Estreno en salas de GAGARINE

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2020

Estreno en salas de PARÍS, DISTRITO 13, EL HOMBRE QUE VENDIÓ SU PIEL y VACA

Reseña de París, Distrito 13, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2021

Reseña de El hombre que vendió su piel, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2020

Reseña de Vaca, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de 2021

Estreno en salas de LA VIDA ERA ESO, ALEGRÍA y TRES PISOS

Reseña de las películas, estrenadas en Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla los días 7 noviembre 2020, 6 noviembre 2021 y 10 noviembre 2021

QUERIDOS CAMARADAS Olvidar los crímenes del Estado

Título original: Dorogie tovarishchi!
Rusia 2020 120 min.
Dirección Andrei Konchalovsky Guion Elena Kiseleva y Andrei Konchalovsky Fotografía Andrey Naidenov Intérpretes Yuliya Vysotskaya, Vladislav Komarov, Alexander Maskelyne, Andrei Gusev, Yulia Burova, Sergei Erlish Estreno en el Festival de Venecia 7 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2020; en Rusia 12 noviembre 2020; en España 9 julio 2021

Lo estamos viendo últimamente en las noticias que nos llegan de Cuba. Los regímenes, por muy autoritarios que sean, sobreviven, algunos a duras penas, mientras al pueblo no se le niegue el alimento. El bolsillo y el estómago es lo único que el hombre defiende a capa y espada por instinto. Lo hemos visto también aquí en un pasado reciente, cómo por muchos avances sociales en derechos y libertades, y por mucho que se terminase de raíz con la lacra del terrorismo, una equivocada gestión económica es capaz de acabar con un gobierno legítimo.

Siberiada y El cartero de las noches blancas sirven de paréntesis en la filmografía de Andrei Konchalovsky, fundamentalmente centrada en su largo periplo estadounidense, en el que se especializó en cine de cierta calidad pero hechuras de serie B, con cintas como El tren del infierno, Ansias de vivir, Vidas distantes, Homer y Eddie, Tango y Cash, El círculo del poder y una versión televisiva de El león en invierno. En Queridos camaradas, título irónico extraído de una popular canción soviética incluida en la banda sonora de una de las muchas películas propagandísticas del régimen, Konchalovsky recrea la masacre de Novocherkask, cuando en junio de 1962 los obreros de una fábrica de motores fueron a la huelga por la bajada de sueldos y la subida del precio de los alimentos, siendo reprimidos sanguinariamente por el KGB (Comité para la Seguridad del Estado), aunque aparentemente la responsabilidad fuera del ejército. La cinta se centra fundamentalmente en el esfuerzo del gobierno por silenciar lo ocurrido, algo también muy común incluso en los regímenes presuntamente democráticos, mientras para darle enjundia dramática, el argumento sigue la odisea de una afiliada y activista del partido cuya hija ha desaparecido en el incidente.

El director ruso combina la narrativa clásica aprendida en el cine americano con las hechuras europeas, más concretamente la última ola del centro de Europa que ilustra problemas relacionados con el antiguo telón de acero en blanco y negro y formato de pantalla reducido. El peso dramático lo lleva sobre todo la actriz Yuliya Vysotskaya, mientras el director exhibe buena mano y seriedad absoluta en su forma de ilustrar los acontecimientos, siempre desde un supuesto punto de vista neutral, como una crónica de la que cada cual es capaz de sacar sus propias conclusiones. Su trabajo le valió el Premio Especial del Jurado en Venecia y el de mejor director en el Festival de Chicago, mientras el de Sevilla lo incluyó en su sección oficial.

ESTRENO EN SALAS DE KAREN

Reseña de la película estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 8 de noviembre de 2020
Estreno en salas comerciales 4 junio 2021 

SIERVOS Problemas en la piel

Título original: Sluzobníci
Eslovaquia-Rumanía-Rep. Checa-Irlanda 2020 80 min.
Dirección Ivan Ostrochovský Guion Rebecca Lenkiewicz, Marek Lescák e Ivan Ostrochovský Fotografía Juraj Chlpík Música Cristian Lolea y Miroslav Toth Intérpretes Samuel Skyva, Samuel Polakovic, Vlad Ivanov, Vladimir Strnisko, Milan Mikulcík, Tomás Turek, Vladimir Zboron, Martin Sulík, Vladimir Obsil Estreno en el Festival de Berlín 24 febrero 2020; en República Checa y Eslovaquia marzo 2020; en el Festival de Sevilla noviembre 2020; en España 28 mayo 2021

Poco sorprende que para su segundo largometraje de ficción, después de las muy laureadas Velvet Terrorists y Koza, el director eslovaco Ivan Ostrochovský haya descubierto en el blanco y negro y formato cuadrado que el polaco Pawlikowski ha convertido en marca de estilo con Ida y Cold War, como pasaporte para contarnos una historia de lucha y represión en clave de cine negro. En Siervos cuenta la situación que vivió la Iglesia Católica en la antigua Checoslovaquia bajo régimen totalitario comunista. Con la jerarquía eclesiástica sometida al régimen a través de la asociación Pacem in Terris, la cinta tiene como protagonistas a un par de jóvenes seminaristas en principio inconformistas con que su fe y su vocación se vea mediatizada por la represión comunista.

Pero que nadie crea que asistimos a un episodio de combate heroico y lucha sin cuartel. Aquí todo es muy sobrio y solemne, víctima de una estética muy controlada y triste como corresponde a esa tradición cinematográfica de la antigua Europa del este, con una narrativa construida a fuerza de situaciones breves y concisas en las que la información fluye con dificultad, prácticamente obligando al espectador a interpretar su versión de los acontecimientos, su comprensión de la situación que viven de un lado los jóvenes con acusado acné y el policía secreta con problemas de piel que pretende darles caza. Problemas de piel a menudo relacionados con el stress, aquí solo visible en esas manchas y granos que emborronan sus físicos y que parecen ser consecuencia de una inocencia a la que todavía no se ha renunciado, de una parte, y de la otra el malestar de una existencia marcada por la represión y la persecución de los demás y la renuncia a unos ideales propios.

Su cuidada fotografía, con encuadres precisos y en ocasiones sofisticados, y sobre todo el uso del sonido, a menudo claustrofóbico y amenazador, y una banda sonora muy deudora del estilo Ligeti, todo lo cual hizo merecer a la película el Premio Georges Delerue del Festival de Gante, además de conseguir el de mejor dirección en Valladolid, hacen del film una aproximación nueva y para muchos discutible al género del terror.

ESTRENO EN SALAS DE SWEAT

Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 10 noviembre 2020
Estreno en España 21 mayo 2021

ESTRENO EN SALAS DE QUO VADIS, AIDA?

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 12 de noviembre de 2020

EL HOMBRE QUE VENDIÓ SU PIEL Sofisticado cuento sobre la libertad y el abuso del poder

Título original: L’homme qui a vendu sa peau
Túnez-Francia-Bélgica-Alemania-Suecia 2020 104 min.
Guion y dirección Kaouther Ben Hania Fotografía Christopher Aoun Música Amin Bouhafa Intérpretes Yahya Mahayni, Dea Liane, Koen De Bouw, Monica Bellucci, Saad Lotan, Darina Al Joundi, Jan Dahdoh, Christian Vadim, Marc de Panda, Najoua Zouhair Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2020; en Estados Unidos (internet) 2 abril 2021

Apenas tenemos referencias en España de la directora tunecina Kaouther Ben Hania, y sin embargo es una personalidad bastante reconocida a nivel internacional Su última película, este hombre que vendió su piel, se estrenó en el pasado Festival de Cine de Sevilla, y ahora alumbra nuestro interés tras recibir una inesperada nominación a los Oscar en su apartado de mejor película internacional.

