REINAS Un trampantojo emocional

Perú-España-Suiza 2024 104 min.
Dirección Klaudia Reynicke Guion Klaudia Reynicke-Candeloro y Diego Vega Fotografía Diego Romero Intérpretes Abril Gjurimovic, Luana Vega, Gonzalo Molina, Jimena Lindo, Susi Sánchez, Fabrizio Aguilar Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Perú 22 agosto 2024; en España 6 septiembre 2024

Con una filmografía netamente suiza hasta el momento, la directora peruana Klaudia Reynicke regresa a su país para contarnos una historia que parece tener mucho de auto biográfica. Nos encontramos ante un relato ambientado en ese país andino, poblado en su mayoría por indígenas, pero de nuevo centrado en la población caucásica descendiente de los invasores, como de hecho ocurre en sus programas televisivos, culebrones incluidos. Esta vez tiene sentido por cuanto de auto biográfico parece contener una función que nos habla de los convulsos años noventa del pasado siglo, cuando Fujimori tenía al país en cuarentena, sometido a las fuerzas armadas y a sus políticas de austeridad económica.

En ese contexto, Reynicke centra su atención en la mirada ingenua y desprejuiciada de dos niñas, como suele ser habitual en muchas de las películas dirigidas por mujeres que nos han ido llegando en los últimos años. Dos jovencitas pertenecientes a una familia de izquierdas, y sin embargo aburguesada y acomodada, cuyos privilegios parecen ir despareciendo con el devenir de los tiempos. Ajenas a cualquier tipo de peligro, las niñas sólo piensan en su bienestar inmediato, al que están acostumbradas, mientras su madre anhela con salir del país y contar para ello con el permiso del irresponsable y divorciado padre.

Rodada en formato comedia como la vida misma, esconde en realidad la tragedia de un país azotado por la pobreza y el recorte de libertades, mientras asistimos como si de un trampantojo se tratara, a los episodios más o menos amables y distendidos que viven las dos chicas y su fantasioso padre, un Peter Pan que genera rechazo y simpatía a partes iguales. El principal mérito de Reynicke radica en contar estos tiernos episodios sin renunciar a la tensión de fondo y la zozobra de los adultos, entre quienes se encuentra la enorme Susi Sánchez apenas forzando el acento. Gran mérito el de las niñas protagonistas, especialmente la más pequeña, Abril Gjurimovic, de mirada tan emotiva como inocente y resultados siempre llenos de magia y brillo.

EL 47 Cuestión de voluntad

España 2024 110 min.
Dirección Marcel Barrena Guion Marcel Barrena y Alberto Marini Fotografía Isaac Vila Música Arnau Bataller Intérpretes Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Salva Reina, Aimar Vega, Carlos Cuevas, David Verdaguer, Vicente Romero, Óscar de la Fuente, Betsy Túrnez, Borja Espinosa, Carme Sansa, Francesc Ferrer Estreno 6 septiembre 2024

En su breve filmografía como director, Marcel Barrena ha demostrado un especial y admirable interés por temas relacionados con la superación personal y colectiva, temas sociales y decididamente humanos que ha tratado con discreto pero certero éxito en la ficción (100 metros, Mediterráneo) y el documental (Hermano Caballo sobre un hombre que susurraba a los caballos). El 47 del título se refiere al autobús que condujo durante gran parte de su vida Manolo Vital, un extremeño que como tantos otros, entre ellos andaluces, tuvieron que huir de su hogar ante el hostigamiento fascista tras la Guerra Civil, para asentarse en Cataluña y contribuir con su esfuerzo, integración y determinación en la construcción del país que ahora rehúye de su forja para erigirse en territorio singular e independiente. Pero más allá de esa memoria a la que apela el rescate de esta figura y de quienes le rodearon, familiares y amistades, la película de Barrena sirve como recordatorio de que la sombra de la Historia nunca cesa, continúa y se mantiene incluso en estos tiempos de supuesto bienestar en el que inmigrantes son rechazados y marginados, jóvenes apenas tienen acceso a la vivienda frente al auge del turismo, y pueblos enteros tienen que llamar la atención de autoridades para dejar de morir víctimas de un virus provocado por mosquitos, seguramente más fácil de erradicar de lo que imaginamos.

