VIVO y ENCANTO Animación con un fuerte sabor latino

VIVO
USA 2021 95 min.
Dirección Kirk DeMicco y Brandon Jeffords Guion Quiara Alegria Hudes y Lin-Manuel Miranda Música Lin-Manuel Miranda Voces (en versión original) Lin-Manuel Miranda, Ynairaly Simo, Zoe Saldana, Juan de Marcos González, Michael Rooker, Brian Tyree Henry, Nicole Byer, Gloria Estefan Estreno en Netflix 6 agosto 2021

ENCANTO
USA 2021 99 min.
Dirección Jared Bush, Byron Howard y Charisse Castro Smith Guion Jared Bush, Charise Castro Smith, Byron Howard, Lin-Manuel Miranda, Jason Hand y Nancy Kruse Música Germaine Franco y Lin-Manuel Miranda Voces (en versión original) Stephanie Beatriz, María Cecilia Botero, John Leguizamo, Mauro Castillo, Jessica Darrow, Angie Cepeda, Carolina Gaitán, Diane Guerrero, Wilmer Valderrama, Rheny Feliz, Ravi Cabot-Conyers, Adassa, Maluma Estreno en Estados Unidos 24 noviembre 2021; en España 26 noviembre 2021

Norteamérica nunca ha dejado de mirar al sur del continente aunque sea con motivos estrictamente comerciales. Durante y después de la Segunda Guerra Mundial les interesaba como mercado y para estrechar lazos frente a la decrépita situación de la vieja Europa. En el cine eso se tradujo en suntuosos musicales de la Metro y la Fox que recreaban a su manera los exóticos y extravagantes paisajes sudamericanos, importando talentos latinos de uno y otro lado del charco como Carmen Miranda, Xavier Cugat, Dolores del Río o José Iturbi. También Disney sucumbió a los encantos de Copacabana y Acapulco en títulos como Saludos amigos o Los tres caballeros. La presencia cada vez más acuciante de lo latino en el cine norteamericano se debe ahora más bien a la proliferación de inmigrantes latinos en el país, lo que ha multiplicado la presencia del castellano en la vida rutinaria americana, y una impregnación cada vez mayor de la cultura latina en la autóctona norteamericana. Todo eso y el auge que el compositor Lin-Manuel Miranda está teniendo en Broadway y el cine, con éxitos como Hamilton y lanzado ahora también a la dirección de largometrajes con la recientemente estrenada en plataformas digitales Tick, Tick... Boom!, hace imprescindible la mirada de Hollywood al hemisferio sur del continente, que en la animación reciente se traduce en estas dos películas estrenadas este año, Vivo desde el pasado verano en Netflix y Encanto desde hace apenas un par de semanas en salas.

Ambas cuentan con el aval de las canciones de Miranda, divertidas y pegadizas en ambos casos, y con la complicidad de voces tan reputadas como la de Gloria Estefan en Vivo o Maluma, con menor protagonismo, en Encanto. Pero mientras ésta es un nuevo prodigio de técnica y descarga de adrenalina, con resultados estéticos y dinámicos espectaculares, la primera se presenta como propuesta mucho más humilde y sencilla, diríamos incluso básica. Sin embargo resulta más educativa y amable la producción de Sony que la de la tan a menudo impertinente Disney, que en la película de Jared Bush y Byron Howard, responsables de la oscarizada Zootrópolis, nos cuenta una historia ciertamente enrevesada, debatiéndose entre la individualidad y el trabajo en equipo, a la vez que insistiendo en la magia por encima de la estricta imaginación, y sin perder la ocasión para postular sobre de nuevo la familia y los roles, con el caciquismo sustituyendo a la monarquía, y la valentía femenina haciéndose oportunamente fuerte frente a la prepotencia masculina. Aciertos y desaciertos servidos con un sentido de la espectacularidad ciertamente potente aunque algo cansino debido a la saturación de imágenes y la vertiginosidad del ritmo.

Más simpática nos resulta Vivo, donde un oso de miel o kinkajú, de la familia de los mapaches aunque parezca un monito, se alía con una niña muy loca para viajar de Cuba a Miami y poder entregar a una diva exiliada de la canción con aspecto de Celia Cruz la canción-declaración de amor que le compuso su amado y feliz compañero del monito, un viejete músico con cierto parecido a Bebo Valdés. Apenas unos kilómetros de separación física y tantos de emocional que hacen de esta aventura una experiencia emotiva aún con sus limitaciones.

FUE LA MANO DE DIOS Pasión italiana

Título original: É stata la mano di Dio
Italia 2021 130 min.
Guion y dirección Paolo Sorrentino Fotografía Daria D'Antonio Intérpretes Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saperangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betty Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano, Enzo De Caro, Kino Musella, Sofya Gershevich, Birte Berg, Alessandro Bressanello Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2021; en Italia 24 noviembre 2021; en España 3 diciembre 2021; en Internet 15 diciembre 2021

Hay una secuencia prodigiosa en esta preciosa película. Una vecina, la Baronesa, seduce cual Mrs. Robinson al joven protagonista en un momento muy delicado de su vida. Lejos de resultar grotesca una relación esporádica sexual entre una septuagenaria y un joven de diecisiete años, la mano hábil y delicada de Sorrentino convierte ese momento incómodo en un emotivo encuentro más generoso que meramente placentero. En esa linea podemos decir que se desarrolla esta tierna crónica de la primera juventud del director de La gran belleza, la que muchos consideran su Amarcord particular.

No podemos negar que el director napolitano aprovecha prácticamente cada nuevo título para homenajear en cierto modo la filmografía de Fellini, pero sin renunciar a un lenguaje particular muy definido e identificable. Aunque nos encontremos ante uno de los títulos más convencionales a nivel dramático y narrativo del autor de La juventud, su capacidad visual y su universo particular se dejan entrever también en esta comedia coral en su primera mitad, y reflexiva crónica sobre el paso del tiempo y las huellas de nuestros seres queridos en la segunda. Fue la mano de Dios es además una exhibición de pura pasión, esa fuerza inconfundiblemente italiana que ha hecho que tanto les admiremos como envidiemos, que logre colocar en el mundo entero su filosofía y cultura, desde las artes a la gastronomía, y que en la película de Sorrentino se traduce en sus primeros contactos con el cine y el fútbol.

La llegada de Maradona, el Dios del título, a Nápoles a mediados de los ochenta, y el encuentro del joven Fabietto, sosías del propio realizador, con el director también napolitano Antonio Capuano, marcan esa pasión que se traduce también en esas mujeres voluptuosas, señal de machismo que no nos queda más remedio que perdonar a su responsable, y el peso de la familia y la educación. Todo eso y más sugiere esta emocionante, conceptual y visualmente mágica película que logró en Venecia el Gran Premio del Jurado y que pronto desaparecerá de la cartelera para enclaustrarse en las plataformas digitales, bajo secuestro y en pantalla doméstica.

SEIS DÍAS CORRIENTES Crónica social fresca y diferente

Título original: Sis dies corrents
España 2021 85 min.
Dirección Neus Ballús Guion Neus Ballús y Margarita Melgar Fotografía Anna Molins Música René-Marc Bini Intérpretes Valero Escolar, Mohamed Mellali, Pep Sarrá, Paqui Becerra, Pere Codorniu, Judith Vizcarra Puig, Nuria Revuelta, Alfredo Aloisio, Yuan Jing Estreno en el Festival de Locarno 7 agosto 2021; en salas (no en Sevilla) 3 diciembre 2021

Llevamos repitiéndolo mucho tiempo, algo se está haciendo muy requetemal en la distribución cinematográfica de este país como para dejar escapar tanto talento en favor de lo mismo mil y una veces trillado e industrializado. Sea por el prejuicio que en este país causa todo lo que siendo de aquí no esté hablado en castellano, despreciando lo que no es sino una riqueza cultural extraordinaria, o sea porque lo sencillo y original no tenga lugar en una industria cada vez más globalizada, hay verdaderas joyas que nos son vetadas continuamente a nuestro disfrute y reflexión.

