AFECTOS CORRESPONDIDOS EN UN PANORAMA ANDALUZ

Una familia con dificultad para conciliar trabajo y afecto en un Madrid escenario de imaginativas aventuras, y tres historias de terror para pasar una noche donde los sueños y el subconsciente se dan la mano con el amor, constituyen este bloque presentado en Panorama Andaluz del pasado Festival de Sevilla

OJALÁ MAÑANA

España 2020 69 min.
Dirección Ignacio G. Merlo Guion Manuel Luis, Igancio G. Merlo y Sebastián Fernández Fotografía Polina Stoynova Música Gonzalo de la Serna y Sebastián Fernández Fuentes Intérpretes Lola Fernández Comesaña, Olaia Comesaña Aragón, Sebastián Fernández Fuentes, Carolina Olmedo, Alfonso Begara, Isbel Pinar Roa, Antonio Revuelta, Manuel Luis, Lorena Alberca, Iñaki Puche, Juan Fernández, Mercedes Fuentes Estreno en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2020

El caso del malagueño de nacimiento y granadino de adopción Ignacio Guarderas es bastante singular. Lleva una década dirigiendo películas que no han visto la luz en ningún formato de exhibición salvo festivales especializados. Y es una pena porque a juzgar por esta su última película, presentada dentro de la sección de panorama andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla, su cine resulta muy interesante. Ojalá mañana es, como sus otras tres películas, un film realizado entre amistades y familiares, cada uno y una manteniendo su propia identificación de la vida real, con una frescura y un cariño que se hace evidente en toda la extensión, estética y psicológica, de la propuesta.

En esta ocasión el relato se divide en dos partes bien diferenciadas, la primera para presentar una familia humilde que vive en Madrid sorteando todo tipo de inconvenientes para conciliar su vida laboral y familiar. Padre y madre se dividen las tareas del hogar y la calle, mientras combinan también el cuidado de su hija de siete años, quien parece seguir los pasos de su madre, aspirante a actriz, desarrollando una considerable habilidad para la imaginación y la creatividad. Esto dará paso a una sorprendente segunda parte con las calles del centro histórico de Madrid y el Parque del Retiro como mágico entorno en el que la niña vive una serie de sorprendentes e imaginativas aventuras.

Todo ello rodado con talento, frescura y notable economía de medios que lejos de funcionar como obstáculo, sirve sobradamente a su propósito, lográndose en conjunto una más que satisfactoria película que debería haber contado, según nuestro juicio, con un mayor reconocimiento y cobertura, abriendo por fin paso a que las películas de Guarderas sean disfrutadas por un público por supuesto selecto pero más amplio. 

LLEGA LA NOCHE

España 2020 72 min.
Dirección Hilario Abad Guion Hilario Abad, Pedro Vasallo y José Luis Bustillo Fotografía Miguel Ángel Trujillo Música Juan Marchena Intérpretes Gema Abad, José Luis Bustillo, Andrea del Pino Gutiérrez, Marie Delgado Trujillo, Montse Rueda, Irmina Majchrzak, Nicolás Montoya, Inmaculada Salmoral, Israel Frías Estreno en el Festival de Sevilla 10 noviembre 2020 

En su primer largometraje como director, después de varias experiencias en la escena como director del espectáculo Destino Verdi del Teatro Villamarta de Jerez, y en cine como montador de la película Ouroboros, el gaditano Hilario Abad se atreve con la fantasía y el terror pero desde un ángulo novedoso y desde luego bastante enigmático. Cuenta tres historias, cuya intensidad dramática va de menos a más en dedicación y metraje. La primera la narra en animación sobre una comunidad devorada por una montaña habitada por misteriosas estalagmitas; la segunda nos lleva a mediados del siglo pasado a Polonia, donde una niña busca desesperadamente el pie de su madre, muerta en desagradables circunstancias; y la tercera a una casa en el campo donde una pareja exorciza sus miedos con macabras historias.

Resulta difícil adivinar la relación entre estas tres historias, dos de las cuales se combinan aleatoriamente, salvo por la influencia del pasado en nuestros sueños y subconsciente. Sin embargo merece destacarse el fresco y espontáneo trabajo de la joven pareja protagonista del tercer y más desarrollado relato, haciendo hincapié en el recurso al cariño y el afecto como arma defensiva, así como la capacidad del equipo para transmitir una atmósfera enrarecida y cierto desasosiego. El resto la verdad es que no da para más.

DOS MIRADAS ADVERSAS AL CAMPO ANDALUZ

Aún pendientes de estreno, estas dos películas andaluzas suman varias nominaciones en los Premios Asecan. Dos miradas al campo andaluz, una pretende ser luminosa, la otra cruel, pero ambas inciden en la dificultad de superar la mentalidad de sus gentes, en el pasado y en el presente.

AL ÓLEO

España 2019 80 min.
Dirección Pablo Lavado Guion Andy Anderson, Christian Grajeras y Pablo Lavado Fotografía Mireya Muñoz Música José López López y Antonio Mérida Intérpretes Sarah Benavente, José Pastor, Jesús Moya, Juan Antonio Hidalgo, Chico García, Miriam Torres Misas, Pilar Jiménez Estreno en el Festival de Málaga 15 marzo 2019 

Torpe aunque bienintencionado debut en la dirección del malagueño Pablo Lavado, rodada íntegramente en la localidad de Casarabonela, en la Sierra de las Nieves, y presentada en el Festival de Málaga de 2019 sin que aun haya encontrado hueco en salas comerciales. Narra salidas del armario y experiencias de descubrimiento sexual en un ambiente rural, con los prejuicios del campo y la mentalidad presuntamente obtusa de quienes ya ni siquiera pertenecen a una generación anclada en tan arcaicas mentalidades, lo que hace difícil identificarse con su mensaje y entorno.

Está además rodada con considerable falta de ritmo, interpretaciones algo angostas y una puesta en escena demasiado doméstica y rutinaria. Se nota no obstante el cariño puesto por los y las integrantes de su equipo técnico y artístico, repitiendo esquemas sobradamente transitados en ese cine comercial en el que pretende adscribirse, como esa sucesión de canciones diseñadas para ilustrar secuencias pretendidamente cálidas y amables en las que quedan expuestos los encantos de su joven reparto. 

LA MANCHA NEGRA

España 2020 90 min.
Dirección Enrique García Guion Enrique García e Isa Sánchez Fotografía José Antonio Crespillo Música Jesús Calderón Intérpretes Virginia de Morata, Pablo Puyol, Virginia Muñoz, Cuca Escribano, Aníbal Soto, Juanma Lara, Sebastián Haro, María Alfonsa Rosso, Noemí Ruiz, Natalia Roig, Ignacio Nacho, Joaquín Núñez 

Enrique García vuelve a contar con Virginia de Morata, galardonada con el premio a la mejor actriz en los Asecan de 2015 por 321 días en Michigan, con la que García ganó además el premio al mejor director novel, en este más elaborado y ambicioso trabajo donde nos cuenta un drama escabroso y disparatado con herencia familiar de por medio. Ambientada en los estertores del franquismo seguramente con idea de exhibir tipologías humanas y atmósferas directamente entroncadas con la represión y la maldad imperante en la época, García cuenta una truculenta historia en la que el párroco de un pueblo olivarero jienense mantiene atemorizado a todos sus habitantes en venganza hacia la familia que regentaba la empresa que daba trabajo a la mayoría de los y las aldeanas.

Aunque las interpretaciones en su mayoría son forzadas, y en demasiadas ocasiones se sufre la falta de una buena dicción, y hay una considerable falta de ritmo hasta que llega el gran guiñol final, tan disparatado como divertido, en una especia de delirium tremens que hasta se agradece tras una hora de tedio, no se puede negar que la cinta está bien rodada, cuidada su fotografía y banda sonora, con una ambientación adecuada y cierta pericia en la dosificación de su misterio. Pero nada de eso es suficiente para defender una obra que se revela decididamente malograda.

LA INCREÍBLE HISTORIA DE DAVID COPPERFIELD Un clásico con nuevo estilo Benetton

Título original: The Personal History of David Copperfield
Reino Unido 2019 119 min.
Dirección Armando Iannucci Guion Armando Iannucci y Simon Blackwell, según la novela de Charles Dickens Fotografía Zac Nicholson Música Christopher Willis Intérpretes Dev Patel, Tilda Swinton, Hugh Laurie, Peter Capaldi, Morfydd Clark, Ben Whishaw, Benedict Wong, Darren Boyd, Gwendoline Christie, Paul Whitehouse, Aneurin Barnard, Daisy May Cooper, Nikki Amuka-Bird, Rosalind Eleazar, Jairaj Varsani, Anthony Welsh Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2019; en Reino Unido 24 enero 2020; en España (internet) 4 diciembre 2020 

Aunque parezca extraño, una de las novelas puntales de Dickens apenas ha recibido atención por parte del cine, y aunque ya a comienzos de éste fue adaptada en un par de ocasiones, la de George Cukor de 1935 permanece siendo la única versión de David Copperfield hecha directamente para el cine. La televisión ha fijado más su mirada en la vida y vicisitudes del que Dickens consideraba su más querida criatura, con adaptaciones memorables como la que Delbert Mann dirigió en 1969, y algunas más recientes como la que protagonizó Daniel Radcliffe en 1999, justo cuando se preparaba para ser Harry Potter.

Armando Iannucci saltó al cine en 2009 tras una década curtiéndose en la televisión. Su debut fue con la muy celebrada sátira política In the Loop, género que continuó cultivando en la serie Veep y en la película La muerte de Stalin. Su aportación ahora al muy transitado universo dickensiano se caracteriza más por su colorista puesta en escena, galardonada en los Premios Europeos del Cine, que por su audacia e ingenio narrativo. Pero sobre todo lo hace por su reparto multicultural, pues igual que recientemente hemos visto a Peter Pan y Alicia en la piel de niños negros, el Copperfield de Iannucci es el eternamente joven actor indio Dev Patel, mientras el resto de su numeroso séquito combina razas de todo el Mundo, sin respetar si quiera las correspondientes genealogías. Decíamos a propósito de Érase una vez… que no le veíamos el sentido a convertir en negros a personajes antaño concebidos de otro color, y que en lo que respecta a inclusión e igualdad el proceso nos parecía estéril e inútil. La diversidad se debe probar de otra manera, la inclusión debe ser real y efectiva y no un juego desconcertante sin sentido. Con estas soluciones lo único que se consigue es extender estereotipos de la raza entonces considerada dominante a otras razas, devorando su cultura y tradición, que es lo que realmente da sentido a la diversidad y la multiculturalidad.

Por lo demás, Iannucci se concentra en el aspecto más grotesco de la novela de Dickens, elimina sus episodios más dramáticos, por más que elija a una misma actriz para dar vida a la madre y esposa, aquí solo novia, del protagonista, potenciando así su posible complejo de Edipo, e introduce multitud de soluciones estéticas y efectistas con el único fin de epatar. De todo preferimos la estupenda banda sonora de Christopher Willis, quizás más épica y espectacular de lo conveniente, pero henchida de emoción, excelente orquestación e inspiradas melodías.

THE GLORIAS Feminismo transversal

USA 2020 139 min.
Dirección Julie Taymor Guion Sarah Ruhl y Julie Taymor, según el libro de Gloria Steinem Fotografía Rodrigo Prieto Música Elliot Goldenthal Intérpretes Julianne Moore, Alicia Vikander, Ryan Kiera Armstrong, Lulu Wilson, Timothy Hutton, Bette Midler, Janelle Monáe, Angela Relucio, Olivia Jordan, Olivia Olson, Deetta West, Lorraine Touissant, Kimberly Norris Guerrero, Victor Slezak Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2020; en Estados Unidos (internet) 30 septiembre 2020; en España (no en Sevilla) 18 diciembre 2020 

La mirada y el estilo de Julie Taymor en el cine ha sido siempre cuando menos particular y en cierto modo rompedora. Lo fue en su forma de adaptar a Shakespeare en Titus, La tempestad y El sueño de una noche de verano, en su colorista biografía de Frida Kahlo, en su suntuoso musical a partir de los Beatles en Across the Universe, y en su celebrada puesta en escena para El rey león de Broadway, exportado a todos los países que lo han montado. Por eso su homenaje a una de las figuras claves del feminismo y la lucha por los derechos civiles en Norteamérica de los años sesenta y setenta, Gloria Steinem, no podía escapar a la original forma de hacer de la realizadora.

Cuatro actrices la interpretan a sus diferentes edades, aunque interactuando en más de una ocasión, como si se aconsejaran o avisaran unas a otras; incluso la propia Steinem interviene al final haciendo apostolado de su causa y la de millones de mujeres en todo el Mundo. Un personaje por lo tanto necesario y un relato que lo es aún más, por cuanto a Taymor y a Steinem no solo les interesa la lucha por los derechos de las mujeres, sino también por los de esas minorías durante tanto marginadas por razón de su color, raza, sexo, tendencia o condición; grupos dentro e los cuales existe a su vez la marginación de la mujer con distintos matices y consecuencias. Steinem, primero como periodista y luego como agitadora social, luchaba por la mujer dentro de lo que llamamos transversalidad. La caligrafía de Taymor es sencilla, a pesar de sus juegos estéticos y narrativos, con la inestimable ayuda de dos actrices en estado de gracia, la siempre excelente Julianne Moore y una Alicia Vikander que parece estar dándolo todo en su incorporación de la activista en sus años como periodista incipiente e inmiscuida en asuntos como el de las chicas Playboy para desenmascarar roles tradicionalmente destinados a la mujer en perjuicio de su dignidad e integridad como ser humano.

Una preciosista y precisa puesta en escena y un sinfín de interesantes episodios, combinados y bien manejados por las expertas manos de su realizadora, consiguen un espectáculo revelador e imprescindible, al que se prestan las inestimables intervenciones de grandes como Bette Midler y Janelle Monáe, además de la siempre interesante aportación en el apartado musical de Elliot Goldenhtal, esposo de Taymor, y un espectacular trabajo de la imagen por parte del operador Rodrigo Prieto, todo ello sazonado con un inquietante material de archivo.

PERFUMES para olfatos exquisitos y delicados

Título original: Les parfums
Francia 2020 100 min.
Guion y dirección Grégory Magne Fotografía Thomas Rames Música Gaëtan Roussel Intérpretes Emmanuelle Devos, Grégory Montel, Gustave Kervern, Zelie Rixhon, Sergi López, Pauline Moulène, Lisa Perrio, Sacha Bourdo Estreno en Francia 1 julio 2020; en España 30 diciembre 2020

No es casual que una película como ésta se confeccione en el país vecino. Francia ha estado siempre muy identificada y comprometida con los perfumes, con el olor como fuente de inspiración, arma para seducir y recurso para disfrutar más y mejor de la vida. Grégory Magne, que hasta ahora apenas había dirigido un par de documentales para la televisión y una película en colaboración con Stéphane Viard que no se ha estrenado en España, se apoya precisamente en este sentido para elaborar uno de esos exquisitos trabajos cuya amabilidad y cálido temperamento trasciende la pantalla para instalarse en nuestro subconsciente.

Aparentemente trata la sempiterna relación entre dos personas en principio antagónicas pero llamadas a entenderse sin que esto suponga ninguna sorpresa para el espectador. Sin embargo, lo que habitualmente constituye material para un drama o una comedia romántica, toma aquí otros caminos dirigidos a la consolidación de una amistad madura e inquebrantable que solucionará problemas de personalidad e identidad en una poderosa mujer antaño solicitada para crear los más extraordinarios perfumes de firmas como Dior, y ahora limitada a disimular malos olores y salvar a grandes empresas de fracasos relacionados con el olfato.

Por otro lado resolverá también los problemas, en esta ocasión financieros y familiares, en un humilde chófer a quien la providencia pondrá al servicio de la protagonista. A partir de aquí un sutil juego de seducción en favor de la amistad, la tolerancia, el respeto y el buen entendimiento, marcarán un viaje tan agradable como entretenido en el que brillan por supuesto las interpretaciones de sus protagonistas, con una radiante Emmanuelle Devos a la cabeza añadiendo otra gema a su brillante filmografía.

SOUL Prodigio de animación, música, comedia y drama

USA 2020 100 min.
Dirección Pete Docter y Kemp Powers Guion Pete Docter, Mike Jones y Kemp Powers Música Trent Reznor, Atticus Ross y Jonathan Batiste Voces (en versión original) Jamie Foxx, Tina Fey, Graham Norton, Rachel House, Alice Braga, Richard Ayoade, Phylicia Rashad, Donnell Rawlings, Questlove, Angela Bassett, Cora Champommier, Margo Hall, Daveed Diggs Estreno en el Festival de Londres 11 octubre 2020; en España y estados Unidos (internet) 25 diciembre 2020

Cuesta entender a veces cuáles son los criterios para en estos tiempos de restricciones estrenar en salas o hacerlo directamente en internet. Precisamente ahora que los exhibidores esperan como agua de mayo películas que llenen sus instalaciones, cintas como ésta, lo último de Pixar en un año en el que tanto nos ha conmovido y sorprendido Onward, son seguramente las más indicadas para aliviar la penosa situación por la que están atravesando las salas de cine, y sin embargo sus responsables han preferido destinarla directamente a la plataforma que Disney tiene en internet.

Un veterano, Pete Docter, curtido en películas como Monstruos, Up y Del revés, se ha asociado con un novato, posiblemente el alma del proyecto, Kemp Powers, para ofrecernos el último prodigio de la productora de animación, una vez más en colaboración con la omnipresente y omnipotente Disney. El título juega con un doble sentido, por un lado se trata de una cinta ambientada en el mundo del jazz y el soul, por otro trata con considerable profundidad el concepto del alma, eso que nos diferencia a unos seres humanos de otros, configura nuestra personalidad y condiciona nuestros sueños, deseos y aspiraciones. Este doble marco dramático y argumental da lugar también a un doble tratamiento formal, una combinación portentosa de estilos de animación que nos lleva del hiperrealismo neoyorquino a la síntesis abstracta de una dimensión más allá de nuestra propia existencia, que da juego incluso para diseñar algunos personajes al más genuino estilo picassiano.

Soul tiene seguramente el arranque más devastador que jamás hayamos experimentado en una película de animación. A partir de ahí su desarrollo, aunque salpicado de humor y personajes entrañables, deviene un tratado filosófico de primer orden, si bien para ello eche mano de elementos anclados en una tradición fundamentalmente religiosa en la que paisajes como el Más Allá y el Infierno parecen perpetuar un esquema demasiado rancio para los tiempos que corren. Sin embargo la estrategia sirve para de forma sencilla exponer cuestiones que tanto nos preocupan a los seres humanos, especialmente los que gozamos de ese estado del bienestar que nos permite experimentar sensaciones como la frustración o la depresión.

Prodigiosa en el diseño de personajes, en su elaboradísima animación, creación de espacios y tratamiento dramático tanto como su mensaje psicoanalítico, Soul es probablemente una de las mejores películas, más ingeniosas y sesudas de Pixar y una gozada que ni siquiera llega a jugar con la tan temible sensiblería. Pero además es un estímulo para los y las amantes del jazz, para lo que cuenta con los sensacionales arreglos de Jonathan Batiste, que se une a la vanguardista y etérea partitura original de Trent Reznor y Atticus Ross. Sin olvidar que en su impecable tratamiento la cinta cuida también muchísimo los roles de género, apostando con notable sentido del talento y el ingenio por la igualdad en todas sus vertientes.

CONFETI DE AÑO NUEVO PARA CELEBRAR LOS 30 DE LA ROSS

Concierto de Año Nuevo de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Marc Soustrot, director. Programa: Selección de La gaîté parisienne, de Offenbach; L’Apprenti sorcier, de Dukas; Trisch Trasch Polka, de Strauss jr.; Farandole de L’Arlesienne, de Bizet; 2º movimiento de la Sinfonía nº 6 de Chaikovski; Marcha húngara de La damnation de Faust, de Berlioz; An der schönen blauen Donau, de Strauss jr. Teatro de la Maestranza, domingo 3 de enero de 2021 

Foto: Guillermo Mendo

A falta de una semana para cumplir treinta años del concierto inaugural de la Sinfónica de Sevilla en el Lope de Vega, pero con la edad ya cumplida el sábado 2, el conjunto tuvo oportunidad de lucir su buena salud y revalidar su compromiso con el arte y la ciudad en el tradicional Concierto de Año Nuevo, esta vez marcado por la esperanza en que los trágicos acontecimientos del año recién despedido queden en un mero triste recuerdo, y el deseo de que los deberes bien hechos traigan como recompensa un 2021 gozoso, de aires limpios y renovados que afiancen nuestro obligado compromiso con el planeta que habitamos y devuelva a quien nos ataca el equilibrio que demanda. 

Tan importante cita con los y las melómanas de esta ciudad tuvo como garante una batuta que ha dirigido a la ROSS en infinidad de ocasiones en un pasado ya algo remoto, el veterano Marc Soustrot exhibiendo siempre con la orquesta una más que probada afinidad también ahora en este feliz y esperado reencuentro. Como viene siendo habitual en los últimos años, el de la Sinfónica de Sevilla no se limita a imitar el tradicional evento de origen indiscutiblemente burgués impuesto por la elegancia y el buen hacer vienés. Nuestro concierto paga el peaje de dos obras inevitables, el vals por antonomasia de la mano de El Danubio Azul, que Soustrot dirigió al final del concierto con toda la atención puesta en el matiz, la elegancia y el sentido justo y equilibrado del ritmo, y las palmas agradecidas de esa falsa propina que es la Marcha Radetzky de Johann Strauss padre, y que todos los años pone a prueba el envidiable sentido del ritmo y la mesura del público sevillano. 

Clásicos populares y eclécticos 

Marc Soustrot. Foto: Guillermo Mendo

El resto del programa, salvo la polca Trisch Trasch de Strauss hijo, dirigida con igual aplomo y sentido del ritmo y la alegría, estuvo integrado por páginas de incontestable interés dentro de un papel fundamentalmente coyuntural, festivo y digno de enmarcarse en el tradicional concepto de los clásicos populares. Entre éstos destacó un Aprendiz de brujo ofrecido con una gama de colores y registros sencillamente apabullante, a la altura no solo de la memorable página sino también de esa obra maestra indiscutible de la animación que es el episodio de igual título al que ilustra la música de Paul Dukas en la Fantasía disneyana. 

Podría parecer anticlimático, pero esa suerte de vals lento que es el segundo movimiento de la Patética de Chaikovski encajó a la perfección como nota melancólica, elegía por los seres queridos desaparecidos no ya en esta pandemia sino a lo largo de cada una de nuestras pequeñas historias individuales, que las fechas navideñas traen a nuestro recuerdo con más frecuencia quizás que en cualquier otra fecha del año. Soustrot lo dirigió con tanta delicadeza y la orquesta respondió con tanto respeto y consideración que logró el efecto seguramente pretendido. Pero no solo con calma se consigue un efecto melancólico, Soustrot extrajo de la Sinfónica unas texturas convenientemente gruesas en la amplia selección de La alegría parisina de Offenbach ensamblada y reorquestada por Manuel Rosenthal para el Ballet Ruso de Monte Carlo, de forma que parecía reproducir el estilo interpretativo austero, poderoso y recio de la época, allá por los treinta, de nuevo el número mágico, del siglo pasado. Un majestuoso arranque dio paso a un endiablado baile en la Farandole de L’Arlesienne de Bizet, mientras la Marcha húngara de La condenación de Fausto de Berlioz se resolvió con brío y sobrada agilidad. Desear que la temporada diseñada por la ROSS para celebrar su efemérides se lleve a cabo sin sobresaltos ni altibajos se convierte desde ya en objeto de nuestro más sincero brindis.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía