LAS HABITACIONES ROJAS Ensayo en defensa del morbo

Título original: Les chambres rouges
Canadá 2023 118 min.
Guion y dirección Pascal Plante Fotografía Vincent Biron Música Dominque Plante Intérpretes Juliette Gariépy, Laurie Babin Fortin, Maxwell McCabe-Lokos, Charlotte Aubin, Elisabeth Locas, Natalie Tannous, Guy Thauvette Estreno en el Festival de Karlovy Vary 4 julio 2023; en Canadá 11 agosto 2023; en España (Movistar Plus+) 24 marzo 2025

Cuesta comprender por qué películas como ésta, tan solvente e inquietante, pasan directamente a las plataformas digitales tras un largo periplo festivalero y sin que apenas algún país se digne a estrenarla comercialmente. En su cuarto largometraje como director, el hasta ahora desconocido entre nosotros Pascal Plante se inmiscuye en las sórdidas páginas negras de internet, de acceso restringido y contenido a menudo delictivo, sólo aptas para gente muy morbosa, ávida de experiencias extremadamente fuertes. Ahí, en sus llamadas habitaciones rojas, se esconden los videos grabados por un asesino para comercializarlos entre estas personas de gusto tan refinado. Una joven modelo, extraordinaria e inquietante Juliette Gariépy, se entrega en cuerpo y alma a seguir como libre oyente el juicio que se celebra contra este presunto criminal, parece que motivada por sus ansias morbosas, aunque pronto sabremos que su dominio del universo digital podrá contribuir sobremanera a la resolución del caso.

Mientras tanto, asistimos con espanto a los rituales criminales del asesino sobre tres jóvenes estudiantes, en lo que nos recuerda al espantoso caso de las niñas de Alcácer, lográndose sólo a través del sonido transmitir todo el horror de las escenas descritas. Así mismo, la cinta se hace eco de la relación que se entabla entre la protagonista y una seguidora del asesino convencida de su inocencia, intensa Laurie Babin Fortin, siempre desde un prisma de enrarecimiento no hasta el extremo de espantar nuestro interés. Y con una esmerada puesta en escena, en la que todos los agentes cumplen su cometido con especial énfasis, desde un plantel de secundarios encabezado por la fiscal y su espeluznante relato de los acontecimientos, hasta su atractiva banda sonora, obra del hermano del director, y la luminosa fotografía, especialmente en el elevado apartamento acristalado de la joven.

Todo un conjunto de recursos y aciertos que contribuyen a mantener nuestra atención, dejando constancia de la natural atracción humana por lo morboso, razón muchas veces de ser del propio cine, y su original trama de investigación criminal. Una cinta, en definitiva, distinta, elegante y equilibrada a pesar de su espeluznante realidad, rodada siempre desde un ángulo en el que la inteligencia desplaza la mera denuncia, y el ojo crítico se deja seducir por la desnudez del alma humana.

Estreno en salas de VIDA EN PAUSA

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 11 de noviembre de 2024

COELHO Y LA ROSS NOS SUMERGEN EN LA MÚSICA DEL SIGLO XX

Gran Sinfónico nº 8 de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Vicent Morelló Broseta, flauta. Nuno Coelho, dirección. Programa: Poema-Sakzka, de Sofiya Gubaidúlina; Concierto para flauta, de Carl Nielsen; Le Sacre du printemps, de Ígor Stravinski. Teatro de la Maestranza; jueves 3 de abril de 2025

Se agradece a la Sinfónica programar un concierto dedicado exclusivamente a la música del siglo XX, introducido por la recientemente fallecida Sofiya Gubaidúlina, quien a pesar de un abultado catálogo, rara o ninguna vez encuentra hueco en nuestros conciertos sinfónicos. Le siguieron el imprescindible concierto para flauta del danés Carl Nielsen, y culminó con una nueva interpretación de La consagración de la primavera, que como otras veces resultó tan fresca como sorprendente.

A la batuta Nuno Coelho, un director ya conocido por los maestros y maestras de la ROSS, y por el público del Maestranza, ayer completado con una importante representación de jóvenes, que a buen seguro disfrutarían con la notable espectacularidad de la página stravinskiana, todo un salvoconducto para seguir interesándose por la gran música y decidir ahondar en ella a través de nuevas citas concertísticas.

Poema de cuento de hadas, la pieza de Gubaidúlina, narra un hermoso canto del cisne de líneas muy sutiles interrumpidas por ocasionales estallidos de color, donde es posible encontrar reminiscencias de la pieza de Stravinski en algunos de sus pasajes, demostrando la influencia absoluta del ruso en la música del siglo XX y aún el presente. Aquí, Coelho logró un control absoluto de las dinámicas y la narrativa, con una orquesta sorprendente en los pasajes más sottovoce. Todo un muestrario de sugerencias y caricias en un lenguaje avanzado, cargado de sensualidad pero nunca temerario.

Un solista a la altura

Primer flautista de la ROSS, junto a Juan Ronda, Vicent Morelló volvió a ejercer como solista en un concierto del conjunto al que pertenece desde hace casi veinte años. Y lo hizo con una pieza icónica de su currículo, ya que fue precisamente el concierto de Nielsen el que interpretó en 1996 junto a la Sinfónica de RTVE cuando ganó el concurso de Juventudes Musicales.

Pieza por lo tanto que conoce bien, y prueba de ello es que la interpretó sin partitura, haciéndose dueño de cada giro e inflexión, con resultados sobresalientes en todas las facetas, desde un control absoluto de la respiración, un legato perfectamente hilado, unas agilidades extraordinarias y un fraseo elegante y dinámico.

Como resultado, pudimos disfrutar de un concierto travieso y sonriente, a la vez de porte aristocrático y generoso en fantasía, con participaciones puntuales del trombón y el clarinete en perfecta sintonía con el solista. La orquesta se hizo notar sin eclipsar en ningún momento a Morelló, un acierto absoluto de su comprometido director.

Como propina, Morelló y la orquesta ofrecieron el Andante en Do mayor K 315 de Mozart, perfectamente integrable en el programa al ofrecerse a la vieja usanza, con instrumento moderno y orquesta sinfónica, como se hacía en los tres primeros cuartos del siglo XX. Morelló aprovechó para hacer alarde de una musicalidad y una elegancia melódica extraordinarias.

Todo un espectáculo de sonido y color

La consagración de la primavera quizás sea una de las páginas más divulgadas de la orquesta hispalense, y no por ello nos cansamos de disfrutarla. Sorprende cómo sin salirse un ápice de su estructura y narrativa, hay tantos matices por descubrir en esta imprescindible página que tantas puertas abrió a la composición musical del siglo XX.

Coelho rubricó aquí una interpretación de acentos sincopados, densidad orquestal y armónica y juegos ágiles y dinámicos entre todas las familias orquestales. Fue posible percibir toda la magia y el misterio que impregna la página, beneficiándose en esta ocasión de un trabajo de los metales y la percusión absolutamente sobresaliente.

También supo impregnar la página de un ritmo vertiginoso, limando asperezas y logrando una superposición perfectamente medida de acordes y tonalidades, todo lo cual provocó tanto estremecimiento como admiración. Hubo estruendo pero nunca caos, primando la claridad de matices y planos sonoros en una interpretación que mereció los más acalorados aplausos.

Fotos: Marina Casanova
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

STING. ARAÑA ASESINA Alien en el Block

Título original: Sting
Australia 2024 92 min.
Guion y dirección Kiah Roache-Turner Fotografía Brad Shreld Música Anne Drubich Intérpretes Alyla Browne, Ryan Corr, Penelope Mitchell, Robyn Nervin, Noni Hazlehurst, Jermaine Fowler, Silvia Colloca, Danny Kim Estreno en Estados Unidos 12 abril 2024; en Australia 11 julio 2024; en España 28 marzo 2025

Una incursión en el cine de zombies, con las dos entregas de Wyrmwood, y otra en el terror cibernético con Nekrotronic, son hasta ahora los créditos del australiano Kiah Roache-Turner, empeñado en erigirse como director de culto especializado en terror de serie B. Pero lo cierto es que a la vista de esta discreta película con bicho gigante y asesino, no cabe encontrar ninguna habilidad especial tras la cámara. Aprovechando una ola de frío imperante, los protagonistas del film no salen en ningún momento del edificio donde transcurre toda la trama, supuestamente en Nueva York, aunque todo está rodado en su Australia natal. También de esa ola parece provenir la extraña especie de arácnido que desata la muerte y el caos en dicho inmueble, quizás un alien sediento de sangre cuyos comportamientos son similares a los de una araña terrestre, pero con presas mayores.

Aunque el personaje protagonista, una niña de doce años cabreada con el mundo, se llama Charlotte, todo aquí está en las antípodas de la bonhomía del famoso cuento infantil La telaraña de Charlotte. Por el contrario, el film juega su única baza al crear una atmósfera malsana y un laberinto de pasadizos a partir de supuestas vías de ventilación, lo que acaba resultando más un remedo de Alien, el octavo pasajero, que un homenaje a aquellas películas de terror y ciencia ficción de los cincuenta del siglo pasado a los que la televisión en esta casa hace continua referencia.

Nada es finalmente tan ofensivo ni tan arriesgado, quedando todo en un entretenimiento sincero y discreto, sin mayor artificio ni pretensión alguna. Cabe mencionar el meritorio trabajo de diseño, maquillaje y efectos visuales eficientes dentro de su modestia, así como la inevitable cuota cómica tan habitual en este tipo de producciones destinadas a un público fiel y no demasiado exigente.

HOLLAND Una de detectives aficionados

USA-Reino Unido 2024 108 min.
Dirección Mimi Cave Guion Andrew Sodroski Fotografía Pawel Pogorzelski Música Alex Somers Intérpretes Nicole Kidman, Gael García Bernal, Matthew Macfayden, Jude Hill, Lennon Parham, Rachel Sennott, Jeff Pope, Isaac Krasner Estreno en Amazon Prime 27 marzo 2025

Después de realizar varios videos de pop alternativo y dirigir el telefilm Fresh, también con connotaciones morbosas y supuestas críticas sociales, Mimi Cave debuta en el largometraje, aunque su película haya acabado igualmente en plataformas domésticas. El resultado es un film fallido y disparatado, cuyo principal problema reside en la falta total de química de su pareja protagonista, colegas de profesión y detectives aficionados a los que dan vida una retocadísima pero siempre eficaz Nicole Kidman y un Gael García Bernal poco inspirado y menos implicado en la truculenta y enrevesada trama que le ha tocado protagonizar.

Otro problema fundamental es su falta de identidad del conjunto, que no se sabe si se trata de una intriga romántica o criminal, una comedia o un thriller, aunque seguramente sea todo eso sin profundizar en nada y sin lograr combinar géneros de forma satisfactoria. Su cuidada ambientación y el reclamo de sus estrellas, entre quienes se encuentra el niño Jude Hill, descubierto en Belfast de Kenneth Branagh, no consiguen que el producto levante el vuelo. Tampoco encaja lo que se vislumbra como una crítica al mundo típicamente suburbano.

A pesar de todo, se deja ver como entretenimiento sofisticado y un pelín marciano, mientras su verdadera gracia reside en comprobar cómo tantos estadounidenses siguen anclados, con todo el orgullo que ello conlleva, en las costumbres ancestrales de los países europeos de donde provienen, por muchos aranceles con los que el viejo continente sea castigado por supuesto parasitismo. Lástima que en su guion abunden las lagunas y las soluciones de chistera, mientras no acabamos de comprender por qué necesita ambientarse en los noventa del pasado siglo.

GHOSTLIGHT Terapia familiar de choque

USA 2024 110 min.
Dirección Alex Thompson y Kelly O’Sullivan Guion Kelly O’Sullivan Fotografía Luke Dyra Música Quinn Tsan Intérpretes Keith Kupferer, Katherine Mallen-Kupferer, Tara Mallen, Dolly De Leon, Hanna Dworkin, Dexter Zollicoffer, H.B. Ward, Tommy Rivera-Vega, Alma Washington, Matthew C. Yee Estreno en el Festival de Sundance 18 enero 2024; en Estados Unidos 14 junio 2024; en España 28 marzo 2025

Nada más comenzar, bajo los acordes de Oh, What a Beautiful Mornin’ del musical de Richard Rodgers Oklahoma! – luego también sonarán Out of My Dreams, y una de las protagonistas entonará en un karaoke I Can’t Say No -, esta sencilla y amable película nos pone en antecedentes. Se trata del poder sanador del arte respecto a las más duras heridas que nos puede dejar la vida. Una familia en la ficción, interpretada por otra en la vida real, sufre un particular duelo del que apenas vamos conociendo detalles a lo largo del metraje, que afecta de distinto modo a cada uno y una de sus tres integrantes, especialmente de forma introvertida en el padre, y todo lo contrario, con graves problemas de adaptación y un comportamiento agresivo, en la hija.

El también matrimonio formado por Alex Thompson y Kelly O’Sullivan resuelven con pericia, atención al matiz y el detalle, y sin caer en lo lacrimógeno, esta comedia agridulce donde ese arte redentor y la integración en una determinada comunidad, procuran obrar el milagro. Para ella, que escribió el guion de Saint Frances, la primera película de él, es su debut en la dirección, y vuelve a erigirse en autora del delicado y sensible libreto. La aportación de Dolly de Leon, a quien descubrimos en El triángulo de la tristeza, y la paulatina identificación entre el drama personal de esta familia obrera y el Romeo y Julieta de Shakespeare que irá sanando sus heridas, colaboran a la eficacia de esta pequeña y a la vez gran película que nos hace recuperar la confianza en una cinematografía que antes era generosa en dramas y comedias sentimentales.

Aquí no sale ningún arma, que ya es mérito tratándose de una película estadounidense, y sus protagonistas trabajan sus personajes desde el mimo y la contención. Se logra, por otro lado, que el papel redentor del bardo inmortal, recientemente reflejado también en la película Las vidas de Sing Sing, no caiga en la caricatura, y todo funcione dentro de un tono medido, amable y lleno de ternura pero sin compasión. El único reproche que podemos hacerle, desde el humor, es que la hija, de diecisiete años considere que Romeo y Julieta de Baz Luhrmann sea un clásico, obviando los de Cukor y Zeffierelli, que sí que lo son.

NOCHE MÁGICA DE PERIANES Y LA FILARMONÍA

Gran Selección. Philharmonia Orchestra. Javier Perianes, piano. Santtu-Matias Rouvali, dirección. Programa: Concierto para piano nº 5 en Fa mayor Op. 103, de Saint-Saëns; Suite de L’oiseau de feu, de Stravinski. Teatro de la Maestranza; lunes 31 de marzo de 2025

No logramos explicarnos qué está ocurriendo con el público del Maestranza, que ni Ismael Jordi ni Javier Perianes, que siempre han sido efusivamente recibidos en la que es su casa, aunque uno sea jerezano y el otro onubense, han logrado los llenos absolutos que disfrutaban antaño. Pero que ni la Orquesta de Leipzig ni la Filarmonía que ahora nos ocupa hayan experimentado un aforo medianamente generoso, podríamos considerarlo escandaloso.

Si hace una semana se agotó el papel para Martha Argerich, que como era previsible acabó cancelando, por qué la Filarmonía apenas logró medio aforo, cuando tanto una como la otra están al mismo nivel de popularidad. Podríamos entender que Gustavo Dudamel o Lang Lang pulverizaran la taquilla y la orquesta inglesa no, dado el nivel extremo de popularidad que disfrutan el director venezolano y el pianista chino, y a pesar de la excelencia de esta incomparable orquesta, avalada durante décadas por las más insignes e históricas batutas.

Lo cierto es que, sin llegar a la vergüenza de Andris Nelsons, muchas fueron las vacantes en un concierto memorable y una visita de lujo, algo que esperemos no frene a la actual dirección del teatro para seguir programando citas como ésta. Que fuera lunes, que marzo esté saturado de importantes citas musicales, que el precio de la entrada fuera algo elevado… quién sabe por qué la melomanía sevillana volvió a mostrarse tan raquítica.

Perianes en casa

Residente desde hace ya un buen número de años en Sevilla, Javier Perianes, el elegido por la orquesta para protagonizar esta mini gira española que continuará en Zaragoza y Madrid, parecía sentirse en casa, cómodo y relajado, así como llevando las riendas de la primera parte del concierto, con un egipcio de Saint-Saëns que en sus manos y las de la orquesta lució imponente y majestuoso, pero sobre todo mágico.

Esta página de inspiración arabizante, estilizada y exótica pero sin grandes pretensiones, encontró en Perianes el intérprete ideal, que empleó astucia e inteligencia para dotar a la partitura de la efervescencia y la ligereza que demanda sin por ello reprimir fuerza y vitalidad. El director finlandés Santtu-Matias Rouvali, actual titular de la orquesta, siguió con mimo y delectación las pautas del pianista, logrando una simbiosis perfecta con él.

Perianes resolvió el primer movimiento con transparencia y mucha delicadeza, con un desarrollo muy elaborado y sincopado plagado de contrastes puntualmente dramáticos. De la misma forma, su rapsódico andante encontró en la formación y el pianista unos intérpretes ideales, aprovechando el andaluz para destacar los arabescos y demás elementos orientalizantes que tanto entroncan con nuestra propia cultura.

Así hasta derivar en un virtuosismo exacerbado en el movimiento final, con episodios efervescentes y excitantes acompañados de una orquesta siempre afín, haciendo gala de una gramática fina y sutil. Dos propinas alargaron la brevedad del encuentro, una Danza del fuego enérgica y apabullante, y la íntima delicadeza con la que el pianista abordó el precioso Nocturno Op. 54 nº 4 de Grieg.

Auténtica magia musical

También breve, la segunda parte estuvo protagonizada por la tercera y más larga de las suites que preparó Stravinski a partir del primero de sus ballets para Dhiagilev, El pájaro de fuego. Nos preguntamos por qué no se interpreta más a menudo el ballet completo, sólo quince minutos más largo que esta suite.

El lento fragor de la cuerda en su sostenida introducción, fue sentando las bases de una interpretación anclada en la delicadeza más absoluta, la finura de sus líneas y la creación de una atmósfera llena de encanto y sensualidad. Hablar de la técnica impecable de cada familia instrumental y cada solista en particular, es quedarse corto. Lo más sorprendente es la capacidad de cada uno y una de ellas para lograr un sonido tan sutil, relajado y elegante.

La juventud de gran parte de la plantilla nos hace pensar en lo durísimas que deben ser las pruebas de acceso para mantener a lo largo de los tiempos la excelencia que marca a una de las tres orquestas fundamentales de Londres, centro neurálgico de la interpretación orquestal a nivel mundial. En este sentido, cabe destacar el sensacional trabajo del oboe y el fagot en esta página de riquísimas texturas y extraordinaria orquestación. Especialmente subyugante fue la delicadeza con la que llegaron a sonar trombones y maderas.

Los voluptuosos arabescos y las abundantes figuras ornamentales encontraron en la Filarmonía el medio ideal para lograr esa atmósfera mágica que pide la partitura, como nunca la habíamos disfrutado en tantas otras ocasiones. Una excelencia que también se manifestó en los pasajes más poderosos y estruendosos, sin perder la claridad ni la trasparencia en ningún momento. La majestuosidad de la trompa y el glorioso resplandor del solemne final, fruto de una inusitada inventiva orquestal, lograron en la batuta de Rouvali y el magisterio de la orquesta, cotas inimitables de perfección.

Circus Polka, una deconstrucción de la Marcha militar de Schubert, sirvió como colorista propina. La pieza fue un encargo del Circo Ringling a Stravinski, curiosamente adaptada para banda y órgano por David Raksin, el autor de la famosa banda sonora de Laura, que visitó Sevilla en aquel lejano año de inauguración del Maestranza. Y para terminar y alcanzar las dos horas estándares de función, una enérgica y contrastada Danza húngara nº 1 de Brahms. 

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía