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| Andoni Mercero y Alexis Aguado |
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| La tradicional foto de familia |
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| Gervasio Iglesias y Alberto Rodríguez, en cuclillas segundo y tercero empezando por la izquierda, en los Premios Asecan |
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| Las siete diferencias: También en cuclillas e igual posición, luciendo estilismo en los Feroz esa misma noche |
Disney ha lanzado a Broadway algunos de sus productos estrella, pero nunca antes había hecho lo contrario, importar a su medio natural, el cine, una producción musical del mítico distrito teatral neoyorquino. No extraña que el paso lo hayan dado precisamente con una obra en la que se dan cita algunos de los iconos infantiles más explotados por la productora americana, como son Cenicienta, Caperucita, Rapunzel y Jack y sus alubias mágicas. Stephen Sondheim, autor también de Golfus de Roma, Pequeña música nocturna, Sweeney Todd y la letra de West Side Story, todas ellas llevadas al cine, estrenó Into the Woods en 1987 con un ingenioso libreto de James Lapine, autor también del guión de esta película, que convierte los bosques encantados de los cuentos de los hermanos Grimm en un escenario de enredos amorosos al más puro estilo de Shakespeare y su Sueño de una noche de verano. Rob Marshall, al que tras haberse encargado de los rodajes de Chicago, Nine y un Annie para la televisión podríamos considerar el único director actual especializado en cine musical, como antes lo eran un George Sidney, un Vincente Minnelli o un Stanley Donen, dirige con convicción y algo más que corrección esta comedia de fantasía en la que brilla la música, más cerca de la opereta y condicionada a la música instrumental orquestada por Jonathan Tunick, como siempre en Sondheim, y a un reparto coral multiestelar. Todos y todas cantan, aunque con ayuda de la mesa de mezclas, y prestan sus privilegiados físicos para hacer de éste un entretenimiento de primer orden. Poco podemos saber si se acomoda mucho o poco al original escénico, salvo nuestros críticos catalanes, que habrán tenido oportunidad de ver este musical programado en Barcelona, donde Sondheim es prácticamente un ídolo. Nosotros nos conformamos con disfrutarla en una gran pantalla y con un sonido envolvente beneficiado, como siempre en el cine, de unas orquestaciones suntuosas y una interpretación eminentemente sinfónica. Meryl Streep sobreactúa pero nos encanta, Anna Kendrick se adapta como un zapato a su papel de intrépida Cenicienta, Chris Pine aporta masculinidad ciertamente machista y Emily Blunt está espléndida y muy divertida en su papel de panadera, así como Lilla Crawford como glotona Caperucita; lástima que el personaje de Blunt sea castigado por un desliz moral, tan propio de la ética americana y muy especial la disneyiana. Hay magia y una muy esmerada puesta en escena, tanto en vestuario como en decorados, iluminación y dirección de fotografía, todo lo cual contribuye a un espectáculo tan amable como indiscutiblemente disfrutable.
Claudia Llosa se procuró una carrera de éxito con Madeinusa y especialmente La teta asustada, Oso de Oro en Berlín y nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa de 2009. Su primera incursión internacional la hace de la mano de productores españoles y nuestra televisión nacional; el resultado es un melodrama flojo y fallido sobre el dolor y el sufrimiento de una madre y su hijo rebelde e inconformista; algo así como lo que propone Babadook, también en cartel, pero sin parapetarse en un género tan sólido como el terror sino adscribiéndose al melodrama puro y duro. La vena latinoamericana, con ese realismo mágico agotador que tanto fascina al cine de ese continente, se refleja aquí en el mundo de los curanderos y sanadores, siendo la visita a uno de ellos, interpretado por William Shimell, al que recordamos por dar la réplica a una estupenda Juliette Binoche en Copia certificada de Abbas Kiarostami, el detonante de la tragedia que se cierne sobre una mujer y sus dos hijos menores. El distanciamiento entre la mujer, a su vez reconvertida en sanadora, y uno de sus hijos a lo largo de más de veinte años, provocará la intercesión de una periodista, Mélanie Laurent (El concierto, Enemy), con consecuencias previsibles y francamente nada interesantes. Arranca bien pero va poco a poco difuminándose y perdiendo fuelle hasta desembocar en un final lamentable en el que para colmo Jennifer Connelly aparece innecesariamente bajo capas de maquillaje y polvos de talco para justificar una edad que no necesita tener y que malogra aún más este pretencioso y desesperante tostón. Como curiosidad, la hija de Geraldine Chaplin interpreta a la esposa de Cillian Murphy. Biznaga de Plata a la mejor fotografía en el Festival de Málaga, y proyectándose en la edición de este año de Sundance.
1971 fue un año especialmente crudo para el conflicto entre católicos y protestantes en el Norte de Irlanda. Los enfrentamientos entre el IRA, sus dirigentes entre sí, y la policía británica se recrudecieron especialmente al inicio de aquella década, con episodios tan dramáticos como el asesinato de tres jóvenes soldados escoceses, dos de los cuales eran hermanos. La película con la que debuta en el cine Yann Demange, curtido como tantos otros compañeros de generación en la televisión, se centra en una de tantas revueltas callejeras acaecidas en ese dramático año. A mantener el orden en las calles de Belfast acude un batallón británico. Al desafío ciudadano, magníficamente recreado, con tal virulencia que casi parece nos sumerjamos en él, le sucede un cruento atentado a sangre fría y la posterior caza del compañero del asesinado, un Jack O'Connell que al paso que va podemos decir que nació para sufrir, pues todavía podemos verlo pasando lo suyo en un campo de concentración japonés en Invencible. Demange demustra dominar el ritmo y la tensión con esta vorágine de persecuciones sin aliento, con episodios encadenados que apenas dan tregua al espectador. Lástima que en el plano dramático los roles queden definidos siguiendo patrones arquetípicos, especialmente a la hora de señalar culpables y malignos, o subrayar fanatismos y fobias con símbolos tan evidentes como por ejemplo una estatua de virgen iluminada con velas en la calle, o los continuos tropiezos con carritos de inocentes bebés de futuro incierto. Por otro lado la sucesión de situaciones de peligro se resuelven más a golpe de guión que de auténtico ingenio, aunque el conjunto consigue lo que se propone, un ejercicio de descarga adrenalítica que le ha valido a su realizador una nominación al Bafta a la mejor película británica del año, así como premio a la mejor película en el Festival de Atenas.
A caballo entre el cine americano y el de su país, Brasil, Bruno Barreto ha dirigido una veintena de películas, de las que apenas destacan su debut con Doña Flor y sus dos maridos y una serie de títulos protagonizados por Amy Irving, como Bajo otra bandera y Bossa Nova. En esta su última película nos cuenta la relación que mantuvieron en los cincuenta la poetisa norteamericana Elizabeth Bishop, ganadora del Pulitzer, y la arquitecta brasileña Lota Macedo Soares, diseñadora del Flamengo Park en Río de Janeiro. Para ello pone su atención en la crónica novelada de Carmen Oliveira, que aprovecha una vez más el tirón de las señoras burguesas anglosajonas, en la línea de Pasaje a la India y Memorias de África, que liberan su educación puritana en un espacio exótico y desinhibido, bajo un paisaje espectacular, en esta ocasión de colorido y exuberancia generosas, y una música romántica y aterciopelada. Falta sensualidad y una mirada poética más en consonancia con el universo literario de la protagonista, interpretada con convicción y riqueza de matices por Miranda Otto (El señor de los anillos, La guerra de los mundos), a quien le da réplica una eficaz Glória Pires, actriz popular en su país. El resultado es una película que se ve con agrado, que no molesta pero tampoco apasiona, y que se beneficia de una cuidada ambientación y puesta en escena, así como de la presencia siempre estimulante del veterano Treat Williams. En cuanto al título, el original en portugués, coincidente en castellano, Flores raras, ha sido sustituido aquí por el más convencional y romántico Luna en Brasil, quizás en referencia al título inglés, Reaching the Moon (Alcanzando la luna), parafraseando un clásico de Irving Berlin que en la cinta suena en versión de la espléndida Ella Fitzgerald.
La actriz reciclada en directora Jennifer Kent nos invita con esta película a sumergirnos en la mente de una mujer trastornada por un trauma pasado que no consigue superar, y lo hace a través de los tradicionales miedos de un niño materializados en monstruos de cuento. Suelen ser muy recurrentes los personajes trastornados para generar terror, desde Psicosis a El resplandor pasando por innumerables títulos que han escrito la historia de un subgénero dentro del terror; pero pocas veces el tema ha sido tan bien utilizado y servido para con pulso firme y decidido hablar de temas muy serios y coyunturales como los que presenta esta lúcida película. Hijo pequeño hiperactivo e inadaptado socialmente, a cuya madre le cuesta sobremanera conciliar vida familiar y laboral y cuyos traumas pasados impiden ofrecer a la criatura una educación y existencia más equilibrada y placentera. Sin aspavientos ni histerismos, Kent nos lleva de la mano por el particular infierno de esta madre y este hijo de relación sobreprotectora y muy dependiente, incomprendidos para el resto, muy especialmente una hermana/tía para quien la pequeña y desdichada familia supone un estorbo evidente. Inadaptados y traumatizados que se convierten en caldo de cultivo ideal para un terror tan primitivo como el de un amenazante hombre del saco, sombrío y nervioso que surge de una situación tan irrespirable como trágica. El verdadero miedo consiste en ser conscientes de que toda persona puede caer en un estado de tal inestabilidad que pueda hacer tambalear los cimientos de nuestra existencia y acabar por ejemplo como hacen muchas de las personas indigentes que vemos en la calle. La realizadora utiliza con ingenio y convicción estos elementos, y apoyándose en recursos discretos pero muy efectivos consigue una película inquietante, sustentada en un suspense permanente y cierta imprevisibilidad sobre la deriva de los acontecimientos. Entre muchos otros premios, el excelente trabajo de la protagonista Essie Davis fue recompensado con el premio a la mejor actriz en Sitges, donde la cinta también se alzó con el Premio Especial del Jurado; por su parte, el Círculo de Críticos de Nueva York la ha considerado mejor ópera prima del pasado año.
Que Julianne Moore es una magnífica actriz no lo discute nadie, y que hace ya tiempo que debería haber recibido un gran reconocimiento en forma de Oscar o algo parecido, tampoco. Pero no es precisamente éste el vehículo idóneo para conseguirlo. La película es endeble y maniquea, y su interpretación meramente convencional para el tipo de papel que representa. El suyo es además un trabajo dependiente de muchas muecas, sonrisitas, caras de despiste, asombro y preocupación... todo un manual de cómo se espera se interprete a una enferma de alzheimer. Si encima añadimos malos pelos y nada de maquillaje, tan alejado de la realidad, el efecto está servido. Pero es que además los realizadores apenas atisban talento para llevar a buen puerto un drama de estas características. Los recordamos por la comedia gay The Fluffer (El estimulador), la tragicomedia latina Quinceañera o la crónica sobre la decadencia de Errol Flynn en La última aventura de Robin Hood, de estreno reciente en nuestro país, ciertamente ninguna una obra maestra. Aquí tenemos de nuevo la familia acomodada, físicamente atractiva, intelectual (profesores de universidad, joven actriz comprometida con Chéjov), arropando a una mujer que cocina, lava platos, corre para mantener una buena figura, da conferencias a lo largo del país y presiona a su hija artista para que estudie una carrera como tabla de salvamento. Todo muy visto y muy tópico. Elementos dramáticos que no funcionan ni añaden nada a la trama, como el carácter prematuro y hereditario de la enfermedad o el intento de suicidio de la protagonista, se suceden en una película que no profundiza ni en los aspectos científicos ni emocionales de la enfermedad, y en la que ni siquiera brilla la actuación de una actriz ejemplar que por supuesto si no por ésta merece todos los reconocimientos posibles. |
| Aspecto que presentaba el Gran Teatro de Córdoba el pasado viernes 16 de enero |
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| Multitudinaria y colorista escena del primer acto |
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| Baile de los polchinelle |
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| Paso a dos del segundo acto |
