SIN OXÍGENO Salvar una vida

Título original: Last Breath
Reino Unido 2025 93 min.
Dirección Alex Parkinson Guion Alex Parkinson, Mitchell LaFortune y David Brooks Fotografía Nick Matthews Música Paul Leonard-Morgan Intérpretes Woody Harrelson, Simu Liu, Finn Cole, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring, Josef Altin, Bobby Rainsbury, Connor Reed Estreno en Reino Unido 28 febrero 2025; en España 29 agosto 2025

Para su debut en la dirección de ficciones, el documentalista Alex Parkinson ha retomado una historia que ya trató en su formato habitual hace unos años, la del buzo profesional Chris Lemons, que quedó atrapado a 90 metros de profundidad en las gélidas aguas del Mar del Norte cuando se disponía a realizar labores de mantenimiento en las tuberías que nos abastecen de la calidad de vida que disfrutamos. Una increíble historia real que sólo así consigue demostrarnos que los milagros existen, aunque sea como consecuencia de una serie de factores que ni siquiera los científicos más atribulados son capaces de descifrar.

Está claro que la historia debió impactar tanto a Parkinson que ha convertido aquel documental, también titulado Último aliento (aunque aquí esta versión la hayamos traducido por la más específica Sin oxígeno) en un depurado y sencillo trabajo de ficción que mantiene los mismos parámetros de aquella y sufre idénticos despropósitos, como el de alargar en exceso la trama sin aportar más contenido que el estrictamente necesario, lo que hace que la narración resulte morosa y la tensión quede tan repartida que no logre levantar el vuelo en exceso. Una considerable falta de definición de los personajes lastra también sus posibilidades, mientras la ambientación en tierras escocesas y su vocación eminentemente humanista, dan relieve al conjunto. De hecho, lo que más atrae y llama la atención es el retrato de unos seres humanos empeñados en salvar una vida, desde la cápsula de los buzos y desde el barco que la sostenía, dando buena muestra de hasta qué punto vale una vida y merece preservarla, frente a quienes promulgan la idea de hundir barcos que se dediquen a salvar vidas, y quienes consagran la suya a acabar con las de otras miles mediante guerras e invasiones tan cruentas como absolutamente deleznables.

Por otro lado, la sensación de soledad y pérdida del ser humano frente a una inmensidad tan oscura e imprevisible como son los océanos, como ese universo cuyos viajantes tanto reconocimiento reciben, esa sensación de claustrofobia ante lo inabarcable, es otro de los méritos innegables de esta aventura increíble. Como curiosidad, después de protagonizar un éxito de Marvel, Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, y tras papeles de relleno en películas como Barbie, Simu Liu por fin encuentra otro papel de enjundia. Otra curiosidad reside en que el autor de la banda sonora, Paul-Michael Leonard, también se encargara de la música del documental que le sirve de referencia.

DANGEROUS ANIMALS Una combinación inquietante y retorcida

Australia-USA-Canadá 2025 98 min.
Dirección Sean Byrne Guion Nick Lepard Fotografía Shelley Farthing-Dawe Música Michael Yezerski Intérpretes Hassie Harrison, Jai Courtney, Josh Heuston, Rob Carlton, Ella Newton, Liam Greinke, Michael Goldman Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Australia 12 junio 2025; en España 14 agosto 2025

En la escala de animales más mortíferos para el ser humano, los mosquitos ocupan el primer lugar, seguidos del hombre y su inexplicable vocación de autodestrucción. Los tiburones se sitúan en un escalón mucho más abajo, a pesar de lo cual han constituido desde siempre, mucho antes de que Spielberg asolara las playas de medio mundo con el clásico que justo estos días cumple cincuenta años, el mayor de los terrores acuáticos, alimentando pesadillas y dando lugar a una interminable lista de películas, la mayoría olvidables y otras directamente delirantes, en lo que se ha venido a llamar Sharksplotation. Paralelamente, son muchas también las películas que ilustran las andanzas de los asesinos en serie, desde El estrangulador de Boston que protagonizó Tony Curtis a El silencio de los corderos, pasando por El fotógrafo del pánico, con la que esta película guarda alguna que otra semejanza.

