EL TALENTO Virtuosa de clase alta

USA 2025 103 min.
Dirección Polo Menárguez Guion Fernando León de Aranoa y Polo Menárguez, según la novela “La señorita Else” de Arthur Schnitzer Fotografía José Martín Rosete Música Carla F. Benedicto Intérpretes Ester Expósito, Pedro Casablanc, Mirela Balic, Juan Pablo Fuentes, Rocío Muñoz Cobo, Sonia Almarcha, Marta Aledo, Clara Sans, Carlos Suárez, Itziar Manero, Diego Niski Estreno 5 septiembre 2025

El escritor vienés Arthur Schnitzer empeñó a fondo su propio talento para atacar y diseccionar la decadente clase alta de la sociedad que le tocó vivir, allá por finales del siglo XIX y principios del XX. Sus reflexiones recibieron acertadas adaptaciones por parte de directores tan reputados como Stanley Kubrick (Eyes Wide Shut) o Max Ophuls (La ronda). En otras ocasiones, sus novelas sufrieron adaptaciones tan pobres y superficiales como las que realizaron directores como, por ejemplo, Roger Vadim. La que Fernando León de Aranoa y el director de El plan han llevado a cabo se queda en medio, aunque aprovechando más para criticar cuestiones de actualidad como la resistencia de la mujer a considerarse como un objeto sexual, que la decadencia de las clases altas, en cuyo seno también se ambienta esta especie de parábola (no en vano se cita la del sacrificio de Isaac a manos de su padre Abraham).

Realizada con cierto toque de elegancia, cuenta con la ayuda de unas buenas interpretaciones, en especial del siempre eficiente Pedro Casablanc y la joven Ester Expósito como talentosa y prometedora virtuosa del violonchelo, liberada ya de la etiqueta Élite, tras protagonizar Venus y El llanto, aunque aquí le acompañe otra de las protagonistas de aquella serie, Mirela Balic, en modo Cameron Diaz. Lástima que el suculento material de arranque vaya desdibujándose conforme avanza el film, con personajes tan estereotipados como los niñatos de la fiesta que sirve de escenario a casi toda la función, y otros directamente indefinidos y a la postre desaprovechados, como el de la omnipresente camarera de piso.

Sin embargo, la cinta cobra fuerza hacia el final, aunque con cierto sabor a guion forzado que lastra su discreto poder de atracción. Entre las torpezas del libreto destaca la visita del personaje de Casablanc a la piscina, totalmente inoportuna y fuera de lugar. En el camino se queda, por lo tanto, su presunto análisis de la degeneración y desgaste de esa clase que nada con toda su fuerza para hacerse valer y volver a disfrutar de los privilegios de antaño. Supone, a pesar de todo, un salto cualitativo del director frente a su anterior trabajo de ficción, ese Plan que se nos antojaba flojito y de poquito interés.

DEL CIELO AL INFIERNO El ritmo de Nueva York

Título original: Highest 2 Lowest
USA 2025 133 min.
Dirección Spike Lee Guion Alan Fox, según la novela “King’s Ransom: An 87th Precinct Mystery” de Evan Hunter Fotografía Matthew Libatique Música Howard Drossin Intérpretes Denzel Washington, Jeffrey Wright, Ilfenesh Hadera, A$AP Rocky, Dean Winters, Michael Potts, Aubrey Joseph, Elijah Wright, Rick Fox, Allison Worrell Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2025; en Estados Unidos 15 agosto 2025; en Apple TV+ 5 septiembre 2025

Sería injusto reducir la nueva película de Spike Lee a un remake desventajado del clásico de Akira Kurosawa El infierno del odio. En realidad se trata de una nueva adaptación de una novela de Evan Hunter titulada King’s Ransom: An 87th Precinct Mystery, que fue llevada a la televisión en 1962, tres años después de su publicación, en 1963 sirvió al genio japonés para hacer un policiaco ligeramente inspirado en el original, y aún conocería en 2023 una nueva adaptación, esta vez como serie de televisión dirigida por Steven Soderbergh. Hunter ha conocido más de una veintena de adaptaciones de sus novelas, desde Semilla de maldad de Richard Brooks a Laberinto mortal de Claude Chabrol, pasando por Los jóvenes salvajes de John Frankenheimer, Un extraño en mi vida de Richard Quine o La mujer sin rostro de Delbert Mann, sin olvidar que adaptó Los pájaros de Daphne Du Maurier para Hitchcock.

Podríamos intuir que esta nueva versión, presentada fuera de concurso en Cannes y estrenada en una plataforma digital, con producción entre otros de A24, con lo que poco a poco va ampliando su esfera de actuación desde el terror original, sirve al director de Infiltrado en el KKKlan para llevar a cabo también su particular y libre adaptación, centrándose en dos homenajes muy específicos, a la ciudad de Nueva York, su luz, sus calles, su diversidad racial y cultural y su vibrante vida. Por otro lado, sirve también como rendido homenaje a la música soul, al jazz, el funky, el rap y todas las corrientes que han hecho grande a la música negra, de James Brown a Stevie Wonder, pasando por Aretha Franklin, aunque no todos los citados suenen en su portentosa banda sonora, aderezada con la majestuosa música original de Howard Drossin, las rítmicas improvisaciones de Fergus McCreadie, el rap de A$AP Rocky y el son latino de Eddie Palmieri, estrella invitada en el film poco antes de dejarnos el pasado mes de agosto.

La ciudad, el ritmo y la luz sirven como telón de fondo para una trepidante historia de secuestros y persecuciones, algunas antológicas, más cerca del cine de los setenta, lo que garantiza un mayor realismo frente a las increíbles acrobacias generadas que se generan por ordenador. Y en la base también una reflexión sobre el poder y el dinero, pero sobre todo sobre la dignidad, la generosidad y la responsabilidad, quizás no tan profunda como se quisiera, pero de cualquier forma suficientemente clara y efectiva. Al fin y al cabo se trata de un entretenimiento épico, vibrante y espectacular, y nada de eso se le puede negar, como tampoco que Denzel Washington hace una de sus interpretaciones antológicas y el resto del elenco le acompaña con gracia y acierto.

ROMERÍA Un mar de silencios

España-Alemania 2025 115 min.
Guion y dirección Carla Simón Fotografía Hélène Louvart Música Ernest Pipó Intérpretes Llúcia García, Mitch, Tristán Ulloa, Celine Tyll, Myriam Gallego, Janet Novás, José Ángel Egido, Sara Casanovas, Marina Troncoso, Alberto García Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2025; en salas 5 septiembre 2025

Hay muchos y muchas realizadoras que cuando abordan su primer largometraje, fijan su atención en episodios íntimos y autobiográficos. El caso de Carla Simón va más allá, porque lleva tres películas analizando sus propias experiencias, y no le ha ido nada mal. Su infancia a través de aquel Verano 1993 que le valió un alto reconocimiento en los Goyas de 2017; en Alcarrás nos llevó al campo de su familia materna, y la gesta le valió el Oso de Oro en Berlín; y ahora, con Romería, ilustra su peregrinaje desde Cataluña a Galicia para conocer y reivindicar a su familia paterna, desvelando en el camino secretos del pasado y fantasmas de la incomprensión, lo que le ha permitido entrar en la sección oficial de Cannes.

Romería ofrece una galería de personajes como pocas veces hemos disfrutado en nuestro cine, recordando en cierta medida a aquella impecable En la ciudad sin límites de principios de siglo. Pero Simón opta por esa estética premeditadamente descuidada que identifica al cine de carácter independiente, frente al depurado academicismo que mostraba Antonio Hernández. Quizás de haber aprovechado los generosos recursos que una corta pero tan estimulante filmografía a buen seguro le habrá reportado, nos encontraríamos frente a una cinta más lograda, un mejor trabajo de sonido que no lastrase algunos de sus diálogos, y un acabado más aseado en cuestiones tan fundamentales como la banda sonora o la propia imagen, a pesar de esos elocuentes injertos de grabación doméstica.

Con todo, la excelente interpretación de todos los personajes de la cinta, especialmente la joven debutante Llúcia García, cuyo desdoblamiento constituye la única y muy lograda apuesta técnica de la función, la réplica que le da esa suerte de Pancho que es Mitch, y el magnífico trabajo de Simón tanto al guion, convenientemente estructurado a dos tiempos, como a la realización, precisa y con los objetivos muy controlados, logran un trabajo que nos va progresivamente enganchando. Queda ahí, estupendamente plasmada, la hipocresía de una clase alta proclive al silencio y a tapar supuestas vergüenzas, cuando la mayor desvergüenza consiste en negar lazos familiares y comprar con dinero lo que el pudor y el sentimiento no es capaz de enmendar.

Pero Romería no es sólo un ajuste de cuentas con aquellos episodios oscuros de nuestro pasado, con esa transición también ennegrecida por la época, sus vicios y virtudes, sino que exhibe una hermosa historia de amor a dos bandas, en un pasado próximo y otro remoto, que genera una secuencia casi onírica en la que la imaginación se desborda para ofrecer una película dentro de la película tan atractiva como estimulante. Y dentro de ella una sorpresa en forma de número musical que escenifica lo que durante aquella década de los ochenta fue una tragedia a todos los niveles, y que a la postre sirve como mcguffin en una película a la que de verdad lo que interesa es la familia, el descubrimiento y la fuerza de una joven de dieciocho años con ideas mucho más claras, una personalidad más definida y una conciencia de género mucho más asentada de la que pudiera presumir su progenitora en aquella década presuntamente prodigiosa. Y todo ello frente a los prodigiosos paisajes de la Ría de Vigo.

EXPEDIENTE WARREN: EL ÚLTIMO RITO Pero no el último grito

Título original: The Conjuring: Last Rites
USA-Canadá 2025 135 min.
Dirección Michael Chaves Guion Ian Goldberg, Richard Naing y David Johnson Fotografía Eli Born Música Benjamin Wallfisch Intérpretes Patrick Wilson, Vera Farmiga, Mia Tomlinson, Ben Hardy, Steve Coulter, Elliot Cowan, Rebecca Calder, Kila Lord Cassidy, Beau Gadsdon, Madison Lawlor, Orion Smith Estreno en Estados Unidos y España 5 septiembre 2025

Este último rito ha sido vendido como el final de la saga, aunque sus spin-off y secuelas, Annabelle, La monja, La llorona, aseguran la continuación de las andanzas del matrimonio formado por Lorraine y Ed Warren, sin obviar que el más de un millar de casos que dicen sus protagonistas haber resuelto permitirá en un futuro quizás nada lejano retomar la saga. Lo cierto es que esta cuarta entrega de El conjuro, aquí traducido como Expediente Warren, mantiene las constantes de sus predecesoras, apenas superadas por la anterior entrega, Obligado por el demonio. Su director, consagrado exclusivamente a estos títulos desde que debutara con La llorona, apenas logra mantener el ritmo o la tensión. Algo debe fallar definitivamente si la escena que más nos atrapa es de carácter sentimental, cuando el novio de la hija de los Warren les solicita consentimiento para pedirle matrimonio. Por lo demás, demasiada religión nos provoca también tedio.

Quizás resulte demasiado ingenuo pretender seguir provocando miedo con demonios y espíritus malignos, cuando el verdadero terror acecha ahí fuera de la mano de mandatarios elegidos democráticamente, exhibiendo un total y absoluto desprecio por la vida ajena, en nombre de una ambición desmedida que choca frontalmente con lo efímero de nuestra existencia, aunque algunos ya propugnen la vida eterna o, al menos, ciento cincuenta años de media. ¡Eso sí que da miedo! Lo demás, risa. Pero esta franquicia se lo toma tan en serio que insiste en emular aquel cine de terror elegante que represntaran cintas como La profecía, El exorcista o Historia macabra. Eran otros tiempos, y la humanidad, un poco más inocente. Este presunto último capítulo se alarga en exceso, a pesar de no tener mucho que contar. Y lo hace a fuerza de episodios supuestamente creativos, algo inconexos y nada consecuentes con la posible realidad de los hechos narrados, que si lo fueron, seguro que se manifestaron de forma más dudosa y humilde.

Un episodio de juventud de la pareja, justo cuando iba a nacer una hija de la que no recordamos tener constancia en los capítulos anteriores, se conecta por arte de magia con el horror que sufre una familia de clase humilde en el hogar que no se pueden permitir abandonar, aunque sus salvadores sí se permitan destruir. En aquel episodio extraña ver que se haya prescindido del rejuvenecimiento artificial, y se haya optado por otros intérpretes de parecido más o menos razonable. En definitiva, persiste la buena dirección artística, una atmósfera identitaria y el empeño de sus protagonistas, pero para contar poca cosa, hacerlo en un excesivo metraje, y aburrir sin sorprender. Relevando a Joseph Bishara, el más interesante Benjamin Wallfisch aporta un hermoso tema musical al personaje de Judy, la hija de los Warren.

IRENE DELGADO DERROCHA SENSIBILIDAD CON MAHLER

Mahler y la belleza. Concierto Feeling ROSS de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Alicia Naranjo, mezzosoprano; Irene Delgado Jiménez, dirección. Programa: Blumine, Lieder eines fahrenden Gesellen; Urlicht, de la Sinfonía nº 2; Adagietto y Rondo-Finale, de la Sinfonía nº 5, de Mahler. Teatro de la Maestranza, jueves 4 de septiembre de 2025

Desde su entrada en la plantilla de la ROSS como gerente, Jordi Tort ha desplegado un gran esfuerzo en acercar la orquesta a la ciudadanía, proponiendo programas al margen de la temporada de abono que diversifiquen la oferta y la hagan más popular, algo así en la línea de lo que hacen muchas orquestas estadounidenses, que tienen su vertiente pop aunque en realidad se trate de la misma plantilla.

Este empeño ha fructificado este año en un ciclo de conciertos denominado Feeling ROSS, en el que tendrán cabida el que el guitarrista Pablo Sainz-Villegas ofrecerá en el Alcázar, y que ya adelantó a principios del verano en Valencina, el habitual concierto en colaboración con Juventudes Musicales, dos de contenido cinematográfico ligados al Festival de Cine, otro acompañando las imágenes de Parque Jurásico al son de la música de John Williams, los tradicionales conciertos de Navidad, Año Nuevo y Cuaresma, el participativo y un homenaje a Camilo Sesto protagonizado por Daniel Diges.

El de ayer, un arranque prematuro de temporada, fue el primero de estos conciertos. Considerando que Mahler tendrá cierto protagonismo en la misma, interpretándose tres de sus grandes sinfonías, la directora algecireña Irene Delgado Jiménez se encargó de presentar un monográfico dedicado al autor austríaco. Una elección sin duda acertada, considerando el respeto que ha cosechado la joven directora tanto en Alemania como en Austria, donde trabaja habitualmente, adaptándose con éxito a la sensibilidad reinante en aquellos países, cuyo exclusivismo demuestra el talento derrochado por la directora andaluza.

Además, desplegó un encanto natural y distendido a la hora de explicar las piezas con el fin de que la audiencia comprendiera mejor su significado y disfrutara más con la propuesta. Una oferta que incluyó dos piezas originales y otras tres que sirvieron como adelanto a la programación del ciclo Sinfónico. Blumine es un descarte de la Sinfonía nº 1, redescubierto en 1966 por el biógrafo de Mahler, Donald Mitchell, y cuya hermosa contención poética encontró eco en la dirección mimosa y recogida de Delgado. A destacar la intervención de José Forte a la trompeta.

Una voz con personalidad

Haber ganado el premio ROSS en la última edición del Certamen Nuevas Voces de Sevilla, organizado por la Asociación de Amigos y Amigas de la Ópera, permitió a la mezzo malagueña Alicia Naranjo intervenir en este concierto de apertura interpretando el ciclo Canciones de un compañero de viaje, haciendo gala de una voz bien colocada, generosa proyección y considerable potencia, además de un agradable timbre y un estilo personal bastante acentuado.

Bien conocida de la afición hispalense, gracias al Coro del Maestranza y la Compañía Sevillana de Zarzuela a los que pertenece, Naranjo demostró una gran versatilidad al abandonar el estilo eminentemente lírico al que está acostumbrada para enfrentarse al más específico liederista, acentuando expresividad y carácter poético en cada una de estas canciones al desamor que Delgado acompañó con sentido de la mesura y una habilidad para clarificar texturas y planos sonoros que se repitió en las tres piezas que conformaron la segunda parte del programa.

Del repertorio sinfónico de Mahler, Delgado escogió algunas de sus páginas más hermosas y estremecedoras, como ese Urlicht o Luz original que, asilado del movimiento precedente de la Sinfonía nº 2, pierde parte de su fuerza y capacidad de contraste. No obstante, Naranjo lo acometió con mucha sensibilidad, especialmente en el arranque en pianissimo, exhibiendo las constantes ya apuntadas.

Toda la sección final de la popular Sinfonía nº 5, el imprescindible Adagietto y el Rondo, protagonizaron la última etapa del concierto, con la directora logrando una interpretación estremecedora pero nada amanerada del famoso movimiento lento, mientras en el último desplegó fuerza y majestuosidad a raudales, llegando a causar un fuerte impacto en el público. Merece destacarse la atinada intervención de la concertino invitada, Heidi Hatch, actual concertino de la Orquesta de Extremadura.

Fotos: Marina Casanova
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

EL REGRESO DE ULISES Metódica y reflexiva tragedia griega

Título original: The Return
Reino Unido-Italia-Grecia-Francia 2024 116 min.
Dirección Uberto Pasolini Guion Edward Bond, John Collee y Uberto Pasolini, según “La Odisea” de Homero Fotografía Marius Panduru Música Rachel Portman Intérpretes Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Charlie Plummer, Chico Kenzari, Claudio Santamaria, Ángela Molina, Kayne Lee Harrison, Tom Rhys Harries, Amir Wilson, Jamie Andrew Cutler, Moe Bar-El, Aaron Cobham, Jaz Hutchins Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2024; en Estados Unidos 6 diciembre 2024; en Italia 30 enero 2025; en Reino Unido 11 abril 2025; en Francia 18 junio 2025; en España 22 agosto 2025

Conde y sobrino de Luchino Visconti, Uberto Pasolini se labró una carrera de éxito como director asistente de películas como La misión y productor de otras como Full Monty. En 2008 dio el salto a la dirección con un considerable reconocimiento de crítica gracias a la cinta Machan, repitiendo gesta con Naturaleza muerta. Pero fue en 2020 con la entrañable Nowhere Special, aquí traducida como Cerca de ti, con la que recibió el reconocimiento definitivo de crítica y público. Ahora nos presenta su cuarta película como director, estrenada de forma escalonada en festivales y países de todo el Mundo, hasta llegar este verano a nuestra cartelera. Se trata de una nueva adaptación de la historia de Ulises, tal como nos la relató Homero en La Ilíada y La Odisea. En concreto, Pasolini extrae su particular revisión del tramo final del segundo de los libros. Homero ha sido llevado al cine en diversas ocasiones, generalmente de forma fragmentaria, en películas como La Ilíada, Troya, Ulises o Helena de Troya, hasta llegar a La Odisea de Andrei Konchalovsky en televisión (1997) y la anunciada versión mastodóntica de Christopher Nolan para el año que viene.

En El regreso de Ulises, o lo que es lo mismo, de Odiseo, el director italiano plantea una revisión austera y de carácter eminentemente teatral, casi como una tragedia griega, rodada en la isla de Corfú, premeditadamente morosa y muy centrada en la interpretación de su multinacional y multirracial elenco artístico, empezando por unos espléndidos Ralph Fiennes y Juliette Binoche, reunidos de nuevo casi cuarenta años después de coincidir en El paciente inglés. Fiennes transformado gracias a un enorme esfuerzo físico en Ulises, lo que le ha permitido lucir físico también en 28 años después, y Binoche exhibiendo su belleza madura y serena como Penélope, mientras Charlie Plummer, reciente protagonista de National Anthem, da vida al hijo de ambos, Telémaco, y Ángela Molina da rienda suelta a un más que aceptable acento inglés como Euriclea, nodriza del rey de Ítaca.

Pasolini pone inteligentemente el acento en la diferente forma de gobernar de hombres y mujeres, la violencia extrema frente a la mesura y la diplomacia, logrando un film estimable que, aunque exige concentración y paciencia por parte del público, provoca tanto estímulo como admiración por estos clásicos a los que el paso de tantos siglos no ha restado actualidad. Y si no basta observar cómo andamos en pleno siglo XXI, todavía gobernados mayoritariamente por hombres ávidos de poder y sedientos de sangre. En el ámbito musical, la ex esposa de Pasolini, Rachel Portman, primera mujer compositora en ganar un Oscar, en ese mismo 1996 de El paciente inglés, por Emma, pone su talento siempre delicado y minucioso al servicio de esta historia trágica y reflexiva.

EL CLUB DEL CRIMEN DE LOS JUEVES Miss Marple en el Hotel Marigold

Título original: The Thursday Murder Club
USA 2025 118 min.
Dirección Chris Columbus Guion Katy Brand y Suzanne Heathcote, según el libro de Richard Osman Fotografía Don Burgess Música Thomas Newman Intérpretes Helen Mirren, Pierce Brosnan, Ben Kingsley, Celia Imrie, Naomi Ackie, Daniel Mays, Henry Lloyd-Hughes, Tom Ellis, Jonathan Pryce, Paul Freeman, Richard E. Grant, David Tennant, Geoff Bell, Ingrid Oliver Estreno en Netflix 28 agosto 2025

Producción estadounidense al más puro estilo británico, basada en una novela de éxito, a su vez primera entrega de una serie de cuatro libros escritos por el comediante y presentador televisivo británico Richard Osman, cuya esposa, Ingrid Oliver, interpreta a la hija del personaje encarnado por la veterana Celia Imrie. Un trabajo que podría convertirse así mismo en una saga cinematográfica si se siguen adaptando los títulos posteriores y su autor se aventura a escribir más. Se trata de las pesquisas detectivescas de un grupo de personas de avanzada edad y estatus económico elevado, tanto como para permitirles habitar en un típico castillo gótico en la campiña inglesa, habilitado como residencia para la tercera edad. Comandados por una ex jefa del M16, Helen Mirren, suerte de Miss Marple adaptada a los nuevos tiempos, que incluso se atreve a emular en clave humorística a La reina (Isabel), y con un desubicado Pierce Brosnan entre los aficionados detectives, se dedican a disfrutar de su tiempo libre intentado resolver casos de crímenes sobreseídos, hasta que una sucesión de asesinatos en la propia residencia se convierte en reto personal y pasatiempo atrevido.

Al timón de esta combinación de Agatha Christie y el Hotel Marigold figura un Chris Columbus alejado de sus éxitos como guionista (Gremlins, Los Goonies, El secreto de la pirámide) y realizador (Solo en casa, Mrs. Doubtfire y las dos primeras entregas de Harry Potter), pero algo mejorado respecto a sus últimos batacazos, Rent, Percy Jackson y el ladrón del rayo y Pixels. No acaba, sin embargo, de inquietar, ni apenas interesar, una trama en exceso artificiosa, con una investigación y una resolución cogida con alfileres y harto convencional, dentro de un ambiente que pretende ser entrañable cuando apenas logra ser edulcorado y ligeramente amable.

Columbus parece dirigir con piloto automático, mientras el elenco se erige en principal reclamo y atractivo, destacando el protagonismo de Mirren, mientras la presencia de Kingsley se antoja prescindible, y otros como Jonathan Pryce, Paul Freeman o Richard E. Grant adornan el conjunto con sus estimables aportaciones. Tambi´ñen funciona la siempre estimulante música de Thomas Newman. Entre los intérpretes más jóvenes destacan Naomi Ackie, a quien hemos visto en Parpadea dos veces, y Tom Ellis, afortunado protagonista de la serie Lucifer. Netflix produce con su particular sello aseado para consumo fácil y nada comprometido de audiencias poco exigentes.