SEFF 2026. RED CODE BLUE Canción triste letona

Título original: Tumszilais Evangelijs
Letonia 2025 149 min.
Guion y dirección Oskars Rupenheits Fotografía Juris Pilens Música Peteris Vasks y Ugis Praulins Intérpretes Raitis Sturmanis, Viesturs Berkemanis, Elina Avotina, Armands Gulans, Indulis Miglaus, Alvis Vinters Estreno en Letonia 9 octubre 2025

Una de las películas más taquilleras y multipremiadas del cine reciente letón, el segundo film de Oskars Rupenheits ahonda en la sutil línea de separación entre la delincuencia y la protección de la ley, entre mafiosos y policías. Lo hace con sentido de la ambición e inteligente uso de los recursos disponibles, lo que lamentablemente no evita una acción limitada y cierta torpeza formal a la hora de recrear, por ejemplo, peleas callejeras. Raitis Sturmanis interpreta con expresión monocorde a un policía empeñado en desarticular una banda criminal armenia en la ciudad de Riga, para poco a poco ir comprendiendo que su empeño puede resultar tan inútil como inconveniente, e incluso transformar su propio espíritu y condición.

El trabajo acaba resultando algo monótono y estirado, grisáceo e intencionadamente desagradable en aspecto, si bien se reconoce el esfuerzo de producción y su vocación de grandeza, especialmente en el uso de la música, a menudo místico religiosa, con el fin de relacionar la trama con la tradición cristiana no oficial. En este contexto, asistimos a las andanzas del protagonista, respaldado por un amigo excesivamente incondicional, lo que justifica algunas secuencias de acción algo disparatadas y moralmente deplorables, como la violenta irrupción en una escuela de kárate plagada de niños y niñas.

El conjunto acaba, así, siendo algo moroso y rutinario, teniendo en cuenta además que lo que denuncia ya nos lo ha contado el cine muchas veces, a pesar de lo cual reconocemos el mérito de algunos momentos aislados y, sobre todo, de cómo relaciona una anécdota de la infancia con una inconveniente condición del presente imposible de disimular.

WILD HORSE NINE McDonagh se modera y Malkovich reflexiona

Reino Unido-Chile-USA 2026 118 min.
Guion y dirección Martin McDonagh Fotografía Ben Davis Música Carter Burwell Intérpretes John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Mariana Di Girolamo, Ailin Salas, Parker Posey, Tom Waits Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2026; en Reino Unido 4 noviembre 2026; en España 13 noviembre 2026

No acabamos de sintonizar con el cine de Martin McDonagh. La violencia desquiciada que subyace en películas como Perdidos en Brujas o Tres anuncios en las afueras, así como su particular trabajo con la comedia, plagado de sarcasmo y chulería, no acaba de convencernos. El colmo fue Almas en pena en Inisherin, donde a todo lo anterior se sumaba un argumento tan absurdo como irritante. Sin embargo, ha contado siempre con el beneplácito de crítica e industria, que no ha dudado en premiar sus trabajos de manera más o menos incondicional. Nos ha sorprendido, entonces, de manera muy grata, su nueva película, donde ha cambiado el paisaje frío isleño de la ficticia isla irlandesa, por el más cálido y colorista de la de Pascua, donde se desarrolla el noventa y cinco por ciento de la inquietante trama de esta película. Inquietante porque se atreve a fabular abiertamente sobre la inequívoca participación de los servicios de inteligencia estadounidenses en el golpe de estado que derrocó a Salvador Allende y propició los casi veinte años de terror que protagonizó la dictadura de Pinochet, en lo que podemos considerar un nuevo, inútil e hipócrita ejercicio de asunción del mea culpa americano.

Rockwell y Malkovich interpretan a dos agentes de la CIA de turismo por la isla poblada de moáis, las famosas estatuas monolíticas y gigantescas, con el fin de evitar que el segundo, enfermo terminal, se vaya de la lengua sobre las inmediatas intenciones del gobierno de Estados Unidos respecto a tan luctuoso acontecimiento, apenas unas semanas antes del fatídico 11 de septiembre de 1973. En este contexto, ambos se prestan a una serie de aparentemente triviales conversaciones que, en realidad, dejan entrever la personalidad de sus personajes, sus miedos y paranoias, en un trabajo que acaba por parecer una anécdota estirada pero no por ello menos efectiva. Malkovich hace un trabajo excelente, menos ambiguo e irritante de lo habitual, increíblemente comedido a pesar de un perfil excéntrico, y divertido en sus líneas de diálogo y expresiones. Fue reconocido en Venecia con la Copa Volpi. El resto se amolda a la perfección, con especial mención a Steve Buscemi, un particular directivo de la CIA con inclinación drogadicta.

Nada se sabe sobre la intención del título. Mientras los caballos salvajes deambulan por el paisaje como si protegieran al protagonista y se solidarizaran con su particular drama, el número nueve parece ser un capricho del director, según sus propias declaraciones. A este respecto, me gustaría aprovechar para contar una anécdota personal, cuando hace años corría en bicicleta por un paraje próximo al verdadero cauce del río Guadalquivir, y fui perseguido por unos perros rabiosos, entrando lógicamente en pavor y pedaleando sin control. Repentinamente, unos caballos que pastaban por el entorno, acudieron en galope a ahuyentarlos, permitiendo que continuara mi travesía ya sin peligro alguno. Me protegieron como a ese Malkovich perdido en la Isla de Pascua, pero a mí salvaron la vida, no me ayudaron a consumarla. No sé si vino a cuento o no, pero a mí tanto esto como el corto de Almodóvar Extraña forma de vida, por la música, la amistad de los protagonistas, el ritmo y, sobre todo, los caballos, me vinieron a la cabeza mientras veía la que considero la mejor película de McDonagh hasta el momento.

PURA EMOCIÓN CON UN PROGRAMA POPULAR PERO EXIGENTE

Ciclo Sinfónico 4 de la temporada 26/27 de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Lucas Macías, dirección. Programa: Sinfonía nº 40 en sol menor K.550, de Mozart; Sinfonía nº 7 en Mi mayor Wab. 107, de Bruckner. Teatro de la Maestranza, jueves 12 de noviembre de 2026

El regreso al podio del director musical de la ROSS, Lucas Macías, se saldó con muy buenos resultados. Colocar en un mismo programa dos sinfonías tan icónicas y distantes en el tiempo, puede tener todo su sentido si entendemos la de Mozart como antecedente inmediato del romanticismo, sus formas y anhelos en pleno clasicismo, y la de Bruckner todo lo contrario, en el crepúsculo del movimiento artístico que imperó a lo largo del siglo XIX.

La mano exigente de Macías, seguro y preciso en sus intenciones y cometidos, logró que ambas partituras brillaran a muy alto nivel, siempre con la complicidad de una orquesta exigente y altamente cualificada, en la que encontramos muchos rostros nuevos, jóvenes, no sólo en la inflada plantilla de Bruckner, sino también en la mucho más reducida de corte clásico que resolvió un muy idiomático Mozart.

Ritmo y color para honrar a Mozart

De tan popular y querida que es, el arranque de la Sinfonía nº 40 de Mozart puede llegar a ruborizarnos, en cuanto percibimos las sonrisas de complacencia del público a nuestro alrededor. Macías entendió que no sólo se trata de una obra hermosa y cualificada, sino que también encierra cierto aire neurótico y una complejidad intelectual considerable, y así nos lo comunicó en una interpretación esmerada y ciertamente meditada.

Maderas y, sobre todo, metales contribuyeron a dar al conjunto el tono moderadamente agresivo que demanda, sin por ello sucumbir en exageraciones vacuas o faltas de sentido. Se abrió elegante y moderada, sin vibrato pero sin atisbo de sequedad o impostada austeridad, melodiosa y serena. Todo ello sin sacrificar un gramo de la intensidad emocional que expide una pieza concebida en un momento muy delicado para la salud financiera y personal del autor.

La de Macías no fue una versión especialmente turbulenta, pero tampoco fue complaciente, y ni siquiera buscó el tono agónico con el que muchos la afrontan. Por el contrario, resultó rítmica y colorista, enérgica y puntualmente ardiente, con un hermoso andante defendido por una cuerda tersa y aterciopelada, un minueto solemne y un punto autoritario, y un final rico y estimulante, defendido con tanta seriedad como vitalidad.

Una Séptima de Bruckner opulenta, majestuosa

Hace apenas un par de meses tuvimos oportunidad de asistir, en un viaje turístico a Nápoles, a una interpretación de esta misma obra de la mano de la orquesta del mítico Teatro de San Carlo, bajo la batuta del reconocido director alemán Marc Albrecht. La que se esperaba una interpretación satisfactoria, acabó resultando pesante, en utilización de un término típico italiano, y tediosa, casi sin relieve. Esperábamos, por lo tanto, resarcirnos con la interpretación de la ROSS de anoche, pero lo cierto es que el resultado superó nuestras expectativas de manera considerable.

La más popular de las sinfonías de Bruckner se benefició de un allegro inicial henchido de nobleza y estimulante elegancia, desgranando su riqueza melódica con fluidez y personalidad, con Macías prescindiendo de partitura, dejando claro así su dominio y control de la pieza, patente por supuesto en una dirección ágil, de ideas claras. La presencia del tan admirado Wagner se dejó sentir ya entonces, pero destacó especialmente en el adagio, concebido a su mayor gloria como una elegía al autor del anillo. Defendida con sentido del color, el ritmo y el contraste, todo esto se hizo presente también en un enérgico y danzarín scherzo, que gozó además de un equilibrio extremo entre los acordes más agitados y los más pausados con los que se alterna.

El clímax encendido y triunfante de la sinfonía, coronado por los platillos y esos refulgentes metales tan presentes en la obra, vio cómo se desvanecía de manera tan oportuna como inteligente en el contenido pesar de la coda. La orquesta potenció en todo momento las ricas texturas de la pieza y esa disciplina férrea tan evidente en una plantilla cada vez más motivada, rutilante y sin duda satisfecha con los estimulantes resultados que lleva disfrutando estas últimas temporadas.

Fotos: Luis Prieto Fernández
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

SEFF 2026. 3 WEEKS AFTER Una recurrente y discutible mirada a la juventud

Título original: 3 nedelje posle
Serbia-Luxemburgo-Bulgaria-Croacia 2026 94 min.
Dirección Miroslav Terzic Guion Vladimir Arsenijevic, Miroslav Terzic y Bojan Vuletic Fotografía Damjan Radovanovic Intérpretes Jovan Ginic, Klara Hirvonovic, Andjela Alavirevic, Tihana Lazovic, Branislav Trifunovic, Karauliç Klara, Andrija Markovic Estreno en el Festival de Karlovy Vary 7 julio 2026

Existe cierta tendencia a retratar la juventud actual como falta de esperanza, deshumanizada y dispuesta a mostrar su rabia, disconformidad y crueldad con toda su fuerza y contundencia. Nos preguntamos si esta crítica feroz y encarnizada no sería más útil en sus postulados e intenciones si en lugar de observar esta sinrazón nos fijásemos en quienes se esfuerzan día a día y muestran la mejor cara de esa misma juventud, superando incluso a otras generaciones anteriores, mucho menos estimuladas, responsables y comprometidas que la actual. Se culpa a la tecnología, las redes y los bulos, no sin razón, pero se margina a aquellos y aquellas que son capaces de acampar durante meses en condiciones incómodas para reivindicar derechos y justicia en beneficio de todos y todas, o exhiben una disciplina férrea cuando de afrontar cometidos culturales, como podemos observar, por ejemplo, en las innumerables plantillas de orquestas jóvenes que cada vez más abundan en nuestro entorno.

Por el contrario, el director serbio Miroslav Terzic, como otros, prefiere poner el acento en una terrorífica cotidianidad que da por hecho que los institutos de enseñanza son casas del terror donde los y las más vulnerables sufren el acoso y la crueldad sistemática de una masa fascinada por el típico líder macarra y despiadado que, para más desatino resulta que actúa impulsado por la femme fatale de turno, criminalizando una vez más a la mujer como instigadora del crimen y el pecado.

Parece mentira que toda esta violencia provenga de un pueblo tan castigado por la guerra y el fratricidio, si bien en gran parte instigado por ellos mismos. Pero lo cierto es que eso es lo que cuenta esta desasosegante película que exagera los hechos y le da un sentido casi pornográfico al relato. Así las cosas, el estimulante y creativo trabajo de sonido y montaje que exhibe la película, así como sus sofisticados encuadres, pasan a un segundo plano frente al despiadado y radicalmente morboso retrato que propone de una juventud aparente y caprichosamente sin remedio ni esperanza.

RUEGA POR NOSOTRAS Vestigios de un tiempo miserable

España-Francia 2026 135 min.
Dirección Daniel Monzón Guion Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría Fotografía Carles Gusi Música Roque Baños Intérpretes Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Adelfa Calvo, María Cerezuela, Bea Segura, Xavi Suárez, Carla Domínguez, María Gandiaga, Malena Gutiérrez, Belén Cruz, Shiara Fernández Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2026; en salas 6 noviembre 2026

Estos días se está hablando mucho en televisión del mal llamado Patronato de Protección de la Mujer, una suerte de reclusión femenina activo desde 1941 hasta un sorprendente 1985, diez años después de fallecer el dictador. Cinco después de Las leyes de la frontera, el director de Celda 211 y El niño lleva esta infame institución a la gran pantalla, centrándose en la peripecia personal de una joven de familia acomodada a la que una conducta supuestamente descuidada deriva hacia uno de los centros del patronato, dirigido por monjas. En las antípodas de Los domingos, que se sumaba a la moda de honrar la espiritualidad religiosa, en Ruega por nosotras se nos muestran las monjas como realmente eran, y ahí están los testimonios de millones de niñas de entonces que las sufrieron, de la misma forma que muchos de nosotros los sufrimos a ellos.

El resultado es una película de terror en toda regla, más próximo a La residencia y el relato gótico que a la mera denuncia política y social. El internado se convierte así en la cárcel de mujeres, jóvenes de conducta aparentemente rebelde y descarriada, condenadas por comportamientos hoy no sólo aceptados sino absolutamente cotidianos. Una vez más, el acento de la culpa religiosa puesto sobre las mujeres, e incluso aceptado por ellas mismas. La resistencia de la joven protagonista, una Zoe Bonafonte que vimos el pasado verano en A fuego y descubrimos en El 47, se suma a la complicidad inocente y entrañable de su compañera, Manuela Calle, frente a la maldad corrompida e hipócrita de Adelfa Calvo y ese resquicio de ternura y aprobación que representa el personaje de María Cerezuela.

Lástima que todo se ofrezca de manera demasiado superficial sin esa carga de profundidad emocional que demanda un asunto tan delicado y doloroso como éste, dentro de un libreto claramente funcional escrito por Monzón y su colaborador habitual, también de Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Tampoco la ambientación merece nuestra aprobación, demasiado obvia, con exteriores intervenidos de forma muy evidente con vehículos de exposición y ropa de tienda vintage que los figurantes pasean de forma artificiosa, mientras en el horizonte se observa uno de esos grandes carteles que adornaban las fachadas de los cines, sólo que en 1979 ya hacía tiempo que se había estrenado Fiebre del sábado noche. Y que hoy haya tantos y tantas jóvenes que miren al franquismo con nostalgia, cuando la maldad se olía en la sociedad española no sólo mientras vivió el dictador, sino mucho después, hasta que nos fuimos liberando del cultivo poco a poco. 

SEFF 2026. BLACK MONEY FOR WHITE NIGHTS Una entrañable melomedia

Título original: Cherni pari za beli noshti
Bulgaria-Grecia 2026 94 min.
Dirección Kristina Gozeva y Petar Valchanov Guion Kristina Gozeva, Decho Taralezhkov y Petar Valchanov Fotografía Alexander Oikonomou Música Alexander Stanishev Intérpretes Ivan Savov, Tanya Shahova, Ivan Barnev, Margita Gosheva, Sibila Petrova Estreno en el Festival de Karlovy Vary 6 julio 2026

Existen las tragicomedias, y luego está esto que han inventado Kristina Gozeva y Petar Valchanov, aunque ellos no lo sepan. Se trata de algo que podríamos bautizar como melomedia, una insólita combinación de melodrama con hechuras de comedia, en la que un infortunio sirve para visibilizar las delicadas costuras de una relación sentimental, por muchos años que ésta haya durado.

Una historia de amor otoñal dañado por el espíritu de corrupción que todos y todas parecemos llevar dentro, y que aflora cuando menos te lo esperas. Un guion fluido y unas interpretaciones cargadas de expresividad, además de la buena mano en la dirección, convierten éste en un film disfrutable y entretenido, en el que la sorpresa está siempre presente, y la amargura acaba hábilmente teñida de comicidad, con personajes férreos y situaciones a menudo esperpénticas, sin que esto sirva para tildar el conjunto de farsa.

Entre los intérpretes, al margen de la entrañable calidez de la pareja protagonista, destaca Ivan Barney como el cuñado, al que descubrimos en Yo serví al rey de Inglaterra y luego vimos en películas españolas como Vasil o Una quinta portuguesa.

GEORGE MICHAEL: THE FAITH TOUR Un concierto memorable

Reino Unido 2026 113 min.
Dirección David Austin y Andrew Morahan Estreno mundial 6 noviembre 2026

David Austin sabe perfectamente lo que hace cuando de George Michael se trata. A él le debemos el documental Freedom, realizado para la televisión en 2017. Pero aún más sabe de qué va la cosa el otro director de este documental concierto, Andy Morahan, que fue el responsable de llevar a la gran pantalla otro gran concierto del malogrado cantante británico, Live in London, en 2009. Pero sobre todo porque fue el director de los videclips de los singles del primer álbum en solitario de Michael, Faith, I Want Your Sex y Father Figure, además de dirigir otros para artistas como Paul McCartney, Simple Minds, Bon Jovi, Guns’n’Roses, Van Halen, Michael Jackson, Simply Red, Terence Trent D’Arby o Tina Turner. Plenamente capacitados para ofrecernos este concierto en un lujoso formato restaurado, con una imagen nítida y brillante, un sonido poderoso y el excelente montaje de Ben Wainwright-Pearce.

Un magnífico concierto celebrado en el Palais Omnisports de Paris-Bercy en 1988, y grabado a lo largo de dos noches durante la gira europea del álbum Faith, en el que el cantante y showman desgranó con una vitalidad y una energía extraordinaria gran parte del contenido de dicho álbum, además de algún éxito de Wham!, como Everything She Wants o I’m Your Man, además del imprescindible Careless Whisper y otros clásicos de Stevie Wonder como Love’s in Need of Love Today y Too Shy to Say, o del conjunto funky de los setenta Wild Cherry, Play That Funky Music, dejando clara su admiración por el soul y el funky norteamericano, muy especialmente su adoración por el autor de Superstition, de quien años después versionaría As.

El concierto evidencia además que el paso de cuarenta años no se percibe tan claramente, que grandes pantallas y móviles encendidos no contrastan ni compiten tanto con un espectáculo para el que se levantó un escenario descomunal, y unos mecheros que resplandecían durante las varias baladas que sonaron a lo largo de tan sensacional evento. Pero sobre todo pone en evidencia el talento descomunal de quien, sin apoyo de un conjunto de baile o de la tecnología a la que hoy nos hemos acostumbrado, era capaz de llenar el escenario, haciendo gala de una energía desbordante y unas coreografías improvisadas de auténtico nivel. Y deja claro también que sus canciones no han pasado ni un ápice de moda, suenan tan frescas ahora como entonces. Imposible disfrutarlo sin nostalgia quienes entonces teníamos la edad de la media asistente.