Quizás lo más llamativo de la cinta esté en su sofisticado e intencionadamente moderno acabado formal. No es el tipo de película que esperamos ver de una cinematografía árabe, lejos de la miseria, del acabado tosco y la denuncia atroz y desesperada que de sus condiciones de vida y cultura rebosan las películas árabes que llegan a nuestras pantallas. Sin embargo Ben Hania se escuda en esta estética moderna y estilizada para incidir en esa brecha socio cultural que separa oriente de occidente, del legado de pobreza y decrepitud que hemos dejado en los continentes africano y asiático, y de la supremacía ejercida desde tiempos ancestrales por ricos sobre pobres, plasmado aquí de forma quizás algo tosca en el mundo del arte, sus abusos, caprichos y superficialidades.

Un hombre permite que su espalda se convierta en cotizada obra de arte merced al tatuaje, para así poder emprender un viaje que le lleve a reencontrarse con la mujer a la que ama, y de paso huir de un país, Siria, en llamas y un Líbano próximo a estarlo. Su anunciada sofisticación, el evidente atractivo de sus protagonistas, aunque Mahayini se preste en demasiadas ocasiones a la sobreactuación, y De Bouw al exceso de gestualidad, y una narrativa sencilla y amable hacen que el producto se disfrute con facilidad, pero con la sensación de que había mucho más que rasgar y que la empresa merecía una visión más cínica y devastadora de la que la estilista Ben Hania es capaz de ofrecer.

BIENVENIDOS A CHECHENIA La larga sombra del totalitarismo

Título original: Welcome to Chechnya
USA 2020 107 min.
Dirección David France Guion David France y Tyler H. Walk Fotografía Askold Kurov y Derek Wiesehahn Música Evgueni y Sacha Galperine Documental Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2020; en estados Unidos (HBO) 30 junio 2020; en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 6 noviembre 2020

David France firma con ésta su tercera película dedicada al colectivo para el que siempre ha trabajado a fondo como cineasta y activista, el LGTBI+. Antes fueron Cómo sobrevivir a una epidemia en 2012, sobre la actual desidia en torno el SIDA, y The Life of Marsha P. Johnson, un retrato de las múltiples facetas de esta activista norteamericana y la investigación como posible asesinato de lo que fue considerado un suicidio, La grave y preocupante situación surgida en las antiguas repúblicas de la Unión Soviética en relación a la diversidad sexual, ocupa ahora la principal inquietud de France, que con su equipo se traslada en este film a Chechenia para retratar las dificultades que atraviesa un grupo de activistas para salvar vidas y dignidades de quienes sufren el acoso de familiares, conciudadanos y autoridades por su condición sexual, y ofrecerles un pasaporte a otros países donde optar por la condición de refugiados y refugiadas políticas.

Una secuencia clave en el último tramo de la película y el aviso escrito que figura al principio justifican por qué el documental haya entrado en la terna de posibles candidatas al Oscar a los mejores efectos visuales del 2020: Muchos de los rostros que hemos visto a lo largo del film han sido modificados digitalmente a partir de los originales, de forma que su identidad quede a salvo de posibles represalias. Éste es el principal atractivo formal de una cinta que se resuelve de manera harto convencional, siguiendo en forma de docudrama el día a día de estos personajes, con incursiones espeluznantes de ataques a jóvenes por ser homosexuales, ahorrándonos los momentos más duros, y centrando su atención en un joven y su pareja en el intento desesperado de huir a otros países más civilizados.

Es la Chechenia gobernada por Ramzan Kadyrov, un macarra medio islámico medio capo de la droga que asegura en la tristemente la famosa frase que aquí no hay homosexuales. Y todo ello bajo la mirada del inmisericorde Putin, que no solo permite sino bendice esa persecución sistemática. El mundo está ahora volcado en la pandemia y todos estos problemas se han relajado o han pasado a un segundo plano, pero la amenaza totalitaria sigue ahí, en éste y todos los frentes. El populismo creciente arriesga todos los logros conseguidos en materia de igualdad y diversidad, y trabajos como éste, a pesar de su narrativa lineal y discursiva, que no logra enganchar lo que debería, son absolutamente necesarios. El recién perdonado villano y súper poderoso Trump es uno de los que, según los créditos finales de la película, se negó a aceptar refugiados chechenios huyendo de la aniquilación a la que se exponen en su maldito país. Es en su valiente denuncia de todas estas aberraciones donde radica el valor e importancia de este singular trabajo, y eso ya merece su defensa.

AFECTOS CORRESPONDIDOS EN UN PANORAMA ANDALUZ

Una familia con dificultad para conciliar trabajo y afecto en un Madrid escenario de imaginativas aventuras, y tres historias de terror para pasar una noche donde los sueños y el subconsciente se dan la mano con el amor, constituyen este bloque presentado en Panorama Andaluz del pasado Festival de Sevilla

OJALÁ MAÑANA

España 2020 69 min.
Dirección Ignacio G. Merlo Guion Manuel Luis, Igancio G. Merlo y Sebastián Fernández Fotografía Polina Stoynova Música Gonzalo de la Serna y Sebastián Fernández Fuentes Intérpretes Lola Fernández Comesaña, Olaia Comesaña Aragón, Sebastián Fernández Fuentes, Carolina Olmedo, Alfonso Begara, Isbel Pinar Roa, Antonio Revuelta, Manuel Luis, Lorena Alberca, Iñaki Puche, Juan Fernández, Mercedes Fuentes Estreno en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2020

El caso del malagueño de nacimiento y granadino de adopción Ignacio Guarderas es bastante singular. Lleva una década dirigiendo películas que no han visto la luz en ningún formato de exhibición salvo festivales especializados. Y es una pena porque a juzgar por esta su última película, presentada dentro de la sección de panorama andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla, su cine resulta muy interesante. Ojalá mañana es, como sus otras tres películas, un film realizado entre amistades y familiares, cada uno y una manteniendo su propia identificación de la vida real, con una frescura y un cariño que se hace evidente en toda la extensión, estética y psicológica, de la propuesta.

En esta ocasión el relato se divide en dos partes bien diferenciadas, la primera para presentar una familia humilde que vive en Madrid sorteando todo tipo de inconvenientes para conciliar su vida laboral y familiar. Padre y madre se dividen las tareas del hogar y la calle, mientras combinan también el cuidado de su hija de siete años, quien parece seguir los pasos de su madre, aspirante a actriz, desarrollando una considerable habilidad para la imaginación y la creatividad. Esto dará paso a una sorprendente segunda parte con las calles del centro histórico de Madrid y el Parque del Retiro como mágico entorno en el que la niña vive una serie de sorprendentes e imaginativas aventuras.

Todo ello rodado con talento, frescura y notable economía de medios que lejos de funcionar como obstáculo, sirve sobradamente a su propósito, lográndose en conjunto una más que satisfactoria película que debería haber contado, según nuestro juicio, con un mayor reconocimiento y cobertura, abriendo por fin paso a que las películas de Guarderas sean disfrutadas por un público por supuesto selecto pero más amplio. 