Se trata de la desidia y de la falta de voluntad de aquellos y aquellas que olvidan cuáles son sus responsabilidades y por qué fueron puestos ahí, con todos sus privilegios y dignidades, por un pueblo que se siente tan a menudo olvidado. Alguien dentro de unas cuantas décadas encontrará también en estos episodios contemporáneos material para recordarnos nuestra vulnerabilidad, la necesidad de héroes cotidianos y la imprescindible lucha colectiva a la que nos empujan continuamente nuestros gobernantes. De eso trata esta sensible y emotiva película, que no lacrimógena, realizada sin estridencias ni malos humores, con cariño y atención al detalle, lo que se traduce en una ambientación, primero en 1958, más tarde y casi toda la película veinte años después, recreando los suburbios bautizados como Torre Baró y esa Barcelona vintage a la que los efectos digitales prestan alguna colaboración, el resto es material de archivo evidenciado en texturas diferentes.

Un ejercicio nostálgico acompañado de una soberbia interpretación de Eduard Fernández, muy bien flanqueado por Clara Segura y su hija en la ficción, Zoe Bonafonte contando la particular gesta en primer persona. También merecen destacarse los populares David Verdaguer y Carlos Cuevas, mientras capítulo aparte merecen los personajes, exagerados en el acento y la actitud, a los que dan vida Salva Reina y Vicente Romero, lamentablemente la aportación andaluza y lo peor de la función. Cabe destacar la hermosa y cálida partitura de Arnau Bataller completando el firme y entrañable acabado de un film que cuenta una historia dura con hechuras de cuento moral y reivindicativo tan vigente hoy como entonces y siempre.

BITELCHÚS BITELCHÚS Recomendable pese a su oportunismo

Título original: Beetlejuice Beetlejuice
USA 2024 104 min.
Dirección Tim Burton Guion Alfred Gough, Seth Grahame-Smith y Miles Millar, según los personajes creados por Michael McDowell y Larry Wilson Fotografía Harris Zambarloukos Música Danny Elfman Intérpretes Michael Keaton, Jenna Ortega, Winona Ryder, Catherine O’Hara, Justin Theroux, Monica Bellucci, Willem Dafoe, Arthur Conti, Burn Gorman, Santiago Cabrera, Danny DeVito Estreno en el Festival de Venecia 28 agosto 2024; en Estados Unidos y España 5 septiembre 2024

Para su vigésimo largometraje de ficción, si exceptuamos Pesadilla antes de Navidad, cuyo crédito principal está en manos de Henry Selick, Tim Burton ha tirado del baúl de los recuerdos para presentarnos algo muy apreciado por la industria norteamericana cuando las ideas escasean y hay que hacer taquilla a toda costa, una secuela. No deja de ser una operación oportunista, pero si se hace bien y nos hace pasar un buen rato, podemos considerarla bienvenida. Es el caso de esta continuación, treinta y cinco después de la película que dio pistoletazo de salida a una carrera tan admirada como despreciada según qué sensibilidades y qué etapa artística del fantasioso director.

Burton ha cuidado cada detalle para que sea digna de su predecesora, algo anticuada y ahora rejuvenecida, y no chirríe tanto tiempo después ante las innovaciones técnicas que desde entonces se han sucedido en el arte cinematográfico. De esta forma encontramos buenos efectos visuales repartidos entre los indiscutiblemente digitales y los más artesanales, y una continuación a nivel narrativo convincente y adecuada, en la que el protagonismo de Winona Ryder lo retoma ahora su hija en la ficción, Jenna Ortega, mientras bajo el maquillaje Michael Keaton mantiene el mismo aspecto que lucía hace casi cuatro décadas. Para muchos, la película mejora el nivel al que Burton nos había acostumbrado en sus últimas películas, si bien nosotros no desdeñamos el alcanzado por Dumbo. Lo cierto es que Bitelchús Bitelchús contiene los suficientes gags visuales y sonoros, y un elenco superlativo en el que destacan Monica Belluci protagonizando una hilarante secuencia de reconstrucción virtual, y Willem Dafoe en un divertido registro autoparódico.

Hay incluso un par de números musicales (Soul Train y la versión original de Richard Harris de MacArthur Park, mientras la más popular de Donna Summer aparece tímidamente al principio como Day-O de Harry Belafonte lo hiciera en la cinta de 1988, y sirve para ilustrar ya completa los créditos finales, esos que en España la televisión arranca de cuajo, algo que hemos constatado no ocurre en otros países de nuestro entorno), que colaboran para considerar éste un entretenimiento sobresaliente y un espectáculo bien urdido y en términos generales bastante satisfactorio, habida cuenta lo que esperábamos de él.

VOLVERÉIS Inspirado ejercicio de metacine

España-Francia 2024 114 min.
Dirección Jonás Trueba Guion Jonás Trueba, Itsaso Arana y Vito Sanz Fotografía Santiago Racaj Música Iman Amar, Guillermo Briales y Ana Valladeres Intérpretes Itsaso Arana, Vito Sanz, Andrés Gertrudix, Fernando Trueba, Jon Viar, Ana Risueño, Francesco Carril, Isabelle Stoffel, Sgfid Monleón, Miguel A. Trudu Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2024; en Francia 28 agosto 2024; en España 30 agosto 2024 

Francia, que profesa un especial interés por el cine de Jonás Trueba, César incluido por La virgen de agosto, ha entrado de pleno en la coproducción de éste su séptimo largometraje de ficción, posiblemente el mejor hasta la fecha de su filmografía y uno de los mejores trabajos españoles estrenados este año. Su trama parte de varios focos de inspiración, fundamentalmente una idea original de su propio padre, aquí interpretando al de la protagonista en uno de los más inteligentes e innovadores ejercicios de metacine vistos jamás en pantalla. Pero también asoman un ensayo sobre la repetición de Kirkegaard, y la influencia de la comedia clásica estadounidense sobre segundas oportunidades en la pareja, todo ello formateado a tres manos por el director y su pareja protagonista, Itsaso Arana y Vito Sanz, en un ejercicio parecido al desplegado por Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy en su trilogía de Antes del amanecer.

Trueba reúne a la plana mayor de sus actores y actrices habituales en una fiesta cinematográfica que nos habla una vez más de crisis de los cuarenta, incluido todo un generoso análisis en pro y en contra de 10, la mujer perfecta de Blake Edwards, y crisis de pareja en un entorno en el que cine y realidad se funden de forma tan hábil como moderadamente fascinante. Provoca la complicidad y la sonrisa de principio a fin, gracias a la frescura de sus diálogos, cierta y oportunamente repetitivos, la gracia de su elenco, y un Madrid retratado con mucho cariño, al que Jonás convierte en espejo del Nueva York de Woody Allen, otro foco inspirador de la película.

Aunque corre el peligro de quedar lastrada por su largo y puede que innecesario largo metraje, no llega a fatigar y sí a provocar muy buen aliento. Quizás lo mejor de Trueba hijo junto a los episodios que conformaron su trabajo documental Quién lo impide, que en su formato reducido para el cine perdió parte de su interés, no obstante alzarse con el Goya de 2021 en su apartado. Volveréis de momento ha logrado el Premio de la marca Europa Cinemas en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes.

