GEORGE MICHAEL: THE FAITH TOUR Un concierto memorable

Reino Unido 2026 113 min.
Dirección David Austin y Andrew Morahan Estreno mundial 6 noviembre 2026

David Austin sabe perfectamente lo que hace cuando de George Michael se trata. A él le debemos el documental Freedom, realizado para la televisión en 2017. Pero aún más sabe de qué va la cosa el otro director de este documental concierto, Andy Morahan, que fue el responsable de llevar a la gran pantalla otro gran concierto del malogrado cantante británico, Live in London, en 2009. Pero sobre todo porque fue el director de los videclips de los singles del primer álbum en solitario de Michael, Faith, I Want Your Sex y Father Figure, además de dirigir otros para artistas como Paul McCartney, Simple Minds, Bon Jovi, Guns’n’Roses, Van Halen, Michael Jackson, Simply Red, Terence Trent D’Arby o Tina Turner. Plenamente capacitados para ofrecernos este concierto en un lujoso formato restaurado, con una imagen nítida y brillante, un sonido poderoso y el excelente montaje de Ben Wainwright-Pearce.

Un magnífico concierto celebrado en el Palais Omnisports de Paris-Bercy en 1988, y grabado a lo largo de dos noches durante la gira europea del álbum Faith, en el que el cantante y showman desgranó con una vitalidad y una energía extraordinaria gran parte del contenido de dicho álbum, además de algún éxito de Wham!, como Everything She Wants o I’m Your Man, además del imprescindible Careless Whisper y otros clásicos de Stevie Wonder como Love’s in Need of Love Today y Too Shy to Say, o del conjunto funky de los setenta Wild Cherry, Play That Funky Music, dejando clara su admiración por el soul y el funky norteamericano, muy especialmente su adoración por el autor de Superstition, de quien años después versionaría As.

El concierto evidencia además que el paso de cuarenta años no se percibe tan claramente, que grandes pantallas y móviles encendidos no contrastan ni compiten tanto con un espectáculo para el que se levantó un escenario descomunal, y unos mecheros que resplandecían durante las varias baladas que sonaron a lo largo de tan sensacional evento. Pero sobre todo pone en evidencia el talento descomunal de quien, sin apoyo de un conjunto de baile o de la tecnología a la que hoy nos hemos acostumbrado, era capaz de llenar el escenario, haciendo gala de una energía desbordante y unas coreografías improvisadas de auténtico nivel. Y deja claro también que sus canciones no han pasado ni un ápice de moda, suenan tan frescas ahora como entonces. Imposible disfrutarlo sin nostalgia quienes entonces teníamos la edad de la media asistente.

SEFF 2026. ANIMOL Drama carcelario crudo pero esperanzador

Reino Unido 2026 90 min.
Dirección Ashley Waters Guion Nick Love Fotografía Natasha Back Música Swindle Intérpretes Tut Nyot, Vladyslav Baliuk, Sharon Duncan-Brewster, Stephen Graham, Seaku Diaby, Ryan Dean Estreno en el Festival de Berlín 14 febrero 2026; en Reino Unido 30 octubre 2026

Ashley Waters es un conocido rapero, de nombre Asher D, al que hemos visto como actor en varias películas (pronto lo haremos en la nueva de M. Night Shyamalan, Nunca olvides que te quiero), y que tras dirigir alguna serie y documental, se ha embarcado en su primera ficción con este drama carcelario duro y asfixiante. Sigue los parámetros típicos del género, pero eso no le impide presentar un producto fresco con el que pretende denunciar el sistema carcelario en su país, el Reino Unido, y por extensión en gran parte de este mundo que creemos civilizado. Un sistema que envilece, corrompe y logra, al fin, lo contrario de lo que pretende, convertir al preso, incluso en carácter preventivo, cuando aun no se ha constatado su culpabilidad, en un auténtico delincuente. Malas compañías y una nefasta vigilancia de cuanto acontece alrededor, a pesar de medios que incluyen educadores sociales, convierten el presidio en un auténtico infierno, una pesadilla de la que es difícil esconderse.

Con la colaboración del también director Nick Love (Goodbye Charlie Bright), Waters construye un drama carcelario sólido y agrio, siguiendo como apuntamos una serie de clichés pero bien dosificados, mostrados con convicción y ahínco. Cuenta para ello con buenas y convincentes interpretaciones, especialmente su desorientado protagonista, a quien presta ese físico animal definido en el título, el joven Tut Nyot.

Entre los secundarios, destaca Stephen Graham, siempre recordado por ser el padre en la sensacional serie Adolescencia. Pero lo mejor de la cinta está en la capacidad de Love y Waters para crear ambiente, aceptar espacio para la esperanza y la ternura, y dejar una ventana abierta a un futuro quizás prometedor, algo de lo que este tipo de producciones suele renegar.

SEFF 2026. LA VIOLINISTA Música e historias para la esperanza

Singapur-España-Italia 2026 114 min.
Dirección Ervin Han y Raúl García Guion Ervin Han y Jordan Katherine See Música Ricky Ho e Isabel Latorre Animación Estreno en el Festival de Annecy 22 junio 2026; en Singapur 17 septiembre 2026; en España 13 noviembre 2026

Reciente triunfadora del festival de Annecy, especializado en animación, donde también se alzó con el premio a la mejor banda sonora, se trata de un muy estimable producto de animación dirigido entre el español Raúl García y el singapurense Ervin Han. García se ha curtido en Disney hasta debutar como director con El lince perdido, en colaboración con Manuel Sicilia. También ha realizado diversos trabajos en el medio en torno a clásicos de Edgar Allan Poe. Por su parte, Han también proviene de Disney, donde ha dirigido varios cortometrajes protagonizados por el ratón Mickey. Nada tiene que ver, sin embargo, esta película con ese mundo disneyiano del que provienen. El trazo del dibujo tiene más relación con el anime japonés, mientras los movimientos son deliberadamente algo más raquíticos que los muy perfeccionistas estadounidenses.

En el sentido estrictamente dramático, García y Han ofrecen una historia de tintes mucho más adultos y agrestes, trágicos, contándonos una historia de amor y guerra, pero sobre todo de superación a través del poder sanador de la música. Chaikovski, Mendelssohn, Mascagni o Paganini se convierten así en el elemento medicinal de una historia cruda y cruel, no apta precisamente para niños, y más para adultos que hoy volvemos a sufrir la terrible sombra de la guerra, de la confrontación entre seres humanos. En el contexto de la invasión japonesa de Malasia durante la Segunda Guerra Mundial, un episodio que no ha contado con la atención que sí han merecido muchísimos otros de dicho conflicto, un violín se convierte en vehículo para la indagación de un periodista valenciano, comunidad de la que procede el principal apoyo institucional de la película, en la terrible historia de amor y separación que sufren dos virtuosos del instrumento.

Cuidada en el detalle y la ambientación, La violinista ofrece varias oportunidades para la más sincera emoción, y lleva a sus últimas consecuencias la idea de que la música y las historias mantienen viva nuestra esperanza, y nos ayudan así a sobrellevar la carga de la supervivencia. Naturalmente, en este contexto, la música juega un primordial papel, con interpretaciones no siempre depuradas, lo que obliga a abrazar el recurso de la convención, de la violinista singapurense Joy Yong, acreditada como Joyy, con composiciones originales de Ricky Ho e Isabel Latorre conviviendo con clásicos imperecederos de forma tan equilibrada como elocuente. Sorprende que no figure entre las finalistas a los Premios Europeos del Cine, donde sí lo hacen otras cintas como ¡Viva Carmen! o El misterio de Lucy Lost, que compitieron con ella en Annecy.

SEFF 2026. LA GRADIVA Viaje infructuoso en Italia

Francia-Italia 2026 145 min.
Dirección Marine Atlan Guion Marine Atlan y Anne Brouillet Fotografía Marine Atlan y Pierre Mazoyer Intérpretes Colas Quignard, Suzanne Gerin, Miha Carpellier-Audat, Antonia Buresi, Rouge Isaac, Hadya Fofana, Lou-Anne Le Glorennec, Chamathka Warahena Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2026; en Francia 21 octubre 2026; en Italia 18 noviembre 2026

En su segundo largometraje, ocho años después del primero, Marine Atlan ha pasado de los sesenta minutos de Daniel fait face a las innecesarias e inexplicables dos horas y media que ha necesitado para contarnos esta insufrible historia de iniciación, descubrimiento y decepción en el seno de un grupo escolar de viaje por Nápoles y su entorno. Largas conversaciones banales se alternan con visitas a una ciudad demacrada, sencillamente porque esos han sido los escenarios elegidos en torno a una urbe que, en realidad, en los últimos años ha lavado considerablemente su cara y hoy luce más resplandeciente que antaño.

Allí, y en Pompeya y el Vesubio, asistimos a largas charlas didácticas sobre la formación de volcanes o la extracción de formas humanas entre los restos de la catástrofe volcánica. Pero también a conversaciones carentes de interés entre los y las jóvenes francesas que viajan por el sur de Italia. La mirada se centra fundamentalmente en un joven de carácter rebelde y soñador, cuyas decisiones al final del metraje se hacen inexplicables y excéntricas, culminando así un camino en el que parece querer forjarse una metáfora sobre nuestra cultura, nuestros ancestros y el destino al que estamos condenados, sin que nada al final genere el nivel de fascinación o, al menos, convicción que merece.

Carne sin duda de festival con poco margen para llegar al destinatario final, un público capaz de identificarse con las peripecias emocionales de estos y estas chavalas al filo del descubrimiento, que tan a menudo generan el interés de unos cineastas algo perdidos en su propia maraña seudo-psicológica. Por cierto, nuestra limitada inteligencia no nos permite relacionar el personaje femenino mitológico al que alude el título, y que significa la que avanza, con el argumento.

SEFF 2026. EL DIRECTOR Ejercicio sobrio en defensa del periodismo serio

España 2026 115 min.
Dirección Dani de la Orden Guion Michel Gaztambide y Alejandro Hernández, según el libro de David Jiménez Fotografía Maria Codina Música Maria Chiara Casà Intérpretes David Verdaguer, Alberto San Juan, David Vert, Fernando Colomo, Guillermo Toledo, Nacho Fresneda, Carmen Machi, Emma Vilarasau, Fernando Cayo, Xavi Sáez, Miriam Iscla, Joan Carreras, Anna Alarcón, Pau Durá, Marc Rodríguez, Mia Sala-Patau Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 8 noviembre 2026; en salas 20 noviembre 2026

Tras cubrir más de treinta conflictos en todo el mundo como reportero de alto riesgo, David Jiménez García fue nombrado director de El Mundo. De su peripecia profesional y vital en ese periódico, y el largo proceso judicial en el que derivó su relación con él, para hacer valer su trabajo basado en la libre expresión y la búsqueda de la veracidad, extrajo un libro que ahora se ha convertido en película de la mano del cineasta Dani de la Orden. El joven director, que comenzó hace un buen puñado de años con el díptico Barcelona, noche de verano y noche de invierno, se curtió fundamentalmente en la comedia, con títulos como El mejor verano de mi vida y Mamá o papá, y otros de índole más concienzuda como Litus, para después alternarlo con títulos de mayor empaque, como El test, 42 segundos y, sobre todo, Casa en llamas.

Un camino que ahora consolida con su película más seria y lograda, un trabajo sobrio y bien documentado sobre la libertad de expresión y el sometimiento del periodismo al poder económico y político, perdiendo así su estatus de quinta fuerza pero no su capacidad de influencia a favor de los y las más poderosas. Un argumento que sirve para recordarnos que quienes ahora enarbolan la bandera de la honradez y la integridad, convirtieron nuestro país en la cloaca que ahora ellos mismos denuncian. Un claro ejemplo de toque a la amnesia popular en una típica crónica de la lucha entre David y Goliat que de la Orden se toma muy en serio, con una producción de empaque, un montaje frenético y una puesta en escena prodigiosa, todo al servicio del diálogo y el trabajo interpretativo, con Verdaguer volviendo a bordar su trabajo, estupendamente secundado por San Juan y Colomo, que pone la nota sentimental al producto final, de la misma manera que Sáez pone la cómica.

Todo funciona, entretiene y engancha, logrando esa emoción y esa invitación a la reflexión que demandamos del cine cuando no queremos que se convierta en mera y banal diversión. Una efectiva banda sonora, quizás algo omnipresente, acaba de acentuar el buen ritmo de una película que se mira sin complejos en los grandes títulos que sobre la materia nos ha regalado el cine estadounidense, desde Network a Spotlight, pasando por Todos los hombres del presidente o Los papeles del Pentágono.

SEFF 2026. OASIS Insufrible análisis de la violencia juvenil

Título original: Oase
Alemania-Austria 2026 118 min.
Dirección Jannis Lenz Guion Jannis Lenz y Alexander Dirninger Fotografía Alexander Dirninger Intérpretes Florian Geisselman, Anton Petzold, Mathilda Smidt, Godehard Giese, Dima Demchenko, Neshe Demir, Britta Hammelstein, Ioana Iacob, Ahmet Simsek Estreno en el Festival de Venecia 6 septiembre 2026; en Alemania previsto febrero 2027

Para su particular análisis de la génesis de la violencia y el abuso en un mundo cada vez más derechizado, el joven y a todas luces inexperto director alemán Jannis Lenz se centra en tres personajes igualmente jóvenes, alumnos y alumna de un instituto en el que, como en otros tantos, se va forjando el mal a través del uso irracional y caótico de las redes sociales.

Bullying, venganza y comportamientos del orden autista se dan la mano en lo que parece un viaje a la barbarie, pero se queda en un moroso y a menudo caprichoso relato sobre la auto marginación, el juego sádico y masoquista y el tan preocupante uso de armas. Radios antiguas, pianos y otros instrumentos musicales adornan las acomodadas casas de clase media, vestigios de una comunidad que mira así a su pasado, más civilizado y moderado, consecuencia de tantos años previos de ese caos y sufrimiento que ahora parecen reivindicar las organizaciones juveniles que abogan por regímenes autoritarios en los que muchos y muchas confían incitados por informaciones falseadas e idealizadas en soportes nada fiables.

Es como si se justificara una alternancia entre tiempos de progreso y libertad y otros de sometimiento y autoritarismo. Sin embargo, todo esto que parece tan interesante, sucumbe frente a un relato aburrido, reiterativo y sometido a clichés de lo más variados. Entre los intérpretes, sobresale Ahmet Simsek, un boxeador austriaco de origen turco al que Lenz dedicó su anterior trabajo, de carácter documental.

SEFF 2026 PEAU D'HOMME Un cuento didáctico y desenfadado

Título internacional: A Man’s Skin
Francia 2026 104 min.
Dirección Léa Domenach Guion Léa Domenach y Clémence Dargent, según el cómic de Hubert y Zanzim Fotografía Elin Kirschfink Música Bryce Dessner, Claire Pommet y Eddy de Preto Intérpretes Claire Pommet, Catherine Deneuve, Karin Viard, Stefan Crepon, Louis Peres, Eddy de Preto Estreno en el Festival de Venecia 11 septiembre 2026; en Francia previsto 27 enero 2027

Desde un principio se nota la influencia, llamémosla mejor homenaje al cine de Jacques Demy en este cuento de costuras medievales propuesto por Léa Domenach a partir de un cómic del malogrado Hubert y su colaborador Zanzim, hábil sátira contra el patriarcado y el puritanismo religioso. Frente a un arranque algo descorazonador, con coreografías y canciones que tanto hacen añorar las de las películas del director de Las señoritas de Rochefort, nos adentramos en breve en una divertida y atinada crítica, sin acidez pero con mucho ingenio, del machismo, la intolerancia, la persecución de la diversidad y, sobre todo, la vileza religiosa.

Todo desde un prisma desenfadado, ameno y divertido, con un toque queer muy saludable y estimulante, y un sabor a cuento tradicional tremendamente didáctico y oportuno, limpio de toda pátina de polvo rancio imaginable en una empresa propicia a acumular tópicos y mensajes equivocados o, al menos, mal planteados.

Todo rezuma alegría y desenfado, mientras la elocuente presencia de Catherine Deneuve bajo peluca de rizo grueso y blanco, quizás otro guiño a Demy, especialmente a Piel de asno, posiblemente la película de su musical filmografía a la que más se parece esta agradable y absolutamente desenfadada fábula ética y constructiva, ideal para avisar contra el regreso a la oscuridad cavernaria en tiempos tan adversos a la celebración del joie de vivre.