PAN DE LIMÓN CON SEMILLAS DE AMAPOLA La fuerza del cariño

España 2021 121 min.
Dirección Benito Zambrano Guion Benito Zambrano y Cristina Campos, según su novela Fotografía Marc Gómez del Moral Música Joan Valent Intérpretes Elia Galera, Eva Martín, Mariona Pagés, Marilu Marini, Tommy Schlesser, Claudia Faci, Ana Gracia, Pep Tosar Estreno en el Festival de Valladolid 24 octubre 2021; en salas 12 noviembre 2021

Rodada en la isla de Mallorca, Benito Zambrano afronta esta película de encargo con todo el cariño que podría a un proyecto personal, demostrando de nuevo una sensibilidad y una mirada muy cercana al espíritu femenino. Junto a Cristina Campos adapta la novela de ésta que combina intriga, ternura y sentimiento con notable ingenio. La intriga viene dada por una herencia misteriosa y la investigación sobre los motivos afectivos que han llevado a otorgarla, mientras la ternura y el cariño lo ponen dos hermanas distanciadas física y emocionalmente, que verán la oportunidad de explicarse y disculparse durante unos inolvidables días en Valldemosa.

Esto no es una sinopsis sino sencillamente la emoción que depara una historia tan bien contada, interpretada y gestionada, que algunos pensarán que es lacrimógena y demasiado sentimental. Zambrano ya ha demostrado que puede ser todo lo duro que se requiera (Intemperie), y que puede combinar esa crudeza con el sentimiento más profundo (La voz dormida, Solas), pero firma ahora su película más tierna y amable, dentro de que también contiene una considerable dosis de drama.

Ayudan no poco las magníficas interpretaciones de dos actrices curtidas en televisión, Elia Galera, que tras un debut estrella con La mujer más fea del mundo, empezó a frecuentar la pequeña pantalla, y Eva Martín, compañera de María Pujalte en Merlí Sapere Aude. Les acompañan un elenco todo femenino, con alguna excepción que sirve de mero contrapunto en los dos extremos de la calidad humana, con especial mención de una áspera Clauda Faci, la frescura de la debutante Mariona Pagés y la ternura de Ana Gracia. Film por tanto honesto, de emociones y reflexiones, bien rodado e iluminado, y muy bien narrado, donde todo lo que en principio parece previsible se va tornando sorpresa.

WAY DOWN Intriga y acción en la Cibeles

España 2021 118 min.
Dirección Jaume Balagueró Guion Rowan Athale, Michel Gaztambide, Andrés Koppel, Rafa Martínez y Borja González Santaolalla Fotografía Daniel Aranyo Música Arnau Bataller Intérpretes Freddie Hghmore, Liam Cunningham, Astrid Bergès-Frisbey, Luis Tosar, Sam Riley, Axel Stein, José Coronado, Emilio Gutiérrez Caba, Daniel Holguín, Famke Janssen Estreno en Brasil y Taiwán 15 enero 2021; en España 12 noviembre 2021

Jaume Balagueró no parece el más indicado para una empresa de este tipo. Curtido en películas de terror con cierta personalidad (Los sin nombre, Frágiles, Mientras duermes, Musa y la saga Rec), para el encargo por parte de Mediaset de una producción de acción y aventuras como esta no parecía a priori la mejor elección, y sin embargo el director catalán se las ingenia muy bien para llevar a buen puerto la empresa y ofrecer justo lo que se pide de ella. La cinta sin embargo ha esperado en cuarentena casi un año; previsto su estreno para otoño del año pasado, se ha visto bajo el título The Vault (La bóveda) en una veintena de países antes que aquí, en algunos como Francia o Estados Unidos directamente en internet, con lo que su carrera internacional está ya amortizada.

Entroncando con la serie de Amenábar La fortuna, Way Down plantea un conflicto de intereses entre España y unos cazadores de tesoros, con el Reno Unido ejerciendo de nuevo de piratas, como en la época de Francis Drake y sus asaltos a los barcos españoles. Un conflicto que sirve de pretexto para poner en pie un espectacular robo al Banco de España durante la final del Mundial de Fútbol de Sudáfrica en 2010, con la Cibeles invadida por cientos de miles de seguidores de la Roja. Destaca su ritmo y su factura técnica por encima de un guion cogido con alfileres, en el que se han empeñado cinco guionistas, alguno de ellos tan reputados como Michel Gaztambide, autor de los libretos de películas como Vacas o No habrá paz para los malvados. Y es que algunas de las soluciones para superar los obstáculos que impidan llevar a cabo el asalto son bastante peregrinas, y las motivaciones del cerebro de la operación, un Freddie Highmore todavía con la expresión de The Good Doctor, apenas son convincentes.