ISLA PERDIDA Admiración mal aplicada

España-Colombia 2024 128 min.
Dirección Fernando Trueba Guion Rylend Grant y Fernando Trueba Fotografía Sergio Iván Castaño Música Zbigniew Preisner Intérpretes Matt Dillon, Aida Folch, Juan Pablo Urrego, Kika Georgiou, Polydoros Vogiatzis, Anthi Andreopoulou, Vassilis Halakatevakis, Marina Argyropoulou Estreno 23 agosto 2024

Tan perdidas como la isla del título parecen las intenciones de Trueba en su afán de homenajear ese cine clásico norteamericano que tanto admira y que en esta ocasión le lleva al cine negro y a emular al incomparable Hitchcock con una película que combina sin mucho acierto el melodrama romántico con la intriga criminal y pasional. Dividida en dos partes bien diferenciadas, la primera es luminosa y alegre, en un tono que la hace disfrutable aunque en ningún momento consiga enganchar lo suficiente, especialmente por el errático diseño de unos personajes que se antojan tan planos como la rocambolesca trama que desarrolla.

La segunda, más tenebrosa y pretendidamente angustiosa, no aprovecha los escenarios en los que se ambienta y no logra sintonizar con un público del que apenas ha logrado captar el interés y la inquietud que su argumento parece pedir a gritos. Hace aguas a pesar de que sus grecos paisajes y su atractivo elenco, con Matt Dillon a la cabeza ejerciendo como improbable chef pero cumpliendo como estrella mediática, y una esforzada Aida Folch dando vida a la heroína de turno, hábilmente secundados por el joven Juan Pablo Urrego. Los tres entregados con poca convicción pero cierta profesionalidad a los avatares que les ofrece un guion endeble y poco plausible, en el que los giros no son tan imprevisibles como pretende ni las reacciones tan coherentes.

Entre lo mejor, la melódica banda sonora, a ratos violenta e intrigante, de Zbigniew Preisner, que ya sólo se prodiga en películas del director de Belle Epoque. Éste, por cierto, se permite en la película de su hijo Jonás, Volveréis, lamentarse por la traducción que los distribuidores españoles hicieron de The Awful Truth por La pícara puritana, mientras le coloca a su película el título Haunted Heart, prestado de una canción de Jo Stafford que suena en una secuencia de seducción, para su hipotética distribución internacional.

BRUNO AXEL, ENTRE ROMÁNTICO Y VACILÓN

XXV Noches en los Jardines del Real Alcázar. Bruno Axel, violines, voz, sampler; Antonio A. Ritoré, percusión. Programa: El arte de la invención. Miércoles 4 de septiembre de 2024

Foto: Actidea

Polifacético, inquieto, inclasificable… son algunos de los adjetivos que definen la personalidad del músico granadino Bruno Axel. Aún impresionados por el excelente sabor de boca que nos dejó hace justamente una década cuando presentó en la Sala Manuel García del Maestranza su espectáculo Música en movimiento, y a pesar de que su continuación, un año después, no despertó en nosotros la misma sensación, asistimos a esta segunda función de Axel en las Noches del Alcázar con cierta expectación y la convicción de que no nos dejaría indiferentes. Todo indica que lo que anoche hizo sobre el escenario fue considerablemente diferente a lo que ofreció el pasado 20 de agosto. Para entonces estaba anunciado un menú degustación con distintos platos cocinados a partir de reconocibles partituras musicales. Esta vez su imaginación se fue más del lado de los viajes.

Queremos pensar que para ello inventó un personaje, con una imagen radicalmente diferente a la que nos tiene acostumbrados y acostumbradas, y ciertas formas que nos remitieron directamente a los músicos callejeros, tomando forma definitiva cuando casi al final se transformó en artista del metro de Nueva York, haciéndose acompañar su ecléctico violín de una percusión directamente inspirada en el hip hop. Entre medias, Axel jugó a desconcertar al público, alternando sus particulares recreaciones musicales con sentencias dispersas sin aparente conexión entre ellas, hasta que en cierto momento encontraron justificación como improvisada terapia para sobrellevar la vida y la muerte, y terminar sobreviviendo, que es al fin y al cabo lo que hacemos todos y todas, pero bajo el espíritu reconocible de quien lo hace día tras día reinventándose en calles y plazas de una gran urbe.

Imagen retrospectiva del artista

Con Bach como músico recurrente, desde sus partitas a las Variaciones Goldberg, y Paganini, Vivaldi, Rota y su familia Corleone, así como Falla y su nana, un sirtaki y música de raíz turca, la propuesta de Axel encontró su punto más decididamente grotesco con sus recreaciones de los impresionistas franceses, unas Gymnopédies de Satie a dúo con Antonio Alcántara Ritoré al xilofón, a partir de los sonidos distorsionados y estridentes del violín eléctrico, y un Bolero de Ravel algo más juguetón, animado por la batería, las congas y los sonidos grabados sobre la marcha en el sampler.

El viaje terminó como también parece estar haciéndolo el verano, del mar buceando al cielo en globo, y parte del público acabó desconcertado, otra desmotivada, y otra posiblemente encantada con una propuesta en la que sobresalió el carácter vacilón y extravagante del músico, muy bien acompañado por un mucho más discreto Alcántara. En sus gestos y sus dispersas locuciones, Axel exhibió el romántico que lleva dentro, con una visión apesadumbrada y derrotista de la existencia, incluida una emotiva dedicatoria a un amigo desaparecido. Es ahí quizás donde más acertó el intérprete y compositor en un montaje escénico musical que en general encontramos bastante endeble y falto de una mayor imaginación, no obstante el evidente virtuosismo del artista al violín.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

LA LIBERACIÓN Black exorcismo

Título original: The Deliverance
USA 2024 112 min.
Dirección Lee Daniels Guion Elijah Bynum, David Coggeshall y Lee Daniels Fotografía Eli Arenson Música Lucas Vidal Intérpretes Andra Day, Glenn Close, Anthony B. Jenkins, Caleb McLaughlin, Demi Singleton, Aunjanue Ellis-Taylor, Mo’Nique, Omar Epps, Miss Lawrence, Colleen Camp Estreno en Netflix 30 agosto 2024

Que Lee Daniels haya forjado su carrera a fuerza de títulos que analizan la condición de la raza negra en el país de las oportunidades, con Precious como fracaso de la integración y la educación, El mayordomo como sumisión de raza al poder político y económico, y Los Estados Unidos contra Billie Holiday como lucha por la supervivencia y el reconocimiento en un mundo plagado de prejuicios, hace pensar que este insólito salto al cine de terror esconda alguna motivación que aporte un mayor grado de interés y enjundia a una historia más o menos anodina de fantasmas y posesiones diabólicas. Para colmo, que la cinta se base en el caso de Latoya Ammons, cuya familia sufrió supuestos e incomprensibles fenómenos reales hace trece años, añade más desconcierto al producto.

Es verdad que Daniels dirige con elegancia y sentido del ritmo una película que durante algo más de la mitad de su metraje construye una más que notable atmósfera e inquietud respecto a qué se nos va a contar. Ayuda a ello un elenco sobresaliente encabezado por Andra Day (Billie Holiday en el título aludido) y con Mo’Nique, ganadora del Oscar a la mejor actriz secundaria por Precious, entre las secundarias de un reparto mayoritariamente femenino si exceptuamos a los niños que sufren los terribles castigos por los pecados de los progenitores que la cinta parece narrar en formato metáfora . Pero quien realmente sorprende es Glenn Close, que pese a su color de piel interpreta a la madre de la protagonista y abuela de los niños, en un registro quizás estridente y pasado de rosca, pero que la veterana actriz reproduce con tanto sentido de la profesionalidad y del arte que consigue que cada escena en la que participa brille especialmente sobre las demás.

Lástima que pese a todos estos encantos, a los que hay que añadir una sobriedad poco habitual en este tipo de producciones, al menos en esa primera larga mitad, la función se disparate y desquicie al tomar derroteros archivistos en el género. Y todo sin que acertemos, por mucho que lo intentemos, asociar el episodio apocalíptico que sufre esta familia desestructurada y marchita por los sempiternos traumas infantiles, con una realidad social y económica directamente relacionada con los problemas de raza y los prejuicios aún no resueltos en el país que supuestamente inventó la democracia como hoy la conocemos.