EL BESO DE LA MUJER ARAÑA Flojo remake musical

Título original: Kiss of the Spider Woman
USA 2025 128 min.
Guion y dirección Bill Condon, según el musical Terrence McNally basado en la novela de Manuel Puig y la película de Héctor Babenco Fotografía Tobias A. Schliessler Música John Kander y Sam Davis Intérpretes Jennifer López, Diego Luna, Tonatiuh, Bruno Bichir, Josefina Scaglione, Aline Mayagoitia, Tony Dovolani, Lucila Gandolfo Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 10 octubre 2025; en España 15 mayo 2026

El director brasileño Héctor Babenco dio el salto al cine estadounidense con una interesante adaptación de la novela de Manuel Puig El beso de la mujer araña, que le reportó a William Hurt su único Oscar al mejor actor, por su incorporación del homosexual Luis Molina, que comparte celda en una cárcel brasileña con el preso político de izquierdas, heterosexual y homófobo, Valentín Arregui. Babenco volvería a tener notoriedad en 2000 cuando dirigió Antes que anochezca, donde Javier Bardem incorporaba a Reinaldo Arenas, poeta y novelista cubano también marcado por su homosexualidad. En 1992, siete años después de la película, Harold Prince la convirtió en musical, con libreto de Terrence McNally y canciones del famoso tándem Johm Kander y Fred Ebb, autores de los musicales Cabaret y Chicago, así como de las canciones de la película de Scorsese New York, New York. Su traslación al cine se ha confiado en una autoridad en el género, Bill Condon, responsable de la sensacional Dreamgirls y de los guiones de Chicago y El gran showman. También lo fue de la versión humana del clásico de Disney La bella y la bestia, además de realizar algunos títulos memorables como Dioses y monstruos, donde dirigió a Ian McKellen, protagonista también de otros films de Condon, como Mr. Holmes o su última película hasta la fecha, La gran mentira.

Siguiendo las pautas del musical de Broadway, Condon ha intentado imprimir de glamour y fuerza este fallido trabajo que combina la miseria y degradación humana vivida en una prisión argentina durante los estertores de la dictadura, con la sofisticación colorista y escapista del cine musical norteamericano de los años cincuenta. En sus coreografías, su música, no tan inspirada como los títulos de Kander y Ebb aludidos, su vestuario y decorados, tan deudores de los musicales de la Metro Goldwyn Mayer y de iconos como Astaire, Kelly o Cyd Charisse, se denota un homenaje explícito al género, incluida la secuencia del salón de baile de Cantando bajo la lluvia.

Pero el conjunto no funciona, no presenta la cohesión necesaria ni la tensión dramática que demanda, mientras sus protagonistas, incluida una muy ilusionada Jennifer López, se limitan a coreografías sencillas y rutinarias que hacen añorar en exceso la época homenajeada. El resultado es una floja imitación y un desperdicio dramático en el que ni siquiera sus protagonistas consiguen eclipsar a los originales, Hurt, Raúl Juliá y Sonia Braga, sin ser aquella tampoco una película extraordinaria o indiscutiblmente memorable.

EL TESTAMENTO DE ANN LEE Extravagante y superficial musical seudorreligioso

Título original: The Testament of Ann Lee
Reino Unido 2025 136 min.
Dirección Mona Fastvold Guion Mona Fastvold y Brady Corbet Fotografía William Rexer Música Daniel Blumberg Intérpretes Amanda Seyfried, Lewis Pullman, Thomason McKenzie, Matthew Beard, Stacy Martin, Tim Blake Nelson, Christopher Abbott, Scott Handy Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2025; en Reino Unido 27 febrero 2026; en España 13 marzo 2026

La actriz y directora noruega Mona Fastvold debió conocer a Brady Corbet participando como intérprete en su delirio psicodélico y musical Vox Lux. Juntos escribieron The Brutalist, que dirigió él, emprendieron una relación sentimental y tuvieron un hijo. Antes de esta película, Fastvold dirigió en su país natal Dobles parejas y en Estados Unidos el western queer El mundo que viene. El pasado año se embarcó en el que seguramente ha sido el proyecto más ambicioso de su carrera hasta el momento, un extravagante musical sobre la líder y fundadora del movimiento Shaker, una escisión de la religión protestante que promovía la igualdad absoluta entre hombres y mujeres, la vida sencilla y en comunidad, la música y el baile como medio de acercarse a un Dios mitad hombre mitad mujer, y hasta algo tan nórdico como el diseño de mobiliario práctico, funcional y decididamente sencillo. Pero promovía también el celibato, y esa podría ser una de las claves fundamentales para su paulatina desaparición, como se constata en sus elaborados títulos finales.

Los shakers defendían también el carácter profético de su líder y su concepción como nuevo y femenino Jesucristo, de forma que su denominación oficial era Sociedad unida de creyentes en la segunda aparición de Cristo. Fastvold y Corbet, con la colaboración inestimable de Daniel Blumberg, que tiene también un papel como intérprete en la película y fue muy laureado por la banda sonora de The Brutalist, y además compuso la de El mundo que viene, han convertido esta epopeya ambientada a finales del siglo XVIII en un musical, con la licencia del modus operandi de la secta, que al fin y al cabo es lo que era, y la herencia de un buen puñado de canciones y bailes convenientemente remozados para los gustos actuales. Su suntuosa puesta en escena, deudora del imaginario nórdico, con peajes en Dreyer y Haneke, salvando las distancias especialmente con el primero, no se corresponde con su dramaturgia histérica, caótica y falta de inspiración y profundidad.

El resultado es como una tesis religiosa a lo Dreyer pero carente de sustancia, cuyo largo metraje se digiere con la esperanza de descubrir algo en el horizonte, que se diluye conforme entendemos que se trata de un camino a ninguna parte, nada revelador y, desde luego, poco atractivo. Ni la esforzada interpretación de su protagonista, Amanda Seyfried como Madre Ann, que llegó a estar nominada al Globo de Oro, ni su elaboradísima banda sonora, y mucho menos su espasmódica coreografía, logran elevar la cinta más allá de una nadería que incluye las persecuciones a las que la secta fue sometida, primero en Reino Unido y después en Estados Unidos, sin que nada llegue a emocionar ni motivar. Una lástima, porque material había para lograr un film fascinante, fiel reflejo de la preocupante sociedad en la que vivimos actualmente. Cuesta trabajo seguirla en su política de exceso y ambición.

SONG SUNG BLUE: CANCIÓN PARA DOS Una historia de amor y un puñado de grandes canciones

Título original: Song Sung Blue
USA 2025 131 min.
Dirección Craig Brewer Guion Craig Brewer y Greg Kohs Fotografía Amy Vincent Música Scott Bomar Intérpretes Hugh Jackman, Kate Hudson, Ella Anderson, Michael Imperioli, Fisher Stevens, James Belushi, Mustafa Shakir, King Princess, Hudson Hensley, Shyaporn Theerakulstit Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2025; en España 9 enero 2026

Siguiendo la estela de un documental dirigido por Greg Kohs en 2008, que narraba la historia de amor y superación de la pareja formada por Mike y Claire Sardina, que en la década de los noventa del pasado siglo alcanzaron cierta popularidad en Milwaukee y alrededores, como dúo musical Lightning & Thunder y su experiencia Neil Diamond, Craig Brewer lo adapta ahora a la ficción con la ayuda en el guion de quien dirigiera el documental de base. Brewer no se caracteriza precisamente por una filmografía brillante. Siempre a la sombra de proyectos de poca enjundia, logró sin embargo imbuir de ritmo y energía sus primeros pasos en el cine, con películas como Hustle & Flow o Black Snake Noan. A un olvidable remake de Footloose y una decepcionante La leyenda de Tarzán, siguieron dos vehículos a mayor gloria de Eddie Murphy en plataformas digitales, Yo soy Dolemite y El rey de Zamunda. Por eso resulta sorprendente la pericia y el cariño con que ha abordado esta bonita historia de amor aliñada con un puñado de grandes canciones que hicieron historia en los setenta del siglo XX de la mano del irrepetible Neil Diamond.

Sin pretensiones, con sentido del ritmo narrativo y exprimiendo al máximo los recursos puestos a su disposición, incluidas unas interpretaciones sobresalientes no sólo de la pareja protagonista sino de todo el universo característico a su alrededor, familiar, amistoso y profesional, Brewer ha conseguido que nos reconciliemos con ese cine estadounidense que tanto nos emocionaba, que hablaba de gente corriente con grandes ilusiones y aspiraciones, siempre desde un punto de vista eminentemente sentimental que tan bien les funcionaba. Cabe reconciliarse con un país que tanto nos abruma y decepciona, y lo hacemos gracias a la cultura, la música, el cine sencillo y amable que proporcionan productos como éste, destinado a emocionarnos, a recordarnos esas magníficas canciones con las que la voz baritonil de Diamond combinaba de su puño y letra hermosas melodías con inspiradores textos, el cantautor por antonomasia estadounidense, de otro tiempo, otra época, otra esperanza, hoy tan lejana.

Hugh Jackman vuelve a demostrar lo buen artista que es, su destacada capacidad para el musical, aunque a menudo parezca desmelenarse, literalmente. Mientras Kate Hudson sorprende contenida y emocionalmente entregada a su dramático papel, tan alejado de las rubias tontas y sobrepasadas a las que nos ha acostumbrado en su filmografía de comedia romántica. Vuelve a brillar también como cantante, como ya hiciera hace un par de décadas en Nine. Por lo demás, dejarse seducir de nuevo por himnos irrepetibles como Sweet Caroline, Play Me, Soolaimon, I Am I Said o la que da título al conjunto, Song Sung Blue, bien vale el precio de la entrada. Si además la película ofrece más, y lo hace, mejor.

WICKED: PARTE II Piensa en verde

Título original: Wicked for Good
USA 2025 138 min.
Dirección John M. Chou Guion Winnie Holzman y Dane Fox, según el musical de Winnie Holzman y Stephen Schwartz basado en la novela de Gregory Maguire inspirada en los personajes de L. Frank Baum Fotografía Alice Brooks Música Stephen Schwartz y John Powell Intérpretes Cynhtia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Marissa Bode, Ethan Slater, Bowen Yang y la voz de Colman Domingo Estreno en España y Estados Unidos 21 noviembre 2025

Poco hay que añadir a lo que ya dijimos a propósito del estreno de la primera parte de esta adaptación del famoso musical de Broadway, una versión dilatada del montaje escénico, hasta alcanzar entre las dos partes casi cinco horas de duración. Precisamente es en esta segunda parte donde se percibe la mayor ampliación del montaje original. Han convertido un tercio del espectáculo en una segunda parte sensiblemente inferior a la primera, donde se han añadido escenas y canciones, hasta cuatro nuevas hemos identificado, entre ellas No Place Like Home y The Girl in the Bubble, además de rescatar The Wicked Witch of the East, descartada del estreno en Broadway. Y como suele ocurrir en las comedias del último medio siglo, todo lo que hasta ahora era diversión, alegría y desenfado, se convierte en su tercio final en drama y tragedia, de aspecto más gris y tristón aun sin renunciar, naturalmente, a su estética un pelín hortera pero tan llamativa que le valió dos Oscars en la pasada edición, al mejor vestuario y la mejor dirección artística.

Se mantiene su inclinación a denunciar el abuso de poder, el control mediático de una población cada vez más adormecida e idiotizada, así como la manipulación informativa y la propaganda subversiva. Del mismo modo, insiste en deslegitimizar la mala imagen que a fuerza de brujas y otras lindezas se ha dado de las mujeres, aunque en este sentido se mantiene la presencia de la mujer manipuladora, cerebro de las actuaciones pérfidas llevadas a cabo por el hombre, a través de los personajes incorporados por Michelle Yeoh y Jeff Goldblum. Pero es en la amistad, el dolor de la pérdida y el sacrificio donde se distingue esta segunda parte de la primera, además de entroncar con el cuento original de El mago de Oz, desvirtuándolo, dándole la vuelta y pervirtiéndolo, de la misma forma que cobra más actualidad y se adapta a nuestros actuales cánones de ética y moralidad, aunque sólo sean quimeras cada vez más difíciles de alcanzar ante todo lo demás denunciado, manipulación, control y ambición desmedida.

En el apartado musical, John Powell mantiene el buen pulso y la inspiración celebrada en la música incidental, mientras aunque menos memorables, las canciones del veterano Stephen Schwartz cobran mayor relieve con la suntuosas orquestaciones de las que no pudo disfrutar en su versión estrictamente teatral. Especial mención merece, al margen de las magníficas prestaciones vocales e interpretativas de sus dos protagonistas, el talento de Jeff Goldblum para el musical, evidenciado en el número Wonderful junto a Erivo y Grande. Antes de ver la película, revisamos la primera parte, esta vez doblada al castellano, para corroborar lo bien que se siguen doblando los musicales en nuestro país, con voces que nada tienen que envidiar a las originales, aunque en sustancia se limiten a imitar sus inflexiones y singularidades.

LOS PECADORES Una excitante combinación de géneros

Título original: Sinners
USA 2025 137 min.
Guion y dirección Ryan Coogler Fotografía Autumn Durald Música Ludwig Göransson Intérpretes Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Miles Caton, Wunmi Mosaku, Delroy Lindo, Jack O’Connell, Jayme Lawson, Omar Benson Miller, Yao, Li Junli, Lola Kirke, Peter Dreimanis, David Maldonado Estreno en España 16 abril 2025; en Estados Unidos 18 abril 2025

Nos adherimos al entusiasmo general, a pesar de nuestras iniciales reticencias, ante esta espectacular película que combina con habilidad y muy buen oficio géneros tan dispares como el terror, el musical, el cine de acción, el drama sureño y la denuncia racista, con resultados tan entretenidos como estimulantes. Es como si en el club de El color púrpura donde canta Tata Vega bajo la piel de Margaret Avery, y una desdichada Cellie (Whoopi Goldberg) descubre los placeres de la vida y su autoestima, se inmiscuyera el mal y se dedicara a hacer estragos entre los y las erotizadas clientas. Los pecadores es por ello un homenaje a la música, prácticamente en todas sus vertientes, pero centrada en el blues y el ritmo negro, con secuencia cumbre en el que echando mano de la magia del cine, conviven épocas y estilos con absoluta naturalidad y un sentido del espectáculo realmente notable.

Detrás de la cámara, y como responsable del guion, encontramos a Ryan Coogler, gran conocedor de la épica cinematográfica, gracias a su trabajo revitalizador del universo Rocky en Creed, y sobre todo por las dos espectaculares entregas de Black Panther. Recordemos que la primera fue el único título de Marvel nominado al Oscar a la mejor película. En sus manos y en el del ejemplar reparto, se logra una perfecta definición de personajes, por cierto multitud, con Michael B. Jordan, actor fetiche de Coogler, interpretando un doble personaje, los dos hermanos que regresan de hacer fortuna como gángsters en Chicago, a la localidad donde crecieron, reencontrándose con esta comunidad fundamentalmente negra, en unos primeros años treinta del pasado siglo, y con la intención de abrir un club nocturno donde reafirmar su potencial y su fuerza frente a la supremacía blanca.

En este contexto, y con irlandeses, indios y asiáticos conviviendo con esta mayoría negra, se hace una reflexión sobre ese país donde la diversidad tiene que triunfar sobre la amenaza ultraderechista que pretende erradicarla. Esto convierte la película, al margen de su vocación de excelente entretenimiento, en un poderoso artilugio de orgullo y reivindicación de una raza durante siglos expuesta a los mayores tormentos y las más insufribles humillaciones. Puede que el único pero posible lo encontremos en su infantil dialéctica sobre el bien y el mal, con la iglesia y el cabaret como ejes vertebradores. Lógicamente, en todo este entramado merece especial mención la inspirada banda sonora de Ludwig Göransson, dos veces ganador del Oscar (Black Panther y Oppenheimer), en cuya estética folk sureña se intercalan canciones originales y adaptadas, extraordinarios números musicales y la presentación como actor y cantante de voz profunda y misteriosa, de Miles Caton.

BLANCANIEVES Otra revisión para hacer caja

Título original: Snow White
USA 2025 105 min.
Dirección Marc Webb Guion Erin Cressida Wilson, según el cuento e los Hermanos Grimm Fotografía Mandy Walker Música Jeff Morrow, Benj Pasek y Justin Paul Intérpretes Rachel Zegler, Gal Gadot, Andrew Burnap, Ansu Kabia, Hadley Fraser, Lorena Andrea y las voces de Andrew Barth Feldman, Tituss Burgess, Martin Klebba, Jason Kravits, George Salazar, Jeremy Swift, Andy Groteleuschen y Patrick Page Estreno en España y Estados Unidos 21 marzo 2025

Una vez más, no se nos ocurre otra razón para poner al día y recrear con personajes reales los clásicos de Disney, que la de hacer taquilla sin especial esfuerzo imaginativo. Su propia acepción lo indica, son clásicos hoy venerados por su sensacional factura técnica, su prodigio narrativo y la hazaña que supusieron en su momento con los medios con que contaban, pero que hoy resulta fútil remozarlos e intentar liberarlos de su ideología política y social y llevarlos hasta la última consecuencia de una corrección política que a menudo resulta mal enfocada. Para convertir el primer largometraje de Disney en un alegre y colorista musical con una intervención digital del casi ochenta por ciento (lo de imagen real es un decir, hasta los enanitos han sido generados por ordenador, despreciando incluso el acierto con el que Peter Jackson abordó el asunto en El hobbit), la voraz Disney ha contado con la guionista Erin Cressida Wilson, curtida en temas de género y diversidad en películas como Secretary, Chloe u Hombres, mujeres y niños, pero el resultado acaba siendo tan convencional como insustancial.

Nuevas canciones de los autores de El gran showman, respetando un par de las originales de Paul Smith y Frank Churchill, la inevitable Heigh Ho y Whistle While You Work (Silbando al trabajar), jalonan esta película absolutamente coyuntural que se adhiere al resto de adaptaciones del cuento que se han llevado a cabo desde que empezó el milenio, la desvergonzada Mirror Mirror protagonizada por Lily Collins y Julia Roberts, la más activista y batalladora de Kristen Stewart y Charlize Theron y la fantasía muda y en blanco y negro de Macarena García y Maribel Verdú. También Gal Gadot rivaliza con las hermosas reinas aludidas, mientras Rachel Zegler (West Side Story) ofrece su morena tez a una princesa cuyo nombre derivaba de la palidez de su rostro. En el camino, las inevitables y un tanto hipócritas consignas del poder en el pueblo, la lucha por la libertad y la igualdad, y todas esas necesarias campañas que a la hora de la verdad tan poco reflejo encuentran en la política estadounidense que no cesa en su empeño de blanquear su reputación.

Al menos no hay príncipe azul, sustituido por una suerte de apuesto Robin Hood. Como curiosidad, aunque se ha prescindido en el diseño del castillo del referente segoviano que sirvió al original de 1937, ha sido precisamente en esa localidad española donde esta película recibió su primicia el pasado 12 de este mes, quizás como desagravio o sólo como detalle melancólico.

A COMPLETE UNKNOWN Convencional retrato de un músico legendario

USA 2024 141 min.
Dirección James Mangold Guion James Mangold y Jay Cocks, según el libro de Elijah Wald Fotografía Phedon Papamichael Música Bob Dylan Intérpretes Timothée Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro, Joe Tippett, Eriko Hatsune, Scoot McNairy, Dan Fogler, Boyd Holbrook, Will Harrison Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2024; en España 28 febrero 2025

James Mangold propició a Angelina Jolie su único Oscar hasta el momento, con Inocencia interrumpida, fue artífice de un buen remake, el de El tren de las 3:10, puso a Tom Cruise y Cameron Diaz a recorrer al trote las calles de Sevilla en Noche y día, potenció la presencia de Hugh Jackman en el universo Marvel con Logan y Lobezno inmortal, y tomó el relevo de Spielberg en la saga Indiana Jones con El dial del destino. Pero la película con la que más relación tiene este biopic de Bob Dylan, cuyo título deriva de la letra de la famosa canción Like a Rolling Stone, es En la cuerda floja, un exitoso biopic del cantante folk y country Johnny Cash, un personaje que aquí también tiene una presencia relevante.

A Complete Unknown es la lujosa adaptación de la biografía que de Bob Dylan escribió Elijah Wald, Dylan Goes Electric!, publicada en 2015. Nada que reprochar a su ambiciosa producción, excelente ambientación en el Nueva York de la primera mitad de los sesenta del pasado siglo, ni a las estupendas interpretaciones de su elenco protagonista. Todos además cantan con sus propias voces, imaginamos que con ayuda de la tecnología para asemejar sus timbres a los de los originales Dylan (Chalamet), Joan Baez (Barbaro), Peter Seeger (Norton) y Johnny Cash (Holbrook). Pero, dónde está el tema y la sustancia de esta sucesión de buenas canciones y letras del único compositor ganador del Nobel de Literatura. Prácticamente es lo que le falta, un hilo conductor que vaya más allá de sus aventuras amorosas con una joven activista de los derechos civiles llamada Silvia (Fanning) y su supuestamente atormentada relación con Joan Baez.

Sólo al final se vislumbra algo de intención en este recorrido por la vida profesional y emocional del autor de Blowin’ in the Wind, cuando en el Festival de música folk de Newport, decide dar un cambio radical a su estilo, más eléctrico, de la mano de su amigo y colaborador Bobby Neuwirth. De la controvertida personalidad del artista, que tampoco fue capaz de diseccionar Todd Haynes en la extravagante I’m Not There, poco llegamos a conocer en esta convencional película, a pesar del esfuerzo de Chalamet en dar carácter y personalidad al homenajeado. Rendirse a un buen puñado de canciones, sean o no de nuestro gusto, es prácticaemtne lo único a lo que asirse, gracias al acierto de dejarlas escuchar casi todas enteras, una práctica muy abandonada en el cine musical de las últimas décadas.

BETTER MAN El deslumbrante último mono

USA-Reino Unido-Francia-Australia-China 2024 131 min.
Dirección Michael Gracey Guion Oliver Cole, Simon Gleeson y Michael Gracey Fotografía Erik Wilson Música Batu Sener Intérpretes Robbie Williams, Jonno Davies, Damon Herriman, Alison Steadman, Kate Mulvany, Steve Pemberton, Frazer Hadfield, Raechelle Banno, Jake Simmance Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2024; en Reino Unido 26 diciembre 2024; en España 1 enero 2025

El director australiano Michael Gracey combina su particular mirada estética, cultivada en su anterior largometraje de ficción, El gran showman, con su experiencia en la música pop, centrada en videoclips y documentales como el que dedicó a Pink, para ponerse a las órdenes del artista Robbie Williams y articular un biopic más personal en lo estético que en lo estrictamente narrativo. Aunque todo su entramado dramático parece fruto del talento del propio homenajeado, y éste no disimula el narcisismo que le ha hecho célebre, procura reírse de sí mismo a la vez que echa mano de todos los tópicos y lugares comunes en este tipo de producciones.

Así, encontramos al pobre artista rico abusado por managers y casas discográficas, y menospreciado por conjuntos musicales, Take That en su caso. También al joven traumatizado y marcado por el abandono familiar del padre, con quien mantendrá una relación autodestructiva, difícil e igualmente traumática. Y a quien se siente incapaz de amar en su justa medida, malogrando las posibilidades de una vida sentimental y familiar satisfactoria, mientras su rabia le llevará también a enemistarse con quienes le acompañaron desde la infancia, aunque siempre manteniendo un estrecho vínculo con una abuela visionaria y cariñosa. Muchos lugares habituales en este tipo de producciones redentoras, si bien en este caso cabe reconocer considerables logros en diferentes aspectos. Williams en ningún momento muestra su verdadero físico, sino que se parapeta tras la imagen de un mono generado por ordenador, que mimetiza sus gestos y los del actor Jonno Davies, con quien comparte protagonismo, en un alarde de originalidad que parece justificarse en el carácter primitivo de quien intenta denostadamente convertirse en ese hombre mejor del título. Gracey, por su parte, demuestra su talento y pericia en unos números musicales espectaculares, en especial el que protagonizan los dobles de la famosa boys band y un numeroso cuerpo de baile en la londinense Regent Street al son de Rock DJ, o su baile a dos en la borda de un yate de lujo donde las piruetas y torbellinos se nos antojan excesivos.

Como excesiva es una puesta en escena y una planificación visual que a menudo impide disfrutar de las esmeradas coreografías, quizás una mala influencia del universo del paisano Baz Luhrman. Con todo, Better Man se puede considerar un espectáculo entretenido y, como tantas veces se repite en el guion, deslumbrante, a pesar de lo muy en serio que a la postre se toma a sí mismo el icónico artista, por mucho que quiera disimularlo con su particular humor primate.

Estreno en salas de EMILIA PÉREZ

Reseña de la película, estrenada en el 21º Festival de Cine Europeo de Sevilla. Estreno en salas 5 diciembre 2024

WICKED El verde es un color deslumbrante

Título original: Wicked: Part One
USA-Reino Unido 2024 160 min.
Dirección Jon M. Chu Guion Winnie Holzman y Dana Fox, según el musical de Winnie Holzman y Stephen Schwartz basado en la novela “Wicked: Memorias de una bruja mala” de Gregory Maguire, según los personajes creados por L. Frank Baum en “El maravilloso mundo de Oz” Fotografía Alicia Brooks Música Stephen Schwartz y John Powell Intérpretes Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Ethan Slater, Marissa Bode, Bronwyn Yang, Keala Settle, Andy Nyman y la voz de Peter Dinklage Estreno en Estados Unidos y España 22 noviembre 2024

Hace décadas que el musical se ha impuesto en las carteleras teatrales de las principales ciudades del mundo. En nuestro país, Madrid y Barcelona no son excepciones, y a ellas se ha sumado el Soho de Málaga y las giras por toda España. Sin embargo, esta fiebre por los musicales no ha encontrado reflejo en la cartelera cinematográfica, al menos con carácter general. El público sigue siendo reticente a un género que en el pasado fue tan rentable. Fenómenos aislados como La La Land no han conseguido recuperarlo, y ni siquiera la calidad del remake de Spielberg de West Side Story hace apenas unos años, ni la excelente Dreamgirls de los primeros años de este siglo, lo han logrado. Wicked tiene muchas posibilidades de hacerlo, aunando todo lo que se espera de un gran musical y una gran película. Magníficas canciones, dos protagonistas de gran altura dándolo todo, incluidas unas rutilantes voces, que en el caso de la estrella del pop, sin apenas experiencia en la interpretación dramática, Ariana Grande, se acerca a la tesitura de una más que competente soprano, y una trama absorbente que se atreve por fin a darle la vuelta al tópico de las brujas como forma de hostigamiento y marginación a las mujeres. El norteamericano de origen chino John M. Chu ha sido el elegido para llevar a tan buen puerto esta empresa. Su vasta experiencia en el musical, con películas alimenticias como las segunda y tercera entregas de Step Up y otras de mayor calado como Jem y los Hologramas y, sobre todo, En un barrio de Nueva York, además de sus numerosos videos para Justin Bieber, lo avalan. Además, ha demostrado su pericia en la comedia con la segunda parte de Ahora me ves y la celebrada Crazy Rich Asians, así como en la acción y los efectos visuales con G.I. Joe: La venganza. Todo eso se da cita también en esta estupenda película y memorable musical.

El color verde de Elphaba, la joven que se convertirá en la Bruja Mala del Oeste, simboliza el rechazo a lo diferente, el racismo y el miedo provocado por los poderes interesados, mientras al estilo decididamente Barbie de Glinda, más tarde Bruja Buena del Norte, esconde una capacidad inesperada de comprensión e inteligente entendimiento. Ninguna es tan mala ni tan buena, tienen sus motivaciones, y aunque hay traumas de infancia, no necesariamente tienen que ser esas las motivaciones. El ecologismo y el animalismo pueden ser más fuertes, y sobre todo la justicia y la política bien administrada, sin corrupción ni intereses ocultos, ni el miedo como arma de dominio y control. Todo esto enmarcado en los reconocibles resortes del típico cuento infantil de antaño, pero sin sus vicios ni anacronismos, con decorados monumentales, medio recreados por infografía, medio reales, grandes coreografías, un guapo pero confundido príncipe y mucho humor, hacen que sus dos horas y media no se hagan pesadas, y que esperar otras tantas para recrear el tercer y último acto del espectáculo de Broadway original en que se basa, y que fue récord de permanencia en los escenarios neoyorquinos, tampoco suponga ningún lastre.

Como curiosidad, las estrellas de la producción teatral, Idina Menzel y Kristin Chenoweth, tienen una aparición especial en la película, entonando la historia de Oz y su mago en un teatrillo callejero. Que Madrid estrene el musical en octubre de 2025, después incluso de que hayamos asistido al desenlace cinematográfico, podrá resultar tan ventajoso como inoportuno. Mientras tanto, esta combinación de denuncia contra la discriminación racial y la corrupción política, con el sano empoderamiento femenino, aderezado con espléndidos números musicales y grandes efectos visuales, hará las delicias de propios y extraños en nuestras salas de cine. Y para que no crean que todo nos ha encantado, la manía de humanizar los animales nos parece una idea equivocada, más cuando de lo que se trata es de respetarlos y admirarlos como iguales en nuestro planeta. Sólo responde a una manía largamente practicada en el cine estadounidense, y muy especialmente en Disney. En cuanto a la música, las espléndidas canciones son obra del autor del musical Gospel, Stephen Schwartz, autor también de las letras de las canciones de Alan Menken para Pocahontas y El jorobado de Notre Dame, además de la música de las de El príncipe de Egipto. Por otro lado, el siempre estupendo John Powell se encarga de la música incidental, tan inspirada y adecuada como el resto de la aportación musical de este excelente entretenimiento.

POLVO SERÁN Un musical de muerte

España-Suiza-Italia 2024 106 min.
Dirección Carlos Marques-Marcet Guion Carlos Marques-Marcet, Clara Roquet y Coral Cruz Fotografía Gabriel Sandru Música María Arnal Intérpretes Ángela Molina, Alfredo Castro, Mónica Almirall, Ptricia Bargalló, Álvaro Prado, Manuela Biedermann, Valeria Scheilen, Oriol Genís, Lissy Pernthaler Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2024; en salas 15 noviembre 2024

Con el Premio Platform en la pasada edición del Festival de Toronto, la Espiga de Plata y una mención especial para su pareja protagonista, así como el premio Monica Vitti a la mejor actriz en el Festival de Roma, llega a las pantallas este extravagante film con el que Carlos Marques-Marcet parece cerrar su particular ciclo vital, tras analizar la pareja a larga distancia en 10.000 km y la paternidad en Los días que vendrán. Ahora le toca el turno a la muerte, y lo hace fijando su mirada en un matrimonio formado por una actriz y un director de escena, lo que añade teatralidad a la propuesta, cuando ella decide poner fin a su vida mediante muerte asistida en Suiza debido a una enfermedad terminal, y su marido adopta una insólita pero emotiva decisión al respecto.

Con esta línea argumental, el director de Tierra firme ofrece un doble análisis, el de la pareja madura y su responsabilidad ante la familia, con unos hijos que muestran sus gozos y miserias de la misma forma que se muestran egoístas e inflexibles a muy distinta manera y nivel. Por otro lado, es la pareja formada por Ángela Molina y el chileno Alfredo Castro (Desde allá, El club), quienes catalizan el interés de la pieza, desde el temperamento de ella y la contención de él, para poner el énfasis en el amor más puro y verdadero. Y mientras asistimos a este ritual de vida y muerte, de celebración y ocaso, se va dejando en evidencia lo corta de miras que pueden resultar leyes sobre la eutanasia como la que se ha adoptado en nuestro país, que limita lo que en cierto modo debería suponer libertad absoluta para el ser humano.

Los guionistas, entre ellos la también directora y habitual colaboradora del director, Clara Roquet (La libertad), engalanan la fiesta con una serie de números musicales al estilo de Bailar en la oscuridad, evidente incluso en alguna de las composiciones vanguardistas de María Arnal de corte industrial, en los que el baile contemporáneo espasmódico se alterna con el glamour clásico y caleidoscópico de Busby Berkeley, cortesía del coreógrafo Marcus Morau, todo lo cual convierte ésta en una película particular e inclasificable.

SEFF 21 (2024) EMILIA PÉREZ Cambio de sentimiento

Francia-México 2024 130 min.
Guion y dirección Jacques Audiard Fotografía Paul Guilhaume Música Clément Ducol y Camille Intérpretes Zoe Saldana, Karla Sofia Gascón, Selena Gómez, Adriana Paz, Edgar Ramírez, James Gerard Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2024; en Francia 21 agosto 2024; en España 5 diciembre 2024

Principal contrincante de La habitación de al lado en los Premios Europeos del Cine, y ganadora del Premio del Jurado en Cannes, donde también obtuvo el correspondiente a la mejor actriz para sus cuatro protagonistas, la nueva película de Jacques Audiard se nos antoja como una sofisticada y extravagante incursión en el cine musical con mensaje político y social. Supone su primera aventura en castellano, después de coquetear con el inglés en Los hermanos Sisters, descubriéndonos a una Zoe Saldana (Avatar) castellano parlante perfecta, tanto como hábil en el baile y el canto. Todo ello para contarnos una historia en cierto modo bastante naif e ingenua sobre el cambio sentimental que experimenta un despiadado capo del narcotráfico mexicano cuando se somete a un cambio de sexo. Audiard se sumerge por lo tanto en el dramático mundo de los asesinatos y desapariciones en masa que asolan desde hace tanto el país americano, pero desde el lenguaje del genuino musical, con un competente ramillete de canciones y unas coreografías bastante cuidadas. Todo ello hacen que se trate de un film disfrutable y espectacular, tan entretenido como sorprendente. Un trabajo meritorio y original.

JOKER FOLIE À DEUX El tebeo también puede ser un escenario

USA 2024 138 min.
Dirección Todd Phillips Guion Scott Silver y Todd Phillips, según los personajes de DC Comics Fotografía Lawrence Sher Música Hildur Gudnadóttir Intérpretes Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz, Steve Coogan, Harry Lawtey, Leigh Gill, Bill Smitrovich, Jacob Lofland, Ken Leung, Sharon Washington Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2024; en Estados Unidos y España 4 octubre 2024

Cinco años han pasado desde que Todd Phillips, el responsable de la saga Resacón en Las Vegas, elevó a los altares de la intelectualidad política y social a un personaje de cómic tan carismático como el Joker, antagonista clásico de Batman. Por primera vez el universo comiquero convencía a propios y extraños, enganchando a habituales desinteresados de todo lo que oliese a tebeo de superhéroes. Y es que ahí el personaje pasaba a convertirse en un personaje real, de carne y hueso, que representaba a todo lo que de marginal y trastornado estamos acostumbrados y acostumbradas a ver en nuestras ciudades, y algo en lo que podríamos convertirnos sometidos como estamos a tanta presión en nuestra rutina diaria. La operación salió triunfante, convirtió a Phillips en un realizador serio y respetado, brindó a Joaquin Phoenix esa interpretación sobresaliente que le valió el Oscar, fue un rotundo éxito de taquilla y logró el León de Oro de Venecia a pesar de tratarse de un film en principio en las antípodas del cine de autor que suele triunfar en certámenes cinematográficos.

Quedaba todo dicho en relación al desdichado y solitario personaje, y estirar el chicle se revelaba una operación arriesgada. Pero no contentos con el reto, sus responsables aún han arriesgado más y han convertido su secuela en un musical, con todo lo que de veneno para la taquilla tiene el género, en proporción directamente inversa al éxito que cosechan en los escenarios. La presencia de Lady Gaga dando vida a Lee Quinzel, más adelante conocida como Harlequin, justifica el proceso, y garantiza cierto éxito comercial, aunque su registro aquí se acerque más al revival al que nos ha acostumbrado desde que decidió entonar las canciones de Sonrisas y lágrimas en los Oscar y hacer dúos con Tony Bennett, que al pop que le encumbró a la fama hace ya un buen puñado de años. Ella continúa afianzando esa carrera en el cine que muchas de su gremio hubieran deseado, pero no hace sombra a un Phoenix de nuevo deslumbrante en todos sus cometidos, incluso el de cantante capaz de definir su controvertido y complejo personaje a través de siniestras y distorsionadas versiones, solo o a dúo con la diva, de clásicos como That’s Entertainment (Fred Astaire y compañía), Bewitched (de Pal Joey), If My Friends Could See Me Now (de Sweet Charity), Get Happy o I’ve Got the World on a String (Judy Garland), Close to You (Burt Bacharach), When You’re Smiling (Louis Armstrong), For Once in My life (Stevie Wonder), If You Go Away (Nina Simone) o That’s Life (Frank Sinatra). Lástima que prescinda de los grandes números musicales que se esperan del género, apuntado en alguna secuencia dispersa de baile, pero resuelta con recursos mínimos y decorados muy discretos. Destaca la partitura original de Hildur Gudnadóttir, tan oscura, retorcida y atmosférica, de resortes medievalistas, como la que le valió el Oscar hace un lustro.

Todo se apuesta por lo tanto al carisma de sus personajes, y una vez más a diseccionar esa condición de solitario que se convierte en motor de un trastorno emocional de gigantescas proporciones, ahora multiplicado por el encierro carcelario, al que sólo el amor parece poder redimir, aunque siempre aceche la amenaza de la doble personalidad, la de Joker capaz de fascinar a masas e individuos, y la del pobre Fleck amargado, que tanto rechazo provoca, y finalmente condenado como suele hacerse con este tipo de personajes, creyendo que la mejor redención es el sacrificio, aunque al final un nuevo éxito pueda motivar a sus guionistas para inventar otra secuela. Pero al final, como reza su publicidad y una de las estrofas más reconocibles de That's Entertainment de Arthur Schwartz y Howad Dietz, el mundo es un escenario (y el escenario un mundo de entretenimiento). Sólo así podemos a veces escapar de nuestras miserias; ya nos lo dijo Herbert Ross hace cuarenta años en Dinero caído del cielo. Pero el mayor logro sigue siendo ofrecer a quienes esperan tanta violencia, un musical romántico y nostálgico, y salir airoso. Ya lo dice la canción de Burt Bacharach, lo que el mundo necesita es amor, más que armas y violencia, y ahora, una vez más, más que nunca. Como curiosidad, algún final alternativo debía tener la película, porque echamos en falta una secuencia del tráiler en la que la pareja baja las escaleras del juzgado bailando con gesto triunfante.

RABOS: EL MUSICAL Una pamplina grosera y absurda

Título original: Dicks: The Musical
USA 2023 86 min.
Dirección Larry Charles Guion Aaron Jackson y Josh Sharp, según su musical “Fucking Identical Twins” Fotografía Michelle Lawler Música Marius DeVries Canciones Aaron Jackson, Josh Sharp y Karl Saint Lucy Intérpretes Aaron Jackson, Josh Sharp, Nathan Lane, Megan Mullally, Megan Thee Stallion, Bowen Yang Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2023; en Estados Unidos 20 octubre 2023; en España 26 abril 2024

Después de echarle tantos laureles a la productora A24, no nos queda más remedio que mostrar nuestra enorme decepción ante su debut en un género tan querido por nosotros como es el musical. Esta absurda e infame película se basa en un espectáculo off Broadway estrenado en 2015 con Aaron Jackson y Josh Sharp como responsables absolutos, en el que partiendo de la trama familiar por antonomasia que ofrecía Disney en Tú a Boston y yo a California, se planteaba la disparatada odisea de dos hermanos supuestamente idénticos por conciliar a sus padre y madre divorciados, con obstáculos tan graves como que él era gay y ella tenía una vulva portátil y voladora.

Se erige como insolente y obsceno musical de celebración queer con mucho color y apuesta por el amor sin fronteras ni diferencias, del homosexual al incestuoso pasando por el más friqui hacia unos pequeños monstruos. Ya es indicativo de lo que vamos a encontrar en la cinta su propio título, si bien genitales y pechos es lo único que se ahorra, dado el habitual puritanismo norteamericano ante el cuerpo humano.

Pero aún lo es más que de la empresa se haya encargado el director de Borat, Bruno y El dictador, aunque también de un documental sobre Larry David, cómico archifamoso en Estados Unidos por crear Seinfeld y Curb Your Enthisasm, además de protagonizar Si la cosa funciona de Woody Allen. El resultado es una pamplina premeditadamente grosera con apenas un par de canciones dignas y unas aseadas coreografías, todo ello teñido de un mal gusto exagerado a propósito, lo que podría no impedir que en un futuro no lejano acabe convirtiéndose en una película de culto.

EL COLOR PÚRPURA Mujeres maravillosas y entonadas

Título original: The Color Purple
USA 2023 141 min.
Dirección Sam Blitz Bazawule Guion Marcus Gardley, según la novela de Alice Walker y el musical de Marsha Norman Fotografía Dan Laustsen Música Kris Bowers Intérpretes Fantasia Barrino, Taraji P. Henson, Danielle Brooks, Colman Domingo, Corey Hawkins, Halle Bailey, Phyllida Pearl Mpasi, Ciara, H.E.R., David Alan Grier, Deon Cole, Jon Batiste, Louis Gossett jr. Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2023; en España 9 febrero 2024

Suele ser una práctica muy extendida en el espectáculo norteamericano convertir un éxito cinematográfico en musical de Broadway, y de ahí volver al cine en su nuevo formato. Ocurrió hace unos años con Los productores de Mel Brooks, y hace muchos con éxitos como Ninotchka, convertida en Silk Stockings (la bella de Moscú). El color púrpura hizo hace cuarenta años derramar muchas lágrimas de la mano del especialista Steven Spielberg. Adaptó para ello la novela de Alice Walker, auténtico best seller que narraba las tristes vicisitudes de una mujer de color no agraciada físicamente, que sufría los horrores del racismo, el maltrato y más veladamente su homosexualidad. Spielberg puso el acento entonces en sus aspectos más sentimentales y humanitarios, con notable éxito sólo enturbiado en los Oscar con la furia avasalladora de Memorias de África, que junto a otros títulos provocaron que ninguna de sus once nominaciones se tradujera en estatuilla.

Veinte años después la película se convirtió en musical de la mano de Stephen Bray, Allee Willis y Brenda Russell, y ahora en suntuosa película también musical a la que se han añadido algunas nuevas canciones, dos de la banda sonora de la versión de 1985, y que no se ha conformado con ser una cinta vistosa que rememore el ya clásico de Spielberg sino que añade un mayor énfasis en la lucha de las mujeres por su dignidad y su igualdad. Para ello, el guion de Marcus Gadley refuerza el carácter de sus tres protagonistas, mujeres maravillosas que encarnan tres facetas del feminismo, la mujer sumisa que por ignorancia e inseguridad permite el maltrato y la humillación continua por parte del macho indecente; la mujer frívola que ha tomado las riendas de su vida y sin importarle el entorno, disfruta en igualdad de condiciones que el hombre; y la mujer fuerte y decidida, capaz de hacer frente a cualquier hombre e injusticia, aunque para ello tenga que pagar un alto precio.

Unos caracteres muy pronunciados con los que esta nueva versión potencia su discurso de igualdad y feminismo a ultranza, a la vez que no abandona ese otro destinado a la proclama antirracista, y tampoco por supuesto su decisiva carga emocional y sentimental. Con todo eso, unas interpretaciones sobresalientes y una excelente puesta en escena, a la que se añaden unos estupendos números musicales y un ramillete de buenas canciones, damos la bienvenida a la nueva versión de un clásico del sofocón, cuyos principales artífices se encargan ahora de la producción, el director Steven Spielberg, el compositor Quincy Jones y la presentadora Oprah Winfrey, que en aquella interpretó a la carismática Sofia, a quien ahora da vida la única nominada de todo el elenco artístico y técnico, Danielle Brooks.

CHICAS MALAS Jungle School Musical

Título original: Mean Girls
USA 2024 112 min.
Dirección Samantha Jayne y Arturo Perez jr. Guion Tina Fey, según su propia obra y el musical de Jeff Richmond y Nell Benjamin Fotografía Bill Kirstein Música Jeff Richmond Intérpretes Angourice Rice, Renée Rapp, Bebe Wood, Auli’i Cravalho, Jacquel Spivey, Avantika Vandanagu, Christopher Briney, Tina Fey, Tim Meadows, Jenne Fischer, Jon Hamm, Busy Philipps Estreno en España y Estados Unidos 12 enero 2024

Veinte años después de que Lindsay Lohan alcanzara el éxito con la versión original, llega el remake adaptado directamente del musical estrenado en Broadway hace apenas siete. Su comicidad sigue siendo la misma, añadiendo algo más de diversidad y una puesta en escena con mayores y más sofisticados medios.

Las canciones han sido arregladas de forma que han perdido afortunadamente el estilo disneyano que exhibían en el musical original, mientras los cameos de la propia Lohan y de Ashley Park, que en Broadway interpretó a una de las amigas de la mala del cuento, así como la intervención de su principal artífice, Tina Fey, añaden interés a una cinta que demuestra que no siempre tenemos la edad adecuada para enfrentarnos a cualquier empresa, y ésta desde luego demanda una edad física y mental muy por debajo de la que pretendemos tener.

Descaradamente enfocada a un público muy juvenil, esta combinación entre High School Musical y Jungle Fever en el que las chicas afortunadamente sólo simulan enfrentarse entre ellas por el hombre de sus sueños, contiene suficientes gags y situaciones moderadamente hilarantes, además de un puñado de bien articulados números musicales, como para no defraudar. Pero en serio, hay cosas que no necesitamos ver, y muchas formas distintas de volver a sentirnos jóvenes mejores que ésta.

WONKA Un mundo de fantasía y pura imaginación

Reino Unido-USA 2023 115 min.
Dirección Paul King Guion Paul King y Simon Farnaby, según los personajes creados por Roald Dahl Fotografía Chung Chung-hoon Música Joby Talbot Canciones Neil Hannon Intérpretes Timothée Chalamet, Calah Lane, Olivia Colman, Tom Davis, Hugh Grant, Jim Carter, Keegan-Michael Key, Paterson Joseph, Matt Lucas, Mathew Baynton, Freya Parker, Kobna Holdbrook-Smith, Rakhee Thakrar, Natasha Rothwell, Rich Fulcher, Rowan Atkinson, Sally Hawkins Estreno en España 6 diciembre 2023; en Reino Unido 8 diciembre 2023; en Estados Unidos 15 diciembre 2023

A nadie se le escapa que este musical estrictamente cinematográfico que funciona como precuela inventada de Charlie (o Willy Wonka según qué versión) y la fábrica de chocolate, basada en el libro infantil de Roald Dahl, no es sino otra estrategia comercial destinada como tantas otras a estirar un éxito y sacarle el máximo partido. Pero que Paul King, director de las dos preciosas entregas del osito Paddington, esté tras la cámara, se perfilaba sin duda como una garantía, y no decepciona. Wonka es un musical amable, seguramente edulcorado, pero lleno de fantasía (parafraseando al título en español de la película que protagonizó Gene Wilder en 1971) y pura imaginación (parafraseando a su vez al éxito musical de aquella misma película, compuesto por Leslie Bricusse).

Del cuento de Dahl se hicieron la versión aludida y la que Tim Burton dirigió en 2005 resaltando más su lado oscuro y perverso. La película musical del 71 conoció adaptación al West End y Broadway, pero no contentos con eso, Marc Shaiman compuso un nuevo musical, estrenado hace apenas unos años, cuya versión en castellano se ha paseado por toda la geografía española. Y ahora esta precuela inventada, también musical pero directamente para el cine, con unas agradables canciones de Neil Hannon. Es lo que se llama explotar la gallina de los huevos de oro, pero si la cosa funciona… King ha conseguido otra película entrañable y convincente, y lo que es más, incluso ha logrado que hasta los más recalcitrantes con el talento y el atractivo de Chalamet, nos rindamos a sus encantos, incluido un sentido musical que le permite cantar perfectamente entonado.

Lo que encontramos en esta película, claramente influida por el universo Dickens, tanto o más que por el mismo Dahl, es un relato amable, lleno de magia y música, aunque sus números nunca lleguen a ser demasiado distinguidos ni espectaculares. Hay además un elenco generoso de personajes, algunos grotescos (y una vez más afeminados si de ser perversos se trata, quizás el punto más reprochable de la película) y otros entrañables, con intervenciones tan divertidas como la de un Hugh Grant empequeñecido para dar vida a Oompa-Loompa, único personaje junto al del propio Wonka que procede directamente de la pluma de Roald Dahl. Simon Farnaby, que se permite interpretar un personaje en la cinta, el del guardia del zoológico, ha hecho un buen trabajo, esmerado y respetuoso, de adaptación del universo dickensiano y roaldiano a esta inventada precuela, navideña, musical y entretenida, al más puro estilo desenfadado de Paul King, que ya prepara una tercera entrega de Paddington, esta vez en Perú.

DON JUAN La peor versión de un mito clásico

Francia 2022 100 min.
Dirección Serge Bozon Guion Serge Bozon y Axelle Ropert Fotografía Sébastien Buchmann Música Benjamin Esdraffo, Laurent Talon y Mehdi Zannad Intérpretes Tahar Rahim, Virginie Efira, Alain Chamfort, Jehnny Beth, Damien Chapelle, Louise Ribiere Estreno en el Festival de Cannes 22 mayo 2022; en Francia 23 mayo 2022; en España 28 julio 2023

De vez en cuando, el actor y guionista Serge Bozon dirige una película. De sus cuatro títulos anteriores en este cargo sólo apreciamos haber visto la excéntrica comedia Madame Hyde, con una divertida Isabelle Huppert como protagonista. Aquello tenía su gracia, ésta ninguna. Tampoco es que lo pretenda, quizás lo único que intente es analizar desde un prisma contemporáneo la mítica figura del Don Juan, el que inmortalizaron Tirso de Molina, Zorrilla, Mozart y Moliére. La cinta está más cerca de este último que de los anteriores, aunque se permita utilizar en su banda sonora la obertura de la más famosa de cuantas óperas se han compuesto sobre el personaje, en unas versiones antiquísimas que dan buena muestra del carácter extravagante y caprichoso de la función.

Desde luego para Tahar Rahim (Un profeta) y Virginie Efira (Benedetta) se trata de un capítulo muy particular de sus filmografías, especialmente por el carácter premeditadamente bizarro de la propuesta. Los referentes son relativamente claros, con la comedia musical al estilo Jacques Demy y la puesta en escena híbrida entre la austeridad de un Rohmer y el colorismo de Leconte, Bozon no encuentra sin embargo el tono justo para llevar a buen puerto su irritante e insufrible oferta, que ni acierta en analizar el mito del conquistador impulsivo en tiempos modernos, ni a empoderar a una Julie/Elvira que aparque el carácter rancio del original, ni a situar en su justa medida el personaje del padre/comendador y su diabólica venganza que aquí no lo es tanto.

Pero mientras la siempre exquisita Efira encaja en su papel, Rahim no lo hace en absoluto, y parece todo el tiempo ausente y falto de inspiración, incluso cuando canta no mal del todo las nada estimulantes canciones que firma Benjamin Esdraffo. Al final lo que más nos sorprende es nuestra capacidad de resistencia, siempre a la espera de que en algún momento surja un rayo de inspiración que justifique haber sufrido tan soporífera y ridícula experiencia, más allá de disfrutar de sus carismáticos protagonistas, que en el caso de ella se multiplica en diversas facetas y aspectos, como si de una muñeca Barbie se tratase.

REBEL La mecánica del terror

Bélgica-Luxemburgo-Francia 2022 133 min.
Dirección Adil El Arbi y Bilall Fallah Guion Adil El Arbi, Bilall Fallah, Kevin Meul y Jan van Dyck Fotografía Robrecht Heyvaert Música Hannes De Maeyer Intérpretes Aboubakr Bensaihi, Lubna Azabal, Amir El Arbi, Tara Abboud, Younes Bouab, Malak Sebar, Qomoq Ayham, Fouad Hajji Estreno en el Festival de Cannes 26 mayo 2022; en Bélgica 5 octubre 2022; en España 2 junio 2023

Belgas de nacimiento, marroquíes de origen, El Arbi y Fallah llevan varios años dirigiendo juntos, primero en Bélgica (Black, Gangsta) y después en Estados Unidos (Bad Boys for Life con Will Smith, algunos episodios de la serie Miss Marvel y ultimando los detalles de Batgirl). Rebel es seguramente su mejor película hasta la fecha, un alegato contra la mecánica del terror personificado en la Yihad islámica con todos sus componentes de crueldad y negocio que nos llevan a la tragedia de un joven que huyendo de la justicia belga se enrola como colaborador humanitario en la Guerra de Siria para poco después ser obligado a alistarse en las fuerzas yihadistas. Paralelamente asistimos a la vida en Bruselas de su hermano pequeño, para quien el protagonista es un ejemplo a admirar, y los peligros que le acechan como víctima fácil y propiciatoria para embarcarse en un ejército infantil a las órdenes del horror más absoluto.

Sus realizadores no escatiman en situaciones terribles, haciendo uso de un lenguaje comercial y sofisticado que acerque con más énfasis el mensaje al mayor público posible. Nos introducen de lleno en la batalla y el terror, contando para ello con una producción holgada e impecable, e intentan suavizar el espectáculo con unos números musicales que entrelazan el hip hop con la danza contemporánea, con ayuda de una estupenda banda sonora y todo ello rodado con el máximo rigor y detalle. El resultado es una película sorprendente, un híbrido nunca antes visto que combina el horror con el drama personal y sentimental así como el espectáculo musical.

Su historia se torna así épica en todos los sentidos, con la participación irresistible de su sufrido protagonista y la célebre Lubna Azabal, a quien vimos recientemente en El caftán azul y conocimos a las órdenes de Denis Villeneuve en aquel lejano Incéndies. A algunos y algunas les podrá parecer un panfleto anti yihadista, pero está rodado con tal rigor y confianza en lo que se cuenta que se le puede perdonar cualquier tendencia al adoctrinamiento, precisamente lo que denuncia quizás con trazo grueso pero efectivo, y dejando en el camino una experiencia tan aterradora como desasosegante y estremecedora.

LA SIRENITA Con el cuento a otra parte

Título original: The Little Mermaid
USA 2023 135 min.
Dirección Rob Marshall Guion David Magee, según la película de Ron Clements y John Musker basada en el cuento de Hans Christian Andersen Fotografía Dion Beebe Música Alan Menken Intérpretes Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Javier Bardem, Melissa McCarthy, Daveed Diggs, Jacob Tremblay, Awkwafina, Noma Dumezweni, Art Malik, Jessica Alexander, Martina Laird Estreno en España y Estados Unidos 26 mayo 2023

Disney prosigue con su política de ambición sin límites, palpable en televisión, extendiendo la saga de La guerra de las galaxias hasta extremos extenuantes, y el cine, alargando los ciclos de superhéroes Marvel y repitiendo todos sus éxitos animados con la excusa de presentarlos ahora en imagen real. Una operación camuflada entre tanta infografía que resulta más indigesta y artificiosa que si se tratara de una auténtica traslación de los clásicos a la imagen de carne y hueso. La sirenita supuso a finales de los ochenta del pasado siglo la recuperación definitiva de una empresa que andaba algo perdida entre productos sin apenas repercusión mediática y comercial. Volver a los clásicos de una literatura infantil que ya empezaba a mostrarse obsoleta e inconveniente, supuso en cierto modo un regreso al estilo y la filosofía de la empresa, que no dejaría de encadenar éxito tras otro, primero mediante animación tradicional, más tarde, la mayoría de las ocasiones a través de su asociación con Pixar, por animación digital.

La experiencia de Rob Marshall en el musical (Chicago, Nine) y las aventuras caribeñas con la cuarta entrega de las aventuras de Jack Sparrow, además de su incursión en los cuentos infantiles clásicos de la mano de su adaptación de Into the Woods de Stephen Sondheim, le han colocado como responsable ideal para llevar a buen puerto esta nueva producción de Disney. Pero que la protagonista y la reina sean ahora de raza africana no parece novedad suficiente como para considerar actualizado el cuento de Andersen. El espíritu valiente y decidido de la protagonista ya aparecía en la cinta de Ron Clements y John Musker, mientras se mantienen conceptos tan vinculantes y adoctrinadores como la monarquía o la brujería, siempre asociada a una mujer malvada. Son estos rancios postulados los que hacen que sigamos utilizando por ejemplo terminología tan inapropiada como feudos o bastiones cuando hablamos de espacios conquistados por nuestros partidos políticos, olvidando que están a nuestro servicio, y que la ciudadanía no somos de su propiedad.

Mal por el contenido educativo de estos cuentos obsoletos cuya fórmula de actualización Disney ni encuentra ni le interesa hacerlo. En cuanto al apartado artístico y técnico, cabía esperar más espectáculo y un mejor diseño de producción, mientras su argumento resulta tan archiconocido que apenas logra interesarnos. Alan Menken reescribe su partitura original y añade nuevas canciones, ahora con letra del mimado de Broadway Lin-Manuel Miranda, ya que Howard Ashman falleció cuando escribía los versos de Aladdin en 1991. El encanto de Halle Bailey, que pronto estrenará la versión de El color púrpura que adapta el musical basado en la novela de Alice Walker y la película de Spielberg, el carisma de Javier Bardem y el desparpajo de Awkwafina no nos parecen razones suficientes para justificar este nuevo más de lo mismo al que tanto nos tiene acostumbrados y acostumbradas la industria norteamericana.