LOREAK Si un desconocido te regala flores...

España 2014 99 min.
Dirección José María Goenaga y Jon Garaño Guión José María Goenaga, Jon Garaño y Aitor Arregi Fotografía Javier Agirre Música Pascal Gaigne Intérpretes Nagore Aranburu, Ane Gabarain, Itziar Aizpuru, Josean Bengoetxea, Gotzon Sánchez, Egoitz Lasa, Itziar Ituño, José Ramón Soroiz, Jox Berasategui Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2014; en España (limitado) 31 octubre 2014

La carrera de José Mari Goenaga y Jon Garaño es, juntos o por separados, dilatada y sin embargo poco conocida salvo por cinéfilos muy esforzados y comprometidos. Han hecho de todo, cortometrajes, documentales y hasta animación. Ésta no es su debut en la ficción de largo formato, pero sí la película que les ha dado a conocer mejor y por la que han recibido mayores vítores y reconocimientos. Y no sorprende a la vista de los resultados, pues se trata de un trabajo exquisito en concepto y factura. Un gesto de cariño, admiración o amor genera en una mujer, que acaba de entrar en la menopausia precoz, la extraordinaria sensación de sentirse bella y deseada. Este gesto tan generoso como convenido desencadenará una serie de reacciones y acontecimientos que acabarán poniendo en contacto a la mujer con otras dos, generando una catarsis emocional que sus directores han sabido transmitir al espectador a fuerza de una realización meticulosa, llena de ternura y atenta a todos los detalles. A través de una narración amable, de ritmo relajado y puesta en escena brillante y cálida, nos adentramos en el espinoso tema de las relaciones humanas, la pareja, la familia, y sentimientos a priori censurables pero condenadamente humanos como los celos, la posesión y el exceso de temperamento. Todo ello imposible sin el trabajo de diseño e interpretación de sus tres mujeres protagonistas, un universo intenso y propio de miradas y posturas que contribuyen a entender sus comportamientos sin juzgarlos, valorándolos en su justa medida. Su estupendo guión va insertando detalles que se erigen en imprescindibles para entender el drama en toda su extensión emotiva y emocional, a lo que contribuye una banda sonora de Pascal Gaigne ejemplar a la hora de realzar el drama y potenciar sin hacer trampa las contenidas emociones de sus personajes. Dos únicas nominaciones al Goya, aunque una de ellas sea a la mejor película del año, que podrían y deberían haberse convertido en más, coronan sus méritos tras pasar por la sección oficial del Festival de San Sebastián.

BIG EYES Una superficial historia de vampiros

USA 2014 105 min.
Dirección Tim Burton Guión Scott Alexander y Larry Karaszewski Fotografía Bruno Delbonnel Música Danny Elfman Intérpretes Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Delaney Raye, Madeleine Arthur, Krysten Ritter, Jason Schwartzman, Terence Stamp, Jon Polito, James Saito Estreno en España 25 diciembre 2014

Burton cambia de registro realizando su película más convencional hasta el momento; ni la comedia Ed Wood ni el musical Sweeney Todd se alejaron tanto del universo de este director, más identificado con el cine fantástico. Y eso que para la ocasión vuelve a colaborar con los guionistas de la biografía del considerado “peor director de cine del mundo”, Scott Alexander y Larry Karazewski. Especializados en retratos de inadaptados como el pornógrafo Larry Flint y el comediante Andy Kaufman, ambas para Milos Forman (El escándalo Larry Flint y Man on the Moon respectivamente), esta pareja de guionistas, que en 2001 debutaron en la dirección con la comedia de intriga Reventado, se fija ahora en el curioso caso de la pintora Margaret Keane, la cual no hace falta ser muy listo para darse cuenta de la influencia que debió ejercer en la iconografía de Tim Burton con sus cuadros de niños con enormes ojos. Una historia curiosa porque durante más de una década su marido firmó los cuadros que ella pintaba con la excusa de poder venderlos mejor, lo que generó una fuerte crisis de identidad en la artista, precisamente en una época en la que aún habría que luchar mucho por los derechos de las mujeres, y una progresiva anulación de su personalidad. Su ambientación en San Francisco en los sintomáticos años de 1958 y 1963, lo que a muchos amantes del cine clásico les habrá reportado a la memoria el nombre de Alfred Hitchcock y sus películas Vértigo y Los pájaros, además de una ambientación colorista y precisa muy del gusto del maestro del suspense, nos hace imaginar lo bien que podría haber quedado esta película como historia de misterio y seducción, en términos vampíricos, de la mano de un esposo que se antoja más intrigante y embaucador en las fotos originales que se exhiben al final que en manos de Christoph Waltz, todo un payaso, histriónico hasta la médula, que no funciona ni como cómico ni como amenaza. El resultado es una película entretenida, muy bien ambientada, con momentos divertidos pero en general desaprovechada, que se conforma con la epidermis de una historia atractiva por insólita, pero sin ahondar en el tema de la posesión y la usurpación que apunta, ejercida seguramente con un enorme poder de fascinación aquí difuminado.

EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS Fin y principio de lo mismo

Título original: The Hobbit: The Battle of the Five Armies
USA-Nueva Zelanda 2014 144 min.
Dirección Peter Jackson Guión Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson y Guillermo del Toro, según la novela de J.R.R. Tolkien Fotografía Andrew Lesnie Música Howard Shore Intérpretes Martin Freeman, Richard Armitage, Luke Evans, Lee Pace, Evangeline Lilly, Aidan Turner, Ryan Gage, Ian McKellen, Cate Blanchett, Orlando Bloom, Ken Stott, James Nesbitt, Christopher Lee, Hugo Weaving, Stephen Fry, Billy Connolly, Ian Holm y la voz de Benedict Cumberbatch en la versión original
Estreno en España 17 diciembre 2014

La resolución de las aventuras de Bilbo Bolsón y los enanos por la Tierra Media en busca del reino perdido no engaña a nadie. Ni ofrece nada nuevo ni lo pretende. Sólo busca hacer caja y lo consigue. Sólo así se comprende que Peter Jackson haya decidido hacer tres largas películas para adaptar un libro de apenas doscientas páginas; le puede más la ambición y la avaricia que a Thorin. Inflada hasta lo inimaginable, este tercer y último capítulo de la segunda de las sagas de Tolkien filmadas por el director de Braindead, Criaturas celestiales, Agárrame esos fantasmas y las nuevas aventuras de Tintín, apenas tiene tres actos, como si fuera una ópera, que por cierto puestos a aprovechar los avances tecnológicos del momento podría embarcarse en una superproducción en torno al Anillo del Nibelungo, música de Wagner incluida, con el que tantas semejanzas tiene el imaginario tolkeniano. Esos tres actos son la destrucción de la Ciudad del Lago por el Dragón Smaug, la toma de la Montaña Solitaria y sus riquezas por Bilbo y los enanos, y el asedio por orcos, hombres, enanos, elfos y hobbits que da título al capítulo. Dos horas y cuarto de batallas digitales al más puro estilo videojuego, sin alma ni emoción, salvo para las legiones de fans dogmatizados por el fenómeno. Puede que resulte entretenida en sus excesos y su incontestable dinamismo, pero también un auténtico peñazo, con decorados, personajes, música y estilo narrativo tan redundante que no deja lugar a la sorpresa ni la creatividad, consumida por los cinco títulos anteriores que han escrito, eso sí, la Historia del Cine en lo que llevamos de siglo. Y todavía podría quedarle cuerda para rato, pues le puede hincar el diente al Silmarillion y seguir enfrascado en la Tierra Media; mientras la cosa funcione...

EL CLUB DE LOS INCOMPRENDIDOS Atractiva novela rosa para adolescentes

España 2014 105 min.
Dirección Carlos Sedes Guión Ramón Campos, Cristóbal Garrido, Gema R. Neira y Adolfo Valor, según la novela "Buenos días, princesa" de Blue Jeans (Francisco de Paula) Fotografía Jacobo Martínez Música Federico Jusid Intérpretes Charlotte Vega, Álex Maruny, Michelle Calvó, Ivana Baquero, Jorge Clement, Andrea Trepat, Patrick Criado, Yon González, Paula Muñoz, Iria del Río, Aitana Sánchez Gijón, Raúl Arévalo
Estreno 25 diciembre 2014

No sorprende que los artífices de esta película provengan de la televisión; su director se ha curtido en series como Gran Reserva, Hispania, Gran Hotel y Velvet, y se nota en el estilo y el acabado final de la cinta. Basándose en la novela de uno de los fenómenos literarios entre quinceañeras, que ya es decir, porque significa para nuestro regocijo que hay jovencitas que leen, sus creadores han sido capaces de convocar a un numeroso público adolescente a las salas de cine, y eso ya merece todo nuestro respeto. Desde luego poco ofrece para quienes quieran acercarse a la gran pantalla buscando análisis, estudio y soluciones a los sempiternos problemas de comunicación entre adolescentes y éstos y sus padres, como sí hacía la reciente Hombres, mujeres y niños. Más bien se trata de una novelita rosa y acaramelada protagonizada por chicas y chicos en el esplendor de su belleza y con un Madrid moderno y sofisticado como telón de fondo. Aprovecha las hechuras del cine americano sobre el tema, con institutos y hábitos calcados de aquéllos, combinado con nuestros paisajes y algo de nuestra idiosincrasia. Sin embargo se agradece enormemente que proponga personajes educados y sanos, al menos en cuanto a costumbres, pues el club de referencia los agrupa por supuestas inadaptaciones al entorno, generalmente provocadas por traumas infantiles. Pero como decíamos esto es lo de menos, pues lo que promociona son los entresijos amorosos de su protagonista. Buenos sentimientos, mensajes de conciliación, ayuda y solidaridad entre semejantes, buenas costumbres y buena educación son los ingredientes que hacen que lo que podría ser insustancial tenga valor. Si además añadimos que acierta en retratar esta etapa de la vida mostrando a la familia consciente de que es un momento en el que conviene dejarlos volar, no está mal la cosa. Y el numeroso público convocado, al menos cuando tuve la oportunidad de verla, se mantuvo callado y atento, de modo que parece funcionar.

INVENCIBLE Lucha y resistencia por la supervivencia

Título original: Unbroken
USA 2014 137 min.
Dirección Angelina Jolie Guión Ethan Coen, Joel Coen, Richard LaGravanese y William Nicholson, según el libro “Unbroken: A World War II Story of a Survival, Resiliance and Redemption” de Laura Hillebrand Fotografía Roger Deakins Música Alexandre Desplat Intérpretes Jack O'Connell, Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund, Takamasa Ishihara, Finn Wittrock, Jai Courtney, Maddalena Ischiale, Vincenzo Amato, John Magaro, Alex Russell Estreno en España 25 diciembre 2014

Justo el año en el que se conmemoran cien años desde el inicio de la Primera Guerra Mundial, el matrimonio más famoso de Hollywood se ha enfrascado en la Segunda, Brad Pitt protagonizando Corazones de acero en el frente alemán y Angelina Jolie dirigiendo este drama ambientando en el Pacífico. Mujer fuerte y comprometida, resulta sintomático que haya elegido el género bélico en sus dos únicas incursiones hasta el momento en la realización, y aunque en la anterior, En tierra de sangre y miel, contara una historia de amor, que suele identificarse más con la estética presuntamente femenina, aunque en el trágico marco de la Guerra de los Balcanes, ahora se sumerge sin tregua ni complejos en las durísimas condiciones de los soldados americanos en los campos de concentración nipones. Y si aquella no le reportó demasiadas satisfacciones en cuanto a crítica y público, a pesar de superar con ella el reto de enfrentarse a un idioma que no controlaba, ésta merece toda nuestra atención y el respeto más absoluto hacia lo que es un trabajo tan sólido como convincente. Siguiendo a rajatabla los modelos más identificables del cine americano clásico, tanto en narrativa como en estética, Jolie teje una claustrofóbica y desasosegante crónica de supervivencia, resistencia y redención, tal como indica el título original del libro de Laura Hillenbrand en el que se basa, en un marco tan hostil y devastador como es un frente bélico. Y para ello se rodea de un equipo de primera categoría, lo que sin duda ayuda al buen acabado de la empresa pero al mismo tiempo supone una enorme responsabilidad y, sobre todo, un evidente atrevimiento por parte de quien se tiene que poner al frente de ellos. Empezando por un póker de ases de la escritura cinematográfica, los hermanos Coen, Richard LaGravanese (autor del guión de El rey pescador y director de la estimable De ahora en adelante) y William Nicholson (prestigioso dramaturgo con obras como Tierras de penumbra, y autor de los guiones de Gladiator y Los miserables), que curiosamente no imponen sus fuertes personalidades para simplemente adaptarse e esta increíble y extrema historia y rendirle toda la pleitesía que merece. Roger Deakins al frente de una fotografía limpia y luminosa, y Alexandre Desplat dosificando la emoción con una delicada partitura, completan un equipo insuperable en el que cabe destacar también los excelentes efectos visuales y el muy meditado montaje. Pero son Jolie y el protagonista Jack O’Connell, al que apenas hemos visto como secundario en 300: El origen de un imperio, pero que sin duda dará mucho que hablar a partir de ahora, quienes elevan el espectáculo al nivel de gran cine. La primera nos sumerge en el sufrimiento de Louis Zamperini sin apenas tregua, los breves y muy contados flashbacks del primer tercio de película que alivian el horror que suscitan los episodios vividos por este singular superviviente. Italoamericano que vivió su infancia y adolescencia en Torrance, California, entre pillajes y travesuras, y que motivado por su hermano mayor se convirtió en estrella del atletismo y de las olimpiadas nazis del 36, sufrió una auténtica tragedia en medio del océano y de un campo de concentración japonés, donde estuvo expuesto a la saña e inquina de un oficial del país del sol naciente hasta extremos humanamente insoportables. Y es esto lo que más interesa de esta apasionante película, la capacidad del hombre para hacer daño a su semejante, lo que según la coyuntura en la que se viva hará el crimen más evidente o más sutil, porque también en tiempos de paz estamos sometidos al yugo de quienes ejercen el poder, a menudo parapetados en la supuesta responsabilidad para proporcionar dolor e injusticia en provecho propio. Jack O’Connell exhibe un trabajo prodigioso de contención interpretativa sin por ello dejar de transmitir el dolor y el sufrimiento de Zamperini, capaz no sólo de superar tanto horror sino de perdonar a sus verdugos, convertirse en prestigioso orador e inspirador de los más nobles instintos humanos, y recorrer sesenta años después las calles de la ciudad en la que de haber sido diferente la Historia habría puesto sus esperanzas el joven atleta, Tokio; emotivo documento que pone fin a la cinta al son de la canción Miracles (Milagros) de Coldplay.

MUSARAÑAS Buena mano para tal desaguisado

España 2014 91 min.
Dirección Juanfer Andrés y Esteban Roel Guión Juanfer Andrés y Sofía Cuenca Fotografía Ángel Amorós Música Joan Valent Intérpretes Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva, Luis Tosar, Carolina Bang, Gracia Olayo, Silvia Alonso, Asier Etxeandía Estreno 25 diciembre 2014

Álex de la Iglesia debuta en labores sólo de producción con esta disparatada película de terror ambientada en la España de los 50, fuertemente influida por la represión política y eclesiástica, en la que dos hermanas protagonizan una desquiciada aventura en el interior de un lúgubre piso, durante la forzada convalecencia de un apuesto vecino que les pide ayuda tras sufrir una fatal caída por las escaleras del inmueble. El disparate no está ni en su argumento ni en la acertada dosificación de la angustia y el desasosiego, sino en los múltiples detalles que la convierten en un gran guiñol con el que no se sabe si horrorizarse o partirse de risa. Cadáveres que no apestan, tuteos que no proceden, engaños múltiples al espectador, sobreactuaciones, especialmente la de Macarena Gómez, previsibilidad y momentos de clímax mal resueltos, son detalles que de haber recibido un trato más esmerado podrían haber resultado una buena película de género. Por el contrario, con tal desaguisado sólo cabe esperar que la buena mano de sus realizadores para generar situaciones irrespirables fructifique próximamente en un trabajo más sólido, más meditado y mejor acabado.

BIG HERO 6 ¿Deliciosa novedad o insulsa rutina?

USA 2014 108 min.
Dirección Chris Williams y Don Hall Guión Don Hall, Jordan Roberts y Robert L. Baird, según el cómic de Duncan Rouleau y Steven T. Seagle Música Henry Jackman Voces en versión original Scott Adsit, Ryan Potter, Daniel Henney, T.J. Miller, Jamie Chung, Damon Wayans jr., Genesis Rodríguez, James Cromwell, Alan Tudyk, Maya Rudolph Estreno en España 19 diciembre 2014

Alternando princesas con personajes Pixar, ahora absorbida del todo por el engranaje Disney, la productora de animación por excelencia presenta este año su primera adaptación de un cómic de Marvel. Hay ocasiones en que lo que ve un crítico o informador cinematográfico encuentra escaso eco en lo que ven los demás, y así mientras la mayoría de público y crítica se rinde a las virtudes de esta película, otros apenas alcanzamos a ver más de lo mismo, una de héroes procurando vengar el inocente y acabar con el villano de turno. Sin embargo es cierto que Big Hero 6 aporta novedades notables al singular mundo de la animación, y en particular de Disney. Así el protagonista no sufre al menos externamente el trauma habitual que suscita la pérdida de un ser querido, cuya muerte apenas empezado el espectáculo es un golpe que no suele permitirse la factoría de cara a sus pequeños incondicionales. El robot creado por el joven protagonista guarda en sus simplísimas formas, que amenazan con convertirse en los globos de moda esta temporada, mucha ternura, especialmente en su objetivo como cuidador y garante de la buena salud de su propietario. Los jóvenes personajes de la función mantienen un sentido del grupo y la colaboración muy conveniente en términos educativos, mientras su nivel de creatividad podría erigirse en referente para una adolescencia desnortada. Todo eso está ahí, lo dicen los especialistas y nos convence. El problema es no verlo y digerir el producto como una insulsa película de acción cuya trama interesa poco y engancha menos, aunque su aspecto visual sea medianamente atractivo (la mezcla de San Francisco y Tokyo en San Fransokyo es divertida) y el robot globo resulte indiscutiblemente simpático. Para que se entienda la validez de distintos puntos de vista sobre lo que transmite una misma película, léase lo que mi amigo Pepe Serrano ha publicado en El Correo de Andalucía:

"Daba un poco de miedo ver el resultado del producto resultante del maridaje del exitoso cómic de la Marvel Big Hero 6, creado en 1998 por Steveb T. Seagle y Duncan Rouleau, y su traslación a la pantalla como película de animación por la todopoderosa y bienpensante productora Walt Disney Animation Studios. Temores que se disipan enseguida de forma muy positiva porque este matrimonio impulsado quizás por la revolucionaria filosofía de la absorbida Pixar ha dado como fruto una entretenida y ocurrente película capaz de satisfacer los más exquisitos paladares de un amplio abanico familiar. A la brillante primigenia idea de crear un mundo alternativo entre Estados Unidos y Japón - San Francisco y Tokio se van a fundir para crear la futurista ciudad de San Fransokyo - se le van a ir sumando otras de igual o más enjundia: está protagonizada por Hiro Hamada, un joven creativo, atrevido, inquieto y valiente, todo un prodigio natural capaz de crear el robot más sofisticado con una única pieza. Posee un magnífico guión que elude la sensiblería en la historia de la pérdida y de la superación del duelo, pone en valor el trabajo en equipo y rompe el estereotipo del androide guerrero. El mismo que también seduce por el fino tratamiento que hace de sentimientos humanos producidos por la pérdida de la inocencia y que es capaz de trasladar al mismo tiempo emociones como la ira, la furia, o los deseos de venganza y de compasión. Big Hero 6 es algo más que una mera película animada de superhéroes, no se queda sólo en la lucha del equipo humano contra el malvado librando increíbles y espectaculares batallas. Está Baymax, el amorfo y carismático enfermero hinchable. Nos reímos con él cuando se esmera en cuidarnos, se pone cinta adhesiva si se pincha o se emborracha cuando se queda sin batería. Nos entristecemos con la sola idea de pensar en su desaparición. Carismático, tierno, blando, grande y delicado; una máquina pensada para ayudarnos terriblemente humana. Consigue robarnos el corazón y finalmente termina por enamorarnos. Visualmente deslumbrante, ágil y compleja, Big Hero 6 es toda una delicia para quien se acerque a disfrutarla."

WILDMED: EL ÚLTIMO BOSQUE MEDITERRÁNEO Amigo Arturo

España 2014 75 min.
Guión y dirección Arturo Menor y Daniel Vega Fotografía Pablo Rosell y Juan Mateos Música Javier Arnanz Documental

Con financiación a través del crowfunding o micromecenazgo, el biólogo e investigador Arturo Menor, colaborador de la Universidad de Huelva, ha rodado en Sierra Morena este documental que insiste en los lugares comunes de la fauna y floresta de uno de los ecosistemas más ricos de Europa. De nuevo el águila imperial, el lince ibérico o el lobo como estrellas de un reportaje que no sigue una línea argumental clara, va saltando de tema en tema sin un guión determinado y ni siquiera ofrece el atractivo de estar grabado aprovechando las últimas novedades en imagen digital hipernítida y de gran resolución, salvo cuando de insectos se trata, quizás las partes más interesantes del conjunto. Se inicia y termina denunciando el daño que la intervención humana está provocando en estos paraísos, a la vez que se emite una alarma apocalíptica acerca de nuestra civilización misma. Sin embargo no desarrolla este argumento, limitándose a ilustrar una vez más comportamientos animales ya analizados en otros trabajos similares, especialmente cuando se trata de mostrar gráficamente cómo cazan y se alimentan los depredadores, lo que nos recuerda a aquellos documentales de Rodríguez de la Fuente, el amigo Félix, que no dudaba ni siquiera en provocar situaciones para regocijo de estómagos poco delicados. A pesar de todo se reconoce el esfuerzo de Menor y su equipo (cuántas mañanas de madrugón a las cinco), así como su evidente amor hacia el medio retratado, si bien esperamos en un futuro pueda ofrecer trabajos más atractivos y suculentos.

HOMBRES, MUJERES & NIÑOS Insignificantes pero vivos

Título original: Men, Women & Children
USA 2014 119 min.
Dirección Jason Reitman Guión Jason Reitman y Erin Cressida Wilson, según la novela de Chad Kuttgen Fotografía Eric Steelberg Música Bibio Intérpretes Adam Sandler, Jennifer Garner, Rosemarie De Witt, Judy Greer, Dean Norris, Ansel Elgort, Kaitlyn Dever, Travis Tope, Olivia Crocicchia, Elena Kampouris, Will Peltz, Dennis Haysbert, Shane Lynch, J.K. Simmons, y la voz de Emma Thompson
Estreno en España 12 diciembre 2014

Bendecido por público y crítica con Juno y Up in the Air, Jason Reitman lleva algunos años intentando igualar el éxito de aquellas película sin éxito. A Young Adult y Una vida en tres días se une ahora en el intento esta adaptación del controvertido Chad Kultgen, especialista en diseccionar la vida sexual del americano medio. Sin embargo, a diferencia de las otras dos, la falta de éxito de ésta no habrá de medirse en ausencia de talento sino de promoción y orientación a un público agobiado ante tantísima propuesta cinematográfica semanal, mucha de ella vendida como imprescindible aunque luego no supere la calidad mínima exigible. La cinta de Reitman por supuesto analiza esas costumbres sexuales del americano actual, especialmente en relación a internet y las redes sociales y los cambios que han supuesto en nuestros hábitos, no siempre para mal. El abanico de posibilidades es grande y lo abarca una serie de estudiantes de un instituto y sus padres, centrándose con pericia y acierto en las relaciones entre ellos, las distintas formas de educar, controlar o simplemente observar a quienes se encuentran en una etapa tan difícil como fascinante de la vida, en la que los primeros amores coinciden con las primeras crisis de identidad, la ambición en el futuro, la decepción de los sentimientos o la desorientación general provocada por más información y oferta de la que es posible digerir. Con una brillante puesta en escena que la versión española se ha esforzado mucho en mantener, a fuerza de textos escritos y enviados por e-mail, whataspp, facebook y otras redes, el espectáculo cobra relieve y atractivo a partir de un elenco extraordinario, tanto en los roles adultos como muy especialmente en los jóvenes. La elegancia y la delicadeza dominan un trabajo que podría haber resultado agresivo y de mal gusto en otras manos, añadiéndose a ello la excelencia de una banda sonora ajustada a cada momento y emoción, y un perfecto equilibrio entre la multitud de historias que cuenta. Aunque su formato es emintemente cinematográfico, la influencia de la televisión se deja notar en su estilo y edición, así como en un prólogo y un epílogo en el que la voz (en versión original) de Emma Thompson elucubra sobre la insignificancia del planeta Tierra en el Universo, y por extensión la insignificancia de sus habitantes, tan ensimismados en sus miserias, problemas y vanidades. Pero las emociones, y entre llas muy especialmente las de carácter sexual en forma de deseo, atracción o descubrimiento, nos convierten en seres absolutamente vivos y felices de estarlo.

ST. VINCENT Un pícaro y un lazarillo en Brooklyn

USA 2014 102 min.
Guión y dirección Theodore Melfi Fotografía John Lindley Música Theodore Shapiro Intérpretes Bill Murray, Jaeden Lieberher, Melissa McCarthy, Naomi Watts, Chris O'Dowd, Terrence Howard, Selenis Leyva, Katharina Damm

Aunque en un principio suena a historia mil veces contada de redención a través de una relación especial, lo cierto es que esta película pronto deriva hacia otros derroteros y se convierte en una bonita fábula sobre la importancia de tener referentes y cómo estos los podemos encontrar en los lugares y personas más insospechados. Bill Murray interpreta sin tics ni lugares comunes a un tipo que podría ser repelente e insoportable pero que a poco que se le conoce se descubren capas más interesantes y humanas bajo un armazón algo áspero. El azar le lleva a cuidar del hijo aún pequeño de su nueva vecina, una Melissa McCarthy que cambia de registro y se revela como competente y verosímil actriz dramática. Naturalmente la relación será fructífera y enriquecedora, aunque no en un sentido previsible, y él acabará convirtiéndose en una especie de héroe o en el santo del título a los ojos de un niño en esa edad en la que todo es nuevo, todo está por decubrir y la vida es una aventura. Un pícaro y un lazarillo típicos de la novela española del Siglo de Oro, trasplantados a Brooklyn y a la época actual, dando como resultado una película para ver con un paquete de pañuelos a mano, algo a lo que el cine americano nos tuvo una vez acostumbrados pero que ahora hacía mucho tiempo que no lo ponía en práctica. El tono amable ayuda al buen desarrollo de estos personajes cargados de problemas, a los que la vida da muchos palos que encajan con entereza y buena cara, quizás con una buena canción de Bob Dylan, una tarde en las carreras o la buena compañía que puede ofrecer una rusa stripper a la que Naomi Watts da vida con convicción y resolución. Y en medio de todos un niño carismático y entrañable con cara de ángel, como es el joven Jaeden Lieberher. El realizador ha puesto cariño en todo esto y en el resultado se nota y se agradece, que falta hacen estas historias amables sin juicios de valor, malos rollos ni condenas.

THE ZERO THEOREM Insufrible teatrillo existencialista

USA-Reino Unido-Rumanía 2013 107 min.
Dirección Terry Gilliam Guión Pat Rushin Fotografía Nicola Pecorini Música George Fenton Intérpretes Christoph Waltz, Lucas Hedges, Mélanie Thierry, David Thewlis, Matt Damon, Ben Whishaw, Peter Stormare, Tilda Swinton, Rupert Friend
Estreno en España 28 noviembre 2014

Tras el incidentado rodaje de El imaginario Doctor Parnassus, el ex Monty Pyhton nos ofrece otra de sus visiones devastadoras y amenazadoras del futuro. Tan deudora en concepto de Brazil como estéticamente de Blade Runner y El quinto elemento, The Zero Theorem se revela como la más teatral de sus películas, por cuanto narra las vicisitudes de un hacker informático en una sociedad futura muy próxima a los postulados proféticos de Orwell, que trabaja incesantemente en descubrir el sentido de la vida, mientras la empresa para la que trabaja se empeña en obstruir sus avances enviándole visitas que no hacen sino distraer su empeño. Prácticamente en un solo escenario, lo que parece ser las ruinas de una iglesia gótica rehabilitada como deslavazada vivienda del protagonista, un Christoph Waltz rapado y no muy involucrado con su personaje mantiene duelos interpretativos con un joven idealista y una guapa seductora, lo cual se erige en nudo del supuesto entretenimiento. Pero lo cierto es que su insufrible pedantería y planteamiento aburre más que entretiene, apenas inquieta y mucho menos interesa. El universo de Terry Gilliam se perfila así caduco y liquidado, y o bien se recicla o reinventa o mejor se jubila.

I FEEL GOOD Livin' In America

Título original: Get On Up
USA 2014 139 min.
Dirección Tate Taylor Guión Steve Baigelman, Jez y John Butterworth Fotografía Stephen Goldblatt Música Thomas Newman Intérpretes Chadwick Boseman, Nelsan Ellis, Viola Davis, Dan Aykroyd, Octavia Spencer, Lennie James, Fred Melamed, Craig Robinson, Jill Scott, Tika Sumpter, Aunjanue Ellis Estreno en España 12 diciembre 2014

Nuestros amigos distribuidores, haciendo gala de su imaginación sin límites, han traducido el título de este biopic de James Brown con el de una canción diferente de su repertorio a la escogida por sus responsables originales. Así Get On Up se ha convertido en I Feel Good, seguramente considerando que los españoles identificamos más ésta que la otra canción con su artífice. El realizador de Criadas y señoras se pone de nuevo tras la cámara para contarnos una historia de negros en una América de postal de época, en este caso todas las que ilustran la carrera del famoso cantante y showman americano. Revolucionó la música desde el rock y el soul de principios de los sesenta hasta el funky y el rhythm & blues que seguramente sin él no serían lo mismo. Pero lo cierto es que aunque como suele ocurrir en estas películas se le de un tratamiento de mesías, no fue el único en su época y compartió éxito y seguidores con muchos y muchas otras artistas que coincidieron en su tiempo, entre ellos un Mick Jagger convertido aquí en productor y su mítica banda The Rolling Stones. Como suele ser habitual el entretenimiento se teje a fuerza de canciones, buenos números musicales, especialmente el que da título (en inglés) a la cinta, Get On Up (I Feel Like Being a Sex Machine), y una base dramática en la que asistimos a sus éxitos y fracasos, la forja del mito y muy especialmente sus relaciones emocionales, sobre todo la que entabla con su hermano de acogida Bobby Bird. A diferencia de otras películas similares recientes, no se le masacra ni desmitifica sino más bien se le trata con respeto, a pesar de que en todo momento se deja muy claro un gran ego sobre el que cimenta una confianza y una seguridad tan rotundas como para llegar lejos desde lo más bajo y miserable, una infancia terrible marcada por la violencia y el abandono. Funciona a medias tanto a nivel dramático como musical, pero entretiene e ilustra una vez más sobre esa América de los sueños que se hacen realidad pero en la que toca sufrir y tratar de comprender el hostigamiento al que tan frecuentemente ha sido y es sometido el hombre y la mujer de raza negra, a pesar de lo cual no se ha incluido en la banda sonora Livin' in America. En este sentido llama la atención ciertas prácticas de los blancos en el Sur de los cincuenta sometiendo a memores bajo apuesta a peleas entre sí. Chadwick Boseman hace un trabajo sobresaliente interpretando al carismático, egocéntrico y excesivo Brown, mientras Nelsan Ellis pone eficazmente el contrapunto sensato y equilibrado. Entre los secundarios de carácter episódico destacan Brandon Smith interpretando a Little Richard y Nick Eversman como Jagger.

MOMMY Pretenciosa hermana mayor

Canadá 2014 134 min.
Guión y dirección Xavier Dolan Fotografía André Turpin Música Noia Intérpretes Anne Dorval, Suzanne Clément, Antoine Olivier Pilon, Patrick Huard, Alexandre Goyette, Michéle Lituac, Viviane Pacal, Nathalie Hamel-Roy Estreno en España 12 diciembre 2014 (5 en Madrid y Barcelona)

Xavier Dolan dirigió su primera película, Yo maté a mi madre, con apenas veinte años; desde entonces ha hurgado en sus propias experiencias homosexuales, Los amores imaginarios, alcanzando el reconocimiento casi unánime de la crítica con Laurence Anyways, sobre un transexual y su tortuosa relación de pareja, y germinando en Tom à la ferme, donde volvía a dirigirse a sí mismo en otra historia de contenido gay; y definitivamente en esta Mommy, consagrada con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes. En ella Anne Dorval vuelve a interpretar a una madre (lo fue del propio Dolan en su debut), pero esta vez de un joven con problemas de adaptación, excesivamente violento y expresivo, casi imprevisible. La ayuda de una vecina también con trastornos de personalidad, será en principio un alivio y una revelación para una madre que lucha contra viento y marea, a pesar de los medios puestos a su disposición por los servicios sociales, para hacerse ella misma cargo de la educación y mantenimiento de su hijo. Con afán de ser original y diferente, Dolan utiliza sólo el tercio de una pantalla normal para contanos su historia, casi como si quisiera que mirásemos a través de una puerta entreabierta, aunque los planos están siempre abiertos y calculados. Sólo en un par de ocasiones de cierta felicidad y estabilidad emocional abre el objetivo y ensancha la pantalla. En ella asistimos a un desfile de sobreactuaciones y temperamentos esperpénticos con una duración desmesurada y un progreso dramático irregular, que por momentos se estanca y en otros la información aporta poco; todo siempre aliñado con canciones escogidas según la ocasión. Aquí no hay hermano mayor que consiga domar a la bestia, aunque sí una voluntaria que lo intenta, y una madre que lo sufre pero que adopta medidas a veces incoherentes para paliarlo. No aporta mucha reflexión y ninguna solución, entretiene y ofrece actuaciones aceptables, pero siempre de forma irregular y definitivamente imperfecta.

CAMINO DE LA CRUZ Quiero ser Santa

Título original: Kreuzweg
Alemania 2014 107 min.
Dirección Dietrich Brüggemann Guión Dietrich y Anne Brüggemann Intérpretes Lea van Acken, Franziska Weisz, Lucie Aron, Moritz Knapp, Klaus Michael Kamp, Hanns Zischler Estreno en España 12 diciembre 2014

La joven protagonista de este premiado film – Oso de Plata al mejor guión en Berlín, Premios Fipresci, Espiga de Plata y Jurado Joven en Valladolid – pertenece a una familia ultrareligiosa, estancada en el Catolicismo pre Concilio Vaticano II. Sus preceptos y dogmas son excesivamente estrictos, tanto que convivir con chicos y chicas de su edad se hace extremadamente difícil. En esa difícil edad de la adolescencia, a María se le presenta la oportunidad de disfrutar las experiencias de una joven cualquiera de su edad, o entregarse en cuerpo y alma a la consecución de un milagro. A través de catorce planos fijos - quizás por eso no hay director de fotografía acreditado – que representan las catorce estaciones penitenciales de Jesucristo, vamos asistiendo al calvario de esta chica, hostigada muy especialmente por su madre y por un joven sacerdote intransigente y castigador. Curiosamente el padre queda en un segundo plano, oculto tras la absorbente personalidad de su castradora e imposible madre, como suele ser habitual cuando las cuestiones de género se cuidan poco o pasan desapercibidas. El progreso de sacrificio y tortura que va sufriendo la joven recuerda sobremanera a la película de Javier Fesser Camino, pero donde allí había emoción aquí destaca su ausencia, tal es la frialdad con la que Brüggemann ha retratado este testimonio de fe irracional y temperamento masoquista. Sus imágenes de postal luminosa y el sentimiento romántico que despierta en un joven de su escuela se imponen como única referencia de emotividad en un conjunto que si algo transmite es una sensación de horror frente a los extremismos de cualquier signo que sean.

MIL NOCHES, UNA BODA Mamá no quiere complicarse la vida

Título original: Party Girl
Francia 2014 96 min.
Guión y dirección Marie Amachoukeli-Barsacq, Claire Burger y Samuel Theis Fotografía Julien Poupard Música Alexandre Lier, Sylvain Ohrel y Nicolas Weil Intérpretes Angélique Litzenburger, Joseph Bour, Mario Theis, Samuel Theis, Cynthia Litzenburger, Séverine Litzenburger Estreno en España 5 diciembre 2014

No se trata de Cyd Charisse en Party Girl, que aquí se llamó Chicago Años 30, ni tampoco es la Virna Lisi de Cómo matar a la propia esposa. Pero como ellas se dedica al alterne, aunque ésta con mucho menos glamour que aquéllas. A diferencia de la que salía de una tarta y acababa casada con un inconsciente Jack Lemmon, la protagonista de este film no tiene como meta en la vida casarse y encontrar la estabilidad sentimental y económica por esa vía. Afortunadamente los tiempos han cambiado y ella sabe muy bien que con los hijos situados y sus vidas encauzadas, ella no tiene por qué renunciar a una eterna juventud. Y si se da de bruces por el camino porque la edad ya no perdone, será ella quien decida cómo resolverlo, sin para ello tener que entregarse al primero que le proponga sacarle de los cabarets y tugurios que frecuenta. A sus hijos en la vida real y en esta ficción que en realidad no lo es, la idea les debe haber parecido interesante, y cual Paco León con su madre Carmina, le han erigido a la suya este homenaje sencillo y breve, quizás algo torpemente rodado por aquello de tratarse de una ópera prima, pero con las ideas claras y el horizonte muy nítido. Se trata de valorar la libertad, respetarla y no emitir juicios de valor, ni siquiera cuando su protagonista se equivoca o toma decisiones que pueden afectar a otras personas e incluso hacerles daño. A pesar de ello se nos antoja poca cosa como para lograr en Cannes la Cámara de Oro y el premio al mejor reparto en Un certain regard. Nominada además a la mejor ópera prima en los premios europeos de cine y seleccionada en la sección oficial del Festival de Gijón.

MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA Comedia romántica con toques de Fitzgerald y Shaw

Título original: Magic in the Moonlight
USA 2014 98 min.
Guión y dirección Woody Allen Fotografía Darius Khondji Intérpretes Colin Firth,
Emma Stone, Marcia Gay Harden, Jacki Weaver, Eileen Atkins, Hamish Linklater, Simon McBurney, Catherine McCormack, Erica Leerhsen, Jeremy Shamos
Estreno en España 5 diciembre 2014

Posiblemente Woody Allen se haya interesado por la magia, el ilusionismo y la prestidigitación desde niño; en su película semiautobiográfica Stardust Memories ya aparecía su alter ego infantil practicándola en una sala de fiestas. La maldición del escorpión de jade también utilizaba estas artes ilusorias como base sobre la que tejer su argumento, así que sin duda se trata de un tema familiar para que lo reutilice en la confección de lo que no es sino una comedia romántica ambientada en la luminosa Costa Azul de los locos años 20. Pero a Allen por supuesto no le interesa tanto el pretexto como su auténtico contenido, que una vez más es buscar un sentido a la vida más allá de lo tangible, que nos ilusione y ayude a seguir adelante, un estímulo con el que darle explicación a nuestros actos, gozos y sinsabores. Su proverbial agnosticismo se hace eco también en esta película amable, tanto como lo hace su anhelo de creer en algo. Pero su teoría de que son más felices quienes creen en algo más allá de la lógica, no la practica; él disfruta y encuentra impulso y motivación con cada nuevo título que ofrece puntualmente al año. Como muchas otras películas suyas, ésta es también un cúmulo de referencias, y aquí las más evidentes son las que nos transportan a El gran Gatsby de Jack Clayton en el tratamiento de la luz, el vestuario (un exquisito trabajo de la española Sonia Grande, habitual en los últimos títulos de Allen, Almodóvar y Amenábar) y el ambiente decadente a lo Scott Fitzgerald, aunque en las fiestas apenas haya conseguido que alguien baile bien. Y sobre todo, en su tramo final, las que emparentan esta cinta con My Fair Lady. Curiosamente el personaje de Colin Firth está basado en el mago americano travestido de oriental de principios del siglo XX Chung Ling Soo; sin embargo cualquiera familizarizado con la obra de Bernard Shaw en manos de George Cukor se da inmediatamente cuenta de que tras su mago de flema británica se esconde el Profesor Higgins, que intenta no educar pero sí desenmascarar a su Eliza Doolittle, aquí una encantadora Emma Stone, mientras un joven rico la corteja cantándole y tocando el ukelele como allí esperaba a su amada en la calle donde vive, la tía del mago aporta la voz de la sabiduría y la templanza, como hacía la madre del profesor, y su amigo, otro mago menos avispado, hace las veces del Coronel Pickerin. Maduro conoce a chica presuntamente impostora, intenta desenmascararla y cuando menos se lo espera, en un soliloquio, se da cuenta de que se acostumbró a su cara. De modo que Magia a la luz de la luna no sólo es una comedia romántica, sino un homenaje a ese maravilloso musical y otro ensayo más, ligero eso sí, sobre la religión, el amor y la muerte; todo ello con un envoltorio delicioso.

EXODUS: DIOSES Y REYES Espectacular pero conceptualmente fallida revisión bíblica

Título original: Exodus: Gods and Kings
USA-Reino Unido-España 2014 150 min.
Dirección Ridley Scott Guión Steven Zailian, Adam Cooper, Bill Collage y Jeffrey Caine Fotografía Dariusz Wolski Música Alberto Iglesias Intérpretes Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Ben Mendelssohn, María Valverde, Ben Kingsley, Sigourney Weaver, Indira Varma, Golshifteh Farahani, Dar Salim, Tara Fitzgerald, Hiam Abbass Estreno en España 5 diciembre 2014

A estas alturas a nadie sorprende que el Ridley Scott de Alien y Blade Runner no asome por ninguna parte; ni siquiera Gladiator tenía la fuerza y la categoría de esas dos obras mayores. Pero tampoco vale empeñarse en su supuesta mediocridad y falta de imaginación. Sus películas mantienen un nivel de dignidad que las coloca por encima de la media en los géneros que toca, y el histórico no es una excepción. Exodus no le hará sombra a Los diez mandamientos, como tampoco se la han hecho la multitud de adaptaciones que cine y televisión han ofrecido de la historia de Moisés, desde el telefilm protagonizado por Burt Lancaster a los seriales italiano y americano sobre La Biblia, pasando por los dibujos animados de Dreamworks y El príncipe de Egipto. Se trata otra vez de la misma historia y eso ya corre en contra, porque todos y todas la conocemos, sabemos su final y cada uno de sus episodios, por mucha variante que se le quiera introducir. Aquí, como ocurría hace unos meses con Noé de Darren Aronofsky, se trata de adaptarse a los tiempos, porque ahora el procentaje de agnósticos es igual o mayor que el de creyentes, mientras que cuando Cecil B. De Mille estrenó su epopeya bíblica la mayoría de la población potencialmente espectadora se emocionaba con la mística católica. El impacto que tuvo Los diez mandamientos hace más de medio siglo, y que duró décadas en función de cada nuevo reestreno, generalmente en Semana Santa, no lo pretende repetir Scott ni nadie. Eran otros tiempos, y la de Charlton Heston y Yul Brynner suponía lo último en avance tecnológico. Pero aunque su memoria perdure, gracias a la televisión y los soportes digitales domésticos, su mayor encanto es puramente kitsch, casi el de un suntuoso musical sin canciones, sin menospreciar sus indiscutibles valores dramáticos y artísticos. La razón para volver a contar la misma historia es la de siempre, ofrecérsela a los nuevos públicos y hacer caja con ello. Pero si además se acompaña de un nuevo propósito, mejor, y el de Scott es hacer una versión válida para creyentes y agnósticos, intentando explicar con fundamentos puramente científicos y psicológicos los grandes milagros que acontecen en el Antiguo Testamento. El ejercicio se antoja por supuesto estéril, porque hay acontecimientos inexplicables de forma ajena a lo paranormal y porque algunos razonamientos hacen, nunca mejor dicho, agua por todas partes. Sin embargo Scott propone un espectáculo visual de primer orden, rodado en Almería y Fuerteventura, con reconstrucciones virtuales extraordinarias de paisajes como el Templo de Luxor, y una mayor fidelidad en personajes y costumbres, al estilo historicista que hoy también en el cine se procura emplear si de una obra con cierta dignidad se trata. Por otro lado su dramaturgia puede resultar plomiza para algunos, mientras otras personas la encontrarán atractiva e incluso entretenida. Lástima que en el apartado interpretativo no merezca resaltar apenas la atracción que María Valverde ejerce sobre una cámara a la que hipnotiza. En cuanto a la música de Alberto Iglesias, parece plegada a los parámetros de la factoría Hans Zimmer, perdiendo su personalidad.

MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO Prodigio técnico lastrado por saturación

España 2014 88 min.
Dirección Javier Fesser Guión Javier Fesser, Cristóbal Ruiz y Claro García, según los personajes creados por Francisco Ibáñez Fotografía Miguel Pablos Música Rafael Arnau Voces Karra Elejalde, Janfri Topera, Gabriel Chame, Mariano Venancio, Emilio Gavira, Berta Ojea Estreno 28 noviembre 2014

El universo particular de Javier Fesser, forjado en el cortometraje Aquel ritmillo y con El milagro de P. Tinto como flamante puesta de largo, le hizo idóneo para adaptar hace una década las aventuras de los más famosos detectives del cómic español, Mortadelo y Filemón, en carne y hueso, con resultados espectaculares. Algo más flojo de guión no desmereció sin embargo su secuela, dirigida por Miguel Bardem unos años más tarde. Ahora es de nuevo Fesser quien se pone al mando de la primera incursión de los famosos personajes en la animación digital y tridimensional (Misión Salvar la Tierra también disfrutó de tecnología 3D), respetando el estilo visual e iconográfico de las dos entregas de imagen real pero aprovechando al máximo las posibilidades de la animación para ofrecer una entrega despampanante y descacharrante. Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo se perfila así no como la mejor producción animada jamás realizada en España y la proeza técnica más apabullante, sino que incluso podríamos atrevernos a afirmar que es superior a nivel técnico y visual a la mayor parte de las producciones que nos llegan de la otra orilla del Atlántico. Su intencionado barroquismo genera una sucesión interminable de proezas acrobáticas, diseños impresionantes e imaginación desbordante, gracias en gran medida a la estupenda dirección artística de Victor Monigote (no es broma). Aunque su guión puede resultar endeble a nivel argumental, no lo es en absoluto en el plano literario, proponiendo chistes continuos que apenas dan tregua a la hilaridad; y por ahí desfilan la plana mayor de los personajes creados por Francisco Ibáñez para el Grupo Z, reconvertida a aquí en productora cinematográfica en una operación similar a la que desempeña Marvel en Estados Unidos. A los dos torpes y metepatas personajes principales (con unos magníficos Karra Elajalde y Janfri Topera poniéndoles voz) se unen por supuesto El Jefe, Ofelia, Rompetechos (los tres doblados por quienes los interpretaron en las dos películas anteriores, Mariano Venancio, Berta Ojea y Emilio Gavira), Bacterio y tantos otros en participaciones episódicas, aunque el más hilarante acaba siendo Tronchamulas, una suerte de Dr. Jeckyll y Mr. Hyde cuando es reversizado. Hecha toda esta abundante loa, ¿qué es entonces lo que falla en esta producción casi sin precedentes en un país en el que se hace tan buen cine de animación con las últimas tecnologías? Su saturación; demasiados gags visuales y verbales, demasiados tortazos y tropezones, muchísima violencia sin tregua, en la línea de los dibujos de la Warner, que curiosamente es su distribuidora internacional, pero sin pausa, todo muy de seguido, fatigoso. La conclusión no es que no pueda seguirse sino que se ahoga en su propuesta generando paulatinamente desinterés. Siendo por lo tanto su capacidad para asombrar y entretener inversa a su progreso dramático, nos quedamos con un espectacular arranque estilo James Bond, un prodigio de planificación y resolución que debería formar parte por sí solo de una antología mundial del cine de animación. Una mejor y más agresiva promoción le vendría bien para llegar mucho más alto de lo que quizás sea capaz de llegar.

TRASH: LADRONES DE ESPERANZA Inocentes entre la basura de la corrupción

Título original: Trash
Reino Unido 2014 114 min.
Dirección Stephen Daldry Guión Richard Curtis, según la novela de Andy Mulligan Fotografía Adriano Goldman Música Antonio Pinto Intérpretes Gabriel Weinstein, Rickson tevez, Eduardo Luis, Rooney Mara, Martin Sheen, Wagner Moura, Selton Mello, Maria Eduarda, André Ramiro Estreno en España 28 noviembre 2014

Hay películas que no existirían sin otras previas que les sirven de referente. En este caso cuesta pensar respecto a la última película del director de Las horas y The Reader que de no existir Ciudad de Dios y Slumdog Millionaire su resolución formal hubiera sido la misma. Sin embargo son más las diferencias entre estas películas que sus semejanzas, pues ni muestra la crudeza de la favelas de Río de Janeiro con la contundencia casi documental que lo hacía la película de Fernando Meirelles, ni opta por el tono de fábula colorista y posmoderna del film de Danny Boyle. La cinta de Stephen Daldry tiene su propia identidad, empezando por la buena mano del realizador, ya demostrada en Billy Elliot, para trabajar con niños. Se agradece que esté hablada en portugués, una solución naturalista con la que se renuncia al convencionalismo de recurrir al inglés, que asegura un mercado más amplio; así mismo se agradece que aunque los protagonistas exhiban un talento por encima de la media a esas edades, necesario para resolver el intrincado enigma al que les expone una cartera encontrada en un vertedero de basura, no aparezcan como los clásicos niños redichos y repelentes al que nos tiene habituados el cine americano. Haber elegido una fotografía colorista y luminosa y aderezarlo todo con una pintoresca banda sonora, enérgica y alegre, da una fuerza inusitada a un film que en el fondo está retratando la miseria más extrema en un país que se postula para liderar la economía en Sudamérica. Dilma Rouseff debe estar revolcándose con la imagen de corrupción política y policial que ofrece esta película, mientras nosotros nos debemos sentir profundamente avergonzados al comparar lo que aquí se denuncia con lo que ocurre dentro de nuestras fronteras y que nos convierte en un país indecente gobernado por gente indeseable. Acierta Daldry en restar sensacionalismo a su narración, dotar de buen pulso su intriga y ofrecer un espectáculo tenso y angustioso en torno a un acontecimiento de terrorismo policial y corrupción a gran escala. A la vez celebramos el grado de dignidad con el que caracteriza a sus niños protagonistas, tan carismáticos como entrañables. En definitiva, después de la decepción que supuso la pedante Tan fuerte, tan cerca, Stephen Daldry da en la diana con un film trepidante, reflejo en la actualidad del ambiente que mostraba Dickens doscientos años atrás, sin traicionar el espíritu inocente e infantil de sus personajes, siempre dispuestos a hacer de la vida una aventura, aún en las circunstancias más lóbregas. Es también signo una vez más de estos desdichados tiempos que vivimos. La basura del título no está sólo en los vertederos ni es la misma que evocaba Paul Morrissey a principios de los 70; se encuentra entre quienes rigen nuestro destino.

PARÍS-MANHATTAN Woody Allen debió arrepentirse tanto

Francia 2012 77 min.
Guión y dirección Sophie Lellouche Fotografía Laurent Machuel Música Jean-Michel Bernard Intérpretes Alice Taglioni, Patrick Bruel, Marine Delterme, Michel Aumont, Louis-Do de Lencquesaing, Marie-Christine Adam, Yannick Soulier, Woody Allen Estreno en España 28 noviembre 2014

Woody Allen pasaba por ahí y aprovecharon para grabarle algunas frases de su repertorio y una secuencia en su hotel de París, se supone que con el fin de servir de apoyo sentimental y consejo a la protagonista de esta comedia romántica insulsa y vacía. Ella es una antipática y hermosa mujer reacia al amor en un ambiente familiar frívolo y elegante, de la que nada nos importa ni interesa. Ama el cine de Allen y todo lo que le rodea, hasta moja las bragas cuando escucha hablar de Cole Porter, aunque para los títulos de crédito la realizadora prefiere a Richard Rodgers y su Bewitched en la inconfundible voz de Ella Fitzgerald. Si al menos las películas del director americano sirvieran para dinamizar la trama, encajaran en su argumento y fueran pasto para analizar el particular universo del genial director, pero ni eso. A cambio sólo obtenemos la nada más absoluta y una rotunda irrelevancia. Como dice mi amigo Pepe, la directora, una tal Sophie Lellouche, se debió quedar en la gloria cuando parió este bodrio.