década, especialmente por los jóvenes, La ladrona de libros, una crónica de la Segunda Guerra Mundial desde la óptica sufriente de los propios alemanes. Ciudadanos sencillos en una ciudad de provincias que sufren las hostilidades de una conflagración que ni entienden ni en muchos aspectos comparten. Su narrativa eminentemente tradicional o si se prefiere clásica, así como su puesta en escena sobria y respetuosa la hacen agradable de ver y seguir, si bien la tragedia y la crueldad implícita que ilustra hacen proclive su seguimiento bajo ojos empañados. El desgarro de la separación, de familiares, vecinos, seres queridos, sin una razón ni fundamento de peso, se convierte en eje central de una historia en la que la palabra, y a través de ella los libros, se erigen en testigo de la barbarie, signo de identificación e individualidad y símbolo necesario y definitivo para que estas atrocidades no se repitan en lo sucesivo. Naturalmente este propósito está lejos de conseguirse, aunque es cierto que somos más proclives a identificarnos con el dolor de estos seres que en sus costumbres y vivencias no difieren mucho de las nuestras, que con el de otros y otras que en mundos más lejanos y extraños al nuestro viven contemporáneamente la sinrazón del odio y la guerra. El excelente trabajo del elenco protagonista, encabezado por unos extraordinarios y emotivos Geoffrey Rush y Emily Watson (su anterior trabajo, Caballo de batalla, también rezumaba clasicismo y emotividad), y los estupendos niños Sophie Nélisse, a quien descubrimos en Profesor Lazhar y que recrea su papel con veracidad y contención, y el rubísimo Nico Liersch, paradigma de la inocencia y la naturalidad. La exquisita partitura de John Williams, capaz aún a sus ochenta y dos años de ilustrar un film tan delicado con tanta inspiración sentimental, coopera decisivamente a crear el ambiente de cuento triste y melancólico que en labios de la mismísima muerte estamos invitados a contemplar. Por cierto que Geoffrey Rush tiene el singular privilegio de haber participado este año en dos películas que coinciden en contar para su música con los más veteranos y grandes compositores cinematográficos del momento, Morricone (La mejor oferta) y Williams.

EL ÚNICO SUPERVIVIENTE Cuatro hombres de acero

Título original: Lone Survivor
USA 2013 121 min.
Guión y dirección Peter Berg, según el libro de Marcus Luttrell y Patrick Robinson Fotografía Tobias Schliessler Música Steve Jablonsky y Explosion in the Sky Intérpretes Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Ben Foster, Emile Hirsch, Ali Suliman, Eric Bana, Alexander Ludwig Estreno en España 1 enero 2014

Aunque contaba ya con una amplia filmografía como actor a sus espaldas, Peter Berg se dio a conocer en 1994 protagonizando junto a Linda Florentino La última seducción de John Dahl. Sin embargo, aunque continuaría trabajando como actor hasta hoy, dio el salto como director en 1998 y es así como más ha destacado su carrera como cineasta. No obstante se trata de una carrera irregular en la que ha tocado la comedia negra y violenta (Very Bad Things), el drama deportivo (Luces de viernes noche), la ciencia-ficción (Hancock, la horrible Battleship) y la guerra en Oriente (La sombra del reino y ésta que nos ocupa). Partiendo de su título, y en menor medida del hecho de que se trata de una historia real basada precisamente en el libro de ese único superviviente, Marcus Luttrell, la trama ofrece poco margen para la intriga… ya se sabe cómo va a terminar y, lo que es peor, la suerte que van a correr todos los integrantes de la cuadrilla de marines encargados de una misión fallida en junio de 2005 que se denominó Alas Rojas. La cinta se decanta por seguir el esquema tradicional, con un conflicto central que ocupa la mayor parte de sus dos horas, enfrentando a cuatro jóvenes soldados americanos con todo un batallón talibán en los bosques afganos. Como prólogo a este conflicto asistimos a la tradicional presentación de los personajes y al duro entrenamiento al que son expuestos, con el lógico fin de que logremos identificarnos con ellos a la vez que asumamos la enorme capacidad de supervivencia que les permita mantenerse con vida durante tanto tiempo frente a tal contingente de guerra. Sin embargo ni una ni la otra cosa resultan suficientemente convincentes, de forma que ni acertamos a conocer a estos desafortunados jóvenes en profundidad ni nos convence en términos de realidad tal capacidad de aguante. Así las cosas sólo queda una interminable sucesión de batallitas, muy bien rodadas por supuesto, que sin embargo tampoco logran introducirnos en el campo de batalla como sí lo han hecho otras cintas bélicas desde que Spielberg obrara el prodigio con Salvar al soldado Ryan. Ni siquiera se acierta a atisbar cuál sea la intención de la película ni del libro en el que está basada, si enaltecer a estos desdichados, criticar un sistema que funciona en guerra permanente, simplemente entretener o hacer más propaganda anti terror integrista.