La cinta guarda bastantes puntos positivos, además de ese excelente acabado técnico y su frenético ritmo. Aquí no hay explosiones ni muertos, y el héroe es un joven inteligente y aplicado aunque algo torpe físicamente, al contrario que los personajes a los que nos tienen acostumbrados estrellas como Tom Cruise, impecables en todos los sentidos. Solo por estos motivos, porque se trata de un film entretenido y hasta divertido, por ejemplo en la caracterización del personaje interpretado por José Coronado, permanentemente enfadado y con la mosca tras la oreja, por su reparto internacional, escenarios castizos y esfuerzo de producción, merece la pena. Es una forma de adaptar un tipo de cine que apenas cultivan los americanos a nuestro ambiente, y no está mal.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 9ª JORNADA

BELFAST Los niños no quieren ir a Shangri-La

Reino Unido 2021 105 min.
Guion y dirección Kenneth Branagh Fotografía Hars Zambarloukos Música Van Morrison Intérpretes Jude Hill, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lewis McAskie Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2021; en España 7 enero 2022

Entregado a la causa del dólar y el encargo, con películas como Thor, Cenicienta, Jack Ryan o las nuevas adaptaciones de Agatha Christie, hacía tiempo que el Kenneth Branagh más personal de Shakespeare y otras citas cultas no asomaba la cabeza. Seguimos sin encontrar en su cine una huella propia e indeleble, pero no podemos negar que quizás Belfast sea su película más redonda, y desde luego la más sentimental. Sensiblera la encontrarán algunos, pero no cabe duda de que el director ha sabido con esta película semi autobiográfica cogerle el pulso a esos escasos diez años que tanto determinan nuestra vida, la infancia. Da igual dónde la vivas y en qué circunstancias, salvo que sean tan extremadamente penosas que la mayoría de quienes vivimos a este lado del mundo no podamos ni imaginarlas, que la infancia siempre es ese tesoro intocable de nuestra vida. Y queremos vivirla allí donde nos hemos acostumbrado a hacerlo, aunque se trate de Irlanda del Norte en los años más convulsos de su lucha entre religiones, que es igual que la lucha entre invasores e invadidos, la lucha de siempre en todo momento y todo lugar. En línea con aquella pequeña joya que John Boorman dirigió en 1987, Esperanza y gloria, Belfast es una declaración de amor al lugar en el que plantamos nuestras primeras raíces, y ni el Shangri-La imaginado por Frank Carpa en Horizontes perdidos puede sustituirlo. Por eso entendemos al personaje de Buddy, el conmovedor niño sobre el que recae el peso de la función y cuya mirada el director tan sabiamente traslada al espectador, pero no el de su madre, capaz de acariciar la idea de renunciar a la paz de sus seres queridos con tal de no abandonar el maldito lugar. Rodada en el mismo blanco y negro en el que sus protagonistas veían en la televisión los westerns de Fred Zinnemann y John Ford y La conquista del espacio, allá por 1969, pero con las ráfagas de color que tanto debieron impresionar al responsable de Mucho ruido y pocas nueces cuando iba al cine o al teatro, Belfast es ante todo una hermosa película, rodada con cariño, ilustrada por Van Morrison con nuevas y brillantes versiones de sus imperecederas canciones, escrita con sentido del humor y la emoción e interpretada con el mismo ánimo cariñoso y comprometido con el que su director la ha concebido y llevado a la pantalla.

LA PUERTA DE AL LADO Duelo artificioso

Título original: Nebenan
Alemania 2021 92 min.
Dirección Daniel Brühl Guion Daniel Kehlmann Fotografía Jens Harant Música Moritz Fredrich y Jakob Grunert Intérpretes Daniel Brühl, Peter Kurth, Rike Eckermann, Aenne Schwartz, Gode Benedix, Vicky Krieps Estreno en el Festival de Berlín 11 junio 2021; en Alemania 15 julo 2021; en España 19 noviembre 2021

