LA INVASIÓN DE UCRANIA

El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyectó hace dos ediciones la película Atlantis, toda una premonición de la devastación que hoy sufre Ucrania y que entonces tenía su punto de partida en la Guerra de Crimea. En este enlace reproducimos la impresión que nos provocó entonces esta singular y profética película.

Estreno en salas de MARTIN EDEN

Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla en noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 18 diciembre 2020

REINA DE CORAZONES La improcedente madrastra del cuento

Título original: Dronningen
Dinamarca 2019 127 min.
Dirección May el-Toukhy Guion Maren Louise Käehne y May el-Toukhy Fotografía Jasper Spanning Música Jon Ekstrand Intérpretes Trine Dyrholm, Gustav Lindh, Magnus Krepper, Liv Esmar Dannemann, Silja Esmar Dannemann, Tine Gyldenkerne, Preben Kristensen Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2029; en Dinamarca 28 marzo 2019; en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2019; en España 28 febrero 2020

Lo que en un principio parecía ser un relato de liberación sentimental y sexual de una mujer madura encorsetada en una vida cómoda y convencional, y motivada por una profesión que le lleva a lidiar con mujeres violadas y maltratadas en búsqueda de cierto empoderamiento femenino, se convierte paulatinamente en una inconveniente e improcedente extensión del rol más agresivo y perverso de femme fatale. Cuesta asumir que la disparatada trama sea producto de dos mujeres, lo que nos lleva a concluir que a menudo son ellas sus principales enemigas, y lo constatamos cuando la hermana de la protagonista le da la espalda justificándose en convencionalismos morales tradicionales.

Es cierto que esta abogada, improbable madre de dos niñas demasiado jóvenes, se muestra poco acertada y menos inteligente a la hora de abordar esta supuesta liberación de la carne y el deseo más primitivo en el ámbito estrictamente doméstico, pero de ahí a convertirla en la villana más pérfida imaginable, algo de lo que se encarga de dejar muy claro al continua lectura de Alicia en el país de las maravillas, donde habita esa Reina de corazones del título, va un peligroso trecho. No es de recibo recurrir en estos delicados tiempos de machismo destructivo a un arquetipo del cine y la narrativa de antaño, ese que desde tiempos de Shakespeare hace de la mujer un personaje maquiavélico y manipulador. 

Habrá quien aplauda el proceso, creyendo estar ante un thriller absorbente y enfermizo. A nosotros nos parece más bien un mamarracho además dilatado innecesariamente y por momentos aburrido, sin por ello obviar que está elegantemente filmado en los típicos parajes primaverales y casas de diseño nórdico tan recurrentes, y que su popular protagonista, Tryne Dyrholm, lo da todo en esta función solo y exclusivamente para ella, incluida una felación que intuimos sin miedo a errar estará trucada.

Estreno de LA FAMOSA INVASIÓN DE LOS OSOS EN SICILIA

Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 13 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 28 febrero 2020

Estreno de EL PLAN

Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 12 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 21 febrero 2020

Estreno de SINÓNIMOS

Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 13 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 14 febrero 2020

Estreno de SOLO NOS QUEDA BAILAR

Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 8 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 7 febrero 2020

Estreno de EL REFLEJO DE SYBIL

Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 11 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 10 enero 2020

Estreno de EL SILENCIO DEL PANTANO

Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 15 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 1 enero 2020

Estrenos de GLORIA MUNDI, EL JOVEN AHMED y EL TRAIDOR

GLORIA MUNDI
Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 9 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 29 noviembre 2019

EL JOVEN AHMED
Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 8 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 5 diciembre 2019

EL TRAIDOR
Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 15 noviembre 2019
Estreno en salas comerciales 5 diciembre 2019

INTEMPERIE Un país mata perros

España-Portugal 2019 103 min.
Dirección Benito Zambrano Guion Pablo Remón, Daniel Remón y Benito Zambrano, según la novela de Jesús Carrasco Fotografía Pau Esteve Birba Música Mikel Salas Intérpretes Luis Tosar, Jaime López, Luis Callejo, Vicente Romero, Kandido Uranga, Paz de Alarcón, Mona Martínez, Miguel Flor de Lima, Yoima Valdés, María Alfonsa Rosso Estreno en el Festival de Valladolid 19 octubre 2019; en el Festival de Sevilla 8 noviembre 2019; en salas comerciales 22 noviembre 2019

Independientemente de lo buena película que nos pueda parecer, como todo lo que nos viene de la mano del director de Solas y La voz dormida, hay un par de cosas que nos molestan muchísimo y hasta hieren nuestra sensibilidad en esta su nueva película. La primera es la cantidad de animales que son maltratados en la ficción, desde una liebre a dos perros pasando por parte de un rebaño de ovejas. La segunda es el arsenal de armas que empuña, y algunas utiliza, el niño protagonista. Nos consolamos pensando en la conveniencia que tienen dentro de un argumento que combina el espíritu del western tradicional y el retrato de un país salvaje, empeorado por una guerra civil cruenta e inexplicable cuyas consecuencias aun estamos pagando casi un siglo después.

Benito Zambrano adapta la exitosa novela de Jesús Carrasco sobre la huida del horror más nauseabundo que emprende un niño a través de un paisaje árido e implacable, casi tanto como los corazones de quienes lo pueblan. La miseria más absoluta y la degeneración más sórdida, amparada por un sistema que encumbra la educación católica y los símbolos religiosos, se dan la mano en esta durísima crónica de una infancia truncada, una inocencia interrumpida y los más execrables instintos criminales imaginables. Todo forma parte de un paisaje agreste y diezmado, el de un país que mata perros, celebra corridas y muestra los instintos más salvajes, sórdidos y malvados posibles. Algo que hemos vivido incluso quienes nacimos en los estertores del régimen, y menos mal que en estos cuarenta años hemos aprendido y mejorado considerablemente, aunque el germen y el instinto siga ahí, en el adn de nuestra personalidad y conciencia.

No hace muchos que Lola Gaos mataba un perro sin simulación alguna en Furtivos, o que el idolatrado Félix Rodríguez de la Fuente provocaba peligros para que pobres animales fueran presa fácil de depredadores. Eso es y era España y si denunciarlo es lo que pretenden novela y película, valgan las atrocidades reflejadas, siempre que como confiamos sean mero truco y efectos especiales. No olvidemos que millones de votos nostálgicos han refrendado recientemente que éste siga siendo un país mata perros.

Por lo demás, Intemperie es una sólida imitación de western en el que no faltan símbolos tan identificables como el molino de viento o el duelo final, dentro del mismo paisaje árido y desértico en el que se filmaron tantos spaghetti-western, esta vez en la provincia de Granada. Un film más que estimable que respira una tensión insufrible y se beneficia de una narración fluida y atrayente, así como del sensacional trabajo de sus intérpretes, desde un Luis Callejo de sibilina maldad a un Luis Tosar sobrio y noble, pasando por la mirada atónita entre aterrada y rabiosa del niño Jaime López y la recreación friqui de un Manolo Caro maquillado como un horripilante tullido.

MADRE ¿Instinto maternal o trastorno masoquista?

España-Francia 2019 129 min.
Dirección Rodrigo Sorogoyen Guion Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña Fotografía Álex de Pablo Música Olivier Arson Intérpretes Marta Nieto, Jules Porier, Álex Brendemühl, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Raúl Prieto, Álvaro Balas, Blanca Apiláñez Estreno en el Festival de Venecia 30 agosto 2019; en el Festival de Sevilla 8 noviembre 2019; en salas comerciales 15 noviembre 2019

Además de por estrenar la que es sin duda su mejor película hasta la fecha, El reino, el pasado año fue especialmente brillante para Rodrigo Sorogoyen por la nominación al Oscar que recibió su cortometraje Madre, la angustiosa crónica de la conversación telefónica entre una madre y su hijo de solo seis años perdido en una playa a cientos de kilómetros de ella, en Francia. Su terrible desenlace abierto nos dejó con ganas de saber algo más de las circunstancias en las que se perdió y, sobre todo, qué fue de él y de su madre cuando salió de urgencia en su busca. Pensábamos que eso era lo que había movido al realizador a convertir el corto en largometraje y contarnos qué ocurrió diez años después de aquella tragedia. Sin embargo sigue sin arrojar apenas luz sobre el drama y en su lugar se inclina por intentar hacer un análisis psicológico de esta mujer destruida, de esta muerta en vida que ha decidido asentarse en el lugar donde perdió al hijo.

La idea es trazar una semblanza del instinto maternal, sin embargo el devenir de los acontecimientos irán más bien diseñando el sempiterno trastorno, en este caso de tintes considerablemente masoquistas, con el que el machismo ha identificado frecuentemente a la mujer. Marta Nieto interpreta, eso sí magistralmente, a esta mujer enterrada en vida, un fantasma que recorre absorta una y otra vez durante diez años la playa donde perdió a su hijo. Menos mal que en el empeño ha tenido suficiente juicio para encontrar un trabajo digno así como un amor bueno y verdadero que podría abrirle un horizonte más amable de la vida. Pero el encuentro fortuito con un joven volverá a provocarle el trastorno con el que Sorogoyen pretende definir su malogrado instinto maternal.

Como si Jill Claybrugh en La luna de Bertolucci, se entrega a un juego de atracción y seducción con este joven de dieciséis años en el que pretende ver a su hijo, algo así como aquel incesto bertolucciano pero sin prueba de maternidad. Afortunadamente todo este disparate lo rueda con elegancia y un perfecto dominio de los recursos, logrando incluso que sus dos horas largas resulten entretenidas, teniendo en cuenta por supuesto que los diez primeros minutos corresponden al cortometraje íntegro, de largo lo mejor y más impactante de una función que al final no ha colmado nuestra curiosidad ni tampoco conmovernos más allá de la indignación que provoca que una vez más se confundan sentimientos con taras en una visión que se pretende reveladora y no es sino extensión de un machismo marcado a fuego.

SEFF 2019. DIRTY GOD Curando cicatrices de la vida

Holanda-Reino Unido-Bélgica-Irlanda 2019 104 min.
Dirección Sacha Polak Guion Susie Farrell y Sacha Polak Fotografía Ruben Impens Música Rutger Reinders Intérpretes Vicky Knight, Katherine Kelly, Rebecca Stone, Bluey Robinson, Dana Marineci Estreno en el Festival de Rotterdam 23 enero 2019; en Holanda 25 abril 2019; en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2019

La actriz británica y asistente sanitaria Vicky Knight sufrió hace años un pavoroso incendio que le desfiguró el rostro y parte de su cuerpo. Esta circunstancia le ha permitido interpretar con total credibilidad a la protagonista de esta película, una joven llena de vida y esperanza que sufre el ataque con ácido de su novio. Una víctima del maltrato que se convierte tras duras y dolorosas intervenciones quirúrgicas en víctima de sí misma, por su irreponsabilidad como madre de una niña de dos años, por su juventud que le anima a buscar fiesta y coqueteo y por el lógico deseo que a su edad siente por el género masculino. A lo largo de sus casi dos horas seguimos otro particular via crucis al que el cine es tan aficionado, en un proceso que parece de transformación de quien solo pueda curar sus cicatrices con caídas y más sufrimiento, aunque procurando afortunadamente no cargar demasiado las tintas. Meteduras de pata, malas compañías y una tendencia en su entorno al rechazo y hasta la maldad irán confluyendo en un relato y un retrato que no aporta mucho al tema, ni del maltrato de género ni de cierta juventud descarriada y poco responsable. Un trato algo superficial y poco acertado de una realidad que demandaba más ingenio y mayores dosis de inteligencia, seguridad y precisión.

SEFF 2019. UNA VEZ MÁS Amores de vidas pasadas

España 2019 112 min.
Guion y dirección Guillermo Rojas Fotografía Jesús Perujo Música Pablo Cervantes Intérpretes Silvia Acosta, Jacinto Bobo, Teresa Arbolí, Julia Rodríguez, Celia Vioque, Beatriz Arjona, Cristina Domínguez, Jorge Naranjo, Asier Iturriaga, Pablo Llamas, Guillermo Rojas Estreno en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2019

Más que agradable la sorpresa que nos ha brindado el joven realizador cordobés Guillermo Rojas con este brillante debut en el largometraje tras un par de cortos de entrenamiento. Con el apoyo de la televisión pública andaluza y la complicidad de amigos y colegas, perceptible incluso en los escenarios en los que ambienta su historia, Rojas nos cuenta una delicada y tierna historia de amor truncada por uno de los grandes problemas que ha acuciado a su generación, la fuga de cerebros propiciada por la crisis económica y la incompetencia sistemática de nuestros políticos. Silvia Acosta interpreta con asombrosa naturalidad a una joven treintañera que regresa a Sevilla tras cinco años viviendo y trabajando en Londres, donde ha logrado afianzar la carrera que en su propia casa se le negó. El reencuentro con quien fue su más importante relación sentimental hasta el momento, un joven interpretado con naturalidad y simpatía por Jacinto Bobo, tras esos cinco años sin dar señales de vida ni en las ocasiones en las que visitó a su familia en su ciudad natal, dará paso a una agradable jornada entre confesiones, reproches y tentaciones en marcos incomparables de la ciudad, algo que algunos se apresurarán a tachar de postal turística y que en realidad no es más que consecuencia de vivir en una ciudad tan disfrutable como ésta. Es fácil sentirse identificado en más de un aspecto con esta hermosa película, con sus paseos por la ciudad, las sensaciones y olores de un paisaje que se convierte en tercer protagonista y vértice de un triángulo amoroso cuya resolución justifica la trama y la intriga a la que astutamente nos somete el realizador y guionista. Dice haber incluido en la historia muchas cuestiones y experiencias personales, algo muy habitual en una ópera prima, y desde luego se notan también sus filias y aficiones, incluida esa visita al cine para ver una película de Jonás Trueba, modelo en el que parece inspirarse Rojas. Pero él consigue algo más sincero, menos impuesto y artificioso que las películas del hijo de Fernando Trueba, más sencillo y asequible y por lo tanto más proclive a suscitar la complicidad e identificación del espectador y la espectadora. La cinta está realizada con tanta delicadeza y sensibilidad que a veces la cámara es imperceptible y parece que estamos cerca de los protagonistas, retratados la mayoría de las veces en primerísimos planos, viviendo sus experiencias y disfrutando de sus emociones. El resultado es la sensación una vez más de que vivimos muchas vidas a lo largo de nuestra existencia y que es inútil querer recuperar alguna de las pasadas. Un film así merece estrenarse ya y no quedar relegado a una mera programación televisiva.

SEFF 2019. EL TRAIDOR Crónica de una tragedia infinita

Título original: Il traditore
Italia-Francia-Alemania-Brasil 2019 153 min.
Dirección Marco Bellocchio Guion Marco Bellocchio, Valia Santella, Ludovica Rampoldi, Francesco Piccolo y Francesco La Licata Fotografía Vladan Radovic Música Nicola Piovani Intérpretes Pierfrancesco Favino, Luigi Lo Lascio, Fausto Russo Alesi, Maria Fernanda Cândido, Fabrizio Ferracane, Nicola Calì, Giovanni Calcagno, Bruno Cariello Estreno en el Festival de Cannes y en Italia 23 mayo 2019; en el Festival de Sevilla 15 noviembre 2019

Decíamos a propósito de películas como Vincere, Sangre de mi sangre o Buenos días, noche, todas dirigidas por Marco Bellocchio en los últimos quince años, que se había quedado anquilosado en una forma anticuada y rancia de hacer cine. Solo Felices sueños se salía un poco de esta tónica y nos regalaba una experiencia al menos conmovedora. Pero resulta que se embarca en un ambicioso proyecto sobre Tommaso Buscetta, el capo de la Cosa Nostra que destapó los crímenes de un buen puñado de mafiosos y abrió los célebres procesos del juez Falcone en los años noventa del pasado siglo, y consigue una de sus mejores y más intensas películas. Toda una crónica sobre la gran tragedia italiana, esa misma ciénaga de crímenes, intrigas y traiciones que ya practicaban los antiguos romanos y que tanto inspiraron los grandes dramas shakesperianos. Va de talante y de temperamento, y por eso hay muchos motivos para la hilaridad en una película que muestra estos grandes procesos como si se tratara del gran narcocirco italiano, un espectáculo de bravuconadas, esperpentos e improperios que no pueden sino provocar la risa, inconscientes de convertirnos en cómplices de una tragedia de proporciones infinitas. Una gran interpretación de Pierfrancesco Favino, una estupenda ambientación y diversas localizaciones, además del buen oficio de Nicola Piovani en la música, son otros alicientes de una cinta que a algunos nos ha recordado esa otra gran crónica trágica del crimen organizado que dirigió Michele Placido en 2005, Romanzo criminale. La jugada le ha salido rentable a Bellocchio y ya compite con Polanski y Almodóvar en los Premios del Cine Europeo en las mismas categorías: película, director, actor y guion.

SEFF 2019. EL SILENCIO DEL PANTANO Thriller entretenido pero superficial

España 2019 87 min.
Dirección Marc Vigil Guion Sara Antuña y Carlos de Pando, según la novela de Juanjo Braulio Fotografía Isaac Vila Música Zeltia Montes Intérpretes Pedro Alonso, Nacho Fresneda, Carmina Barrios, Maite Sandoval, Álex Monner, Javier Godino, José Ángel Egido, Raul Prieto, Zaira Romero Estreno en el Festival de Sevilla 15 noviembre 2019

Después de un exitoso paso por la televisión pública, dirigiendo series como El ministerio del tiempo o Malaka, el asturiano Marc Vigil debuta en el largometraje con el oficio bien aprendido, sobre todo en lo técnico. Como muchas de estas producciones impecablemente rodadas, con acabados formales de primer orden y recursos sobrados, a los que nos tiene acostumbrados nuestro cine, detrás no hay mucho que rascar, lo que no deja de ser una pena cuando el material de partida es tan prometedor. Y no nos referimos a la novela, que desconocemos, sino al fondo político de corrupción y perversión en la comunidad valenciana que retrata, extensible a todo el país. Una trama de crímenes, corrupción y narcotráfico con buen ritmo y considerable interés, pero que no se moja suficiente a la hora de denunciar cuestiones tan graves como las que discretamente anuncia. Queda finalmente un producto coyuntural, entretenido y bien interpretado, especialmente por Carmina Barrios, que en sus papeles habituales no hay quien la supere, o Nacho Fresneda, que recrea un personaje de perdedor malo antológico. Buena fotografía, interesante banda sonora, quizás demasiado presente, y unas localizaciones en Valencia que, aparte Ciudad de las Artes y las Ciencias y Albufera, muestran lo más cochambroso de tan bella ciudad. Al menos consigue un nivel bastante más digno que otras producciones españolas en clave de thriller y asesinos en serie que hemos visto recientemente.

SEFF 2019. JUANA DE ARCO Postal musical de aficionados sobre un personaje trillado

Título original: Jeanne
Francia 2019 137 min.
Guion y dirección Bruno Dumont, según la obra de Charles Peguy Fotografía David Chambille Música Christophe Intérpretes Lisa Leplat Prudhomme, Annick Lavieville, Justine Herbez, Benoît Robail, Alain Desjacques, Serge Holvoet, Julien Hanier, Christophe, Fabrice Luchini Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2019; en Francia 11 septiembre 2019; en el Festival de Sevilla 14 noviembre 2019

Francia tiene siempre su enfant terrible, y últimamente nadie mejor que Bruno Dumont parece merecer ese título. Desde 2006, cuando estrenó Flandres, un drama romántico y bélico que consiguió el Gran Premio del Jurado en Cannes, no ha hecho sino aumentar esa sensación de realizador caprichoso que se enfrenta a sus proyectos con una visión muy particular de la estética y la provocación. En el Festival de Sevilla lo hemos podido comprobar con Camille Claudel 1915, protagonizada por Juliette Binoche, y con la insufrible Ma Loute (La alta sociedad), que se llevó el Giraldillo de Oro contra pronóstico. Hace un par de años se enfrentó a la figura de Juana de Arco en clave de seudomusical en Jeannette, que aquí se tituló La infancia de Juana de Arco. Entonces contó con la jovencísima Lisa Lesplat en el rol principal, y otra joven al final a edad más madura. Ahora vuelve a ser Lesplat quien con solo doce años da vida a la heroína y santa francesa, aunque sigue aparentando ante la hoguera menos edad que quien le incorporó de mayor en la anterior entrega. Se trata de llevar al cine un díptico teatral de Charles Peguy, y el resultado de la segunda parte es este esperpéntico fresco histórico que parece rodado por aficionados. Antes la figura de Juana había sido objeto de películas de Dreyer, Victor Fleming con una Ingrid Bergman superados los treinta, o más recientemente Luc Besson. Solo Lelee Sobieski en una producción televisiva con dieciséis años parece reflejar mejor la apariencia más acorde de la protagonista. Lesplat solo contaba doce años cuando rodó esta improbable Juana de Arco parlanchina y redicha a la que dan réplica una serie de insufribles personajes en playas, campos, bunkers de la guerra y la Catedral de Aimes. Una producción ciertamente baratita en la que los interminables parlamentos se combinan con anacrónicas canciones de Christophe, mientras entre todos los despropósitos posibles aparece también una exhibición ecuestre digna de Jerez de la Frontera. A estas alturas sorprende que todavía estas historias eclesiásticas sigan mereciendo tanta atención, aunque sea para criticar la institución.

SEFF 2019. TECHNOBOSS Musical anti estrés laboral

Portugal-Francia 2019 112 min.
Dirección Joâo Nicolau Guion Joâo Nicolau y Mariana Ricardo Fotografía Mário Castanheira Música Pedro Da Silva Martins, Norberto Lobo y Luis José Martins Intérpretes Miguel Lobo Antunes, Luísa Cruz, Américo Silva, Duarte Guimarâes, Matias Neves, Tiago Garrinhas, Sandra Faleiro, Ana Tang Estreno en e Festival de Locarno 11 agosto 2019; en Portugal 7 noviembre 2019; en el Festival de Sevilla 14 noviembre 2019

Como casi todo lo que nos llega a través de festivales del vecino Portugal, nos encontramos ante una insólita propuesta que combina musical con comedia, drama social y hasta romántico. Realizado tan precariamente que incluso un viaje a Sevilla es resuelto con un fundido en negro tras el que escuchamos las experiencias del protagonista en El Corte Inglés, seguido de una típica mesa de velador sevillano con cerveza y aceitunas y fondo negro, y rematado con el protagonista bailando el Aserejé de las Ketchup junto a su coche, de cuya radio sale este éxito de los noventa. El hilo argumental gira en torno a un hombre ya maduro, próximo a la jubilación, que se dedica a suministrar a grandes y pequeñas empresas mecanismos de seguridad que no siempre funcionan correctamente. Su buen talante e infinita paciencia hace que se tome esta última etapa de su vida laboral con extrema tranquilidad, mientras intenta seducir a la encargada de la consejería de un hotel de lujo y lidia con su hijo, nieto y jefe, siempre bajo la supervisión y los buenos consejos de un hipotético jefe con el que solo habla por teléfono y que es quien le inspira esa paciencia infinita. Todo esto puesto en escena con extrema pulcritud y economía de medios, incluidos algunos fondos pintados que francamente descolocan, pero con ese encanto que saben desplegar los portugueses y que se extiende a unas canciones amables y distendidas. Evidentemente no vale gran cosa pero se deja ver aunque sea como producto extraño, simpático y un punto marciano.

SEFF 2019. ATLANTIS Devastación tras la guerra

Ucrania 2019 106 min.
Guion, fotografía y dirección Valentyn Vasyanovych Intérpretes Andriy Rymaruk, Liudmyla Bileka, Vasyl Antoniak Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2019; en el Festival de Sevilla 13 noviembre 2019

Todo el poder devastador físico y moral de una guerra concentrado en unas cuantas secuencias en las que recorremos el peregrinaje de un hombre que sufre síndrome de estrés postraumático por una Ucrania devorada por la guerra de 2015 que acabó con la anexión de Crimea a Rusia. La acción transcurre diez años después de aquella fecha, con un país desolado y casi sin esperanza. La violencia interiorizada en quienes lucharon en la guerra, la crisis de la industria siderúrgica y un país sembrado de minas y cadáveres son los ambientes por los que este ex soldado realiza su particular via crucis diario. Una serie de largas secuencias sin elipsis y con vocación minimalista componen la particular estructura de esta cinta premiada en la sección Horizontes del pasado Festival de Venecia. El sufrido protagonista encontrará el camino de redención y esperanza en una especie de ONG que recupera los cadáveres enterrados en fosas comunes e investiga sus identidades, algo que en nuestro país tendría que haberse hecho hace mucho tiempo y no darle tantas vueltas. Este trabajo humanitario e identitario y la relación que entabla con una compañera se convertirán en válvula de escape para salir de esa crisis traumática en la que se encuentra, curar heridas y aliviar tanto dolor acumulado. En el proceso se corre el peligro de que el espectador pierda el interés, debido a un ritmo premioso y la deliberada dilatación de las secuencias, pero no cabe duda de que su director tiene las ideas muy claras y sabe perfectamente convertir su intención en realidad, quizás por eso se encarga también del guion y la fotografía, por cierto muy preciosista.

SEFF 2019. SINÓNIMOS No queda donde ocultarse

Título original: Synonymes
Francia-Israel-Alemania 2019 123 min.
Dirección Nadav Lapid Guion Nadav Lapid y Haim Lapid Fotografía Shai Goldman Intérpretes Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louis Chevillotte, Uria Hayik, Olivier Loustau, Yehuda Almagor, Léa Drucker Estreno en el Festival de Berlín 13 febrero 2019; en Israel 28 febrero 2019; en Francia 27 marzo 2019; en el Festival de Sevilla 13 noviembre 2019

Nadav Lapid, que tanto sorprendió hace cinco años con La profesora de parvulario, sigue confiando en la fuerza de las palabras y en este caso particular del idioma como herramienta para expresar nuestras emociones y sentimientos y huir de aquello que nos disgusta o perturba. Yoav es un joven israelí que aterriza en París para trabajar en su embajada como personal de seguridad. Sin embargo pronto descubriremos que su razón para buscar su sitio en la capital francesa es huir de una guerra permanente, la que sufre y provoca su país desde que se proclamó como estado. Claro que esto es simplificar mucho las cosas en un film en el que el extraño comportamiento de un joven que parece más que trastornado va fijando el devenir de los acontecimientos, todo en un conjunto en el que se percibe una fuerte tensión sexual, exprimida por las miradas y los cuerpos cercanos y una generosa exhibición de la hermosa anatomía del protagonista. Habría que manejar los recursos y lenguajes que el director israelí parece querer estar instaurando en esta cinta con la que obtuvo el Oso de Oro en Berlín, para poder analizar en su justa medida y sin miedo a equivocarnos el posible trasfondo que parece querer transmitir un film tan caprichoso como pretencioso. Pero la ciudad de la luz no parece ser ya el lugar idóneo para hacer volar la imaginación; también allí se ha establecido el caos y la represión y puede que Yoav no encuentre su lugar en el mundo.