EL LAGO DE LOS PATOSOS DEL BALLET NACIONAL DE UCRANIA

Ballet El lago de los cisnes, de Piotr Ilich Tchaikovsky. Ballet Nacional de Kiev. Piotr Chupryna, director general. Aniko Rekhviashvili, directora artística. Yevgeny Lysyk, escenografía y vestuario. Mykola Diadiura, director musical. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Intérpretes Tatiana Goliakova, Serguei Sidorsky, Maxim Motkov, Andrey Gura, Irina Borisova, Yulia Trandasir. Miércoles 8 de enero de 2013, Teatro de la Maestranza

El estupendo Maxim Motkov (Rothbart)
y sus cisnes hechizados 

El equipo artístico y técnico del Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla está realizando una encomiable labor. A pesar de la coyuntura económica, que se nota especialmente en lo disipada que ha quedado la oferta cultural del coliseo, no se han echado en falta ninguna de las citas tradicionales de las navidades; hemos tenido Mesías, Conciertos de Navidad y Año Nuevo de la ROSS y al habitual ballet de Reyes. De la convulsa Ucrania – de nuevo un país de la antigua URSS como lo fue Letonia el año pasado – nos llegó su puesta en escena del ballet romántico por antonomasia, El lago de los cisnes de Chaikovski. El primero de los tres grandes ballets del autor de la Obertura 1812 fue, como tantas veces ocurre con las grandes obras maestras, un fracaso en su estreno. La escasa entidad y recursos del montaje original en Moscú propiciaron un fiasco redimido años después en San Petersburgo de la mano del Teatro Mariinsky y la coreografía a cuatro manos de los míticos Marius Petipa y Lev Ivanov. Curiosamente Chaikovski, de ascendencia ucraniana, estudió en Kiev y San Petersburgo, las dos ciudades del antiguo imperio ruso hermanadas en esta producción del Ballet Nacional de Kiev o Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania.

Serguei Sidorsky (Príncipe Sigfrido) y Tatiana Goliakova
(Odette, el cisne blanco)

Los precedentes por lo tanto no podían ser más halagüeños para encontrarnos ante un espectáculo complejo y sólido, y sin embargo cuál ha sido nuestra sorpresa al comprobar que en realidad se trata de una producción escuálida, sin apenas emoción, de recursos tan rancios como limitados, y resultados en consecuencia decepcionantes. Un montaje apoyado estéticamente en una escenografía resuelta a base de telones pintados, fondos naturalmente azulados, manchados y arrugados, con filigranas doradas que recordaban vagamente al universo pictórico de Gustav Klimt, y un vestuario previsible aunque más satisfactorio que los decorados. La funcional iluminación y la ausencia de efectos ópticos, que tan buenos resultados dan hoy en día para generar magia e ilusión, acabaron de malograr una producción más propia de una caravana de cómicos ambulantes que de un teatro con prestigio. Pero lo peor fue el cuerpo de baile, pues si bien los solistas, todos sin excepción ucranianos y disciplinados, hicieron un trabajo solvente aunque deficiente en expresividad y fuerza interpretativa, la compañía exhibió tosquedad, torpeza, falta de sincronía (algún cómico choque entre bailarines incluido) y una casi absoluta falta de gracia y elegancia. Quizás lo mejor fueron las frecuentes estampidas de las princesas-cisnes, que emulaban estupendamente el vuelo de las aves. Las legendarias coreografías utilizadas una y otra vez como preservación de un cierto patrimonio cultural, tampoco ayudan. Uno ya sabe a qué se enfrenta, los típicos saltitos, agilidades y acrobacias de siempre, pero no abordados con tal torpeza que más parecía un lago de gansos o patos-os. Después de tantos Lagos de los cisnes programados en el Maestranza haría falta echar mano de alguno más innovador y sorprendente, que los hay y por compañías también clásicas.

Tatiana Goliakova como Odile, el cisne negro

Mejor resultó en conjunto el trabajo de la orquesta, si bien la batuta del director musical de la compañía, Mykola Diadiura, no acertó a imprimir de energía y tensión la magnífica partitura, quedándose en una lectura superficial, funcional, quizás eficaz pero sin sorpresas ni grandes satisfacciones. Lo mejor fue el solo de violín de Eric Crambes en el paso a dos del segundo acto (o tercero según la versión), de un lirismo ciertamente arrebatador. El resto de salvó con dignidad pero sin entusiasmo, y eso que el hecho de que su director musical se encuentre familiarizado con la partitura debió haber provocado unos resultados más satisfactorios; de hecho fue ese el motivo para que el curso pasado Farhadas Stade realizara una interpretación tan sensacional de Giselle de Adam. Las imparables e implacables toses del público volvieron a agredir sin compasión y de forma continuada la labor de los maestros de nuestra sinfónica.

VALSES Y POLCAS EN EL MAESTRANZA: ROBUSTOS BOSQUES VIENESES

Concierto de Año Nuevo. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Manfred Mayrhofer, director. Programa: Oberturas, polcas, marchas y valses de Johann Strauss II, Josef Strauss y Franz von Suppé. Teatro de la Maestranza, sábado 4 de enero de 2014

Manfred Mayrhofer

El director vienés Manfred Mayrhofer, que inauguró hace cuatro años la nueva tradición en Sevilla de emular los conciertos vieneses de Año Nuevo, tendió un puente el pasado sábado entre el excelente concierto ofrecido por Barenboim en el Musikverein y las expectativas generadas por la propia comparecencia del argentino en nuestra ciudad el próximo día 19 haciendo nada más y nada menos que Tristán e Isolda.

La batuta de Mayrhofer es tosca y poco amiga de sutilezas; sin embargo es capaz de imprimir robustez y energía a sus interpretaciones del repertorio de la familia Strauss, lo que sin duda resulta preferible a quienes optan por ofrecer lecturas relamidas y aterciopeladas de unas partituras generalmente asociadas a un mundo de elegancia y exquisitez extremas. Sus versiones de las oberturas de Una noche en Venecia de Strauss y Poeta y aldeano de Suppé fueron vistosas y ágiles, de dinámicas marcadas y refulgentes pero poco elegantes, logrando extraer vigor de la orquesta pero sin apenas matices ni expresividad.

Más polcas que valses en los atriles, generalmente acometidas con entusiasmo y perfecto sentido del ritmo. Especialmente logradas las polcas Furioso, Feurfest ilustrada con yunque y humor al estilo centroeuropeo, Pizzicato exhibiendo pericia técnica, y Sturm und Drang entre las propinas. Resultados variables con los valses, sosos en Donde florecen los limones, líricos en Música de las esferas, y vitalistas en Vida de artista, hasta llegar a los celebérrimos Cuentos de los bosques de Viena y el inevitable Danubio Azul siempre desde un prisma marcadamente festivo. Dando palmas con la Radetzsky los sevillanos tenemos poca competencia.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el 6 de enero de 2014

A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS El gato de Holly en malas manos

Título original: Inside Llewyn Davis
USA 2013 105 min.
Guión y dirección Ethan y Joel Coen Fotografía Bruno Delbonnel Música T. Bone Burnett Intérpretes Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timberlake, F. Murray Abraham, Garrett Hedlund, John Goodman, Max Casella, Ethan Phillips, Jeanine Serralles
Estreno en España 1 enero 2014

A estas alturas somos muchos los que pensamos que los hermanos Coen están sobrevalorados y que sólo algunos títulos de su ya extensa filmografía merecen una especial consideración. Después de elevar a niveles de insultante pedantería y pretenciosidad una historia que cuarenta años antes había sido llevada al cine con humildad y sano sentido del entretenimiento por Henry Hathaway – nos estamos refiriendo a True Grit o Valor de ley – los Coen se detienen ahora en retratar la personalidad de un precursor de la música folk americana con vocación comercial que sufrió, a tenor de lo narrado, una mala suerte descomunal. No estuvo, como se suele decir, ni en el momento ni en el lugar exacto cuando debía, como sí parece hizo, casi paralelamente como atestigua la película, Bob Dylan, auténtico paradigma de ese género musical en lo venidero. El problema, como suele ocurrir tantas veces en el cine de los laureados hermanos, es que no cuenta nada relevante, resultando más certero el retrato de ambientes que el psicológico que anuncia su propio título en el original inglés. Así, empeñados en retratar esa América que les da de comer, tras mostrar con éxito la profunda en Fargo o No es país para viejos, aciertan a ilustrar con mimo y sentido nostálgico el Nueva York de principios de los 60, y más exactamente la bohemia del Greenwich Village. Oscar Isaac (Ágora) lleva sobre sus espaldas el peso del personaje, encarnándolo con presteza y seriedad, mientras acarrea un gato que se le escapa una y otra vez cual Cat de Holly Golightly en aquel mismo año de 1961 en los callejones que retratara Blake Edwards en la inmortal Desayuno con diamantes (¿un guiño quizás?). Aparte de esta espléndida ambientación el film contiene un buen ramillete de espléndidas canciones folk, arregladas e interpretadas por el propio Isaac con ayuda del productor musical T. Bone Burnett y del chico de oro Justin Timberlake. También merecen destacarse algunas secuencias mágicas como la del coche parado en una carretera secundaria nocturna mientras nieva y suena Dorothea Roschmann entonando la Sinfonía nº 4 de Mahler, pero hay poco más que destacar en un conjunto que se deja ver y entretiene pero aporta poco sobre un período y unos personajes que dan seguramente para contar historias mucho más apasionantes y enriquecedoras. Además su lujoso reparto, salvo algunas excepciones, sólo tiene valor testimonial o de puro ornamento.

EL MÉDICO Cine épico y tradicional ideal para las fiestas

Título original: The Physician
Alemania 2013 150 min.
Dirección Philip Stölzl Guión Jan Berger, según la novela de Noah Gordon Fotografía Hagen Bogdanski Música Ingo Ludwig Frenzel Intérpretes Tom Payne, Ben Kingsley, Emma Rigby, Stellan Skarsgard, Olivier Martínez, Michael Gibson, Elyas M’Barek, Stanley Townsend Estreno en España 25 diciembre 2013

Una producción alemana con vocación internacional según los cánones del cine épico e histórico tradicional que ya han probado otras cintas europeas como El perfume y Ágora. La celebérrima y exitosísima novela de Noah Gordon sufre en manos del guionista y el realizador una metamorfosis considerable, manteniendo la línea básica argumental pero cambiando prácticamente todo lo demás, incluido el origen de la joven de quien se enamora el protagonista o gran parte de los avatares que sufre éste en su viaje físico y emocional hacia el conocimiento, la ciencia y el saber. Si Gordon se preocupaba más por confrontar religión y ciencia, la película se centra más en la convivencia imposible entre judíos, musulmanes y cristianos ya en tiempos de la Edad Media, potenciando sus diferencias, odios y rencores sin reflexionar sobre el hecho de que durante mucho tiempo las tres culturas supieron coexistir en paz y armonía. Es evidente que la intención es establecer un parangón entre aquella época y el actual y eterno conflicto entre judíos y palestinos. De hecho los primeros aparecen como personas cultas y sabias, ávidos de conocimiento y adalides del progreso científico, mientras los árabes deambulan entre el refinamiento y la intolerancia pero siempre con el estigma de Alá como obstáculo y cortapisa. Si bien los que peor parados salen son los cristianos, atrasados, desorientados y generalmente sumidos en la miseria. Al margen de este universo que plasma la película, en detrimento de temas y aspectos más afines al original literario, la cinta cumple su cometido de entretener al estilo de las grandes superproducciones del pasado, regalándonos de paso la satisfacción de volver a disfrutar de estas propuestas típicamente navideñas (o de Semana Santa) en pantallas grandes y con sofisticados recursos técnicos y estéticos.