Aunque se trata de un guion original, el debut en la dirección del actor Daniel Brühl (¡Goodbye, Lenin!, Rush) es claramente deudor de una obra teatral, pero además de la típica obra de autor joven con muchas ganas de epatar y las ideas no tan claras como pudiera parecer. Un actor famoso instalado en un piso de lujo en Berlín junto a la que parece su idílica familia, hace una parada en un bar antes de dirigirse al aeropuerto para volar a Londres, donde debe asistir a la que parece ser la audición de su vida. Pero en ese local tiene un encuentro en principio fortuito con un hombre que empieza pareciendo un crítico feroz y sin escrúpulos, algo que parece no importar al actor, con el que ya hemos empatizado por una aparente sencillez exhibida con disimulo de cualquier atisbo de altanería. A partir de ahí los secretos se irán sucediendo con enorme artificio, la antigua Alemania dividida en dos hará haciendo estragos, así como los procedimientos de la antigua Stasi para entrometerse en la vida de los otros, y los rencores y resentimientos de una Alemana contra la otra. Todo parece, porque todo son apariencias, una metáfora de los nuevos sistemas de espionaje que nos afectan a todos y todas aunque a la mayoría con menor estrago, precisamente por nuestra propia irrelevancia, pero ahí están los espías cibernéticos que con tan poca discreción gestionan nuestros gustos y aficiones. Todo con mucho artificio y un juego dialéctico deudor de esa obra maestra que es La huella de Mankiewicz, aunque como hay también otros personajes diremos que más bien se parece a La trampa de la muerte de Lumet. Alargada en su artificiosidad para alcanzar la duración estándar, nos quedaremos con sus esforzadas interpretaciones y el entusiasmo con el que el actor ha manejado todos los recursos a su alcance para dar forma a su ópera prima como director.

ABRÁZAME FUERTE Sonata en modo menor

Título original: Serre moi fort
Francia 2021 97 min.
Guion y dirección Mathieu Amalric, según la obra de Claudne Galea Fotografía Christophe Beaucarne Intérpretes Vicky Krieps, Arieh Worthalter, Anne-Sophie Bowen-Chatet, Sacha Ardilly, Juliette Benvenste, Auréle Grzesik Estreno en el Festival de Cannes 14 julio 2021; en Francia 8 septiembre 2021

El nuevo trabajo de Mathieu Amalric tras la cámara nos presenta a una mujer aparentemente frágil, trastornada como viene siendo habitual en este tipo de psicoanálisis al estilo burgués, y en permanente fuga. Ha dejado atrás marido, hijo e hija, la familia perfecta en la casa de campo perfecta y con el coche de colección perfecto. Pero ella está trastornada y Amalric nos lo hace ver a partir de varios encuentros desentonados con un padre de familia, el cliente de un bar o un músico integrante de una orquesta sinfónica. A partir de aquí la música clásica empieza a tener gran relevancia, su hija toca el piano y Martha Argerich se convierte en referente a imitar incluso en el aspecto estético. Sonatas, adagios y bagatelas resuenan tristes en la mente de esta mujer que vive en un puzle, que mezcla recuerdos, realidad e imaginación con la misma celeridad e intensidad con la que toda la amalgama se muestra ante nuestros oídos y nuestros ojos. Amalric muestra así el dolor y la angustia de una mujer a la que Vicky Krieps presta su esfuerzo dramático, una mujer que parece arrastrar una gran tragedia. El resultado es un film de una rara belleza, hasta cierto punto conmovedor, pero un poco híbrido de sentimientos en su resolución final.

LA PEOR PERSONA DEL MUNDO Elogio de lo irrelevante

Título original: Verdens verste menneske
Noruega 2021 121 min.
Dirección Joachim Trier Guion Eskil Vogt y Joachim Trier Fotografía Kasper Tuxen Música Ola Flottum Intérpretes Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Herbert Nordrum, Maria Grazia di Meo, Hans Olav Brenner, Helene Bjorneby Estreno en el Festival de Cannes 9 julio 2021; en Noruega 15 octubre 2021; en España 11 marzo 2022

Habituados a ver a Joachim Trier y Eskil Vogt involucrados en thrillers (Oslo, 31 de agosto, Thelma), sorprende que presenten ahora toda una comedia romántica de esas que en su tercio final se convierte en drama muy señor mío. Su protagonista es una joven hermosa que no tiene claro lo que quiere en la vida, ni en el aspecto laboral ni en el sentimental. Pero eso es al principio, porque después sencillamente asistimos a las peripecias emocionales de esta chica, sin mayor trascendencia ni relevancia y con el único aliciente de transitar de nuevo esos ambientes cosmopolitas, sofisticados y aburguesados al que el cine de carácter presuntamente intelectual nos tiene acostumbrados y acostumbradas. La fórmula gusta y por lo tanto se explota, pero el truco se nos antoja ya un poco rancio, y adobarlo con un par de secuencias oníricas, una provocada por la pausa del tiempo y la otra por los efectos del consumo de narcóticos, no nos parece suficiente para sacar a flote una historia que no hace sino repetir clichés con el pretexto de querer decir algo sobre la autodeterminación de la mujer. Su protagonista, Renate Reinsve ha encontrado el vellocino de oro con esta película, y ya ha conseguido premio en Cannes y nominación a los premios europeos del cine, a pesar de que su interpretación se limita a su encanto personal y una serie de bonitas muecas. Una colección de buenas músicas, de Ravel a Christopher Cross pasando por Art Garfunkel y Billie Holiday, adorna la empresa. Poco para tanta expectación.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 8ª JORNADA