 

Sis deis corrents no es la primera película de una directora catalana de la que apenas o nada sabemos el resto de los españoles y españolas. Ni sus documentales, ni La plaga ni El viaje de María tuvieron distribución fuera de las fronteras catalanas. Mejor suerte ha corrido la que muchos de sus seguidores consideran su mejor trabajo, pero más abajo de Despeñaperros el desprecio ha sido total, y en el resto prácticamente igual salvo en zonas donde se habla catalán o valenciano. Y es una lástima porque la película es una gozada en forma de crónica social diferente y divertida. Reducirla a docudrama sería injusto e insuficiente, pues se trata de un sólido trabajo de ficción en el que sus protagonistas se interpretan a sí mismos para narrar en seis capítulos-días sus experiencias como fontaneros y electricistas en diversos hogares poblados por gente tan singular como un anciano que cuida primorosamente su salud, una fotógrafa de modelos sensuales, un psicoanalista argentino con casa domotizada, o un joven con dos hermanas gemelas muy impertinentes. En el periplo conocemos a tres trabajadores que parecen sintetizar la diversidad social de Cataluña o cualquier otra región española, el autóctono, el inmigrante andaluz (impagable Valero Escolar como antipático jefecillo) y el inmigrante marroquí Moha, que se lleva a todos los clientes de calle aunque él no lo pretenda.

 

Pareciera que reflejara el descontento del catalanismo con el resto del país y su por el contrario aperturismo al extranjero, pero todo apunta a que las intenciones no son tan zafias ni deterministas, y que el sentido de todo esté en la ternura y el humanismo que despiertan sus anécdotas y episodios, cargados de ligereza y emotividad.

LA FAMILIA PERFECTA Españolada con un toque de distinción

España, 2021 110 min.
Dirección Arantxa Echevarría Guion Olatz Arroyo Fotografía Pilar Sánchez Díaz Música Pascal Gaigne Intérpretes Belén Rueda, José Coronado, Gonzalo de Castro, Carolina Yuste, Gonzalo Ramos, Lalo Tenorio, Jesús Vidal, Pepa Aniorte, Huichi Chiu, Pepe Ocio, María Hervás Estreno 3 diciembre 2021

Tiene poco que ver la directora de Carmen y Lola, una cinta que sorprendió hace un par de años con su romance lésbico entre gitanas, con la que ahora aborda con mimbres más académicos y técnicamente depurados esta enésima revisión de la lucha de clases en la España del pelotazo y el paro. Sin embargo lo mejor de la cinta reside en su cambio de registro e intención pasado el ecuador de su metraje, cuando se centra definitivamente en el personaje interpretado con su habitual soltura y elegancia por Belén Rueda, y la función se convierte en una reivindicación de la mujer libre e independiente, que no se conforma con estar a la sombra del hombre, por mucho bienestar que ésta le proporcione.

En La familia perfecta se repiten los cánones que desde hace muchísimo tiempo rigen en la comedia española, eso que se llama despectivamente españolada y que en muchas ocasiones despachaba interesantes reflexiones sociales bajo el paraguas protector de la comedia alocada, esperpéntica y frecuentemente estridente. Los tiempos han cambiado, y el talento de un o una realizadora se nota cuando logra acometer una de estas empresas con algunas dosis de elegancia y sensatez.

Lástima que el conjunto parta de unas premisas demasiado impostadas, como el hecho de que un joven como el que interpreta Gonzalo Ramos se enamore perdidamente de alguien como el personaje choni de Carolina Yuste. Su personaje en Sevillanas de Brooklyn sí hubiera justificado ese enganche desclasado. Tampoco el comportamiento de José Coronado encaja bien con el tono de una película que se pretende ser seria, siempre en tono amable y distendido, dentro de su inconfundible tendencia al puro entretenimiento y la diversión camp. Por otro lado personajes como el del cura (el Campeón Jesús Vidal), Trini la oriental, y sobre todo el hermano cani, Lalo Tenorio, se convierten en lo más descacharrante en un conjunto donde todo, salvo ese giro ecuatoriano, es harto previsible.

CAZAFANTASMAS: MÁS ALLÁ Nostalgia ochentera poco emocionante

Título original: Ghostbusters: After Life

USA 2021 124 min.
Dirección Jason Reitman Guion Jason Reitman y Gil Kenan, según los personajes creados por Dan Aykroyd y Harold Ramis Fotografía Eric Steelberg Música Rob Simonsen Intérpretes Carrie Coon, Paul Rudd, Finn Wolfhard, Mckenna Grace, Logran Kim, Celeste O'Connor, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Annie Potts, Sigourney Weaver, J.K. Simmons Estreno en Estados Unidos 19 noviembre 2021; en España 3 diciembre 2021

Por encima de otras películas muy aclamadas de Jason Reitman; como Juno o Up in the Air, hay un título que nos gusta especialmente, se trata de Hombres, mujeres y niños, una interesante disección de las relaciones paterno y maternofiliales en la era de la tecnología y las redes sociales, que pasó prácticamente desapercibida, como la mayoría de las películas que realmente son interesantes. También los padres, las madres y sus descendientes se erigen en protagonistas de esta película que a nivel personal parece un ejercicio de nostalgia y tributo de un hijo a su padre, Ivan Reitman, el celebrado creador de El pelotón chiflado y Los cazafantasmas, aunque a nivel empresarial está claro que no es sino la revisitación de un clásico para poner de nuevo en marcha la máquina de hacer dinero.