La hábil combinación de ambos géneros, masivamente abusados desde hace un buen puñado de años, convierte a esta película en un suculento manjar para quienes buscan nuevas experiencias, servidas de la manera más honesta posible, y haciendo de sus discretos recursos una virtud, pues logra un mayor realismo del que nos tienen acostumbrados este tipo de propuestas. Yendo aún más allá, el director Sean Byrne, con apenas tres películas en quince años, siempre de terror, introduce en el combinado otro ingrediente, una apasionada historia de amor en la que el más cruento sacrificio vale para demostrar la afinidad sentimental más sincera. Un espléndido trabajo de fotografía, sacando el máximo provecho a unas sensacionales localizaciones, de la espectacular City of Gold Coast de Queensland a la mítica Gran Barrera del Coral australiana, añade atractivo a una cinta en la que sus protagonistas de empeñan a fondo, desde un oportunamente desatado Jai Courtney (danza ritual incluida, al ritmo de los Creedance, en la línea del clásico de Jonathan Demme), único rostro conocido del elenco (Terminator Genesis) a una estupenda Hassie Harrison haciendo de la rabia y la voluntad su principal arma de supervivencia, y su enamorado Josh Heuston, añadiendo atractivo al conjunto con sus imponentes físicos.

Ideal para estas fechas veraniegas, así como para pasar ese mal rato masoquista que buscan quienes se acercan a verla, llegó a estrenarse en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, señal de que tiene estilo, el que le ha insuflado con considerables dosis de personalidad su director y el resto del elenco técnico y artístico que le acompaña, empezando por un guion inteligente y bien estructurado, a pesar de que no prescinde de los tópicos habituales, visión perfecta bajo el mar (y de noche), respiración aguantada hasta límites imposibles o luchas encarnizadas que apenas dejan secuelas. Nos viene a la cabeza aquella Calma total de los ochenta que hoy consideramos un clásico, así como el descubrimiento de Nicole Kidman, para aventurar que quizás con el paso de los años ésta también pueda convertirse en cinta de culto.

LA COLECCIONISTA Otra buena idea mal desarrollada

España 2025 96 min.
Dirección Manuel Sanabria Guion Manuel Sanabria y Óscar Gómez Chacón Fotografía Carlos Pérez Gascó Música Pablo García Lozano Intérpretes Maggie Civantos, Daniel Grao, Canco Rodríguez, Belén López, Paco Tous, Assumpta Serna, Roman Rymar, Sua Esperantza, Ibai Atanes, Lander Otaola, J.C. Gurrutxaga, Kandido Uranga Estreno 22 agosto 2025

Otro ejemplo de cine español de terror que parte de una idea interesante, aunque ésta sólo alcance a revelarse cuando apenas quedan unos minutos para concluir la función, pero carece de un desarrollo suficientemente coherente que provoque la inquietud que pretende. Poco o nada sabíamos de su, sin embargo, veterano realizador, que ha cultivado la comedia en el cine (Sinfín, La fiesta, Hotel Bitcom) y otros géneros, incluida la intriga, en la televisión, donde ha protagonizado una carrera más fecunda.

La eternamente desaprovechada Belén López pone carne y huesos a la coleccionista del título, una suerte de hechicera que regala objetos cargados de simbolismo, capaces de provocar situaciones tan surrealistas que parecen pesadillas. A partir de aquí, su montaje en paralelo, yendo de una historia a otra, la de una mujer traumatizada por la pérdida de un hijo y la de un hombre consumido por las drogas, así como la acumulación de golpes de efecto y sonido, malogran sus posibilidades. Poco o nada ayudan las pesadillas que propone, rodadas con tal sentido de la fantasía que apenas logran sintonizar con un público que asiste atónito y con progresiva falta de interés, las andanzas de sus desdichados personajes por un pueblo fantasmagórico en las entrañas del Duero.

Poco se salva así del conjunto, al margen de esa interesante premisa de carácter terapéutica, lastrado también por una banda sonora omnipresente a fuerza de ruidos y jadeos, y con soluciones sonoras que a menudo guardan poca relación con lo que vemos en pantalla, léase por ejemplo viento y frío, poco palpables. Destaca sin embargo el trabajo entregado y casi entusiasta de su elenco, destacando una traumatizada Maggie Civantos, un atormentado Canco Rodríguez y el reencuentro con Assumpta Serna, apenas vista últimamente en películas de contenido catecumenal.

AGÁRRALO COMO PUEDAS Ver para (no) creer

Título original: The Naked Gun
USA 2025 85 min.
Dirección Akiva Schaffer Guion Dan Gregor, Doug Mand y Akiva Schaffer, según los personajes creados por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker Fotografía Brandon Trost Música Lorne Balfe Intérpretes Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Busta Rhymes, Cody Rhodes, Eddie Yu, Michael Beasley Estreno en Estados Unidos 1 agosto 2025; en España 22 agosto 2025

No nos invitaba especialmente el tráiler de esto que llaman reboot a ver la película. Sin embargo, ante la avalancha de críticas positivas, enalteciendo el trabajo de recuperación que han llevado a cabo el actor y showman Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer del éxito de los noventa que crearon el trío Jim Abrahams y los hermanos Zucker cuando uno de ellos probaba incluso con el cine más serio y convencional en películas como Ghost, y destacando también la supuesta reinvención de Liam Neeson como actor de comedia, decidimos comprobar cuáles eran los méritos de esta película que tantos elogios han suscitado. Y una vez más, no damos crédito. Ni de lejos logra ser tan divertida como aquel trío de películas de referencia, que ni son clásicos ni tan estimulantes como hoy se quiere ver, y que a su vez perpetuaron el éxito de otras sagas como Aterriza como puedas, Hot Shots o la película suelta Top Secret.

La imposición puritana de lo políticamente correcto ha rebajado el tono grosero de aquellas cintas y la serie Police Squad, protagonizadas por Leslie Nielsen, lo que por un lado se agradece, si no fuera porque rebaja también su propia comicidad. Con un argumento tan simple como delirante, pretexto absoluto para la sucesión (no tan interminable) de gags, chistes y ocurrencias que, faltaría más, nos hacen reír a veces a carcajadas, Neeson no hace sino perpetuar su carisma como actor de intriga y acción, pero prestándose a situaciones y diálogos escritos a menudo a ¡seis manos! (a los tres guionistas acreditados hay que sumar Mark Hentemann, Alec Sulkin y el propio Seth MacFarlane) que lo convierten de la noche a la mañana en actor de comedia, mientras Pamela Anderson saborea su propia recuperación tras el reconocimiento obtenido con The Last Showgirl, perpetuando a su vez el icono de mujer fatal objeto del deseo.

Secuencias como la del romántico fin de semana en la nieve convertido en pesadilla terrorífica, o la junta de viejos e inocentes accionistas del malvado de turno, redimen en parte a la película de lo que a la postre no deja de ser otro artificio para hacer caja, evidenciando una vez más la sequía de ideas nuevas en la todavía considerada meca del cine. Fallecido Nielsen, cabe destacar el cameo de Priscilla Presley, sumando a las intervenciones esporádicas del rapero Busta Rhymes, el luchador Cody Rhodes o el veterano cómico Al Weird Yankovic, de quien Schaffer dirigió un biopic protagonizado por Daniel Radcliffe hace unos años. Quienes se queden a disfrutar de los títulos de crédito finales, encontrarán en ellos más de un chiste ocurrente.

MATERIALISTAS El precio del amor

Título original: Materialists
USA 2025 109 min.
Guion y dirección Celine Song Fotografía Shabier Kirchner Música Daniel Pemberton Intérpretes Dakota Johnson, Chris Evans, Padro Pascal, Zoe Winters, Marin Ireland, Louisa Jacobson, Dasha Nekrasova, Eddie Cahill, Sawyer Spielberg Estreno en Estados Unidos 13 junio 2025; en España 14 agosto 2025

Después de debutar participando en el guion de la serie de televisión La rueda del tiempo, la directora coreana-canadiense Celine Song saltó a la fama con su debut cinematográfico Vidas pasadas, en la que analizaba las relaciones a tres bandas entre dos jóvenes que fueron amantes en su juventud y que se enfrentaban en Nueva York a sus propias raíces asiáticas y al hecho de que ella hubiera rehecho su vida. Dos años después, Song insiste en el género romántico con otro proyecto muy personal para el que ha contado con el inestimable respaldo de A24, sin duda la productora de moda, aunque lo sea más en el género de terror que en ningún otro.

En Materialistas, una suerte de comedia romántica que se ciñe en la medida de lo posible al género aunque en el fondo no sea tan comedia y sí muy romántica, Dakota Johnson interpreta a una agente casamentera que se debate entre el lujo y la opulencia que le brinda uno de sus pretendientes, el amor puro e incondicional que le ofrece otro, o terminar sus días felizmente soltera e independiente de cualquier atadura sentimental. La originalidad de la propuesta reside en que, a través de su trabajo y las entrevistas que debe realizar para el mismo, conocemos los requisitos y exigencias que solicitan sus clientas y clientes para encontrar eso que denominamos sus medias naranjas. Algo así como un First Dates, aunque tratándose del núcleo de la cultura capitalista, ponen el acento en el poder adquisitivo de las candidaturas. Una agencia, que a diferencia de las aplicaciones digitales, sólo está al alcance de quienes pueden permitírselo, como las operaciones de alargamiento de extremidades. Eso nos lleva a un mundo de lujo y sofisticación, tan afín a este tipo de seudo-comedias, y la vez un regreso a aquel cine de distensión y enajenación que tanto hacía las delicias de un público al que su propia miseria llevaba a aceptar estos cuentos de hadas sin vacilación alguna.

En este contexto, Song nos ofrece una película inteligente y atractiva, en la que sus protagonistas pueden conversar dilatadamente, sin prisas, con fineza y elegancia, sin montajes frenéticos ni aspavientos innecesarios, algo muy de agradecer. Así, encontramos una Dakota Johnson absolutamente deliciosa, en el que quizás sea su mejor trabajo hasta la fecha, mientras Evans y Pascal le dan la réplica perfecta, y Zoe Winters equilibra la balanza con la necesaria dosis de tragedia que provoque la reflexión acerca de un mundo tan frío y a la postre violento como el que se ha asentado desgraciadamente en un país que siempre lo fue, pero ahora lo evidencia más. Sólo podemos reprochar al conjunto la abundancia de canciones, sin duda tan elegantes como el conjunto en sí mismo, pero que dejan clara la exigencia de una productora que, como tantas otras, busca el éxito popular incluso pasando por encima de su directora, a quien consideramos responsable de todos y cada uno de los detalles de un film que, no obstante, mantiene el tono fresco, inteligente, sofisticado y atractivo. Aspectos que se denotan incluso en el empeño de recurrir a referencias cultas dentro del populismo norteamericano, del Nueva York de Woody Allen a los encuadres ocres de Edward Hooper. Como curiosidad, reparamos en Sawyer Spielberg, hijo de Steven, que aparece brevemente interpretando al hermano de Pedro Pascal.

WEAPONS Un cuento trasnochado

USA 2025 128 min.
Guion y dirección Zach Cregger Fotografía Larkin Seiple Música Ryan Holladay, Hays Holladay y Zach Cregger Intérpretes Julia Garner, Josh Brolin, Alden Ehrenreich, Justin Abrams, Cary Christopher, Benedict Wong, Amy Madigan, June Diane Raphael, Whitmer Thomas, Callie Shuttera, Justin Long, Clayton Farris y la voz (en versión original) de Scarlett Sher Estreno en España y Estados Unidos 8 agosto

Tras un par de comedias dirigidas y protagonizadas junto a su colega Trevor Moore, y un sinfín de trabajos de producción y otras labores cinematográficas, Zach Cregger tuvo un alto reconocimiento con su primer largometraje en solitario y primera incursión en el género de terror, Barbarian. Muchos han querido ver ahora en Weapons (armas) la confirmación de un talento y una voluntad de regeneración del género que nosotros francamente no acertamos a percibir. Todo parece apuntar a una puesta al día del cuento clásico, con todo su alto componente perverso y traumático que la mayoría de historias de antaño solían contener. De nuevo son los niños las víctimas propiciatorias del argumento, y aunque durante gran parte del metraje parece que se trate de un ajuste de cuentas con aquellos que observan un mal comportamiento, en su disparatado tercio final, no exento de secuencias de gran impacto, esta diatriba se derrumba en favor de un gran guiñol que no favorece al conjunto.

Mientras tanto, Cregger juega con cierto ingenio y habilidad a las historias cruzadas, contando, primero a través de la voz en off de una niña narradora cuya identidad y protagonismo en la historia nunca se aclara, y después a través de diversos episodios cada uno protagonizado por uno de los personajes de una historia, aportando su particular punto de vista sobre el total, una truculenta historia de niños desaparecidos con reminiscencias del flautista de Hamelín. Un misterio que acapara nuestra atención, mientras somos testigos de los giros narrativos que se experimentan con cada nueva aportación, hasta que un banal y esperpéntico desenlace aporta respuestas poco o nada satisfactorias a una trama que prometía una más satisfactoria resolución. Por el camino surgen personajes de cuento clásico que merecen de una vez por todas desaparecer del imaginario colectivo, pero cuya recuperación quizás atienda a estos tiempos reaccionarios en los que todo lo pasado, por pésimo que fuera, resurge con tanta naturalidad como propia y peligrosa voluntad.

El atractivo reparto, encabezado por Julia Garner, actualmente en cartel como Silver Surfer en Los 4 fantásticos, y el veterano Josh Brolin enfundándose el papel de ¡padre de un niño de once años!, ayuda a una mejor digestión del producto. También destacan Alden Ehrenreich, a quien pocos recordarán como Han Solo en el spin-off que tan mala fortuna tuvo, así como una irreconocible Amy Madigan, activa desde tiempos de En un lugar del corazón junto a su esposo Ed Harris y Sally Field, y que hemos visto también en Campo de sueños y Adiós, pequeña, adiós, y una sugerente banda sonora en la que también participa su reconocido y laureado director.

INDOMABLES Juegos ocultos

Título original: On Swift Horses
USA 2024 117 min.
Dirección Daniel Minaham Guion Bryce Kass, según la novela de Shannon Pufahl Fotografía Luc Montpellier Música Mark Orton Intérpretes Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi, Will Poulter, Diego Calva, Sasha Calle, Don Swayze, Ryan Fitzgerald, Kat Cunning Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Estados Unidos 25 abril 2025; en España 8 agosto 2025

El actor Jacob Elordi (Priscilla, Saltburn) y la actriz Daisy Edgar-Jones (Twisters, La chica salvaje) debieron ver mucho potencial en la novela de temática queer de Shannon Pufalh On Swift Horses (Apostando a caballos veloces) como para decidir convertirse en productores ejecutivos de su adaptación cinematográfica. Para ello contaron con Daniel Minaham, un señor que desde 2001 no dirigía ningún largometraje cinematográfico (Series 7), para centrarse en las series de televisión, como Juego de tronos o American Crime Story. El resultado es un film hasta cierto punto atractivo, sobre todo por su puesta en escena, una cuidada ambientación en los últimos cincuenta del siglo pasado, y las posibilidades de una historia que el libro analiza seguramente con mayor acierto de lo que lo hace la película, el daño sufrido por la represión de millones de personas que durante tanto tiempo tuvieron que ocultar su identidad sexual, seguir las directrices de la sociedad convencional y afectar así a su entorno, provocando los consabidos daños colaterales.

La particularidad del caso, dada la cantidad de veces que todo esto ha sido tratado en literatura, teatro y cine, es que sus protagonistas son almas hasta cierto punto rebeldes, que no se conforman con el designio adjudicado y pretenden explorar y disfrutar su particularidad, con la misma decisión con la que se entregan al juego, sean las cartas o las apuestas de caballos, aunque todo ello provoque consecuencias no deseadas. Lástima que bajo tan atractivas premisas se esconda un film templado, desafortunado en ritmo y tensión.

Cierto es que sus protagonistas, a los que hay que añadir el también joven pero más veterano Will Poulter (Somos los Miller, Midsommer, Guardianes de la galaxia y la más reciente Warfare) y Diego Calva (Babylon, Bird Box Barcelona), se esfuerzan en dotar de enjundia al conjunto, pero éste resulta más anodino conforme avanza su metraje, mientras una vez más denunciamos la total falta de rigor e ingenio de nuestros distribuidores a la hora de traducir títulos, sustituyendo el original aludido, que hace precisamente referencia a esas arriesgadas apuestas, algo que pretende funcionar como metáfora de la experiencia y personalidad de sus personajes, por el tan vulgar por frecuente Indomables con el que la cinta se ha estrenado aquí.

LEER "LOLITA" EN TEHERÁN El club de las lectoras invisibles

Título original: Reading Lolita in Tehran
Italia-Israel 2024 108 min.
Dirección Eran Riklis Guion Marjorie David, según la novela de Azar Nafisi Fotografía Hélène Louvart Música Jonathan Riklis Intérpretes Golshifteh Farahani, Zar Amir-Ebrahimi, Mina Kavani, Reza Diako, Arash Marandi, Catayoune Ahmadi, Sina Parvaneh, Bahar Beihaghi, Isabella Nefar, Lara Wolf Estreno en Italia 21 noviembre 2024; en Israel 15 mayo 2025; en España 24 julio 2025

Tras dos décadas trabajando bajo bandera de Israel, su país, con algún éxito menor como Los limoneros, el director Eran Riklis pasó a la escena internacional con cintas de escaso interés como Shelter y La trampa de la araña, hasta desembocar en esta bienintencionada pero definitivamente fallida crónica sobre la opresión de la mujer en el Irán del extremismo islámico. Basada en una novela de considerable impacto de la profesora de literatura Azar Nafisi, en la que cuenta sus propias experiencias desde finales de la década de los setenta, cuando cierto aperturismo a occidente levantó la esperanza del pueblo iraní, y especialmente de las mujeres, hasta fechas recientes en las que la opresión y el extremismo religioso acabaron definitivamente con esa esperanza y la necesidad de un exilio efectivo, hasta entonces sólo interior. En este periplo, la protagonista pasa de dar clases de literatura inglesa en la Universidad de Teherán a formar un club privado y clandestino dirigido a mujeres anuladas que sólo ahí encuentran su espacio para expresar y exhibir su libertad.

A la propia Nafisi da vida una siempre estupenda Golshifteh Farahani, a quien descubrimos de la mano de Asghar Farhadi en la metafórica A propósito de Elly, y después ha paseado su talento y belleza por el cine internacional en títulos como Los dos amigos, Dioses y reyes, Paterson o la última entrega de los Piratas del Caribe. El resto, una solvente comunidad de actrices que hacen lo que pueden para insuflar vida en una película más bien alicaída, dirigida sin la fuerza ni la intensidad que un tema tan espinoso demanda, lo que ya es difícil tratándose de la eterna denuncia de las religiones como génesis y fruto de tanto dolor e injusticia. Puede que su condición israelí, aunque con ayuda en la producción del cine italiano, mengüe ese aspecto, quedándose en mera y consabida denuncia del extremismo islámico, sin parangonarlo con otras religiones que hicieron de las suyas en el pasado y también en el presente, como la que profesa precisamente un estado tan poco laico como es el propio Israelí.

Tampoco la división en tantos capítulos como famosas novelas se analizan, El gran Gatsby de Fitzgerald, Lolita de Nabokov, Daisy Miller de James y Orgullo y prejuicio de Austen, encuentran reflejo convincente en las experiencias y disquisiciones de las protagonistas, ya sea la moral, la condición de la mujer como mero objeto, su lucha por la libertad o el sometimiento a las costumbres sociales imperantes. Quizás con un mayor ahínco en este apartado se habría logrado un film más atractivo, acertado y convincente. Un ritmo narrativo más fluido podría haber potenciado su calidad como vehículo de denuncia y enseñanza moral. 

8 Conmovedor romance a la sombra de una autocracia

España 2025 126 min.
Guion y dirección Julio Medem Fotografía Rafael Reparaz Música Lucas Vidal Intérpretes Ana Rujas, Javier Rey, Álvaro Morte, Tamar Novas, Loreto Mauleón, Carla Díaz, María Isasi, Oriol Riera, Asier Burguete, Jordi Catalán, Javier Morgade Estreno en el Festival de Málaga 16 marzo 2025; en salas 21 marzo 2025; en Movistar Plus+ 22 julio 2025

Podríamos aceptar que el cine de Julio Medem haya perdido la popularidad de antaño. Pero de ahí a fracasar tan estrepitosamente con su último trabajo va un trecho, eso sí, estrenado de manera harto desganada y desapareciendo de la cartelera de forma inmediata. La hemos rescatado ahora que se ha estrenado en una plataforma digital para comprobar que su cine no ha perdido ni la fuerza ni el interés que tantos le han adjudicado. Muy al contrario, nos hemos dejado subyugar por este precioso drama romántico con el que el cineasta repasa el mapa histórico político del país en los últimos noventa años. Parte para ello de un famoso poema de Machado, popularizado aún más por Serrat, Españolito. En él dice Una de las dos Españas ha de helarte el corazón, y a partir de ahí Medem echa mano de toda su inventiva estética y narrativa para convencernos de forma eficaz que es posible que dos almas gemelas se encuentren y desencuentren a lo largo de ocho citas durante tanto tiempo, echando mano frecuentemente de la mera casualidad.

Almas gemelas en su devenir, paralelas en sus experiencias, pero antagónicas en sus herencias y casi en sus convicciones políticas, dando buena muestra de esas dos Españas a las que aludía el poeta. Pero no nos engañemos, no se trata sólo de este país, en realidad el planeta entero sufre esta penosa dualidad que nos mantiene tan enfrentados y separados. Es un problema de autocracia, de señores que se erigen en jefes absolutos, haciendo y deshaciendo a su antojo, con el sólo límite ocasional de las directrices que marcan los mercados, en el fondo verdaderos artífices del orden social, político y económico mundial. Y en eso Franco repite los códigos no ya de un Hitler o un Pinochet, sino de los Netanyahus, Putins o Trumps que tanto nos atormentan.

En ese espacio marcan sus vivencias, diferencias y afinidades los dos amantes de un film que invita a la reflexión y nos sumerge en una insoportable tristeza, muy a pesar de esa supuesta ingenuidad que tantos se han apresurado en achacarle. Medem repite aquí sus particulares tics estéticos, con movimientos de cámara imposibles, cambios de formato y color, y una puesta en escena impoluta e impecable, su personal manera de hacer poesía, muy diferente a la de Machado pero tan fiel a su instinto y estilo. Eso, junto a la fascinante presencia de Ana Rujas y el valioso plantel de actores y actrices que rodean a la pareja protagonista, hacen que sobren las razones para dejarse seducir por esta película tan hermosa como irresistible y particularmente dolorosa. Insiste con ella en su actual querencia por las películas río, ya presente en su anterior trabajo, El árbol de la sangre.

¿QUIÉN QUIERE CASARSE CON UN ASTRONAUTA? Comedia romántica gay

España-Argentina-Uruguay 2024 94 min.
Dirección David Matamoros Guion Mónica Cambra, Ariadna Fortuny, Claudia García, Clara Hernández, David Matamoros, Xènia Puiggrós y Lucía Herrera Pérez Fotografía Mariano De Rosa y Albert G. Casademunt Música Gabriel Casacubierta y Hernán González Villamil Intérpretes Raúl Tejón, Raúl Fernández de Pablo, Alejandro Nones, Sabrina Praga, Lluïsa Mallol, Sofia Nemirovsky, Mauro Francisco, Sebastián Suñé, Francisco Andrade, Juan Pablo Brianza, Pablo Turturiello, Sang Min Lee, Monica McCollin Estreno en Sitges 14 noviembre 2024; en Argentina 22 mayo 2025; en España 1 agosto 2025

Esperábamos mucho menos de esta nada desdeñable comedia romántica, a pesar de lo cual acudimos a verla (y reseñarla), motivados por nuestra condición, que nos hace devorar todo lo que hable de nuestro entorno sexual más cercano. Independizado de su habitual pareja profesional, Ángeles Hernández, con quien ha coescrito algunos títulos y producido otros tan destacados como El hoyo, además de codirigir su primer trabajo como realizador, la tampoco desdeñable Isaac, donde también tocaba, aunque de forma tangencial, la homosexualidad, David Matamoros aborda ahora sin prejuicios ni tapujos la clásica comedia romántica, con la sola particularidad de estar protagonizada por homosexuales. Una señal de normalización total de la condición sexual, por una vez no objeto de traumas ni historias de aceptación, sino sólo como cuestión relativamente novedosa a la hora de enfrentarse a un género tan rosa como la comedia romántica con bodas.

Resulta, sin embargo, sorprendente que para escribir su guion se hayan necesitado siete manos, dada la simplicidad de su trama y la poca comicidad de sus chistes, aunque el conjunto resulte agradable, sin obviar que en más de un momento puede provocar sonrojo por su exceso edulcorante y su premeditada cursilería. A pesar de todo, que haya tenido que esperar en el cajón tantos meses después de su puesta de largo en Sitges el pasado mes de noviembre, y que su distribución sea tan parca que no facilite un éxito siquiera discreto, no hace justicia a una cinta no obstante aceptable y con un público en potencia al que no va a llegar.

El reparto, con actores y actrices del otro lado del charco esforzando en disimular su acento para parecer auténticos barceloneses, se toma la empresa con seriedad y empeño, especialmente sus dos protagonistas, Raúl Tejón (Machos Alfa) y un más comedido y menos esperpéntico Raúl Fernández de Pablo, recientemente visto en Votemos. Destacan también la veterna Lluïsa Mallol como madre amorosa y comprometida con su generación, así como Sang Min Lee, la más conseguida aportación al carácter de screwball comedy que pretende la cinta, como jueza de paz en una capilla de Las Vegas. La coproducción con Argentina y Uruguay posibilita una puesta en escena holgada en la que destaca el viaje a la capital de Nevada y parte de la Ruta 66, otro motivo personal que nos ha impulsado a verla, tras haber disfrutado de la experiencia (completa) hace ahora nueve veranos, y en compañía también de la persona adecuada, la que trae alegría y emoción a nuestras vidas.

DEVUÉLVEMELA Hansel, Gretel y la bruja diabólica

Título original: Bring Her Back
Australia-USA 2025 99 min.
Dirección Danny y Michael Philippou Guion Danny Philippou, Michael Philippou y Bill Hinzman Fotografía Aaron McLisky Música Cornel Wilczek Intérpretes Sally Hawkins, Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood Estreno en Australia 29 mayo 2025; en España 1 agosto 2025

Los hermanos Philippou destacaron hace un par de años con Háblame, una inquietante película con la que lograban analizar una multitud de cuestiones relacionadas con los traumas infantiles y la incomunicación adolescente, a través de una historia que recuperaba con éxito la vertiente terrorífica del espiritismo. Siguiendo esa estela, incluso perceptible en el título, el objeto de renovación ahora son las sesiones demoniacas, unos rituales tan divulgados particularmente en la década de los noventa del pasado siglo a través de videos en la línea de las snuff movies. A partir de aquí, la película plantea una situación en la que se suceden constantes del género, desde la infancia amenazada a los traumas familiares, pasando por la casa de los horrores y la recurrente mujer trastornada, convertida una vez más en sádico monstruo desquiciado. Ella es, por definición, la bruja que acoge a Hansel y Gretel en su perturbado universo.

Dentro de todo este panorama ingeniosamente articulado por la productora A24, responsable también del anterior trabajo de los hermanos australianos y de un puñado de títulos que han renovado inteligentemente el género desde hace un par de décadas, destaca el personaje del joven y algo ambiguo Oliver, único elemento fantástico dentro de un conjunto que se quiere convencional o realista, aunque en el desarrollo ofrezca más de un apunte para no lograr considerarse de esta manera. Por el camino encontramos una serie de secuencias ciertamente impactantes, y eso que la película no juega en ningún momento al tren de la bruja, sino al sadismo más extremo, sometiendo a los infantes intervinientes a situaciones que pueden haber sufrido con mayor angustia que las y los propios espectadores.

Toda su malsana, y conseguida, atmósfera, destacando la interpretación quizás desaforada pero acertada de una Sally Hawkins muy alejada de su registro habitual, naufraga cuando al final se pretende dejar al público con cierta sensación de alivio, si bien por el camino no se le puede reprochar que arriesgue en hacernos pagar cierto peaje emocional. Lo que no cabe duda es de que gustará a los y las incondicionales del género, y quizás el tiempo nos quite la razón a los más escépticos y la convierta en un título de referencia.

MISTERIOSO ASESINATO EN LA MONTAÑA Comedia adosada al disparate

Título original: Un ours dans le Jura
Francia 2024 109 min.
Dirección Franck Dubosc Guion Franck Dubosc y Sarah Kaminsky Fotografía Dominique Fausset Música Sylvain Goldberg Intérpretes Franck Dubosc, Laure Calamy, Benoît Poelvoorde, Josèphine de Meaux, Kim Higelin, Mehdi Meskar, Timéo Mahaut, Emmanuelle Devos, Louka Meliava, Jean-Louis Loca, Anne Le Ny Estreno en el Festival de Cine Francés de Málaga 13 octubre 2024; en Francia 1 enero 2025; en España 1 agosto 2025

Del título original Un oso en la Jura (en referencia a un departamento montañoso de Francia) al internacional, Cómo organizar una matanza, nosotros hemos preferido el woodyliano Misterioso asesinato en la montaña, cerrando así un círculo de influencias en el que cabe distinguir sin dudas el Fargo de los Coen y el Quién mató a Harry de Hitchcock, perceptible tanto en el cartel comercial como en una trama en la que no uno sino tres cadáveres son transportados y cambiados de ubicación continuamente.

Esta especie de comedia negra perpetrada por el cómico francés Franck Dubosc, en su tercer largometraje como director tras Sobre ruedas y Rumba terapia, se revela como una sucesión de giros narrativos a partir de una premisa harto disparatada y un juego con los tiempos bastante caprichoso. El artificio se convierte así en su principal lastre, mientras una comunidad de personajes y un ritmo, eso sí, constante y adecuado, intentan mantener expectantes a quienes se dejen seducir por la propuesta.

Dubosc se reserva, como ya hizo en sus anteriores trabajos como realizador, el papel principal, pero con la generosidad suficiente para que sea su esposa en la ficción, la habitualmente espléndida Laure Calamy (A tiempo completo), quien brille más, tanto por el perfil de su papel, una mujer decidida aunque considerablemente irresponsable, por encima del suyo propio, hombre taciturno y con mucha menos iniciativa. Un sofisticado club de swingers, poco o nada coherente con el entorno, se encarga de potenciar aún más los disparates de una cinta cuyo punto de arranque ya lo es suficiente como para mantener el interés del resto de la función. Y con todo, el público complacido, otorgándole su particular premio en el Festival de Cine Francés de la capital de la Costa del Sol.