FRAGMENTOS La isla de los sentidos

España 2025 91 min.
Dirección Horacio Alcalá Guion Frank Ariza Fotografía Elías M. Félix Música María Vertiz Intérpretes Manuel Vega, Asia Ortega, Emma Suárez, José Luis García Pérez, Sonia Almarcha Estreno en el Festival de San Sebastián 26 septiembre 2025; en salas 12 diciembre 2025

México une a los dos cineastas que han generado este extraño melodrama romántico. Horacio Alcalá nació allí, pero es ahora cuando después de dirigir dos largometrajes de ficción, Finlandia y Sobre las olas, regresa a España, donde comenzó su carrera cinematográfica con tres documentales. Natural de Barbate, Frank Ariza se ha encargado tanto de la dirección como del guion de un puñado de títulos, entre los que destacan los recientes Reversión y El vestido, mientras en el país norteamericano ha dirigido o escrito también algunos títulos. Lo que cabe preguntarse es en qué momento se interesaron por una idea como la que han plasmado en esta película, la confrontación en plan Quién teme a Virginia Woolf, pero al aire libre, de dos parejas de distinta generación, en un juego de amor y desamor que se antoja algo escurridizo y en el que, en última instancia, lo más interesante y cautivador son los escenarios escogidos, los extraterrenales paisajes de Lanzarote.

Manuel Vega, hijo del cineasta Felipe Vega, se esfuerza en este trabajo dramático como joven esposo enamorado pero desconfiado, mientras Asia Ortega muestra la cara menos amable, más antipática de la relación. En el otro lado, Emma Suárez se involucra más que José Luis García Pérez en dar forma a la otra pareja en liza, quizás menos ideal de lo que aparenta.

Su discreto metraje logra que la propuesta, a pesar de resultar algo marciana, se digiera con facilidad, si bien es, repetimos, el mágico paisajismo de la isla canaria lo que más subyuga al y la paciente espectadora, y quizás también influya en las decisiones y repentinos cambios de actitud de sus cuatro moradores. Junto a ellos, una quinta presencia, la de Sonia Almarcha, carece de entidad más allá de su esfuerzo por imitar el acento canario.

ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO El buen y romántico ladrón

Título original: Roofman
USA 2025 126 min.
Dirección Derek Cianfrance Guion Derek Cianfrance y Kirt Gunn Fotografía Andrij Parekh Música Christopher Bear Intérpretes Channing Tatum, Kirsten Dunst, Lakeith Stanfield, Peter Dinklage, Lily Collias, Kennedy Moyer, Juno Temple, Ben Mendelssohn, Uzo Aduba Estreno en Estados Unidos 10 octubre 2025; en España 12 diciembre 2025

Unas veces nuestros distribuidores le dejan el título original en inglés al producto, otras lo traducen de forma extremadamente imaginativa y a menudo desafortunada, y otras, como en esta ocasión, le añaden un ridículo apéndice que la mayoría de las veces ni siquiera aporta nada al original. En este film lo del "ladrón en el tejado" apenas cubre la casilla de salida de una trama en la que robar en un sinfín de McDonald’s y vivir durante una dilatada temporada en un Toys “R” Us, en una operación que parece pedir a gritos un patrocinio generoso, se combina perfectamente con un drama sentimental de primer orden y una fábula sobre la bondad humana que se hace cada vez más necesaria en este mundo qe padecemos.

Derek Cianfrance, que dirigió a Ryan Gosling en Blue Valentine, volvió a dirigirlo, esta vez junto a Bradley Cooper, en Cruce de caminos, a Michael Fassbender en La luz entre los océanos y a Mark Ruffalo en la serie La innegable verdad, elige ahora a Channing Tatum, un actor que no disfruta del reconocimiento que merece, para dar vida a Jeffrey Manchester, el ladrón de marras. Un hombre de buen corazón que vivió esta experiencia aunque real, absolutamente increíble. Una odisea que le llevó a utilizar su inteligencia y habilidad para escabullirse durante un buen período de tiempo de la policía, lo que hace reflexionar sobre la posibilidad de que alguien con sus talentos necesite del crimen para sanear sus cuentas y poder así recuperar a su familia, especialmente una hija a la que adora. Un periplo que le lleva en esta situación tan insostenible a acariciar la felicidad y encontrar el amor verdadero, algo que también se aleja de su pareja sentimental conforme se hace evidente que no hay salida, que seguramente hay pocas para los buenos.

Ese tono agridulce traspasa la pantalla gracias a la habilidad del director para dosificar sus delicados recursos, generar una narrativa fluida y lograr que la amabilidad se haga dueña de la función sin por ello descuidar la necesaria dosis de intriga que exige el conjunto. La química entre Tatum y una felizmente recuperada en plena forma Kirsten Dunst, colabora decisivamente para que esta película de otros tiempos llegue a tan buen puerto y nos deje ese sabor agridulce de boca que planea durante toda la función.

PUÑALES POR LA ESPALDA: DE ENTRE LOS MUERTOS Entretenido enredo criminal

Título original: Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery
USA 2025 144 min.
Guion y dirección Rian Johnson Fotografía Steve Yedlin Música Nathan Johnson Intérpretes Daniel Craig, Josh O’Connor, Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack, Thomas Haden Church, Annie Hamilton Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2025; limitado en Estados Unidos 26 noviembre 2025, y en España 28 noviembre 2025; en Internet (Netflix) 12 diciembre 2025

El director de Looper y Los últimos Jedi insiste en poner a prueba su imaginación e ingenio con esta tercera entrega de los misterios de Benoit Blanc, el detective al que da vida Daniel Craig en un estilo distinto al del agente 007 pero igualmente con un inconfundible sello británico. Rian Johnson se encarga también en este título del guion, igual que lo hizo en los dos anteriores, combinando la ya conocida fórmula del elenco de estrellas involucradas en un crimen sofisticado, ahora con el universo gótico de fabuladores como Allan Poe. El resultado puede parecer artificioso, pero no se le puede negar habilidad para mantenernos interesados, incluso inquietos, ante el desafío que siempre suponen estos trabajos en los que averiguar quién cometió el crimen se convierte en un reto para nuestro intelecto.

Johnson vuelve a sorprendernos y aliviar nuestra sed de Agatha Christie, mientras una cuidada ambientación, esta vez en el seno de una pequeña y muy conservadora comunidad católica en el estado de Nueva York, logra que sintonicemos inmediatamente con la propuesta. No falta la ironía, el sarcasmo y el humor imprescindibles en este tipo de propuestas, a la vez que ese siempre agradecido desfile de rostros conocidos, algunos tan populares como Glenn Close o Josh Brolin, y otros representantes de las nuevas generaciones, como Cailee Spaeny (Priscilla) o Daryl McCormack (Buena suerte, Leo Grande).

Tampoco hay que pedirle más a una cinta que aprovecha sus bien dosificados y generosos recursos. Así, con la ayuda de una mente suficientemente hábil para crear tan estimulante intriga, arropada por el mismo equipo técnico y artístico que las anteriores entregas, el entretenimiento está asegurado y cabe esperar con interés nuevos capítulos de la serie.

DUTOIT, LA ROSS Y UNA AUSENCIA SUPERADA CUM LAUDE

Gran Selección. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Jean-Efflam Bavouzet, piano. Charles Dutoit, dirección. Programa: Obertura El carnaval romano Op. 9, de Berlioz; Concierto para piano en sol mayor, de Ravel; Sinfonía nº 9 en mi menor Op. 95 “Del nuevo mundo”, de Dvorák. Teatro de la Maestranza, viernes 12 de diciembre de 2025

Cada vez que se programa a Martha Argerich, surge la duda de si llegará a buen término la propuesta, tal es la fama que tiene de faltar a sus compromisos. Que esta vez se tratara de una gripe, teniendo además en cuenta su avanzada edad, no nos libra de sospechar otra desgana de la célebre pianista, pues son ya cuatro las veces que ha faltado a su cita sevillana, las dos primeras hace mucho tiempo, y las otras dos el año pasado y ahora. Pero eso no justifica la desbandada de público, que pasó del lleno absoluto a una considerable cantidad de huecos en todas las zonas del Maestranza.

Sólo el postureo, poder decir que se ha visto y escuchado a la Argerich, podría justificarlo, y eso resulta bastante triste y miserable. Al fin y al cabo, el programa seguía siendo el mismo, precioso aunque recurrente, y la presencia de Charles Dutoit al frente de nuestra sinfónica debía merecer toda nuestra atención e ilusión. La ROSS necesita de vez en cuando que grandes nombres la dirijan. Las temporadas de abono se nutren de muy buenas batutas, pero la orquesta necesita para su proyección y para descubrir un mayor potencial, aquellos grandes nombres que con iniciativas como ésta puedan ir situándola en estadios de mayor calado y categoría.

La desbandada de ayer fue un insulto a la orquesta, al teatro y a un director tan ilustre, afamado y legendario como Charles Dutoit, no digamos al estupendo pianista que sustituyó a la Argerich, y que gracias al merecidísimo largo aplauso que recibió del público asistente, podrá cosechar un buen recuerdo de esta ciudad, a veces tan ingrata como para incumplir sus obligaciones con la cultura, evidenciando de paso su ignorancia.

Control y dominio raveliano

Charles Dutoit respetó la disposición habitual de los y las integrantes de la orquesta. Tras una efusiva, delirante y divertida obertura de Berlioz extraída de pasajes de su ópera Benvenuto Cellini, bajo el título de El carnaval romano, en la que Dutoit evidenció su buena forma y propensión a sacar músculo y lograr un sonido compacto y matizado de la orquesta, llegó el turno del generoso pianista también francés.

Jean-Efflam Bavouzet está reconocido como un especialista en Ravel, por lo que su elección para interpretar el Concierto en Sol de Ravel no pudo ser más acertada. De hecho, la suyo fue una interpretación depurada, meditada y profundamente intelectual de la pieza. Tocó de memoria, como Dutoit, que no necesitó partitura en ninguna de las tres piezas del concierto. Fue rotundo, enérgico y contundente sin resultar mecánico ni forzado, en el allegro inicial, que Duotit entendió como una gran broma musical, juguetón a base de alegres toques de tambor, y con un solo hipnótico y alucinante del arpa, que Daniela Iolkicheva logró hacer sonar en pianissimo con efectos fantasmagóricos. No faltó ese toque jazzístico que impregna la partitura, a la que Bavouzet se adaptó con mucha frescura y naturalidad.

En el adagio, Bavouzet defendió su larga introducción con sensibilidad y muy buen gusto, sin resultar empalagoso, a lo que el corno inglés de Sarah Bishop se adhirió con una capacidad poética indiscutible. Atento a cada cambio de registro, el pianista francés sacó brillo de cada nota de esta preciosa y evocadora página musical. El presto final fue un dechado de fuerza, energía y efusividad, que Duotit manejó con maestría y sentido dinámico, a lo que la orquesta respondió con marcados acentos y ese sonido de la cuerda grave tan característico que tanta personalidad le otorga. En la propina, Bavouzet interpretó un Preludio en la menor seguido de la tocata de Le tombeau de Couperin en la que dejó constancia de su vertiginoso virtuosismo y fuego interno.

Una Sinfonía del nuevo mundo en modo narrativo

Tanto el concierto de Ravel como esta Sinfonía nº 9 de Dvorák son piezas muy difundidas y frecuentemente interpretadas. Pero son tan maravillosas que se podrían escuchar en bucle sin cansarse. Nuestra orquesta no es la excepción, y la del nuevo mundo la ha interpretado infinidad de veces. Lo sorprendente es que todavía se puedan descubrir nuevas cosas merced a una interpretación tan matizada y lujuriosa como la que nos brindó Dutoit al frente de una muy estimulada Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Con unos metales que, a excepción de alguna breve entrada en falso, resultaron épicos y refulgentes, todo el recorrido por la sinfonía de Dvorák resultó una fiesta para los sentidos, que comprobaron no sólo la grandeza de su literatura estrictamente musical sino también su particular narrativa, de forma que en las manos expertas de Dutoit cada movimiento parecía contarnos una historia, como si lograra extraer de la música un significado intrínseco, una fuerza interior que alimentara nuestros instintos. Algo que el director logra dirigiéndose a los y las intérpretes de forma directa, como si hablara con ellos y ellas, mirándoles fijamente y exigiéndoles ese máximo rendimiento con el que nos regalaron una página inolvidable e irrepetible de su orgullosa carrera.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

SUEÑOS DE TRENES Un hombre sencillo y bueno

Título original: Train Dreams
USA 2025 102 min.
Dirección Chris Bentley Guion Chris Bentley y Greg Kwedar, según la novela de Denis Johnson Fotografía Adolpho Veloso Música Bryce Dessner Intérpretes Joel Edgerton, Felicity Jones, William H. Macy, Kerry Condon, Nathaniel Arcand, Clifton Collins jr., John Diehl, Paul Schneider, Alfred Hsing y la voz de Will Patton Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 7 noviembre 2025; en España (Netflix) 21 noviembre 2025

Chris Bentley forma junto a Greg Kwedar una pareja de cineastas que firman los guiones de sus películas a dúo mientras cada uno dirige alternativamente por separado. De esta forma, mientras el segundo ha dirigido Transpecos y Las vidas de Sing Sing, Bentley es el responsable de El jockey y ahora esta bellísima película basada en una novela de Denis Johnson. Los dos son los autores de los guiones de los cuatro films. En esta película de poético y evocador título, nos cuentan la historia de un hombre sencillo, tímido y solitario. Un anónimo que se gana la vida a principios del siglo XX talando árboles con los que construir los puentes y las vías que de forma metafórica habrán de recorrer trenes que unen vidas, lugares, costumbres y acontecimientos, además de tendencias, razas y estilos de vida.

En un contexto hostil en el que se persigue a los orientales, donde el color es objeto de ejecución y venganza, y los indios han quedado reducidos a un papel secundario en la página de la construcción del país que se autoproclama nuevo imperio del mundo, nuestro personaje vaga sin provocar daño alguno a nadie, ni empuñar un arma, ni participar en ninguna hoguera de vanidades ni escarnios. Por el contrario, alberga la sensibilidad suficiente para cargar sobre sus espaldas el dolor de la injusticia sufrida por semejantes, y que ello le marque de por vida. Dos tragedias puntúan su periplo, mientras el afán de supervivencia, siempre desde la humildad y la sinceridad, irá marcando su camino.

Bentley ha sabido reflejar todo este viaje con una enorme sensibilidad, una carga poética considerable aunque siempre al alcance de cualquiera, y una hermosísima puesta en escena que evoca a través de la transparente, precisa, detallista y luminosa fotografía de Adolpho Veloso, un paisaje de exuberante naturaleza en el que al más típico estilo de Terrence Malick, se enmarcan los recuerdos de quien en algún momento logró ser feliz, ya sea por el contacto con seres amados o por una experiencia aeronáutica que deja ver el mundo con otra perspectiva. Por una vez no sobra la voz en off, un narrador que da carácter épico y crepuscular a tan hermosa crónica en la que un montaje ágil y dinámico no impide que el resultado sea pausado y relajante. Una bellísima partitura de Bryce Dessner y una dulce canción de Nick Cave ponen la guinda al pastel. Y todo ello demostrando que al final nadie es insignificante y todos y todas albergamos recuerdos que potencian esta idea.

MÚSICA Y RISAS ASEGURADAS EN UN BARBERO ZARZUELERO DE ANTOLOGÍA

El barbero de Sevilla. Música de Gerónimo Giménez y Manuel Nieto. Libreto de Guillermo Perrín y Miguel de Palacios. Elena Martínez, dirección musical. Marta García-Morales, dirección escénica. Inmaculada Crespo, sastrería y vestuario. Cristina Criado, maquillaje y peluquería. Alejandro Rull, adaptación del libreto. Javier Sánchez-Rivas, producción ejecutiva. Francisco Guerrero, presidencia institucional. Orquesta Titular de la Compañía Sevillana de Zarzuela. Con Soraya Méncid, Luz Gutiérrez, Marta García-Morales, Javier Sánchez-Rivas, Julio Nomdedeu, Amando Martín, Carlos Ortega y Joaquín Caballero. Producción de la Compañía Sevillana de Zarzuela. Espacio Turina, lunes 8 de diciembre de 2025

Nomdedeu, Gutiérrez y Méncid

Tres llenos absolutos ha experimentado este nuevo montaje de la Compañía Sevillana de Zarzuela del inefable Javier Sánchez-Rivas. Un éxito que anima a mantener y extender esta empresa en la que el entusiasmo y, sobre todo, el cariño han cimentado un triunfo absoluto en el panorama musical y teatral de la ciudad. La compañía ocupa ese espacio tan necesario del que la intelectualidad recurrente le ha ido despojando.

Desde que desapareció el Teatro Imperial, antes cine, a la ciudad le falta un lugar donde recalar los sainetes y comedias que antes atendían a una parte importante de la ciudadanía, que acudía al teatro simplemente a reír y entretenerse, sin más pretensión. Es cierto que las salas independientes y algún intento en el antiguo cine Pathé de la calle Cuna, reconvertido en teatro desde los tiempos de Jesús Quintero, han procurado cubrir ese hueco, pero es quizás nuestra compañía zarzuelera la que mejor se ha prestado a satisfacer una demanda que estaba dormida y ha encontrado en ellos y ellas una hábil solución.

Este Barbero de Sevilla se ha montado con mucha gracia y desparpajo en el que, desde el cierre del Lope de Vega, se ha convertido en su casa, el Espacio Turina, como ya lo era de otras formaciones eminentemente sevillanas, como la Barroca, la Bética o los conciertos de cámara de la Sinfónica. Allí incondicionales y personas curiosas pudieron comprobar cómo un género continuamente defenestrado y puesto en tela de juicio por su supuesto toque rancio y casposo, puede satisfacer las más exigentes demandas, tanto en lo teatral como en lo estrictamente musical.

Un trabajo meticuloso de rehabilitación

No es que lo ofrecido este puente de la Constitución haya sido fruto de una reconstrucción, ni histórica ni estructural, sino de una revisión del mítico título de Gerónimo Giménez y Manuel Nieto que acerca su contenido a un público más actual, sin chirriar ni resultar estridente, dejando claro que es en el sainete español en el que se basan fórmulas de éxito como Aquí no hay quien viva, pero sometiéndolo a criterios y delicadezas que lo alejan de la mala baba televisiva.

Sorara Méncid canta Me llaman la primorosa

Pero es que además se han permitido licencias musicales que hacen la propuesta más atractiva, desde introducir como intermedio una versión algo recortada de la célebre obertura rossiniana, hasta incluir con acierto y mucho desparpajo, perfectamente encajadas, piezas también de Giménez, como el cuplé picante El morrongo, que popularizaron Marujita Díaz, Carmen Sevilla y hasta Ángela Molina en la banda sonora de Las cosas del querer, o la Canción del chocolate de la zarzuela La gatita blanca. Luz Gutiérrez entonó el primero con mucha gracia y sentido cómico, mientras Marta García-Morales protagonizó la segunda con picardía y sensualidad, secundada por dos cómicos excepcionales.

La soprano fue una vez más la encargada de poner en escena la obra, aprovechando para ello decorados y figurines del repertorio de la compañía, con el buen juicio de no cambiarla de época, pues no se hubiera entendido entonces aquella miseria de antaño por la que una mujer necesitaba el consentimiento de un padre o un esposo para poder desarrollar una carrera profesional, o aquella vergonzante costumbre burguesa de mantener una amante sin desdeñar una esposa servicial y madre de hijos, o la visión despectiva que se tenía de los y las andaluzas. Su actualidad consiste en mantener vivo el recuerdo de aquella época nefasta que perpetuó el franquismo, y recordarnos que debemos evitar que vuelva.

Pero nada de esto resultó tan evidente como para empañar lo que verdaderamente importa, pasar un rato estupendo en compañía de voces perfectamente educadas y entonadas y un libreto chispeante llevado a tan buen puerto. En lo musical, Elena Martínez demostró una vez más saber cuál es el lenguaje teatral, cómo acompañar y respetar las voces y potenciar el drama, en este caso la comedia, con sentido del equilibrio y la mesura. En este sentido logró además dar relieve a las texturas y matizar los estratos musicales, aunque algún instrumento se fuera de tono. En conjunto, el trabajo de la orquesta, con apenas una veintena de integrantes, fue impecable.

Un reparto perfecto

Sánchez-Rivas, García-Morales y Ortega

Soraya Méncid, que ha participado en varias de las producciones de la compañía, acude a ésta con el prestigio y la admiración que se ha labrado en los últimos tiempos. En apenas un mes se ha enfrentado a un repertorio de canciones románticas en un recital para el recuerdo, al legado barroco musical del Convento de Santa Clara hace apenas una semana, y ahora al género lírico español por excelencia, más ligero y desenfadado. Una proeza sólo al alcance de las muy profesionales y curtidas. Toda su actuación fue prodigiosa, pero cantar Me llaman la primorosa como lo hizo ella será difícil de repetir, cargada de difíciles ornamentaciones, con varios sobreagudos seguidos y una voz brillante, de precioso timbre e impecablemente entonada.

A su lado no desmerecieron Luz Gutiérrez, excelente comediante y más que competente voz, Julio Nomdedeu, tan divertido como estupendamente entonado bajo, Amando Martín, ideal en su tesitura de barítono romántico, y la siempre sensacional Marta García-Morales dando vida a La Roldán, con un Yo soy la tiple más eminente cargado de sensualidad. Y junto a estas rutilantes voces, el sensacional trabajo cómico de Javier Sánchez-Rivas, cuyas apariciones fueron destilando risas a diestro y siniestro, y el buen acompañamiento de Carlos Ortega y Joaquín Caballero, todos componiendo números de conjunto de incontestable calidad, muy especialmente en ese cuadro final en el que la escena se divide en tres apartados, cada uno congelándose cuando le toca el turno al otro, toda una muestra de frescura y gracia a la hora de resolver una escena cómico-teatral.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

VALOR SENTIMENTAL Puzzle de afectos

Noruega-Francia-Dinamarca-Alemania-Reino Unido 2025 135 min.
Dirección Joachim Trier Guion Joachim Trier y Eskil Vogt Fotografía Kasper Tuxen Música Hania Rani Intérpretes Renate Reinsve, Stellan Skarsgard, Inga Ibsdotter Lilleaas, Elle Fanning, Andres Danielsen Lie, Jesper Christensen, Cory Michael Smith, Lena Endre, Catherine Cohen Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2025; en Noruega 12 septiembre 2025; en España 5 diciembre 2025

La película más laureada de la temporada, Premio del Jurado en Cannes, Premio Puerta de América en Sevilla, nueve nominaciones a los Premios europeos y ocho a los Globos de Oro, y sin embargo no nos explicamos dónde reside su mérito. Está claro que, sin renunciar a su particular estilo, definido en películas como Oslo 31 agosto y La peor persona del mundo, Joachim Trier ha intentado aproximarse al universo familiar y traumático de Ingmar Bergman, pero tamizado con ese estilo más luminoso y lleno de ritmo que caracteriza al cine de nuestra época, situándose entre ese cine intelectual al que emula y el más comercial a cuya taquilla aspira.

Ya desde las primeras escenas, representando el miedo escénico de una actriz consagrada, bastante ridículo e inverosímil, queda claro que la cinta va de una mujer, otra, desequilibrada y fragmentada por su pasado familiar, protagonizado por una abuela marcada por su resistencia al nazismo y un padre cineasta ausente y mujeriego, y siempre con el suicidio en el horizonte. Quizás resulte más interesante como ensayo del cine dentro del cine, con los fantasmas del pasado como referente y el márketing como estrategia comercial a través de una estrella, ya sea local o hollywoodiense, que sirva de reclamo para un nuevo proyecto. Sin embargo, su análisis fundamentalmente psicológico sobre la influencia de la familia, los estragos y traumas apuntados, una posible reconciliación paternofilial y una fraternidad de cemento, lo mejor de la película, para curar heridas, quedan a nuestro juicio en un plano inferior.

Todo un puzzle de afectos algo indigesto a pesar del encanto que pretende dominar toda la función, quizás un logro tratándose de una fábula sobre la asunción del dolor. No obstante, todo esto parece ser lo que ha alimentado el reconocimiento casi unánime que ha recibido una cinta en la que por supuesto destacan las interpretaciones de su reparto, sobre todo Stellan Skarsgard, para quien el papel ha debido suponer un regalito. En el otro extremo, Renate Reinsve insiste en sus registros y mohines ya habituales, mientras una banda sonora en la que combinación de música original y piezas preconcebidas logran un paisaje sonoro muy atractivo. Por supuesto, en estos países nórdicos siempre reina el buen tiempo, lleno de luz y colores cálidos.