SEFF 2026. 3 WEEKS AFTER Una recurrente y discutible mirada a la juventud

Título original: 3 nedelje posle
Serbia-Luxemburgo-Bulgaria-Croacia 2026 94 min.
Dirección Miroslav Terzic Guion Vladimir Arsenijevic, Miroslav Terzic y Bojan Vuletic Fotografía Damjan Radovanovic Intérpretes Jovan Ginic, Klara Hirvonovic, Andjela Alavirevic, Tihana Lazovic, Branislav Trifunovic, Karauliç Klara, Andrija Markovic Estreno en el Festival de Karlovy Vary 7 julio 2026

Existe cierta tendencia a retratar la juventud actual como falta de esperanza, deshumanizada y dispuesta a mostrar su rabia, disconformidad y crueldad con toda su fuerza y contundencia. Nos preguntamos si esta crítica feroz y encarnizada no sería más útil en sus postulados e intenciones si en lugar de observar esta sinrazón nos fijásemos en quienes se esfuerzan día a día y muestran la mejor cara de esa misma juventud, superando incluso a otras generaciones anteriores, mucho menos estimuladas, responsables y comprometidas que la actual. Se culpa a la tecnología, las redes y los bulos, no sin razón, pero se margina a aquellos y aquellas que son capaces de acampar durante meses en condiciones incómodas para reivindicar derechos y justicia en beneficio de todos y todas, o exhiben una disciplina férrea cuando de afrontar cometidos culturales, como podemos observar, por ejemplo, en las innumerables plantillas de orquestas jóvenes que cada vez más abundan en nuestro entorno.

Por el contrario, el director serbio Miroslav Terzic, como otros, prefiere poner el acento en una terrorífica cotidianidad que da por hecho que los institutos de enseñanza son casas del terror donde los y las más vulnerables sufren el acoso y la crueldad sistemática de una masa fascinada por el típico líder macarra y despiadado que, para más desatino resulta que actúa impulsado por la femme fatale de turno, criminalizando una vez más a la mujer como instigadora del crimen y el pecado.

Parece mentira que toda esta violencia provenga de un pueblo tan castigado por la guerra y el fratricidio, si bien en gran parte instigado por ellos mismos. Pero lo cierto es que eso es lo que cuenta esta desasosegante película que exagera los hechos y le da un sentido casi pornográfico al relato. Así las cosas, el estimulante y creativo trabajo de sonido y montaje que exhibe la película, así como sus sofisticados encuadres, pasan a un segundo plano frente al despiadado y radicalmente morboso retrato que propone de una juventud aparente y caprichosamente sin remedio ni esperanza.

RUEGA POR NOSOTRAS Vestigios de un tiempo miserable

España-Francia 2026 135 min.
Dirección Daniel Monzón Guion Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría Fotografía Carles Gusi Música Roque Baños Intérpretes Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Adelfa Calvo, María Cerezuela, Bea Segura, Xavi Suárez, Carla Domínguez, María Gandiaga, Malena Gutiérrez, Belén Cruz, Shiara Fernández Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2026; en salas 6 noviembre 2026

Estos días se está hablando mucho en televisión del mal llamado Patronato de Protección de la Mujer, una suerte de reclusión femenina activo desde 1941 hasta un sorprendente 1985, diez años después de fallecer el dictador. Cinco después de Las leyes de la frontera, el director de Celda 211 y El niño lleva esta infame institución a la gran pantalla, centrándose en la peripecia personal de una joven de familia acomodada a la que una conducta supuestamente descuidada deriva hacia uno de los centros del patronato, dirigido por monjas. En las antípodas de Los domingos, que se sumaba a la moda de honrar la espiritualidad religiosa, en Ruega por nosotras se nos muestran las monjas como realmente eran, y ahí están los testimonios de millones de niñas de entonces que las sufrieron, de la misma forma que muchos de nosotros los sufrimos a ellos.

El resultado es una película de terror en toda regla, más próximo a La residencia y el relato gótico que a la mera denuncia política y social. El internado se convierte así en la cárcel de mujeres, jóvenes de conducta aparentemente rebelde y descarriada, condenadas por comportamientos hoy no sólo aceptados sino absolutamente cotidianos. Una vez más, el acento de la culpa religiosa puesto sobre las mujeres, e incluso aceptado por ellas mismas. La resistencia de la joven protagonista, una Zoe Bonafonte que vimos el pasado verano en A fuego y descubrimos en El 47, se suma a la complicidad inocente y entrañable de su compañera, Manuela Calle, frente a la maldad corrompida e hipócrita de Adelfa Calvo y ese resquicio de ternura y aprobación que representa el personaje de María Cerezuela.

Lástima que todo se ofrezca de manera demasiado superficial sin esa carga de profundidad emocional que demanda un asunto tan delicado y doloroso como éste, dentro de un libreto claramente funcional escrito por Monzón y su colaborador habitual, también de Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Tampoco la ambientación merece nuestra aprobación, demasiado obvia, con exteriores intervenidos de forma muy evidente con vehículos de exposición y ropa de tienda vintage que los figurantes pasean de forma artificiosa, mientras en el horizonte se observa uno de esos grandes carteles que adornaban las fachadas de los cines, sólo que en 1979 ya hacía tiempo que se había estrenado Fiebre del sábado noche. Y que hoy haya tantos y tantas jóvenes que miren al franquismo con nostalgia, cuando la maldad se olía en la sociedad española no sólo mientras vivió el dictador, sino mucho después, hasta que nos fuimos liberando del cultivo poco a poco. 

SEFF 2026. BLACK MONEY FOR WHITE NIGHTS Una entrañable melomedia

Título original: Cherni pari za beli noshti
Bulgaria-Grecia 2026 94 min.
Dirección Kristina Gozeva y Petar Valchanov Guion Kristina Gozeva, Decho Taralezhkov y Petar Valchanov Fotografía Alexander Oikonomou Música Alexander Stanishev Intérpretes Ivan Savov, Tanya Shahova, Ivan Barnev, Margita Gosheva, Sibila Petrova Estreno en el Festival de Karlovy Vary 6 julio 2026

Existen las tragicomedias, y luego está esto que han inventado Kristina Gozeva y Petar Valchanov, aunque ellos no lo sepan. Se trata de algo que podríamos bautizar como melomedia, una insólita combinación de melodrama con hechuras de comedia, en la que un infortunio sirve para visibilizar las delicadas costuras de una relación sentimental, por muchos años que ésta haya durado.

Una historia de amor otoñal dañado por el espíritu de corrupción que todos y todas parecemos llevar dentro, y que aflora cuando menos te lo esperas. Un guion fluido y unas interpretaciones cargadas de expresividad, además de la buena mano en la dirección, convierten éste en un film disfrutable y entretenido, en el que la sorpresa está siempre presente, y la amargura acaba hábilmente teñida de comicidad, con personajes férreos y situaciones a menudo esperpénticas, sin que esto sirva para tildar el conjunto de farsa.

Entre los intérpretes, al margen de la entrañable calidez de la pareja protagonista, destaca Ivan Barney como el cuñado, al que descubrimos en Yo serví al rey de Inglaterra y luego vimos en películas españolas como Vasil o Una quinta portuguesa.

GEORGE MICHAEL: THE FAITH TOUR Un concierto memorable

Reino Unido 2026 113 min.
Dirección David Austin y Andrew Morahan Estreno mundial 6 noviembre 2026

David Austin sabe perfectamente lo que hace cuando de George Michael se trata. A él le debemos el documental Freedom, realizado para la televisión en 2017. Pero aún más sabe de qué va la cosa el otro director de este documental concierto, Andy Morahan, que fue el responsable de llevar a la gran pantalla otro gran concierto del malogrado cantante británico, Live in London, en 2009. Pero sobre todo porque fue el director de los videclips de los singles del primer álbum en solitario de Michael, Faith, I Want Your Sex y Father Figure, además de dirigir otros para artistas como Paul McCartney, Simple Minds, Bon Jovi, Guns’n’Roses, Van Halen, Michael Jackson, Simply Red, Terence Trent D’Arby o Tina Turner. Plenamente capacitados para ofrecernos este concierto en un lujoso formato restaurado, con una imagen nítida y brillante, un sonido poderoso y el excelente montaje de Ben Wainwright-Pearce.

Un magnífico concierto celebrado en el Palais Omnisports de Paris-Bercy en 1988, y grabado a lo largo de dos noches durante la gira europea del álbum Faith, en el que el cantante y showman desgranó con una vitalidad y una energía extraordinaria gran parte del contenido de dicho álbum, además de algún éxito de Wham!, como Everything She Wants o I’m Your Man, además del imprescindible Careless Whisper y otros clásicos de Stevie Wonder como Love’s in Need of Love Today y Too Shy to Say, o del conjunto funky de los setenta Wild Cherry, Play That Funky Music, dejando clara su admiración por el soul y el funky norteamericano, muy especialmente su adoración por el autor de Superstition, de quien años después versionaría As.

El concierto evidencia además que el paso de cuarenta años no se percibe tan claramente, que grandes pantallas y móviles encendidos no contrastan ni compiten tanto con un espectáculo para el que se levantó un escenario descomunal, y unos mecheros que resplandecían durante las varias baladas que sonaron a lo largo de tan sensacional evento. Pero sobre todo pone en evidencia el talento descomunal de quien, sin apoyo de un conjunto de baile o de la tecnología a la que hoy nos hemos acostumbrado, era capaz de llenar el escenario, haciendo gala de una energía desbordante y unas coreografías improvisadas de auténtico nivel. Y deja claro también que sus canciones no han pasado ni un ápice de moda, suenan tan frescas ahora como entonces. Imposible disfrutarlo sin nostalgia quienes entonces teníamos la edad de la media asistente.

SEFF 2026. ANIMOL Drama carcelario crudo pero esperanzador

Reino Unido 2026 90 min.
Dirección Ashley Waters Guion Nick Love Fotografía Natasha Back Música Swindle Intérpretes Tut Nyot, Vladyslav Baliuk, Sharon Duncan-Brewster, Stephen Graham, Seaku Diaby, Ryan Dean Estreno en el Festival de Berlín 14 febrero 2026; en Reino Unido 30 octubre 2026

Ashley Waters es un conocido rapero, de nombre Asher D, al que hemos visto como actor en varias películas (pronto lo haremos en la nueva de M. Night Shyamalan, Nunca olvides que te quiero), y que tras dirigir alguna serie y documental, se ha embarcado en su primera ficción con este drama carcelario duro y asfixiante. Sigue los parámetros típicos del género, pero eso no le impide presentar un producto fresco con el que pretende denunciar el sistema carcelario en su país, el Reino Unido, y por extensión en gran parte de este mundo que creemos civilizado. Un sistema que envilece, corrompe y logra, al fin, lo contrario de lo que pretende, convertir al preso, incluso en carácter preventivo, cuando aun no se ha constatado su culpabilidad, en un auténtico delincuente. Malas compañías y una nefasta vigilancia de cuanto acontece alrededor, a pesar de medios que incluyen educadores sociales, convierten el presidio en un auténtico infierno, una pesadilla de la que es difícil esconderse.

Con la colaboración del también director Nick Love (Goodbye Charlie Bright), Waters construye un drama carcelario sólido y agrio, siguiendo como apuntamos una serie de clichés pero bien dosificados, mostrados con convicción y ahínco. Cuenta para ello con buenas y convincentes interpretaciones, especialmente su desorientado protagonista, a quien presta ese físico animal definido en el título, el joven Tut Nyot.

Entre los secundarios, destaca Stephen Graham, siempre recordado por ser el padre en la sensacional serie Adolescencia. Pero lo mejor de la cinta está en la capacidad de Love y Waters para crear ambiente, aceptar espacio para la esperanza y la ternura, y dejar una ventana abierta a un futuro quizás prometedor, algo de lo que este tipo de producciones suele renegar.

SEFF 2026. LA VIOLINISTA Música e historias para la esperanza

Singapur-España-Italia 2026 114 min.
Dirección Ervin Han y Raúl García Guion Ervin Han y Jordan Katherine See Música Ricky Ho e Isabel Latorre Animación Estreno en el Festival de Annecy 22 junio 2026; en Singapur 17 septiembre 2026; en España 13 noviembre 2026

Reciente triunfadora del festival de Annecy, especializado en animación, donde también se alzó con el premio a la mejor banda sonora, se trata de un muy estimable producto de animación dirigido entre el español Raúl García y el singapurense Ervin Han. García se ha curtido en Disney hasta debutar como director con El lince perdido, en colaboración con Manuel Sicilia. También ha realizado diversos trabajos en el medio en torno a clásicos de Edgar Allan Poe. Por su parte, Han también proviene de Disney, donde ha dirigido varios cortometrajes protagonizados por el ratón Mickey. Nada tiene que ver, sin embargo, esta película con ese mundo disneyiano del que provienen. El trazo del dibujo tiene más relación con el anime japonés, mientras los movimientos son deliberadamente algo más raquíticos que los muy perfeccionistas estadounidenses.