Obviado aquel empoderamiento aparente de la mujer que supuso Cazafantasmas en su edición de 2016 dirigida por Paul Feig, la película del joven Reitman enlaza directamente con la segunda entrega original, de 1989, recuperando sus personajes originales y con un hondo homenaje tributado a Harold Ramis, desaparecido en 2014 y responsable en solitario de aquel mítico Atrapado en el tiempo. El director homenajea a su padre, y la protagonista femenina de esta entrega contemporánea lo hace al suyo, el personaje de Ramis, que en el prólogo, convenientemente camuflado entre las sombras, perece mientras manipula sus artefactos atrapa fantasmas en una hacienda de inconfundible parecido con el cuadro de Hopper que inspiró a su vez la mansión de Psicosis. Pero aquí los verdaderos protagonistas son los niños y niñas que muy al estilo de Los Goonies, toman el relevo de sus abuelos y hacen frente a nuevas amenazas espectrales que despiertan de su letargo en una antigua mina abandonada.

El ejercicio nostálgico no se queda en Cazafantasmas y Goonies, sino que recorre todo el imaginario Spielberg, incluidas las luces azuladas de E.T. y la montaña mágica de Encuentros en la tercera fase. Sin embargo falta en el conjunto esa emoción que antes afloraba con tanta facilidad, y ahora solo lo hace de manera impostada y a menudo poco eficiente. Se agradece que los efectos visuales se asemejen a los de aquella época, haciendo alardes solo en la recreación digital de los personajes desaparecidos, lo que acrecienta el parecido entre cintas que se alejan en el tiempo tres décadas. Incluso Rob Simonsen se afana en recrear el sonido Elmer Bernstein de los dos títulos originales, incluidas sus caracteristicas ondas martenot. Sin embargo falta en el conjunto aquel componente cómico y fiestero que dio carta de naturaleza a un híbrido entre comedia, terror y ciencia ficción que tan bien funcionó entonces y solo sirve ahora para provocar un poco de melancolía, o ni eso. Los menos impacientes comprobarán que Sigoruney Weaver efectivamente también aparece entre los cameos del film, y que el personaje de Ernie Hudson encierra algún secreto clave para la inevitable secuela.

Estreno en salas de EL AMOR EN SU LUGAR

Reseña de la película estrenada en el XVIII Festival de Cine Europeo de Sevilla el 10 de noviembre de 2021

Con las nominaciones a los Goya recién publicadas, este podría haber sido un buen momento para promocionar esta impecable película, si no fuera porque la mirada una vez más obtusa de los académicos y académicas ha decidido destacar en ella solo dos apartados, los de vestuario y dirección de producción. Para muchos se trata de una estupenda cinta, prodigio de dirección, compleja técnica y narrativamente, y capaz de recrear ese ambiente sórdido de apartheid en el gueto judío de la Varsovia ocupada por los nazis en plena Segunda Guerra Mundial. Eso sin hablar del estupendo trabajo del compositor Víctor Reyes, autor de una completa recreación del musical perdido que se representa en la película a modo de teatro dentro del cine, y que ha sido inexplicablemente ignorado por la Academia. La así llamada Academia del Cine Español vuelve a obviar algunos de los títulos más interesantes del año, como El cover, destacada solo por una de sus canciones, o esta joya de Rodrigo Cortés, hito único e irrepetible de un cine como el nuestro anclado en discursos siempre parecidos y reiterativos. Nuestra Academia hace como siempre, centrarse en unos pocos títulos, encumbrándolos sin tener en cuenta otras películas interesantes estrenadas a lo largo del año... y dicen que los premios sirven para promocionar una cinematografía; en nuestro caso más bien sirven para hundirla, y promocionar solo algunos títulos, la mayoría de los cuales ya ni siquiera necesitan esa publicidad.

BIENVENIDA LA CREACIÓN VIVA

XII Festival Zahir Ensemble de Música Contemporánea. Sachika Ito, Aurora Galán y Bruna de Castro Paluzzi, sopranos; Alain Damas, tenor; Gregor Acuña-Pohl y Julio Figueredo, actores; Andrea Martínez, actriz; Juan García Rodríguez, dirección musical. Thierry Bruehl, dirección escénica e iluminación; Claudia Jung, vestuario y maquillaje. Programa: Gespensterhaus (Casa encantada), de Reinhard Febel; Ligeia, de Hüseyin Evirgen.

Espacio Turina, miércoles 1 de diciembre de 2021

Un momento de la representación de Ligeia

Hay varios motivos para celebrar con satisfacción un evento escénico musical como el que tuvo ayer tarde en el Espacio Turina. Por un lado que se estén realizando simultáneamente en la ciudad dos festivales de música contemporánea, el de Zahir Ensemble que nos ocupa y el de Taller Sonoro que encontró hace apenas un par de semanas su punto álgido con el concierto en torno a Hilda Paredes. Por otro, que esta expresión musical de nuestro tiempo vaya paulatinamente dejando de ser maldita y se vaya colando en el interés y la inquietud del público, que esta vez acudió a la cita de manera bastante generosa, de igual manera que lo hizo hace un par de años cuando se programaron en el Maestranza las primeras de estas óperas de bolsillo, también con Zahir Ensemble, la soprano Sachika Ito y el director de este proyecto de Klang21 en Salzburgo, Thierry Bruehl, colaborador habitual del conjunto sevillano. Y por último, que disfrutemos en este entorno de música de notable calidad, tan sugerente como cautivadora, con el aliciente de estar calentita, lo que podríamos considerar casi una creación en vivo, o mejor dicho una creación viva.

El diálogo con otras artes protagonizó este doble programa, a través de la pintura y la literatura, con el terror y lo inexplicable como nexo común. El cuadro de Edward Hopper Casa junto a la vía del tren, que inspiró a Hitchcock para la famosa mansión Bates de Psicosis, y que funciona como referente de esas casas abandonadas a las que muchos y muchas nos hemos aventurado cuando éramos infantes, sirve de pretexto para la pieza del veterano compositor alemán Reinhard Febel, donde unos amantes fantasmas influyen en el niño y la niña que visitan la casa para perpetuar comportamientos violentos y machistas. Música envolvente y desasosegadora, a fuerza de continuas escalas ascendentes y descendentes en la cuerda, modulaciones agitadas y viscerales y un espíritu general muy acorde a la música de terror cinematográfica, apoyada en disonancias y golpes de efecto turbadores, que Zahir Ensemble defendió con heroica profesionalidad, mientras en las voces Sachika Ito se impuso claramente a su pareja, un Alain Damas desangelado y de voz algo tirante, repitiendo ambos una y otra vez unas mismas y obsesivas líneas de texto. Los niños por su parte rebajaron naturalmente la calidad de la pieza a niveles de función de colegio, si bien destacamos la actitud un tanto bizarra del joven Julio Figueredo, que ya nos sorprendió en aquella cita en el Maestranza de diciembre de 2019.

Zahir Ensemble y el elenco completo de los dos títulos programados

La obra de Hüseyin Evirgen, que también participó en aquella cita maestrante, utiliza como base literaria un relato de Edgar Allan Poe en torno a la muerte de su amada Ligeia, mientras su espectro se pasea por el escenario con tres formas distintas pero siempre hermosas y elegantes, hasta que la aparición espectral se hace patente en el cadáver de la esposa del narrador, también muerta. A éste da vida Gregor Acuña, que demostró una vez más su compromiso con la música contemporánea y su poderoso talante como actor dramático y visceral, todo un derroche de esfuerzo emocional. Aquí el acompañamiento vocal se limitó a emisiones de sonidos breves y muy calculados, algunos levemente susurrados, pero fue la música la gran protagonista con su vocación minimalista y su estética de música tecno industrial apoyada únicamente en instrumentos convencionales, sin participación de la electrónica. Un excelente trabajo de percusión mantuvo su obsesiva línea rítmica, mientras unas elocuentes pausas en la música y la narración, a modo de variaciones sobre un mismo concepto, sin romper la unidad, el ritmo ni el interés de la propuesta, se erigieron en uno de los más imponentes alicientes de la obra.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía