UN TALENTO ÚNICO Un sentido con mucha sensibilidad

Título original: Tuner
Canadá-USA 2025 109 min.
Dirección Daniel Roher Guion Daniel Roher y Robert Ramsey Fotografía Lowell A. Meyer Música Marius De Vries y Will Bates Intérpretes Leo Woodall, Havana Rose Liu, Dustin Hoffman, Lior Raz, Tovah Feldshuh, Jean Reno, Nissan Sakira, Gil Cohen, C.S. Lee Estreno en el Festival de Toronto 8 septiembre 2025; en Canadá 29 mayo 2026; en España 12 junio 2026

A veces cuesta comprender por qué algunas películas, a pesar de su atractivo y encanto, se quedan en el cajón tanto tiempo tras su puesta de largo. Ésta se pudo ver por primera vez en el Festival de Toronto del pasado año, en septiembre, para pasearse por diversos certámenes antes de estrenarse comercialmente hace sólo un par de semanas, en Estados Unidos, Reino Unido y Canadá. Supone el debut en el largometraje de ficción del canadiense Daniel Roher, afamado documentalista que hace unos años se hizo con un Oscar por su particular retrato de Alexei Navalny, malogrado y principal opositor de Putin. Antes había adquirido también cierto prestigio con Once Were Brothers: la historia de The Band. También la música sirve de hilo conductor en esta película por momentos entrañable, sobre todo en lo que atañe a la relación entre el joven protagonista y su mentor, un afinador de pianos apasionado del jazz clásico que le enseña la profesión. La hiperacusia que sufre este joven aprendiz de afinador, o afinador sin más, le provoca un enorme sufrimiento cuando se enfrenta a cualquier tipo de sonido, pero a la vez se revela en un macrosentido que le permite desarrollar una especial capacidad para abrir cajas fuertes.

Roher apunta interesantes cuestiones de carácter social conforme se va desarrollando una trama en la que la ausencia de seguridad social universal en el país de las libertades y las oportunidades, así como de ese feroz capitalismo cada vez más abrazado en el resto del mundo supuestamente civilizado, funciona como detonante para el resto de la función. El joven Leo Woodall, quien tras protagonizar series como One Day, Prime Target o Vladimir, saltó a la gran pantalla de la mano de la saga de Bridget Jones, como objeto de deseo del personaje titular, realiza un trabajo espléndido, contenido y confiado a una expresividad justa y muy medida. La réplica se la dan fundamentalmente el veterano y entrañable Dustin Hoffman y la joven y delicada Havana Rose Liu.

En el apartado musical, destaca la hábil combinación entre la música incidental electrónica y en cierto modo experimental de Will Bates, y los clásicos del jazz, entre los que destacan Nina Simone, Charles Mingus, Dave Brubeck, Count Basie y Herbie Hancock, que además participa interpretándose a sí mismo en plan cameo. La producción musical de Marius de Vries permite esta estupenda selección, mientras se reserva el atrevido cometido de componer un par de supuestas piezas clásicas contemporáneas cuya calidad está por debajo del prestigio que se le suponen en pantalla. Lástima que estas bondades queden parcialmente dilapidadas en un segmento final con el que parece que su director y autor no encuentra la forma de resolver todos los puntales del argumento, quedando desvaído como conjunto, a pesar de lo cual sirve como un entretenido y elegante thriller sentimental, y la promesa de un interesante cineasta a seguir.

IVÁN & HADOUM Amar a una persona

España-Alemania-Bélgica 2026 101 min.
Dirección Ian de la Rosa Guion Ian de la Rosa y Diego Vega Fotografía Beatriz Sastre Intérpretes Silver Chicón, Herminia Loh, Úrsula Díaz Manzano, Esperanza Guardado, Cisco Lara, Nico Montoya Estreno en el Festival de Berlín 13 febrero 2026; en salas 12 junio 2026

En su todavía escueto currículo, el granadino Ian de la Rosa ha tocado fundamentalmente el tema que más le interesa y con el que se siente más identificado, la cuestión de transgénero. Tras un par de cortos y la escritura de guiones para series como La chica invisible, Vestidas de azul o Veneno, debuta en la dirección de largometrajes con este multipremiado trabajo, Teddy en Berlín y premios Especial del Jurado y al mejor guion en Málaga. Se trata de un film cálido y cándido, ambientado en los invernaderos almerienses, donde la atracción entre un chico trans y una joven de origen marroquí genera una serie de problemas, mayoritariamente de índole laboral. Afortunadamente, la cuestión de género ha sido prácticamente superada, de forma que el protagonista vive absolutamente integrado en sociedad, salvo algún detalle aislado, mientras son las dificultades derivadas del trabajo, incluidos los consabidos prejuicios frente al sindicalismo y, en menor medida, la inmigración, los que se erigen en motor de una trama en la que la magnífica definición de los personajes y el extraordinario trabajo respecto a la cuestión de la diferencia, van marcando la senda de una historia tan bien construida como interpretada.

Siguiendo el tratamiento estético y narrativo propio de ese hiperrealismo que caracteriza este tipo de trabajos, y que una vez más entronca con aquellos Vivir cada día que disfrutábamos a principios de la transición política, de la Rosa logra una película llena de encanto y ternura, sin las salidas de tono y la exagerada tensión con la que otros tratan temas que podrían considerarse en principio espinosos. Se permite además un par de secuencias estéticamente muy creativas, embelleciendo aún más una relación romántica en la que la fisicidad juega un papel importante, revelando un autor atrevido y con ideas muy claras. 

Resulta especialmente signifcativa la habilidad con la que de la Rosa y Silver consiguen plasmar la necesidad que cada uno y una tiene de sentirse a gusto con su cuerpo y su identidad, más allá de las dificultades y el dolor que tal decisión pueda originar. De este modo, en el apartado estrictamente interpretativo, sorprende cómo los debutantes Silver Chicón y Herminia Loh glosan sus trabajos y les confieren toda la sinceridad y la expresividad que exigen, todo en un contexto que el director ha sabido plasmar en toda su plenitud y con la convicción de quien conoce bien el tema y se siente tan apegado a él, lográndose así un trabajo con mucha sensibilidad.

ELEONORA DUSE, LA DIVINA Fallida radiografía de una mujer apasionada

Título original: Duse
Italia-Francia 2025 125 min.
Dirección Pietro Marcello Guion Pietro Marcello, Letizia Russo y Guido Silei Fotografía Marco Graziaplena Música Marco Messina, Fabrizio Elvetico y Sacha Ricci Intérpretes Valeria Bruni Tedeschi, Noémie Merlant, Fanni Wrochna, Fausto Russo Alesi, Edoardo Sorgente, Vincenzo Nemolato, Noémie Lvovsky, Vincenzo Pirrotta, Marcello Mazzarella Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2025; en Italia 18 septiembre 2025; en España 12 junio 2026

Tanto en Martin Eden, película con la que logró en 2019 alzarse con el Giraldillo de Oro, como en esta aproximación a la gran actriz italiana de finales del siglo XIX y principios del XX Eleonora Duse, Pietro Marcello demuestra un especial interés por indagar en los orígenes del fascismo en Italia, aunque en esta ocasión se trate de un análisis no por menos evidente, más velado y poco incisivo. Para ello incluye imágenes reales, debidamente coloreadas para intentar alternarse con la imagen ficticia con la mayor naturalidad posible, en la que vemos recurrentemente una Italia anímicamente destrozada tras la Primera Guerra Mundial, que parece despedir a los caídos, simbolizados con coronas de flores transportadas en trenes al efecto.

En este contexto, intenta sin demasiado éxito tejer una imagen lo más acertada posible de quien mereció en su momento llamarse “la divina”, antes de que el apodo se convirtiera en exclusivo de Greta Garbo. Una temperamental y a menudo patética Valeria Bruni Tedeschi, al borde del colapso, le presta su físico, mientras se debate entre la fidelidad de una asistente algo autoritaria, el desprecio hacia una hija de quien desconocemos los motivos de su distanciamiento, y el apoyo caprichoso prestado a un autor amateur al que no duda en despreciar cuando el éxito le viene en contra.

Con estos ingredientes, y la aparición de personajes ilustres como la actriz francesa Sarah Bernhardt, el dramaturgo y cineasta Gabriele D’Annunzio, el pintor español Mariano Fortuny, y el mismísimo Benito Mussolini, Marcello nos ofrece una película de dramaturgia morosa y objetivos imprecisos, que sin embargo destaca por su capacidad para plasmar el amor al arte, a la interpretación y a todo lo que ello conlleva, de la protagonista. Toda una declaración de profesionalidad y compromiso, achacable también a su responsable, que sin embargo no llega a contagiar en toda su plenitud.

HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO Deliberadamente pop

Título original: Masters of the Universe
USA-Australia-Canadá-Islandia 2026 132 min.
Dirección Travis Knight Guion Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y David Callaham, según los personajes creados por Roger Sweet Fotografía Fabian Wagner Música Daniel Pemberton y Brian May Intérpretes Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba, Jared Leto, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Jon Xue Zhang, Alison Brie, Sam C. Wilson, Charlotte Riley, James Purefoy, Morena Baccarin y la voz de Kristen Wiig Estreno  en Estados Unidos y España 5 junio 2026

Nacidos como juguetes (de Mattel), los Masters del Universo pronto dieron el salto a la pequeña pantalla en forma de dibujos animados, para convertirse en 1987 en una película más bien cutre, para eso figuraban como responsables Menahem Golan y Yoram Globus. Dolph Lundgren, incondicional de la saga Rocky, que aquí tiene un divertido cameo, prestaba un físico contundente y una melena rubia al héroe protagonista, de nombre tan redundante como He-Man. Recuperar el personaje y darle el empaque de cine espectacular de primera categoría (la serie B ha quedado definitivamente relegada a fórmulas de exhibición secundarias o alternativas), no es sino el primer escalón para una nueva fuente de ingresos en forma de saga cinematográfica.

Lo bueno es que sus nuevos responsables se han tomado la empresa a juerga y diversión, ofreciendo un producto ligero y entretenido, con numerosos golpes de humor que se agradecen después de tantos años de superhéroes traumatizados. No quiere esto decir, ni mucho menos, que nos encontremos ante un producto excepcional más allá de su mera vocación de divertimento alegre y desenfadado, sin que destaque especialmente en ningún apartado, ni siquiera el de efectos visuales, pero que en conjunto resulta refrescante y ameno, aún contando lo mismo de siempre y con idéntica estructura, pero con el desenfado del que ha sido capaz de infundirle su director, Travis Knight, curtido en el cine de animación, con especial acierto en Kubo y las dos cuerdas mágicas.

El sanote Nicholas Galitzine se hace fácilmente con su papel, tras prestarse a personajes homosexuales en Rojo, blanco y sangre azul y la serie histórica Mary & George, mientras el conjunto rezuma cierto aire pop y retro, en la línea de otro súper héroe que pinchó en taquilla a principios de los ochenta del pasado siglo, Flash Gordon, una producción de Dino de Laurentiis con otro rubiales de idéntica planta como protagonista y la música de Queen que también se hace sentir aquí de la mano de Brian May.

LA LUZ Más allá del arrepentimiento

España 2026 118 min.
Guion y dirección Fernando Franco Fotografía Santiago Racaj Música Maite Arroitajauregi Intérpretes Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana, Luis Callejo, Ramón Barea, Pablo Gómez-Pando, Nacho Sánchez, Santiago Mayorga, Antonio Zafra, Itziar Aizpuru Estreno 5 junio 2026

Asistimos estos días estupefactos a las exacerbadas muestras de cariño a un Papa de recorrido todavía muy breve, al que tantos confían sus bebés para que los bendiga, muchos de los cuales, si no se pone remedio definitivamente a esta lacra, podrían acabar siendo víctimas de los abusos sexuales de la Iglesia Católica, sobre la que el pontífice apenas se ha referido de manera tímida y velada, mientras sólo se ha reunido con un par de asociaciones de víctimas, por cierto las más domesticadas por la propia institución, mientras ha despreciado por supuesta falta de tiempo en tan apretada agenda, al resto, muy indignados. Este es el panorama que vivimos en un país presuntamente laico y aconfesional, que sin embargo ha puesto toda la carne en el asador para agasajar al Papa y sus fanáticos feligreses, tan responsables como el que más del dolor y el sufrimiento que millones de niños y niñas han sufrido en manos de aquéllos a los que la institución ha obligado a un absurdo celibato. Observamos que el drama se repite de manera idéntica en todos los países, gracias al bendito cine que tanta mella hace en nuestro ánimo. Basta recordar la estupenda Spotlight para encontrar más puntos en contacto que diferencias con esta nueva película del sevillano Fernando Franco. Pero es que también El club de Pablo Larráin muestra cuestiones que surgen también aquí, y comprobamos así que el modus operandi es calcado en unos y otros países, y que la protección al delincuente ha sido inversamente proporcional a la dispensada a las víctimas, muchas de las cuales han quedado marcadas para toda la vida, si no la han perdido en el intento de sobrevivir al horror y la incomprensión.

En este contexto de amargura se mueve la nueva película del director de La herida, La consagración de la primavera y Subsuelo. Decidido a escarbar en algunas de las miserias más absolutas del ser humano, le toca el turno a esta vergüenza que no merecería más que el desprecio absoluto y la desconfianza total frente a quienes se erigen en líderes de nuestra espiritualidad. Y para eso fija su atención en un sacerdote abusador que, en vísperas de soltar el hábito y rehacer su vida junto a un joven amante inmigrante, descubre que sus crímenes del pasado le van a pasar cuenta ahora que la Iglesia se ve obligada a hacer el paripé de turno.

Le presta rostro un Alberto San Juan en posición algo impostada, seguramente por la convicción de que está interpretando a alguien que interpreta, por lo que de continuo muestra gesto de estupefacción frente a denuncias y reproches. Hay quien ve en su peregrinaje por instancias eclesiásticas y víctimas denunciantes, un particular vía crucis, pero nosotros preferimos ver una estructura narrativa precisa y muy bien articulada, en torno a un guion modélico y unas interpretaciones muy logradas. Lástima que su carácter obligadamente didáctico y su diatriba esperanzadora, esa luz que el propio título promete, se extinga y malogre debido a un final tan poco adecuado, tan equivocado, aunque en él se haga hincapié en esa feligresía tan responsable como la propia institución que para tantos ha sido un verdadero infierno. Claro que se trata de una luz, como tantas otras, que se extingue antes de tiempo, dando paso a quienes representan lo peor de la especie humana, a la espera de que vuelvan, en su vocación cíclica, a convertirse sólo en un mal recuerdo.

BACKROOMS Perdidos en un espacio liminal

USA-Canadá 2026 105 min.
Dirección Kane Parsons Guion William Bromell y Kane Parsons Fotografía Jeremy Cox Música Edo Van Breemen y Kane Parsons Intérpretes Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Mark Duplass, Krista Kosonen, Robert Bobroczkyi Estreno en Estados Unidos 29 mayo 2026; en España 5 junio 2026

La ya mítica productora A24 sigue desafiando al género en el que más cómoda parece sentirse, el terror, y lo hace manteniendo su principal estrategia de mercado, la sorpresa. Para eso tira de un jovencísimo creador, que sin haber alcanzado aún la madurez, ya concibió todo un universo paralelo y escalofriante, propio del subconsciente humano, en el corto Backrooms (Found Footage), y se animó con otro, The Oldest View, al que ya le ha dedicado varias entregas en forma de cortometraje. Del primero surge esta fascinante y desconcertante película que a nadie deja indiferente, tantas son las formas de explicar y entender su enigmático argumento y aún más misterioso escenario. Bien es verdad que en su forma y contenido sintoniza seguramente mejor con públicos jóvenes, ávidos de experiencias nuevas y abiertos a propuestas rupturistas, sobre todo si derivan de esos fenómenos que habitan en redes y de las que tantos y tantas jóvenes son bien conocedoras.

Los backrooms o habitaciones traseras del título se refiere a espacios liminales, más propios de una sensación o un estado de ánimo que de una estancia física, real o convencional. Ahí se encuentran, bajo la mirada curiosamente científica de unos analistas muy especiales, dos personas con un pasado traumático, paciente y psicoanalista, que fusionan miedos y recuerdos de la misma forma confusa y alterada con la que la mayoría recreamos nuestras vivencias y las personas que nos han acompañado. Se crea así uno de esos queridos universos paralelos, si se quiere cuarta dimensión, en los que se exorcizan nuestros miedos y se buscan soluciones, distorsionando la realidad pero dotándola de una fuerza que la hace igualmente válida. Pero es también donde habitan nuestros monstruos, que pueden devorarnos o educarnos, según la diatriba que siga cada uno y una.

Kane Parsons es el prematuro director que acometió esta compleja y profundamente intelectual empresa sin haber cumplido aún los veinte, y que exhibe la capacidad suficiente para sorprendernos y desconcertarnos, proponernos tantas preguntas como respuestas y arrojarnos a la siempre incómoda ciénaga de la madurez intelectual para sentirnos capaces o no de descifrar tanto y rotundo enigma. A ello se prestan Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve con toda su fuerza emocional, convicción y entrega espiritual, sin lo cual el resultado no sería tan convincente y rotundo. Mientras, la fascinante dirección artística se erige en uno de los alicientes más radicales y definitivos de un espectáculo que Parsons maneja con tanta habilidad como profesionalidad, mezclando imagen puramente cinematográfica, y panorámica, con grabaciones caseras, entre las que se cuelan los supuestos metrajes encontrados.

REBUILDING Resurgir de las cenizas

USA 2025 95 min.
Guion y dirección Max Walker-Silverman Fotografía Alfonso Herrera Salcedo Música James Elkington y Jake Xerxes Fussell Intérpretes Josh O’Connor, Lily LaTorre, Meghann Fahy, Kali Reis, Amy Madigan, Sam Engbring, Dwight Mondragon Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 14 noviembre 2025; en España 5 junio 2026

Los efectos devastadores de un incendio forestal son el punto de partida de una película introspectiva y morosa a conciencia, cuyo tema principal sería la reconstrucción personal a partir de la pérdida absoluta de la propia identidad. Josh O’Connor presta su versátil habilidad al protagonista, convenciéndonos de que después de interpretar memorables papeles de gay (Tierra de Dios, The History of Sound) y cabalgar como un experto cowboy, se nos antoja el heredero natural de Brokeback Mountain. Aquí interpreta a un padre separado de la madre de su pequeña hija, a quien la pérdida de su granja y la venta acelerada del ganado que le queda, le obliga a habitar una caravana habilitada por el gobierno temporalmente para los y las damnificadas.

La comunidad que forma, que tanto nos recuerda a la oscarizada Nomadland, con este desgraciado grupo conminado a comenzar de nuevo, y su aproximación a la familia que perdió, nunca sabemos la razón, se convierte en núcleo de una narración tan sencilla como tierna y acertada. Sin aspavientos ni grandes alardes interpretativos, el elenco se presta a dar credibilidad a estas víctimas de una realidad que dilapida no ya el sueño americano sino el de cualquier sociedad creada a su imagen y semejanza.

Por fin una niña estadounidense, estupenda Lily LaTorre, se comporta en pantalla como alguien de su edad, mientras Amy Madigan sigue disfrutando de este regreso al cine que la ha recompensado con el reciente Oscar a la mejor actriz secundaria por Weapons. Los sentimientos, la pérdida de los objetos sentimentales, y la revalorización del amor y el cariño como única meta y razón para sobreponerse y mantener una esperanza viva, quedan perfectamente reflejados por un director cuya juventud poco hacía suponer tanta madurez de ideas y resoluciones.