LLEGA LA NOCHE

España 2020 72 min.
Dirección Hilario Abad Guion Hilario Abad, Pedro Vasallo y José Luis Bustillo Fotografía Miguel Ángel Trujillo Música Juan Marchena Intérpretes Gema Abad, José Luis Bustillo, Andrea del Pino Gutiérrez, Marie Delgado Trujillo, Montse Rueda, Irmina Majchrzak, Nicolás Montoya, Inmaculada Salmoral, Israel Frías Estreno en el Festival de Sevilla 10 noviembre 2020 

En su primer largometraje como director, después de varias experiencias en la escena como director del espectáculo Destino Verdi del Teatro Villamarta de Jerez, y en cine como montador de la película Ouroboros, el gaditano Hilario Abad se atreve con la fantasía y el terror pero desde un ángulo novedoso y desde luego bastante enigmático. Cuenta tres historias, cuya intensidad dramática va de menos a más en dedicación y metraje. La primera la narra en animación sobre una comunidad devorada por una montaña habitada por misteriosas estalagmitas; la segunda nos lleva a mediados del siglo pasado a Polonia, donde una niña busca desesperadamente el pie de su madre, muerta en desagradables circunstancias; y la tercera a una casa en el campo donde una pareja exorciza sus miedos con macabras historias.

Resulta difícil adivinar la relación entre estas tres historias, dos de las cuales se combinan aleatoriamente, salvo por la influencia del pasado en nuestros sueños y subconsciente. Sin embargo merece destacarse el fresco y espontáneo trabajo de la joven pareja protagonista del tercer y más desarrollado relato, haciendo hincapié en el recurso al cariño y el afecto como arma defensiva, así como la capacidad del equipo para transmitir una atmósfera enrarecida y cierto desasosiego. El resto la verdad es que no da para más.

GRANDEZAS Y MISERIAS DEL IMPERIO HISPÁNICO

Tanto Manuel H. Martín como Álvaro Begines han optado por el hibrido para contarnos historias de grandeza y miseria de nuestro país, el primero combinando documental con animación, y el segundo con ficción. 

EL VIAJE MÁS LARGO

España-Portugal 2020 78 min.
Dirección Manuel H. Martín Guion Manuel H. Martín y Antonio Fernández Torres Fotografía Hugo Folgado Música Pedro Marques Animación Ángel Alonso Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 8 noviembre 2020 

El onubense Manuel H. Martín consolida su status como importante documentalista español tras las muy celebradas 30 años de oscuridad y La vida en llamas. Ahora recurre de nuevo a la animación, como ya hiciera en el primero de los títulos apuntados, pero combinada esta vez con imagen real documental y los pertinentes testimonios, centrados fundamentalmente en la comunidad científica de los dos países implicados en su producción, España y Portugal. Los mismos protagonizaron en el siglo XVI la primera circunnavegación del planeta, una gesta accidentalmente lograda cuando de lo que se trataba era de alcanzar la ruta de las especias por una vía alternativa a la ya conocida. 

Felizmente ilustrativa y didáctica, la película se sigue con entusiasmo e inusitado interés y aporta la muy pertinente comparación con la llegada del hombre a la Luna en 1969, una cumbre que se alcanzó también gracias a dos países, esta vez en liza, Estados Unidos y la antigua Unión Soviética. La comparación sirve igualmente para demostrar que entre los dos países ibéricos no hubo tanta colaboración como abierta pugna, mientras a través de una cuidada animación con estética de cómic para adultos se traza el camino lleno de aventuras y miserias de las cinco naves que inicialmente partieron del puerto de Sanlúcar de Barrameda tras recorrer el Guadalquivir desde Sevilla.

Y lo mejor es que consigue transmitir esa sensación de aventura y penuria que debieron experimentar los hombres que se embarcaron en dicha proeza imprescindible para el desarrollo de la vida en la Tierra. Ahora solo cabe esperar que la pandemia cese y renovemos nuestra ilusión por la exploración de otros mundos, y que realmente entre 2020 y 20130, como rezan los títulos de crédito finales, consolidemos los viajes a Marte y descubramos nuestras posibilidades allí. 

CACHITA, LA ESCLAVITUD BORRADA

España 2020 71 min.
Dirección Álvaro Begines Guion Álvaro Begines y Carlota Begines Fotografía Rubén Martín Música Salvador Romero Intérpretes Salva Reina, Kenia Mestre, Emilio Bualé Estreno en el Festival de Cine de Granada 21 octubre 2020 

Hace tiempo que Álvaro Begines, natural de Los Palacios y Villafranca, colgó las chanclas y se atrevió con el cine dirigiendo el musical ¿Por qué se frotan las patitas?. Desde entonces se ha centrado más en el documental, se ha puesto serio y ha realizado para la televisión series como Tierra Azul. En Cachita trata un tema muy interesante pero malogra las posibilidades que tenía. Más allá de nuestro papel como negreros y transportistas de esclavos desde África a América, como por ejemplo bien constata Spielberg en Amistad, poco se sabe del ejercicio de la esclavitud en nuestro país, que siempre nos ha parecido libre de esa lacra inhumana.

Lejos de ser así hubo esclavitud aquí y dentro de nuestras fronteras en las colonias del Nuevo Mundo. Hay vestigios de ello en la música y también lo han estudiado a fondo nuestros historiadores. El trabajo de Begines sin embargo se antoja flojo y poco incisivo, apoyándose además en fragmentos ficcionados resueltos con exceso de temperamento y demasiada teatralidad en manos de Salva Reina como el negrero Pedro Blanco, Kenia Maestre como Cándida “La Negra” y Emilio Bualé como el primer esclavo libre del país, Juan Latino.

Lástima que Begines y su equipo no sean capaces de sacar más partido y resultar más didácticos y elocuentes en este trabajo que debiera haber sido fundamental para conocer más miserias de un país tan a menudo satisfecho de su época imperial.

SEVILLA VISTA DESDE LA JUVENTUD Y LA VETERANÍA

Dos documentales bajo la visión extrema de quien experimenta con la cámara por primera vez y quien lo hace con la experiencia que da la veteranía.

LA ALAMEDA 2018

España 2020 61 min.
Dirección Rocío Huertas Guion Rocío Huertas y Álvaro Soto Fotografía Carolina Cebrino y Álvaro Soto Música Jordi Gil Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 13 noviembre 2020

Casi como si se tratara de un proyecto de fin de carrera, la joven Rocío Huertas fija su mirada en el barrio de la Alameda, pero desconcertando ya desde el título elegido para su particular carta de amor al barrio y la ciudad. No es Alameda 2018 un retrato de su transformación tal como hoy la conocemos, con su bullicio, su amplia oferta cultural, comercial y gastronómica, su canto a la diversidad y su particular matrimonio con comunidades como la LGTBI. Por el contrario Huertas intenta realizar un retrato nostálgico que desentraña ese pasado ya muy conocido del barrio como centro marginal y decadente habitado en su mayoría por prostitutas y travestis y marcado por la drogadicción.

Se trata de aquella Alameda previa a los fastos del 92, la misma que servía de base al argumento de Alberto Rodríguez para plasmar en Grupo 7 el forzado lavado de cara que provocó la transformación y aburguesamiento del lugar tal como Guerin hizo con el Barrio Chino de Barcelona en la excepcional e irrepetible En construcción. Con la intención de retomar el trabajo que hizo Juan Sebastián Bollaín en 1978, titulado Alameda, Huertas tira de testimonios de algunas de las personas que aún habitan el barrio, centrando su atención en ocupas y especialmente en un travesti superviviente de aquella etapa retratada, y como queriendo trazar un testimonio autobiográfico, ilustra vivencias propias de su niñez con collages animados.

Poco aportan los testimonios de Manolo Solo, mientras el material grabado en la Cartuja con Agnès Varda como protagonista, con motivo del homenaje que recibió en el Festival de Cine de Sevilla de 2012, desconcierta y descentra el discurso por suponer una reflexión sobre el feminismo ajena a la materia del documental. 

NUEVE SEVILLAS

España 2020 157 min.
Guion y dirección Gonzalo G. Pelayo y Pedro G. Romero Fotografía Juan Manuel Carmon Batán Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 8 noviembre 2020 

Por su parte, el veterano Gonzalo García Pelayo, conocido no solo por sus trabajos como director de cine sino también como exitoso jugador internacional de la ruleta gracias a descubrir un método basado en la imperfección de las mesas de juego, parece querer retomar el trabajo que hizo en Vivir en Sevilla en 1978, que transita intermitentemente por el dilatado metraje de esta película. Las nueve Sevillas son las experiencias de nueve personajes con la ciudad, siempre desde un ángulo directamente asociado al flamenco como cante y baile.

De hecho el trabajo de Pelayo es la ilustración animada de los personajes que protagonizaron la cartelería de la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2018. Paseos en su mayoría nocturnos por la ciudad, idas y venidas del Centro al Polígono Sur pasando por Triana e incursiones musicales de artistas convocados en aquella edición del certamen hispalense, como Fahmi Alqhai, El Niño de Elche, Israel Galván, Rocío Márquez, Silvia Pérez Cruz o Rosalía, constituyen el material dramático de esta larguísima crónica sobre un tipismo tan recurrente en las crónicas alternativas de la ciudad que ya rechina y hasta molesta.

Entre compadreo y fandangueo nosotros nos quedamos con los testimonios, discursos y reivindicaciones de Pastora Filigrana, una abogada de raza gitana con un excepcional talento para la oratoria y unos argumentos sensacionales y reveladores sobre la identidad de su pueblo y su extraordinario canto de libertad. A todo lo demás hay que echarle mucha paciencia y más voluntad, a pesar de lo cual obtuvo en la sección  Nuevas Olas No Ficción del Festival de Sevilla el premio al mejor documental.

ANTONIO MACHADO. LOS DÍAS AZULES Un trabajo didáctico y emotivo pero convencional

España 2020 94 min.
Guion y dirección Laura Hojman Fotografía Jesús Perujo Música Pablo Cervantes Narrador Pedro Casablanc Documental. Estreno en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2020; en salas (solo Madrid y Barcelona) 27 noviembre 2020 

Después de acercarse a la vida y obra de Rubén Darío en Tierras solares, y con la ayuda en producción del realizador Guillermo Rojas (Una vez más), la directora sevillana Laura Hojman fija ahora su atención en Antonio Machado, justo cuando se cumplen ochenta años de su muerte en el exilio, apenas un mes antes de terminar la Guerra Civil. El recorrido pretende ser una semblanza romántica y nostálgica de su persona, salpicada de versos primorosamente recitados pro Pedro Casablanc, intervenciones de escritores y escritoras como Antonio Muñoz Molina, Elvira Lindo, Fanny Rubio o Francisca Aguirre poco antes de fallecer, quizás una de las aportaciones más emotivas de la cinta y a quien ésta está dedicada, así como de historiadores y conocedores de su figura y obra como Ian Gibson, el director del Instituto Cervantes Luis García Montero, o Alfonso Guerra. También unos creativos dibujos animados glosan y completan este documental al que una música obsesiva y demasiado edulcorada, resuelta siempre en el irritante sintetizador, ahoga en más de una ocasión.

Como puede observarse todo muy convencional, como las intervenciones de los invitados, anticipándose a lo que se ha convertido en costumbre en estos tiempos de conexiones en red por la pandemia, delante de una buena biblioteca para dejar constancia del amor por la cultura. Una cultura que el documental de Laura Hojman reivindica como único vehículo para mejorar la salud psicológica y sentimental de los pueblos, aunque en el conjunto queda relegada por un exceso de complacencia en el carácter solitario y el sentimiento de añoranza adjudicado al homenajeado. Sorprende no obstante el recuerdo a instituciones como la de Libre Enseñanza de Madrid, en plena República, que hoy debería todavía servir de ejemplo revolucionario para una educación más libre y efectiva, ahora que estamos enfrascados en una nueva reforma educativa. Desde su infancia en los jardines del Palacio de Dueñas en Sevilla, evocados sobre todo a través de limones a lo largo de la cinta, hasta sus vaivenes por Madrid y París, inspirado por el Azul de Rubén Darío, su vida como profesor en Soria, Baeza y Segovia, y sus últimos días en Villa Amparo en Rocafort, otros jardines que vuelven a evocar la nostalgia de la infancia, hasta terminar en Colliure en el exilio francés.

Apenas se aportan nuevos datos que no estén al alcance de cualquier persona interesada, y se demora en exceso en sus primeros tramos, hasta desembocar en uno final más ágil y emocionante, el que rememora sus vivencias durante la guerra, el avance del fascismo y la crueldad a la que fueron sometidos exiliados y represaliados, especialmente logrado el episodio reservado a la tragedia de García Lorca. La reparación moral del actual gobierno pone el colofón a este didáctico y aseado trabajo, nominado al Forqué en el apartado documental.

EL AÑO DEL DESCUBRIMIENTO Un país de bares

España-Suiza 2020 200 min.
Dirección Luis López Carrasco Guion Luis López Carrasco y Raúl Liarte Fotografía Sara Gallego Documental Estreno en el Festival de Rotterdam 25 enero 2020; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Sección oficial); en salas comerciales (limitado, no en Sevilla) 13 noviembre 2020

Desvinculado del Colectivo Los Hijos, con quienes realizó una serie de documentales entre la experimentación y el rigor narrativo, Luis López Carrasco, murciano de nacimiento, fija su mirada ahora en Cartagena y la convierte en tercer vértice del eje del 92, el de la Expo de Sevilla y los Juegos Olímpicos de Barcelona. Era aquella España que miraba al futuro con ojos resplandecientes, con la ilusión de convertirse en un país competitivo y una fuerte potencia mundial. Pero Europa tenía otros planes para el país, unos sacrificios que habrían de materializarse en el cierre de una serie de importantes empresas en Cartagena, que habían dado de comer a la mayor parte de su población y habían generado el atisbo de bienestar en el que confiábamos para poder soñar con un futuro mejor.

López Carrasco tiene el enorme acierto de ambientar su trabajo en un bar, en el que se cuelan también secuencias de ficción, creando una suerte de endiablado fresco en el que a veces cuesta distinguir lo que es real y lo que no lo es, o cuándo asistimos a escenas del propio 92 o actuales. Los bares son consustanciales a nuestra cultura, no en vano andamos desesperados ante la actual pandemia por la crisis de la hostelería, prácticamente el bastión principal de nuestra mal planteada economía. En los bares arreglamos el mundo, especialmente el país, y allí una serie de personajes debaten sobre lo que supusieron aquellas revueltas que acabaron con la quema del parlamento murciano el 3 de febrero. Hablan sobre los precedentes de la lucha de los trabajadores, antes de Franco, durante y después, ya con gobiernos presuntamente socialistas abriéndose paso entre la lucha sindical y los derechos de los trabajadores. Hablan sobre oportunidades perdidas, falta de preparación institucional y personal para salir fortalecidos en un mundo tan competitivo, de pérdida de derechos tras la crisis de 2008, de auge del capitalismo a ultranza y la ultraderecha, cuestionando si no es lo que todos y todas han querido.

Hablan y hablan, y hasta fuman (¿), y lo hacen en pantalla partida, no al estilo De Palma o Rosales, sino emulando las texturas de una videocámara ochentera y multiplicando la imagen por dos para construir el efecto panorámico a la vez que el diálogo, aunque a veces solo visionamos una de las dos imágenes y la otra queda en negro, o todo es negro y solo oímos la voz. Todo un trabajo de planificación y montaje dirigido a potenciar su discurso y afianzar una atención que no decae durante sus más de tres horas de duración. Dos horas dedicadas a tertulias de veteranos y jóvenes exponiendo sus problemas laborales cotidianos o su falta de trabajo, sus esperanzas y frustraciones, sus experiencias. Y una hora y veinte más detallando los acontecimientos de aquel febrero del 92, sus consecuencias en el devenir de la clase trabajadora de este país y la preocupación por las nuevas generaciones y la necesidad de que tomen cartas en el asunto. Por supuesto que no todo lo que se dice hay que tomarlo como verdad incontestable, pero resulta fácil identificar en las reflexiones de esta gente sencilla muchas de las cosas que nosotros y nosotras mismas hemos discutido mil veces en un bar, o en un hogar, o en la calle.

SEFF 2020, APÉNDICE: LOS PREMIOS DEL PÚBLICO

Historias extraordinarias

200 METROS El viaje de la ignominia

Palestina 2020 96 min.
Guion y dirección Ameen Nayfeh Fotografía Elin Kirschfink Música Faraj Suleiman Intérpretes Ali Suliman, Anna Unterberger, Motaz Malhees, Lana Zreik, Gassan Abbas, Mahmoud Abu Eita, Nabil Al Raee Estreno en el Festival de Sevilla 8 noviembre 2020

Cuando se vive una realidad que marca tanto, es difícil abstraerse de ella para crear en cualquier ámbito artístico. Por eso el cine palestino está tan condicionado por la realidad de continuo atropello y las terribles dificultades que tienen que vivir los habitantes de Cisjordania en su día a día. Salvo raras excepciones, como la de Elia Suleiman, y tampoco escapa del todo a estos condicionamientos, lo habitual es que la gente que se dedica al cine en Palestina nos cuente siempre historias relacionadas con la absurda realidad que les afecta en su rutina diaria. Ameen Nayfeh utiliza recursos propios de un Ken Loach para contarnos la historia de un padre separado esos doscientos metros del título de su familia por un muro tan intransigente y vergonzoso como cualquier otro que se construya a lo largo y ancho de este nauseabundo planeta. Un acontecimiento imprevisto de urgencia le obligará a viajar al otro lado de forma clandestina justo el día en que todas las desdichas relacionadas con su documentación y el permiso de trabajo se lo ponen todo más difícil. Más difícil todavía será el propio viaje, con giros argumentales a mansalva, problemas que se acumulan y despropósitos abundantes. Lo que resulta es un film bien realizado, que consigue transmitir tensión y desasosiego pero partiendo de una mala concepción en la que abundan los clichés, las dificultades y las sorpresas. Y uno se pregunta si necesitaba ese personaje, interpretado por el internacional Ali Suliman, sufrir tantos vaivenes, y por extensión su familia, habiendo otras soluciones y recursos para resolver sus problemas. De cualquier forma la empresa sirve para constatar esa dificultad diaria en la que viven millones de palestinos desde que los desheredados del nazismo decidieron que ya era hora de ocupar la tierra prometida del Antiguo Testamento. 

Las Nuevas Olas

APPLES Amnesia inducida 

Título oiginal: Mina

Grecia-Polonia-Eslovenia 2020 90 min.
Dirección Christos Nikou Guion Christos Nikou y Stavros Raptis Fotografía Bartosz Swiniarski Música Alexander Voulgaris Intérpretes Aris Servetalis, Sofia Gerogovassili, Argyris Bakirtzis, Anna Kalaitzidou, Babis Makridis, Kostas Laskos Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2020; en Grecia previsto el 19 noviembre 2020; en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2020 

El debut en la dirección del ayudante de Yorgos Lanthimos en Canino sigue aproximadamente los códigos de su mentor pero sin imitarlos e intentando un camino nuevo a partir de sus postulados entre lo absurdo y lo insolente, aunque con dosis evidentes de ternura. Es curioso lo mucho que puede influir en la interpretación de una película la realidad que nos rodea en cada momento. Nikou plantea una epidemia de amnesia, aunque no estamos muy seguros de que el protagonista sea un enfermo o aproveche la coyuntura para superar un trauma. Lo cierto es que incapaces de devolver sus recuerdos a los pacientes, médicos y científicos crean un programa para la creación de una nueva identidad, una nueva vida y nuevas experiencias, encima aparentemente subvencionadas por el Estado, lo que sin duda resulta muy cómodo especialmente para una población tan castigada y desesperanzada. El devenir de los acontecimientos demostrará nuestra incapacidad para generar una rutina que escape de lo ya conocido y probado. Es algo así como lo que está ocurriendo a nivel global con la actual pandemia, la obsesión por recuperar lo que consideramos vida normal, sea lo que quiera eso significar, en lugar de aprovechar estas señales para cambiar el estado de las cosas, apostar por una nueva realidad, un nuevo sistema económico y político, que es lo que la naturaleza parece estar pidiéndonos, rogándonos, con esta legítima defensa. El pobre Aris, nuestro protagonista, ve cómo sus deseos de vivir una realidad diferente y alternativa con la que curar sus traumas y dolores se esfuman, por lo que no merece esforzarse por perder la memoria ni buscar nuevos horizontes. Habrá que seguir con lo puesto, apechugar y amoldarse a todo lo que nos quieran vender, incluso la urgencia de salvar la campaña navideña.

Selección EFA

EL PROFESOR DE PERSA

SEFF 2020, 9ª JORNADA

MALMKROG Tertulia fatigosa y decadente

Rumanía-Serbia-Suiza-Suecia-Bosnia y Herzegovina-Macedonia 2020 200 min.
Guion y dirección Cristi Puiu, según textos de Vladimir Solovyov Fotografía Tudor Vladimir Panduru Intérpretes Agathe Bosch, Ugo Broussot, Marina Palii, Diana Sakalauskaité, Frédéric Schulz-Richard, István Teglas Estreno en el Festival de Berlín 20 febrero 2020; en Francia 8 julio 2020; en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2020 (Sección oficial)

El realizador rumano Cristi Puiu, autor de las aclamadas La muerte del Sr. Lazarescu y Sieranevada, regresa a los textos del filósofo ruso Vladimir Solovyov, a quien ya adaptó en Tres ejercicios de interpretación, para la que es sin duda su película más ambiciosa hasta la fecha, y también la más pedante con diferencia. La empresa vuelve a ser compleja y sofisticada, como ya lo fue su visión de una familia numerosa e inquieta en su anterior película, pero esta vez cambia la vorágine y el jolgorio por la exquisitez más absoluta y una puesta en escena sobria y elegante. Lástima que a pesar de su larga duración apenas logremos saber con exactitud dónde se desarrolla la trama, si es Rusia o Transilvania donde se ubica la mansión que parece darle título, otro particular del que tampoco estamos muy seguros. Como la relación entre sus cinco personajes, que no queda definida aunque podamos intuirla, a los que se une un sexto, el mayordomo, siempre atento a las necesidades de los cinco aristócratas o militares que hablan y hablan sin parar durante las casi tres horas y media que dura la función, y que no duda en abofetear a sus subordinados cuando algo falla. Es quizás el orden establecido entonces y ahora, en una Europa cuyas identidades y particularidades hacen que la unificación resulte tan difícil. El continente, la guerra, el bien y el mal, la religión, sobre todo los evangelios, Dios y el Anticristo, son temas analizados por Solovyov que Puiu pone en boca de sus curtidísimos e intelectuales, tanto como decadentes, aristócratas, en un principio del siglo XX que parece vaticinar la llegada de la Revolución, aunque como de resurrección y de mantener el estado de las cosas también se trata, ni las balas pueden con este grupo francoparlante, no sabemos si porque algunos de sus integrantes son franceses, o porque era costumbre de la clase alta rusa hablar en el idioma de Montesquieu en época de los zares, claro que también se habla alemán y solo brevemente en ruso. Lo cierto es que no sabemos mucho ni se aclara nada a lo largo de sus tediosas tres horas. Frases e ideas que leídas podrán resultar fascinantes, volviendo una y otra vez atrás para entenderlas, pero que en este ejercicio teatral provocan aburrimiento y desconcierto, a la vez que su interés se va perdiendo en el horizonte. No cabe duda de que su elenco protagonista ha hecho un trabajo titánico, un esfuerzo notable, y merecen un aplauso por ello. Puiu, por su parte, se mira en los grandes cineastas europeos, la mística de Dreyer, el sarcasmo de Renoir, el dolor de Bergman, la insolencia de Buñuel o la narrativa de Oliveira, pero la combinación resulta enormemente indigesta, lo que no ha impedido que algunos la consideren una obra maestra, rubricada con el Giraldillo de Oro y el premio al mejor guion. 

ONDINA. UN AMOR PARA SIEMPRE El agua sobre Berlín 

Título original: Undine

Alemania-Francia 2020 90 min.
Guion y dirección Christian Petzold Fotografía Hans Fromm Intérpretes Paula Beer, Franz Rogowski, Maryan Zaree, Jacob Matschenz Estreno en el Festival de Berlín 23 febrero 2020; en Alemania 2 julio 2020; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Sección oficial)

El mito de Ondina, la criatura mitad mujer mitad pez que se enamora de un hombre y vive condenada a amarlo para siempre, inspiró hace unos años una película de Neil Jordan protagonizada por Colin Farrell, y ahora sirve a Christian Petzold (Bárbara, Phoenix, En tránsito) para ofrecer su particular lectura del mito y que éste le sirva a un doble propósito de contar una historia de amor profundo, eterno e imposible, y generar una metáfora sobre los cambios urbanísticos en Berlín durante el siglo XX, especialmente con motivo de la reunificación de 1989. No en vano la protagonista, la hermosa Paula Beer a quien descubrimos en Frantz de François Ozon, trabaja en un museo como guía dedicada a informar sobre estos cambios urbanos. Petzold ilustra este fenómeno como una declaración de amor a la ciudad, a la vez que somete a su personaje a una relación en la que el sacrificio se convierte en tema preferente y catalizador. Lástima que el cuento no logre remontar, apenas consiga emocionar y todo acabe antojándose demasiado artificioso, que donde se pretendía hubiese poesía apenas hallemos bellas postales habitadas por gente guapa y atractiva. El esforzado trabajo de Franz Rogowski, de considerable parecido físico con Joaquin Phoenix, y la constante aparición como único leit motiv de la banda sonora del precioso adagio del concierto para teclado que Bach escribió inspirándose en otro para oboe de Alessandro Marcello, no logran aumentar el limitado interés de la cinta, lo que no ha impedido que se alce con los premios al mejor director y mejor montaje del festival.

SEFF 2020, 8ª JORNADA

EL ABRAZO El rancio camino de la libertad

Título original: L’étreinte
Francia 2020 98 min.
Dirección Ludovic Bergery Guion Ludovic Bergery y Julien Boivent Fotografía Martin Roux Música David-François Moreau Intérpretes Emmanuelle Béart, Vincent Ddienne, Tibo Vandenborre, Yannick Choirat, Sandor Funtek, Nelson Delapalme, Marie Zabukovec, Eva Ionesco Estreno en el Festival de Sevilla 13 noviembre 2020 (Sección oficial fuera de competición)

Musa del cine francés de los noventa del siglo pasado con títulos como La bella mentirosa, Un corazón en invierno o Nelly y el Sr. Arnaud, Emmanuelle Béart da vida en el debut en la dirección de largometrajes de Ludovic Bergery, a una mujer que ha quedado recientemente viuda y decide retomar las riendas de su vida cursando alemán en la universidad. Como si de un cliché alargado se tratase, su personaje pronto recorrerá un único camino posible de recuperación de su libertad, propiciado por los comentarios de un joven homosexual con el que emprende una confidencial amistad, y por el lógico apetito sexual de sus compañeros y compañeras veinteañeras. Ese camino naturalmente es el de la búsqueda del sexo y el amor, con los tumbos habituales en estos casos de escasa experiencia sentimental, y alguno más que resulta del todo inapropiado e imperdonable. Nos hubiera gustado que la deriva del personaje hubiese sido aprender, independizarse y hacerse fuerte como mujer libre y decidida, sin dependencias basadas en estructuras rancias. Con todo la cinta se deja ver por su ritmo más o menos constante, la simpatía de los intérpretes jóvenes, y la presencia de esta atractiva y madura estrella gala. 

DAU. NATASHA Larga, tediosa y deleznable provocación

Rusia-Alemania-Ucrania-Reino Unido 2020 145 min.
Dirección Ilya Khrzhanoskiy y Jekaterina Oertel Guion Ilya Khrzhanoskiy, según el libro de Kora Landau-Drobantseva Fotografía Jürgen Jürges Intérpretes Natalia Berezhnaya, Olga Shkabarnya, Vladimir Azhippo, Alexei Blinov, Anatoliy Sidko, Luc Bigé Estreno en el Festival de Berlín 26 febrero 2020; en el Festival de Sevilla 10 noviembre 2020 (Sección oficial)

Primera en estrenarse de una serie de quince películas destinadas a diversos formatos de exhibición, producidas casi todas este año. Parte de una cinta del pasado año dedicada al físico soviético Lev Landau, según las memorias escritas por su esposa Kora Landau-Drobantseva, que sin embargo aun espera estreno. La que sí pretende hacerlo, si la censura no lo impide, y de momento lo ha hecho en algunos festivales, como el de Berlín, donde se llevó el premio a la mejor contribución artística, es este tedioso y radical episodio. Centrado en una camarera de la cantina de un instituto científico soviético, y sus relaciones con su compañera de trabajo, con un científico francés y un oficial depredador, juega durante sus estiradísimas casi dos horas y media a la pura provocación. Así mantiene durísimas peleas verbales y físicas con su joven colega, una escena de sexo explícito, pornográfico, y otra de humillación extrema con el oficial que la veja y tortura, siempre bajo una estética tan deudora de Fassbinder como de Lars von Trier, una planificación teatral y un sentido escabroso del espectáculo, que reduce a la mujer a una mera prostituta digna de las más abyectas aberraciones quizás como paradigma de la fuerza destructiva del régimen estalinista. Para que no falte ninguna lindeza, el alcohol corre también desagradable y generosamente. Dicen que esta serie se ha rodado durante diez años, dos de ellos con todo su elenco artístico y técnico encerrado en el set; otro detalle del extremismo que rodea la producción. Si todos los demás episodios juegan a la misma intención de provocar y asquear, mejor será evitarlos.

FANNY LYE DELIVER’D Contra el monstruo puritano

Reino Unido-Alemania 2019 112 min.
Guion, música y dirección Thomas Clay Fotografía Giorgos Arvanitis Intérpretes Maxine Peake, Charles Dance, Freddie Fox, Tanya Reynolds, Zak Adams, Peter McDonald, Perry Fitzpatrick, Kenneth Collard Estreno en Reino Unido (Internet) 26 junio 2020; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Sección oficial)

La tercera película como director de Thomas Clay, que también se encarga del guion y la aparatosa y anticlimática banda sonora, se ambienta en época de Cromwell y la ola de puritanismo que asoló Inglaterra, invadió el resto del mundo y aun se hace evidente en países como Estados Unidos. Dos parejas y un niño se enfrentan en esta cinta rodada un poco a la antigua usanza, como si de un film de época de los sesenta del siglo pasado se tratara, y con cierto sabor también a western. La más veterana sigue los dictados de la república, ella casi como una criada al servicio de su señor, mientras la otra, fugitivos refugiados en la casa de los primeros, propugnan un estilo de vida hippy, libres de las ataduras y represalias de la Iglesia, en busca de la felicidad, el paraíso, en esta vida y aquí en la Tierra. La lucha por la razón y la llegada de los buscadores de forajidos desenlaza una vorágine de violencia que se erige en principal reclamo de una película que pretende ser un eslabón más en la propagación de la igualdad de género y la liberación de la mujer. Todo esto con un innegable sentido del entretenimiento y las acertadas interpretaciones de su atractivo elenco.

SEFF 2020, 7ª JORNADA

QUO VADIS, AIDA? No sin mi familia

Bosnia y Herzegovina-Austria-Rumanía-Alemania-Polonia 2020 104 min.
Guion y dirección Jasmila Zbanic Fotografía Christine A. Maier Música Antoni Lazarkiewicz Intérpretes Jasna Djuricic, Izudin Bajrovic, Boris Ler, Dino Bajrovic, Johan Heldenbergh, Raymond Thiry, Emir Hadzihafizbegovic, Joes Brauers, Boris Isakovic Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2020 (Sección oficial)

Casi ochocientas mil quinientas personas, en su mayoría hombres y niños, fueron asesinados por el ejército serbio en 1995 como consecuencia del desalojo de Srebrenica y la burla a los cascos azules holandeses desplegados en la zona para proteger a los bosnios amenazados sistemáticamente por la bestia serbia y su empeño en completar la limpieza étnica que motivó la Guerra de los Balcanes, una de las últimas grandes vergüenzas de nuestro continente y el planeta en general, y desde luego una prueba evidente de que queda mucho por hacer para considerarnos civilizados. La realizadora bosnia Jasmila Zbanic, que hace una década obtuvo cierto reconocimiento con su película En el camino, honra la memoria de las víctimas de este execrable genocidio poniendo en el objetivo de su historia a una profesora del lugar que la ONU emplea como intérprete oficial, lo que en cierto modo ella intenta utilizar para salvar a su familia, marido y dos hijos, de lo que es a todas luces una masacre anunciada. La impotencia e inutilidad manifiesta de las fuerzas de las Naciones Unidas, entregando a las víctimas literalmente a los leones, como el propio título bíblico de la película parece anunciar, quedan expuestas en un modélico guion que Zbanic aprovecha para convertir en un trabajo enérgico y frenético, una lucha sin tregua ni cuartel por la supervivencia, y por extensión una denuncia más de la ilimitada maldad que habita en la humanidad. Un trabajo bien hecho y una producción considerable que la directora maneja con extraordinaria profesionalidad y considerable eficacia para conmover y extenuar, y desde luego uno de esos trabajos necesarios para recordarnos lo que somos y lo que no se debe repetir 

DRUK (ANOTHER ROUND) Con un sorbito de champán

Dinamarca 2020 116 min.
Dirección Thomas Vinterberg Guion Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm Fotografía Sturla Brandth Grøvlen Intérpretes Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Helene Reingaard Neumann Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2020; en Dinamarca 24 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Selección EFA)

Con una estimable adaptación de Lejos del mundanal ruido por medio, Vinterberg ha vuelto a colarla después del despropósito que supuso La caza. De nuevo Mads Mikkelsen como protagonista y otra vez un disparate enorme disfrazado de provocación y presunta transgresión. Lejos quedaron los tiempos de Celebración, donde la histeria y el exceso sí tenían una justificación y un sentido. Quien diera vida a un profesor apreciado en la comunidad que de la noche a la mañana se ve despreciado y vilipendiado por todo el mundo tras una inverosímil denuncia de acoso sexual por parte de una alumna, incorpora ahora a otro profesor, esta vez desilusionado y hastiado de la vida. Una sociedad en la que quien disfruta de una vida cómoda, casado con el amor de toda su vida, con dos hijos ejemplares, un trabajo bien considerado y un buen puñado de amigos, se permite sentirse desgraciado, es sin duda una sociedad enferma. Pero que quiera remediarlo, él y sus colegas, con alcohol como estímulo, en cantidad suficiente para dar el paso adelante sin sufrir grandes perjuicios, es sin duda un disparate. Encima se justifica con figuras del calibre de Roosevelt, Churchill o Hemingway como si fueran la panacea de la Historia a pesar de su vocación bebedora, lo que agrede al sentido común, por divertido que pueda resultar ver a dignos mandatarios contemporáneos dando discursos en actitud ebria. Por si fuera poco, la empresa se antoja machista y misógina, con dos únicas protagonistas mujeres que representan una a la insufrible comandante de la casa, la otra a una farsante moralizante. Ni sombra de la terrible resaca. Por el contrario asistimos a innumerables gracietas de borrachines y una pérdida de la inhibición recomendada incluso al estudiante desconfiado de sí mismo. Bondades del alcohol previniendo de que el exceso nunca es bueno, y derivando en el sacrificio como consecuencia hosca y banal. Un baile acrobático de Mikkelsen y unos whatsapp redentores al final y todo queda arreglado, y encima Vinterbeg obtiene cuatro grandes nominaciones a los Premios Europeos del Cine y su elenco machista el premio al mejor actor en San Sebastián, donde esa crítica que se llama Feroz e irrumpió con todo su descaro hace apenas unos años, le otorga su particular premio en el mismo festival. Por último una aclaración: cuando celebran el talento de un supuesto pianista que también bebía para estimularse, lo hacen con una pieza de Schubert, la Fantasía D. 940, ¡a cuatro manos! ¡Con todo el repertorio que podrían haber elegido para un solo pianista! 

FEBRUARY Sinfonía de la vida en tres movimientos 

Título original: Février
Bulgaria-Francia 2020 125 min.
Guion y dirección Kamen Kalev Fotografía Ivan Chertov Música Petar Dundakov Intérpretes Ivan Nalbantov, Lachezar Dimitrov, Kolyo Dobrev, Hristo Dimitrov-Hindo Estreno en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2020 (Sección oficial)

Febrero es ante todo una película hermosa y poética, una experiencia hipnótica que te atrapa con aparentemente pocos recursos pero una proverbial facilidad para conjugarlos. Concisa y a la vez contemplativa, la cinta del búlgaro Kamen Kalev retrata la vida de un hombre sencillo en tres momentos diferentes y sin embargo aparentemente contemporáneos entre sí, la niñez, el paso de la juventud a la madurez a través del matrimonio y el servicio militar, y la vejez a la espera de una muerte que no se puede prever ni planificar, como demuestra la danza del protagonista al son de Kathleen Ferrier y la canción inglesa The Fidgety Bairn. Las tres etapas están condicionadas por una autoridad superior, el abuelo que educa y orienta, el mando oficial y el destino que acecha, como a cualquier otra persona en este mundo. El protagonista comulga como nadie con la naturaleza, la respeta y venera en toda su amplitud y esplendor, lo que provoca un espectáculo suntuoso de parajes extraordinarios y singular animalario. El niño que descubre la casa deshabitada, ese misterio que siempre nos ha cautivado y que casi todos y todas hemos experimentado, un primer contacto con los recuerdos, el más allá y el destino. El joven que se presta voluntario para proteger una isla que recorre en silencio y compañía de las gaviotas que la habitan, y que cuando es interrogado por sus pensamientos no sabe o no tiene nada que contestar. Y el viejo que suponemos ha dejado atrás familia y obligaciones para refugiarse en su hábitat, cuidar sus animales y esperar la única realidad que nos espera, la muerte, quizás seguida de una reencarnación o de cualquier otra forma conforme a esa madre naturaleza que tanta agresión sufre de la moderna civilización. Un film que se disfruta en su dimensión poética, reflexiva y estética, y que merece sin duda el máximo reconocimiento en un Festival de Sevilla que supone una de sus primeras puestas de largo.

SEFF 2020, 6ª JORNADA

BILLY En un país indecente

España 2020 70 min.
Guion y dirección Max Lemcke Fotografía Javier Palacios Música Pierre Omer Documental Estreno en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2020 (Historias extraordinarias)

En un avanzado momento de este necesario documental, Alfonso Guerra justifica las concesiones que se hicieron en la transición española como condición necesaria para disfrutar de inmediato de la democracia, dejando en diferido los ajustes necesarios para una justicia efectiva que nunca ha llegado. Ya lo denunciaba el emocionante documental El silencio de otros en relación a la gente represaliada por la Guerra Civil, y lo hace ahora este otro documental dirigido con más vocación y convicción que auténtico oficio por Max Lemcke, después de haberse labrado un porvenir como cineasta en cine y televisión. Hasta su muerte hace unos meses, víctima del coronavirus, el criminal Antonio González Pacheco vivió cómodamente, en una de las mejores zonas de Madrid, disfrutando de su pasión por las maratones, así como de reconocimientos por sus servicios en la Brigada Político Social desde todo punto de vista indecentes y contrarios a los más elementales derechos humanos. Apodado Billy el Niño por su aspecto enjuto y su mala leche, que le llevó a torturar y asesinar a cientos de antifranquistas, generalmente estudiantes, este film no se centra afortunadamente, como hubiera podido esperarse, en sus truculentos procedimientos y sus fechorías, sino en el clamor, todavía, por justicia que hacen sus víctimas, entre ellos Chano Galante, a quien también se lo llevó la pandemia y que tuvo un papel destacado en El silencio de los otros y la lucha por la memoria histórica que actualmente se lleva a cabo en Argentina, para vergüenza de un país incapaz e insensible ante el sufrimiento de quienes hicieron posible que hoy vivamos supuestamente en libertad. En Billy se percibe el dolor de las víctimas, y por extensión de todos y todas quienes aun creemos en los derechos humanos. Entre los testimonios encontramos a Paco Lobatón, Lidia Falcón o Josefa Rodríguez “Asturias”, pero entre los políticos solo Pablo Iglesias tuvo la decencia de prestar voz a esta lucha democrática, justa y libre. Porque lo de Pacheco y quienes lo acompañaron fue también una debilidad de los gobiernos supuestamente democráticos que los ocultaron y protegieron, tal como hicieron con la monarquía que Franco tan astutamente había preparado para extender su sombra. En lo formal Billy se toma pocas licencias, salvo salpicar de humor la dureza de su testimonio con fragmentos de un spaghetti western sobre el malhechor del oeste americano, y de un episodio de los dibujos animados de Lucky Luke. Otras ilustraciones, ya más serias, incluyen secuencias de 7 días de enero de Bardem, que reconstruye el crimen contra los abogados laboralistas de la calle Atocha.

EN VIVO Porno entre bambalinas

España 2020 63 min.
Guion y dirección Antonio Hens Fotografía Antonio Hens y Teo Palomo Documental Estreno en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2020 (Panorama andaluz)

Militante desde el cortometraje que le dio a conocer y bautizó a su productora, Malas compañías, el cordobés Antonio Hens se sumerge ahora, poco después de estrenar junto a Antonio Álamo Mi gran despedida, en el mundo de la pornografía gay siguiendo a varios participantes del salón erótico de Barcelona intuimos que del año pasado. Por la pantalla desfilan actores porno españoles como Alejandro Mango, Jonathan Stick o Frank Valencia enseñándonos en principio lo que es su vida cotidiana. Al menos así lo parece cuando Antonio Miracle y su marido Mario Domenech muestran los anabolizantes y demás medicamentos que se meten diariamente en el cuerpo, con el debido control médico, para mantener sus esculturales cuerpos y la energía suficiente para rodar sus películas sin altibajos. Pero pronto comprobamos que el film no va más allá de mostrar al resto del elenco actuando en sus shows y estimulándose entre bambalinas, incluso con orgías improvisadas, con la única originalidad de ilustrarlo con el contrapunto musical de Falla y zarzuelas populares. Que el resultado final no escatime en sexo explícito es lo de menos, está más que superado; pero la oportunidad de zambullirse en las vidas de estos profesionales del sexo, con un interés ya limitado de por sí, queda definitivamente perdida en este delirio porno gay. 

AMMONITE La vida privada de los fósiles

Reino Unido-Australia-USA 2020 117 min.
Guion y dirección Francis Lee Fotografía Stéphane Fontaine Música Volker Bertelmann y Dustin O’Halloran Intérpretes Kate Winslet, Saorise Ronan, Gemma Jones, James McArdle, Alec Secareanu, Fiona Shaw Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2020 (Sección oficial)

Mary Anning fue una famosa paleontóloga inglesa en el siglo XIX, que inspiró incluso algunos de los hallazgos de Darwin en sus teorías sobre la evolución. Superviviente de una familia de diez hermanos, ocho de ellos fallecidos, llevó a cabo sus búsquedas de fósiles e investigaciones mientras cuidaba de su madre y de un pequeño negocio familiar en Lyme, Dorsey. Reservada y huraña de carácter, la coraza que cubría su propia amonita fue capaz de abrirla una joven de clase alta que quedó a su cuidado después de que su esposo quedara fascinado con la habilidad de Anning para realizar su minucioso trabajo, como minuciosa es la forma en que Francis Lee, director del drama homosexual Tierra de Dios, cuenta esta delicada historia sobre la relación que se entabló entre ambas mujeres y cómo ésta despertó sus emociones y sensibilidades. Muchas mujeres en aquella época, sometidas a matrimonios indeseados y objetos sexuales sin que sus parejas se preocuparan por satisfacerlas, debieron sucumbir a la experiencia de disfrutar entre ellas, al margen de las que lo hicieran por pura orientación sexual. Lee indaga en esta realidad con mucha delicadeza y un gusto exquisito, mientras sus protagonistas le ponen en bandeja unas memorables interpretaciones, muy especialmente la muy matizada de Kate Winslet, prodigio de transmisión de emociones solo con miradas y gestos muy controlados, tanto como lo es el personaje que le toca interpretar. Su valía como científica y creativa, así como su capacidad para enamorar, encuentra también el tono justo, reivindicándose sin estridencias ni histerias gratuitas, tan solo con la elegancia habitual en este tipo de producciones hechas con tanto cariño como sentido de la responsabilidad.