En el sentido estrictamente dramático, García y Han ofrecen una historia de tintes mucho más adultos y agrestes, trágicos, contándonos una historia de amor y guerra, pero sobre todo de superación a través del poder sanador de la música. Chaikovski, Mendelssohn, Mascagni o Paganini se convierten así en el elemento medicinal de una historia cruda y cruel, no apta precisamente para niños, y más para adultos que hoy volvemos a sufrir la terrible sombra de la guerra, de la confrontación entre seres humanos. En el contexto de la invasión japonesa de Malasia durante la Segunda Guerra Mundial, un episodio que no ha contado con la atención que sí han merecido muchísimos otros de dicho conflicto, un violín se convierte en vehículo para la indagación de un periodista valenciano, comunidad de la que procede el principal apoyo institucional de la película, en la terrible historia de amor y separación que sufren dos virtuosos del instrumento.

Cuidada en el detalle y la ambientación, La violinista ofrece varias oportunidades para la más sincera emoción, y lleva a sus últimas consecuencias la idea de que la música y las historias mantienen viva nuestra esperanza, y nos ayudan así a sobrellevar la carga de la supervivencia. Naturalmente, en este contexto, la música juega un primordial papel, con interpretaciones no siempre depuradas, lo que obliga a abrazar el recurso de la convención, de la violinista singapurense Joy Yong, acreditada como Joyy, con composiciones originales de Ricky Ho e Isabel Latorre conviviendo con clásicos imperecederos de forma tan equilibrada como elocuente. Sorprende que no figure entre las finalistas a los Premios Europeos del Cine, donde sí lo hacen otras cintas como ¡Viva Carmen! o El misterio de Lucy Lost, que compitieron con ella en Annecy.

SEFF 2026. LA GRADIVA Viaje infructuoso en Italia

Francia-Italia 2026 145 min.
Dirección Marine Atlan Guion Marine Atlan y Anne Brouillet Fotografía Marine Atlan y Pierre Mazoyer Intérpretes Colas Quignard, Suzanne Gerin, Miha Carpellier-Audat, Antonia Buresi, Rouge Isaac, Hadya Fofana, Lou-Anne Le Glorennec, Chamathka Warahena Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2026; en Francia 21 octubre 2026; en Italia 18 noviembre 2026

En su segundo largometraje, ocho años después del primero, Marine Atlan ha pasado de los sesenta minutos de Daniel fait face a las innecesarias e inexplicables dos horas y media que ha necesitado para contarnos esta insufrible historia de iniciación, descubrimiento y decepción en el seno de un grupo escolar de viaje por Nápoles y su entorno. Largas conversaciones banales se alternan con visitas a una ciudad demacrada, sencillamente porque esos han sido los escenarios elegidos en torno a una urbe que, en realidad, en los últimos años ha lavado considerablemente su cara y hoy luce más resplandeciente que antaño.

Allí, y en Pompeya y el Vesubio, asistimos a largas charlas didácticas sobre la formación de volcanes o la extracción de formas humanas entre los restos de la catástrofe volcánica. Pero también a conversaciones carentes de interés entre los y las jóvenes francesas que viajan por el sur de Italia. La mirada se centra fundamentalmente en un joven de carácter rebelde y soñador, cuyas decisiones al final del metraje se hacen inexplicables y excéntricas, culminando así un camino en el que parece querer forjarse una metáfora sobre nuestra cultura, nuestros ancestros y el destino al que estamos condenados, sin que nada al final genere el nivel de fascinación o, al menos, convicción que merece.

Carne sin duda de festival con poco margen para llegar al destinatario final, un público capaz de identificarse con las peripecias emocionales de estos y estas chavalas al filo del descubrimiento, que tan a menudo generan el interés de unos cineastas algo perdidos en su propia maraña seudo-psicológica. Por cierto, nuestra limitada inteligencia no nos permite relacionar el personaje femenino mitológico al que alude el título, y que significa la que avanza, con el argumento.