VACA La mirada del desconcierto

Título original: Cow
Reino Unido 2021 94 min.
Dirección Andrea Arnold Fotografía Magda Kowalczyk Documental Estreno en el Festival de Cannes 8 julio 2021; en Reino Unido 14 enero 2022

Fiel a su cita con el festival sevillano, la directora británica Andrea Arnold presenta este año una propuesta original e insólita. Cuando hablamos de documentales de animales casi siempre nos referimos a los salvajes, libres, como únicos ejemplares capaces de llevar una existencia digna de ser conocida, con un anecdotario susceptible de generar nuestra sorpresa y admiración. Algo parecido suele suceder cuando de humanos se trata, que solo aquellos que viven experiencias extraordinarias provocan nuestra expectación, aunque la progresiva estulticia humana ha facilitado que cada vez sean más las voces vacuas e intranscendentes las que acaparen audiencias. Una película sobre una vaca, prácticamente su ciclo vital hasta que deja de ser útil o surge riesgo de desaparición dolorosa, ha suscitado sin embargo el interés de la realizadora de Fish Tank, American Honey y la enésima versión de Cumbres borrascosas. La operación podría calibrarse desde un doble punto de vista, o incluso más de uno. Por un lado está claro que asistimos a la denuncia de nuestra voracidad, esa legitimación humana de que todo le pertenece y sobre todo lo que hay en la naturaleza puede ejercer su jurisdicción absoluta. Cabe también la posibilidad de que la anodina vida de estos terneros y terneras destinadas al consumo humano refleje nuestra propia existencia, pues aunque dotados del libre albedrío, no cabe duda de que poca gente hace uso real del mismo y la mayoría optamos por seguir las directrices y caminos que nos han impuesto desde el control y la dominación de una élite. No cabe duda de que Arnold ha debido elegir entre muchísimas tomas, y en el montaje haber manipulado algo nuestra percepción, incluso perdiendo ella misma en más de una ocasión el discurso narrativo propuesto, entre tanta vaca y situación en la que los humanos apenas aparecen para intervenir en el día a día de unos pobres animales cuyo único respiro y cierta sensación de alivio consiste en pastar en ganado por las verdes praderas de las islas británicas. El resto es puro cautiverio con el único sonido ambiente de las canciones que ayudan a producir al máximo rendimiento.

MURINA Sirena cautiva

Croacia-Brasil-USA-Eslovenia 2021 92 min.
Dirección Antoneta Alamat Kusijanović Guion Antoneta Alamat Kusijanović y Frank Graziano Fotografía Hélène Louvart Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Gracija Filipović, Danica Čurčić, Leon Lučev, Cliff Curtis Estreno en el Festival de Cannes 10 julio 2021

De una cinematografía tan exótica como la croata nos llega una película con apoyo en la producción de Martin Scorsese, que tuvo la suerte de hacerse con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Cannes, si bien no somos capaces de apreciar cuáles sean las virtudes para merecer tal distinción, más allá de tratarse de un film correcto y entretenido, con algún destello en valores. Se trata de un melodrama al uso con protagonista femenina y adolescente que vive asfixiada por la estructura patriarcal de su familia, un padre autoritario y déspota y una madre antigua reina de la belleza plegada a los designios del pater familias. La llegada de un antiguo amigo del padre, millonario y nacionalizado norteamericano, abrirá alguna esperanza o puerta de salida a esta joven que practica el submarinismo y ofrece una imagen distante y a la vez atrevida, segura y sobrada de personalidad. El camino hacia esa esperanza de libertad constituye la trama que su realizadora gestiona con habilidad y equilibrio, dosificando bien sus recursos e intenciones y logrando con ello un producto contenido y atractivo a pesar de no contar nada especialmente nuevo ni proponer soluciones novedosas aunque sí estimulantes al cautiverio que sufren todavía millones de mujeres en todo el mundo.

THE PAINTER Broma sobre la creación artística

Título original: Der Maler
Alemania 2021 94 min.
Dirección Oliver Hirschbiegel Guion Ben Becker y Albert Oehlen Fotografía Philip Bienmüller, Severin Barënbold, Dominik Frey, Timna Gibson, Alexander Kruse, John-Philip Kuhn y Michail Zeldin Música Gudrun Gut Intérpretes Ben Becker y la voz de Charlotte Rampling Estreno en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2021

Muy reputado en circuitos artísticos, Albert Oehlen es conocido en Sevilla particularmente por su cartel para los festejos taurinos del año 2020 en la Real Maestranza. Por su parte, Oliver Hirshbiegel siempre será recordado por narrar los últimos días de Hitler en El hundimiento, protagonizada por Bruno Ganz. Ahora unen fuerzas para poner en pie una broma documental. Se trata de recrear la gestación de una obra con el sello de Oehlen pero con la particularidad de que al artista lo suplanta Ben Becker, un actor muy conocido en Alemania que sigue las directrices del pintor, aunque en lo personal muestra un carácter y una forma de ser entre excéntrico e histriónico, en las antípodas del pintor homenajeado. Tampoco el resultado pictórico está naturalmente a la altura de su obra, mientras el espectador es invitado a soportar el comportamiento insufrible del protagonista y no recibir siquiera una lección mínimamente útil sobre la creación artística. Para colmo la voz de Charlotte Rampling narra lo que parecen ser indicaciones expresas y concisas sobre la obra a desarrollar, aunque en realidad nos damos cuenta de que sus palabras apenas guardan relación con lo recreado e incluso llegan a despistar sobre su contenido. La sensación por lo tanto es de absoluta tomadura de pelo; quizás sea eso lo pretendido por sus artífices, al fin y al cabo se trata de arte moderno y esta farsa tiene mucho que ver con ello.

ONODA La guerra infinita

Título original: Onoda, 10.000 nuits dans la jungle
Francia-Japón 2021 165 min.
Dirección Arthur Harari Guion Arthur Harari y Vincent Poymiro Fotografía Tom Harari Música Sebastiano de Gennaro, Enrico Gabrielli, Olivier Marguerit, Andrea Poggio y Gak Sato Intérpretes Yüya Endo, Kanji Tsuda, Yüya Matsuura, Tetsuya Chiba, Shinsuke Kato Estreno en el Festival de Cannes 7 julio 2021; en Francia 21 julo 2021; en Japón 8 octubre 2021

Por una vez una película justifica su larga duración y nos hace sentir la propia dilatación del tiempo que sufren sus protagonistas. Se trata de una de esas historias que por mucho que estén basadas en la realidad resultan muy difíciles de creer. Solo el letargo al que están expuestos sus protagonistas puede traspasar la pantalla y convencernos de la odisea que sufren sus personajes. Ambientada a finales de la Segunda Guerra Mundial enfrente del Pacífico, y concretamente en Filipinas, Onoda es el relato escalofriante de una supervivencia larga, tempestuosa y complicada que tiene su origen en la tozudez humana, el sentimiento de la fidelidad y el honor, y la resistencia ante cualquier peligro proveniente de una trampa o del espíritu embaucador del enemigo. Bien planteada y mejor desarrollada, con detalles y matices que hacen el relato plausible y comprensible, la cinta del director francés Arthur Harari carece sin embargo de un tratamiento técnico  depurado, por mucho que su luminosa fotografía aproveche inteligentemente la luz natural y nos sumerja en un drama apoteósico y descomunal. El magnífico trabajo de sus dos protagonistas, sobre todo en edad madura, pone el resto para que el film se vea con interés y un sano escepticismo que acaba por convertirse en su principal baza.

EVOCACIÓN OTOÑAL DE CAMILLA TILLING

4º Concierto del Ciclo Gran Sinfónico de la Temporada nº 31 de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Camilla Tilling, soprano. Marc Soustrot, director. Programa: Obertura Coriolano Op. 62, de Beethoven; Lieder Op. 27 TrV 170, de Strauss; Sinfonía nº 4 en Sol mayor, de Mahler. Teatro de la Maestranza, jueves 11 de noviembre de 2021

La programación que dirige Marc Soustrot nos ha deparado ya algunas agradables sorpresas, como la pianista Olga Scheps la semana pasada y la soprano Camilla Tilling esta, en los conciertos celebrados anoche y el que se ofrecerá hoy en el Maestranza. Juntas, voz y orquesta, lograron una hermosa recreación de los cuatro lieder op. 27 de Strauss y la Sinfonía nº 4 de Mahler, en cuyo último movimiento la soprano pone voz a la vida celestial que el compositor describe con una rara combinación de melancolía y felicidad. Tanto por las piezas elegidas como por la belleza lánguida de su interpretación pareciera que nos encontramos ante una evocación de la presente estación, que desde hace unos días se parece al otoño. Sus colores y el cálido temperamento que inspira estuvieron presentes en la ternura y la amabilidad con que Soustrot dirigió a la orquesta, de nuevo brillante en su cometido.

Así, si la Obertura Coriolano, página furiosa de Beethoven que vaticina la tragedia clásica para la que estuvo concebida, Soustrot sacó de la Sinfónica su vertiente más agitada y convulsa, siempre desde la claridad de matices y acentos, y con unos tempi muy marcados pero algo más lentos de lo habitual, en la Sinfonía mahleriana alcanzó registros tan diversos que su interpretación acabó siendo un festival de sensaciones. Es cierto que todo estuvo en su lugar, que nada resultó estridente ni desproporcionado, tanto para bien como para mal, en el sentido de que faltó la distinción y la sorpresa; pero fue en general una versión sólida y majestuosa, a la vez que refinada y elegante. El primer momento resultó todo lo inocente y apacible que fuera deseable, así como cálido y exquisito en su exposición de efectos melódicos. Echamos en falta quizás un carácter más siniestro en su segundo movimiento con forma de danza rústica. Soustrot se recreó en el hermoso adagio, pero sin afectación ni sensación empalagosa, equilibrando muy bien sus pasajes más agrios y virulentos, de forma progresiva y sin cambios bruscos de registro, incluso en la breve pero muy idiomática aparición de elementos jazzísticos. La delicadeza con que arropó a Camilla Tilling en el movimiento final fue de una elegancia extrema.

Estupendas Tilling y Farré

La soprano Camilla Tilling brilló con una voz cálida, de timbre amable y delicado y una proyección notable, en los cuatro lieder que conforman el opus 27 de Richard Strauss. Pero fue su habilidad para afrontar estas canciones con la expresividad y el tono justo lo que más nos maravilló. En su voz estas cuatro pequeñas obras maestras sonaron a magia y ensoñación. No fue ajena a esta sensación la batuta de Soustrot, que extrajo misterio y agitación de Ruhe, meine Seele! (Descansa, alma mía), júbilo heroico en Cäcilie (Cecilia), una dicha contagiosa en Heimliche Aufforderung (Invitación secreta), y finalmente pura poesía melancólica y evocadora en Morgen! (¡Mañana!), uno de los más hermosos lieder jamás compuestos y que contó no solo con una voz angelical sino también una impagable aportación de la concertino Alexa Farré, añadiendo aún más carga poética a esta versión. Soustrot acompañó en todo momento con sentido del equilibrio, la magia y la sensualidad.

También en la Cuarta de Mahler lucieron la voz de la soprano sueca, entonando Das himmlische Leben con una sensibilidad extraordinaria, adaptándose a todos los sentimientos evocados, desde la alegría inicial a la incertidumbre y la serenidad que le siguen, hasta alcanzar la paz en un final sobrecogedor. También Farré cumplió brillantemente su papel con sus solos en el segundo movimiento de la sinfonía, acertando en rusticidad y moderado sarcasmo. Todo en su sitio, pero con esmero y mucho talento.

Fotos: Guillermo Mendo

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 7ª JORNADA

SAVING ONE WHO WAS DEAD El cielo no puede esperar

Título original: Zpráva o záchrane mrtvého
República Checa-Eslovaquia-Francia 2021 90 min.
Dirección Václav Kadrnka Guion Václav Kadrnka, Marek Sildenka y Jiri Soukup Fotografía Raphaël O’Byrne Música Irena y Vojtech Havlovi Intérpretes Zuzana Mauréry, Vojtech Dyk, Petr Salavec Estreno en el Festival de Karlovy Vary 26 agosto 2021

Carne de festival o quizás de reuniones de catequesis, si no fuera por su carácter frecuentemente incomprensible. Como sus anteriores trabajos, el director checo Václav Kadrnka parece insistir en un cine seudorreligioso solo apto para iniciados que encuentren en este cine triste y apesadumbrado el caldo en el que expiar sus tentaciones, como ya ocurriera en su anterior película, Little Crusader. Prosigue también como en aquella su particular indagación sobre las relaciones entre padres e hijos, ahora personificada en una madre y un hijo que luchan denostadamente por recuperar al padre y esposo que yace en coma en la cama de la UCI de un hospital. La película arranca ya exigiéndonos un primer esfuerzo, adaptarnos al formato de pantalla más estrecho que jamás recordamos, ni siquiera utilizado por los pioneros del cine. Luego nos sumerge en un hospital que parece estar en reconstrucción, con pacientes en posición inerte mientras esperan a ser atendidos, y pasillos y comportamientos sospechosamente mortecinos. Las continuas visitas de la familia sin abandonar el recinto, y su empeño por devolver al enfermo a la vida que abandonó provisionalmente tras operarse de un coágulo cerebral, integran la estructura narrativa de un film que parece estar siempre en bucle, sin que nada llamativo llegue a ocurrir más que la aparición de un niño que podría arrastrar la misma arritmia que padece el joven protagonista y que llevó a su padre a estar postrado en la cama de cuidados intensivos. Una puerta al paraíso parece avisarnos de esa vida en el más allá con la que algunos y algunas todavía sueñan. Para entonces el aburrimiento y el desinterés se ha adueñado de quienes hemos padecido la película sin saber que se trataba de una trampa o una broma de los programadores del festival. A destacar la banda sonora entre monteverdiana y minimalista.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 6ª JORNADA

MEMORY BOX Los ochenta en el Líbano

Francia-Líbano-Canadá 2021 102 min.
Dirección Joana Hadjithomas y Khalil Joreige Guion Joanna Hadjithomas, Khalil Joreige y Gaëlle Macé Fotografía Josée Deshales Música Charbel Harber y Radwan Moumneh Intérpretes Rim Turki, Manal Issa, Paloma Vauthier, Clémence Sabbagh, Hassan Akil Estreno en el Festival de Berlín 11 junio 2021; en Francia 19 enero 2022

No cabe duda de que son muy buenas las intenciones que llevan a la pareja artística formada por Joana Hadjithomas y Khalil Joreige a filmar sus películas, casi siempre al servicio de rescatar la memoria perdida tras la cruenta Guerra del Líbano. En ese campo se sitúa también esta cinta inspirada en la correspondencia epistolar entre dos amigas que vivieron una aparentemente feliz juventud ochentera entre hits de la época (Blondie, Visage) para después sufrir la separación del exilio y el romance tortuoso de la protagonista entre bombas y ruinas. Esta pareja de artistas han forjado su celebridad a través del arte experimental, exponiendo en galerías y museos de todo el mundo, y esto se nota en el empaque de la película, que hace acopio de efectos narrativos y visuales que dan al conjunto cierta originalidad y belleza plástica, aunque sí es verdad que su protagonista debió gastar mucho dinero en carretes para hacer tantísimas fotografías como aparecen en la caja de la memoria del título. Caja que sirve a su hija para conocer a su madre, custodia durante mucho tiempo de secretos y misterios. Lástima que a pesar del esfuerzo y el sentimiento que a buen seguro habrán puesto sus artífices en la campaña, apenas traspase la pantalla y genere un mínimo de interés que provoque esa emoción que la historia sin duda alguna reclama. Queda así un bonito fresco sobre una época maldita en un país que apenas consigue emerger, por mucho que el reencuentro con la pandilla ochentera vislumbre una sofisticación y un estilo que exhibe más impostura y cliché importado del cine americano que otra cosa.

EL AMOR EN SU LUGAR Cultura en tiempos trágicos

Título original: Love Gets a Room

España-Reino Unido 2021 103 min.

Dirección Rodrigo Cortés Guion Rodrigo Cortés y David Safier, según la obra de Jerzy Jurandot Fotografía Rafael García Música Víctor Reyes Intérpretes Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Mark Ryder, Magnus Krepper, Freya Parks, Valentina Bellé, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda Estreno en el Festival de Sevilla 10 noviembre 2021; en salas 3 diciembre 2021

Al director auriense Rodrigo Cortés le gusta el más difícil todavía. Sorprendió obligando a Ryan Reynolds a mantenerse dentro de un ataúd durante hora y media en Enterrado, y luego se atrevió nada más y nada menos que con Robert de Niro y Sigourney Weaver en Luces rojas. El amor en su lugar es una ambiciosa producción con intérpretes desconocidos y un trabajo de recreación extraordinario que pasa incluso por una excelente partitura de Víctor Reyes, que ya en otra película compleja, Grand Piano, se vio obligado a componer un improbable concierto con más partes orquestales que de solista para facilitar sus exigencias narrativas. El amor en su lugar es una comedia musical que se representó algunas semanas en 1942 en el gueto judío de Varsovia, en condiciones sumamente difíciles e incómodas. De la obra solo se pudo recuperar el texto de Jerzy Jurandot pero no su música, ahora compuesta en su integridad por Reyes siguiendo los códigos del género, la época y el lugar con total acierto. Sirve como pretexto para una historia de suspense y supervivencia. Mientras la compañía representa la pieza ante un público entusiasmado aunque aterido, entre bambalinas algunos planean fugarse del gueto mientras se preguntan por el amor, correspondido o no, como antídoto para el dolor insufrible infligido por las fuerzas de la Gestapo desplegadas en el lugar. Toda la película se convierte así en un tour de force en el que abundan los planos secuencia y se logran momentos de enorme intensidad dramática, además de ofrecer un estimable espectáculo musical y otra desgarradora crónica de la mayor crueldad imaginable perpetrada por el hombre contra el hombre.

TRES PISOS Tango de dolor y desconcierto

Título original: Tre piani
Italia-Francia 2021 120 min.
Dirección Nanni Moretti Guion Nanni Moretti, Federica Pontremoli y Valia Santelli, según la novela de Eshkol Nevo Fotografía Michele D’Attanasio Música Franco Piersanti Intérpretes Riccardo Scarmacio, Alba Rohrwacher, Nanni Moretti, Margherita Buy, Alessandro Sperduti, Stefano Dionisi, Adriano Gianini Estreno en el Festival de Cannes 12 julio 2021; en Italia 23 septiembre 2021; en España 10 diciembre 2021

Hace tiempo que Moretti anda obsesionado con las relaciones paterno filiales, siempre desde un punto de vista en el que prima el dolor y la decepción. Esta su última película podríamos considerarla el punto cumbre de esta corriente, con un puñado de personajes que habitan un mismo edificio romano, sufriendo distintas desavenencias provocadas por esas relaciones a menudo equivocadas o mal encauzadas. Hay en el conjunto, a partir de la novela en que se basa pero sin que Moretti haya limado asperezas, muchos puntos discutibles o inaceptables desde el punto de vista moral. Mujeres doblegadas, jóvenes cuya provocación justifica el mal comportamiento del macho, y muchas salidas de tono en un plantel en el que sin embargo abunda la contención y la elegancia. Una vez más nos encontramos en un ambiente burgués de pisos elegantes y buen gusto escolástico, que suele ser el más elegido para esconder miserias y tragedias. Pero el buen pulso y la habilidad del director hace que emocione y afecte, a lo que no es ajeno un reparto sumamente atractivo, especialmente la siempre espléndida Margherita Buy. El resultado general es un film tristísimo y doloroso, digno de reflexión y análisis a pesar de esos detalles que tan poco sirven al progreso educativo y sentimental de nuestra sociedad.

FABIAN. GOING TO THE DOGS Desquicie formal y temático

Título original: Fabian oder Der Gang vor die Hunde
Alemania-Austria 2021 176 min.
Dirección Dominik Graf Guion Dominik Graf y Constantin Lieb Fotografía Hanno Lentz Música Sven Rossenbach y Florian Van Volxem Intérpretes Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn, Petra Kalkutschke Estreno en el Festival de Berlín 10 junio 2021; en Alemania 5 agosto 2021

Los convulsos y libertinos años berlineses previos a la proclamación del nazismo sirven al controvertido director alemán Dominik Graf para hacer un film tan radical y desconcertante como el que nos ocupa. Ya sus tres horas de duración son una provocación, pero la enorme cantidad de recursos narrativos, su anárquica estructura, el concurso de tantos tics estéticos, desde la cámara agitada a los flashbacks súbitos, los mil y un detalles que no acertamos a entender si sirven o no a la historia, esa voz en off que acaba confundiendo más que aclarando, y el tono grotesco de casi toda la función, hacen que tardemos en enganchar, o incluso no llegar a hacerlo, y que por mucho que esperásemos un film académico pero lúcido sobre aquella fascinante ápoca y el escenario que la vivió, no podamos sino rendirnos al mérito de poner en pie un trabajo tan complejo y arriesgado y acabar incluso conmoviéndonos. No llega a ser cine experimental pero en cierto modo sí resulta bastante innovador, aunque muy difícil como para destinarlo al consumo mayoritario. Lo que en un principio no es sino una historia de amor y amistad con tres vértices, acaba convirtiéndose quizás en un producto indigesto al que sin embargo no podemos negarle el mérito de querer contar su historia de manera tan insólita y atrevida.